artez199

Carlos Gil Zamora

Número: 199 - año 18 · Septiembre 2014 | Depósito Legal: SS-1154/97

Edita: Artez Blai | CIF: G48884431 | Aretxaga 8 bajo, 48003 Bilbao | Tlf. 944795287 | email: [email protected]

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Portada | ‘Measure for Measure’ de William Shakespeare Producción de Cheek by Jowl y Teatro Pushkin de Moscú ©Sergei Yasir’

Elogio y refutación del mito y la leyenda sobre la gestión teatral

A veces parece más una indi-gestión que un razonamiento sobre la necesidad de gestionar lo ingestionable, o de convertir

la responsabilidad de una dirección de un espacio público dedicado a la exhi-bición de cultura y artes en vivo en un asunto contable que se soluciona en el ámbito de las tablas de Excel y no en el conocimiento, indagación, riesgo y sensibilidad que acompañe a la aven-tura creativa poniendo en relación a los artistas con los públicos receptores.

Nada es tan necesario como una personalidad influyente en el ámbito de la creación, al frente de las instituciones y aparatos o edificios que conforman la representación de las acciones de gobierno de cada lugar y época. Se confunde, por ignorancia o mediocridad crónica, la gestión con la dirección. Viene de la nefasta situación política general en donde a falta de gobernantes con criterios y liderazgo político que intenten cambiar todas la situaciones, se busca un lugar común, impropio, que es el de la “buena gestión”. ¿Por qué no se presentan los contables a las elecciones? ¿Por qué no eligen a contables o economistas para los teatros públicos?

Para ejercer la gobernanza se necesitan objetivos políticos y personas que los interpreten y los hagan ejecutar a los gestores. Por ello se deben elegir para los teatros de producción de espec-táculos, personas que aporten creatividad, talento, capacidad de transformación. Y que respondan de estas cuestiones, porque para decirnos el porcentaje de ocupación o el porcentaje del presupues-to destinado a una cosa u otra, ya existen aplicaciones al alcance de cualquiera que lo pueden hacer. Las administraciones tienen le-giones de contables, administrativos, programas informáticas que pueden hacer esta labor a las mil maravillas. Además existen los ins-pectores, los abogados y servicios jurídicos que ejercen el control o

constriñen la acción, pero la figura que marque el rumbo debe ser un creador. Yo diría más, deberían ser pensadores de nuevas situaciones, que aportaran prestigio y proyección a los teatros y lideren, de alguna manera, las iniciati-vas generales. No lo contrario, perso-nas que ejercen sus funciones a medio camino de nada, que se hacen su cu-rrículum a costa de imponer sus crite-rios básicos, de baja intensidad, para que nada sobresalga por encima de los nombrados por el poco recomen-dable “código de buenas prácticas”, una de las mentiras más escandalosas de los últimos tiempos.

Si esto debería ser incuestiona-ble para los grandes espacios, para las unidades de producción de “bandera”, algo parecido debería suceder en los cientos de teatros de todas las redes. Con jerarquías, sin establecer un régimen único para todos, pero intentando buscar cada vez más lo apropiado para poder establecer con estos instrumentos una acción cultural real, no subsidiaria, para que desde la dirección se busquen sinergias, compli-cidades, se establezcan discursos activos que rompan con la nefasta tendencia actual a ser recipientes donde depositar los productores de la oligarquía sus negocios, sus productos de consumo. O al me-nos, que no fueran estos los únicos con derecho a utilizar esas salas construidas con dineros públicos y que funcionan, en lo básico, con los presupuestos generales de sus lugares. Obviamente, sin producción propia, varía el prototipo de dirección, pero debe tener sensibilidad cultural, arrojo y voluntad, no sumisión y contabilidad pegadiza.

Llegan en breve elecciones municipales, y la titularidad de la in-mensa mayoría de los espacios escénicos es de los ayuntamientos, es decir, es el momento para que las formaciones y plataformas po-líticas que vayan a presentarse se interesen por estos asuntos de manera seria, porque, además, seguimos en el limbo reglamentario,

Solo2 de Brodas Bros

Editorial

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Esta revista ha recibidouna ayuda a la edición delMinisterio de Educación,Cultura y Deporte

14septiembre

Opinión4 - 5 Editorial6 Rondas Escénicas – María-José Ragué-Arias7 Desde la Caverna – David Ladra62 Luz Negra – Josu Montero63 Vivir para contarlo – Virginia Imaz64 - 65 Postales argentinas – Jorge Dubatti66 Cronicón de Villán y Corte – Javier Villán67 El lado oscuro – Jaume Colomer68 Piedra de sacrificio – Jaime Chabaud69 El método griego – María Chatziemmanoui 70 Noticias desde los Fiordos – Víctor Criado71 Las lejanías – Carlos Ber

Festivales 10 - 17 34 FiraTàrrega18 - 20 28 Feria Internacional de Teatro y Danza de

Huesca22 - 23 I Fira Illescena24 - 25 III Festival Mirada de Santos - Brasil 26 - 27 XXV Mostra Internacional de Mim de Sueca28 - 29 Festival EnClave de Calle de Burgos30 TNT - Terrassa Nuevas Tendencias32 El Rioja y los 5 Sentidos33 Miscelánea de Festivales

Suplemento35 - 50 mercAdo de las aRTes EscénicaS de

Zaragoza 2014

Estrenos52 El elefante ha ocupado la catedral de Juan

Mayorga53 Largo viaje del día hacia la noche de Eugene

O´Neill54 - 56 Misceláneas de estrenos

En gira58 Programaciones de Bizkaia59 Programación de Donostia60 Misceláneas de en gira

Zona abierta72 Mercartes en Valladolid73 Feria del Libro Teatral de México74-75 Escaparate76-81 Crónicas de: Foro sobre comicidad

femenina, Odin 50 años, Umore Azoka, TAC de Valladolid, FITEI...

el teatro, los teatros, sus contenidos, son competencias impropias de los ayuntamientos. Y se necesita voluntad para dotarlos de vida, de proyección, de utilidad práctica cultural democrática.

O sea, menos gestores, más compromiso con la cultura y la crea-ción. Menos producciones empresariales y más obras de teatro con ambición cultural. Menos trabas y más soluciones prácticas para que las artes escénicas se estudien, se creen, se exhiban y se disfruten por el mayor número posible de públicos. Lo demás son posturas y gestos vacíos, declaraciones de púlpito. Necesitamos hechos. Actos. La lamentaciones y los gritos en el más allá. Todos a una.

Resulta ser que este ejemplar está marcado con el número 199; que en la colección de libros de Textos Teatrales estamos por el 97, que en la colección de Teoría y Práctica vamos por el número 20, que en lo que primero fue portal y ahora es periódico digital nos acer-camos a los cuatro mil quinientos días de emisión. Cifras que se van redondeando, que nos producen una suerte de vértigo, de saber que hemos cumplido una misión, no lo tenemos claro, cuál exactamente, pero que eso significa una entrega, una lucha contra la desidia gene-ral, un desgaste acumulado que ante estas redondeces dan ganas, profundas y meditadas ganas, de plantarse. Sí de cerrar ahora que todavía parece que existimos. Un cierre voluntario antes de la plaga que puede llegar y convertirnos en zombies.

Pero a pesar de los años transcurridos, de estar, como casi siempre en los últimos tiempos, sufriendo demasiado cada final de mes para pagar nóminas, impuestos, proveedores y seguridad social, cuando hemos reducido casi hasta lo risible nuestra estructura humana, lo que nos conduce a una mayor vulnerabilidad, a más posibilidades de errores, hemos decidido seguir con todo lo que podamos asumir porque la vida teatral, de las artes escénicas iberoamericanas sigue con mucha vitalidad y nos ha contagiado y además consideramos que estamos cumpliendo una modestísima función de puesta en conoci-miento entre unos y otros, y si no hacemos más grande el agujero económico como lo estamos intentando, si podemos asegurar los mínimos imprescindibles con la solidaridad de tantos colaboradores, anunciantes y amigos, vamos a continuar con ARTEZ, con la edito-rial, con el periódico digital, probablemente ajustando todavía más la frecuencia, quizás con abandonos circunstanciales de algunos de nosotros por un tiempo.

Incluso podríamos anunciar algunos proyectos a los que nos va-yamos incorporando en el campo de los medios de comunicación en breve. Esto es, por lo tanto, una reflexión circunstancial inspirada en la falta de coherencia de muchas instituciones, en la manera de malgastar recursos que advertimos en tantos lugares, por el estan-camiento en una situación que se enquista y que contagia a todos. Más que nunca es necesario un cambio. Revisar, reformar, revolucio-nar todo el sistema por el que se regula o se controla todo lo que se refiere en las artes escénicas. Nuestra postura es obvia: apostamos por la excepcionalidad cultural, creemos que se deben reforzar los valores de la cultura y de las artes escénicas en nuestra sociedad sin ambages. Con mayor decisión. Y presupuesto.

6w w w . a r t e z b l a i . c o m

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Rondas escénicasMaría-José Ragué-Arias


Dos perlas del Grec

n el Grec, Ramón Simó se esmeró en conseguir mucho ruido… y algunas nueces… entre éstas, dos grandes hits: el espectáculo de Toneelhead y el de Cheek by Jowl:

“Fountainhead” y “Ubu, roi”.¡”Ubu roi” reconvertido en la alucinación de un grupo de bur-

gueses!Declan Donnellan dio la vuelta a ese precursor del absurdo. Fue

el hijo de Papá Ubu y Mamá Ubu quien contemplará atónito el en-redo familiar, el potencial de violencia y depravación que surgirá de esa cena de matrimonios, será él el narrador de esta extraña historia que Jarry estrenó en 1896 consagrán-dola como el primer paso del teatro del absurdo… suyo será el punto de vista… Jarry hace una caricatura del poder y Declan Donnellan lo revierte haciendo que sea el hijo quien nos ofrezca la caricatura. En diciembre de 1896, el público que se sentaba en el Théâtre de l´Oeuvre de Paris oyó la palabra “Merdre”,… es el inicio de una fábula sobre la ambición de po-der, secuela de Macbeth en clave de teatro del absurdo. Declan Donnellan ha ambientado Ubu en una elegante cena burguesa por debajo de la cual corren instintos primitivos, ambición de poder, complejo de Edipo… e in-cluso una gran batidora que parece destinada a una lobotomía… Ubu quiere ser la parte más siniestra de nuestro interior humano, son los ins-tintos primitivos que la civilización no puede tapar… claro está… Ubu sigue siendo una sátira sobre el poder. Pero para que nos sub-yugue tiene que tener esa perfección capaz de ofrecernos Declan Donnellan con sus actores de habla francesa… Han pasado años desde que en 1896, la palabra “Merdre”, provocación de Alfred Jarry (1873 – 1907), revolucionara la platea del teatro. Ahora, Do-nellan sitúa la acción en esa espera de una familia burguesa a sus invitados de la cena del sábado noche. Y mientras la familia espe-ra, a los personajes les coge a menudo un frenesí que descontrola sus cuerpos… los fragmentos del Ubu roi de Jarry se presentan sincopadamente. Y todos los utensilios de la cocina burguesa se transforman en herramientas… Es un sin fin de guiños del absurdo con precisión absoluta para llevarnos hasta un final que si bien se prolonga demasiado, culmina totalmente el espectáculo.

¿Era este espectáculo la vedette del Grec 2014 o era “Fountain-head”?

Mi apuesta era por el Toneelgroep de Amsterdam, dirigido por Ivo van Hove, por “Fountainhead” (1943) especáculo basado en la novela de Ayn Rand (1905-1982) que con enorme compleji-

dad e inteligencia nos plantea una arquitectura humana, lejos del vedetismo de los arquitectos, con una filosofía de la autora que defiende la razón y el compromiso social. En su día, la obra fue leída por las elites del poder económico,… Ivo van Hove se in-teresó por el texto, por sus ideas… Y en su espectáculo, parece apostar por el dilema y la contradicción. Sobre el escenario vemos un cuento faústico, con arrogancia, delirio, masoquismo, patetis-mo, incoherencia, psicopatologías, sociopatías… La dirección del espectáculo lo lleva a la transversalidad de las artes… Todo es

de una belleza pura y deslumbran-te, todo es arte total. Una especie de gran loft acoge una tras otra las escenas que unen talleres de arqui-tectos, áticos de rascacielos, escenas de cama, y todo interactúa para unir fragmentos, danza, dibujos, bocetos, material fílmico… que muestran la arquitectura de Wright, Kahn, la del Partenon…, todo es como un gran workshop teatral, una obra de arte total, videoarte, enorme pantalla con proyecciones pero también artículos de periódico que nos conectan con realidades contemporáneas al espec-táculo de obras capitales de la arqui-tectura de las últimas décadas,… Y la música, en un ambiente sonoro de órgano, percusión, instrumentos electrónicos, minimalismo musical nos lleva a la vanguardia de los años 20… a grandes explosiones, al sexo violento… Lo básico del tema o del

argumento: dos arquitecturas enfrentadas, un arquitecto íntegro , otro pactista, más el contrapunto del magnate de la prensa, y todos asediando a un mujer bella e histérica, fría y sadomasoquista que pasa del uno al otro. Dos arquitecturas se enfrentan, Roark es genial, idealista y egoista, un artista íntegro. Para Keating el mundo se divide entre genios y parásitos, creadores y subordinados, elite y chusma… Roark afirma cosas como “las formas de la tierra no me gustan, quiero cambiarlas” o anuncia “viene una nueva era”… Mientras, Keating está dispuesto a pactar, a obedecer, a convivir. Es la división de los humanos que nos muestra la novela de Rand; en el mundo hay genios y parásitos, creadores y subordinados. Y éstos no dejan progresar a los primeros, un discurso plenamente actual… Keating vende su integridad, Dominique vende su cuerpo, Roark es un renacentista a quien no le importa el dinero… capri-choso y ególatra, es uno de esos aquitectos “estrella” en el polo opuesto de las arquitecturas subvensivas o marginales que de un modo brillante y barroco, el espectáculo defiende. Y si esto es lo que se nos ofrece durante casi cuatro horas de espectáculo… ¿qué más podemos querer?

E




Desde la caverna David Ladra

El arte del teatro

a temporada del Teatro Real se cerró este año con las representaciones de la ópera Los cuentos de Hoffmann de Jacques Offenbach, puesta en escena por Christoph

Marthaler y con Anna Viebrock, su colaboradora habitual, como es-cenógrafa y figurinista. Ésta tuvo la genial idea de situar la obra en un espacio que figuraba la cafetería del Círculo de Bellas Artes de Madrid, aglutinando en él otros elementos decorativos de la misma entidad como lo son su mobiliario modernista, el estrado en el que posan las modelos durante las clases de dibujo o esa estatua ya-cente de una mujer desnuda que descansa, tumbada en una roca, a los pies de los consumidores del bar. Contemplar cómo Hoffmann, paradigma del poeta romántico, nos narra sus frustrados y apasio-nados amores con las tres mujeres con que sueña –la mecánica Olympia, la Antonia que sacrifica su vida por el arte y la casquivana Giulietta– en un ambiente tan frío y tan modern style como el plas-mado aquí por la Viebrock no solo aporta su granito de arena a la tarea de deconstrucción de la ópera que se propone el director suizo sino que brinda al público una experiencia estética que se puede calificar de fascinante. Así, el final del primer acto que sirve de prólogo a la obra se convierte en una exhibición del por qué se dice de este arte que es el compendio de todas las demás: mientras la Musa y Hoffmann (Anne Sofie von Otter y Eric Cutler) cantan y actúan ensimismados, un cuerpo de ballet danza sincopadamente como si lo inspirase Béjart, los performers y los figurantes se mueven a la misma cadencia y se van alternando las modelos, sin ropa, sobre la plataforma de posar. Todo ello al ritmo de la música pergeñada por Offenbach y soberbiamente dirigida e interpretada por Sylvain Cambreling y la Orquesta y Coros del Real. Se crea así, en definitiva, uno de esos momentos que el espectador no olvidará jamás: las esferas celestes movidas por Marthaler parecen girar todas a la vez generando una melodía que nos lleva a acceder a lo que de bello y de sublime tiene el Arte.

Viene lo anterior a colación sobre todo por dos razones. La prime-ra es rendir homenaje a un creativo visionario, Gérard Mortier, que durante los escasos años que, hasta su muerte y pese a muchos, permaneció en la dirección artística del Real acordó a la parte escé-nica de la ópera igual de atención que a la musical. Con él, hemos te-nido la ocasión de ver a los mejores directores de la escena mundial de este momento, desde el montaje del ya fallecido Klaus Michael Grüber con el que hizo su presentación a este Marthaler póstumo del que acabamos de hablar, pasando por Dmitri Tcherniakov, Peter Sellars, Ivo van Hove, Krzysztof Warlikowski, Michael Haneke o Ro-bert Wilson. Y la segunda razón es recordarnos, en el momento de confusión actual en que todo se hace mercancía, que además de un producto cultural el teatro también puede ser arte.

Hora es ya pues de abandonar los encumbrados coliseos en los que, a golpe de sabrosos subsidios del Estado y aportaciones de empresas y mecenas, se le brinda la ópera a la clase pudiente para sumergirnos de una vez en esa enrevesada urdimbre de grandes escenarios, pequeñas salas y mugrientos chiscones en los que se produce actualmente el teatro de la ciudad. Malqueridos o repu-

diados por la Administración los centros dramáticos oficiales; clau-surados, mal arrendados o a punto de ser enajenados los de los municipios (cuando no elegidos arteramente sus directores por el método de las ternas franquistas como ha ocurrido en el de Ma-drid); y abandonado todo el resto a su suerte, no queda más que un solo camino que tomar al desaparecer la subvención: privatizar y abrirse al mercado. Pero el mercado no es la aldea apacible que nos anunciaba Adam Smith sino un nido de víboras en el que es obligado competir si se quiere sacar provecho. Claro que ahí está esa mano invisible que, en siendo productivo, todo lo regula y normaliza hasta convertirlo en algo igual, indistinto, homologado para consumir y ser objeto de comercio.

En ésas está el llamado teatro alternativo: a la venta, enseñando las partes y contoneándose sobre la tarima de subastas por ver si un público insensato lo quiere comprar. Verdad es que no lo tiene fácil: el modelo que le ponen enfrente no es otro que el del teatro comercial, un entramado viejo que lleva años hundiéndose y no da para más. Como fue en sus inicios, hay que buscar una tercera vía que le permita subsistir entre los restos del naufragio. Pero hay que comer todos los días y aunque uno reviente de talento amoldarse a los gustos de la audiencia que va a la sala a entretenerse, echar unas risas o moquear un poco, y pasárselo bien. ¿Y qué hay de malo en ello? Así es el oficio. Y no es oficio lo que falta a nuestra gente de teatro, que lo desperdicia a manos llenas: dramaturgos que escri-ben sainetes costumbristas llenos de mala baba y segunda intención para que el respetable se tronche a carcajadas; autores que se entregan al drama realista o al libelo social removiendo conciencias y haciéndonos, por no prender un cóctel molotov, echarnos a llorar; comediógrafos finos que adoptan posturas más irónicas y nos invi-tan a la reflexión; e incluso algún osado que investiga y expone sus hallazgos en forma de teatro experimental.

Pero, ¿de qué sirve esfuerzo tan titánico si todo lo anterior es triturado, hervido y machacado en esa olla a presión que es el mer-cado? Total, ¿para sacar dos duros –si es que se han de sacar– y dejarse la vida corriendo los caminos de un bolo a otro? ¿O para convertirte en un intermitente que hace de secundario en el cine, rueda una serie en televisión, locuta un anuncio en la radio o, ¡el no va más!, se cuela en un reparto del CDN? Habrá que decir aquí que por qué no, que ésa ha sido la carrera de mucha gente y que algunos incluso han llegado a triunfar y vivir una vida decente y regalada. Algunos, no los más.

¡Y llevarán razón! Al arte que le den por… si no hay condiciones para llevarlo a cabo ni, como sucede en otros países, una estructura institucional que lo sostenga, una red de teatros estables donde actuar, unas escuelas que no sean conservatorios, oportunidades para empezar a trabajar sin tener que poner dinero y, lo más im-portante, compañías, grupos que se mantengan en el tiempo y se vayan consolidando con él. Para corregir la situación y darle una oportunidad a la ambición artística hacen falta tres cosas, señor Wert: ganas, conocimientos y un poco de dinero. Si no, mejor seguir desmantelando como ahora.

L

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Del 11 al 14 de septiembre la localidad catalana de Tàrrega experimenta una gran metamorfosis, convirtiéndose en uno de los mayores escaparates de la creación escénica que atrae un espectro de espectadores muy amplio, tal y como señala su director artístico, Jordi Durán.

80 compañíasm conforman esta edición de las que 51 son parte de la progra-mación ofi cial en la que se incluye la subsección ‘Plataforma’, así como los nuevos apartados ‘Urban Nation’ y ‘Ondara park’. Las 29 restantes corresponden al progra-ma empresa que se desarrolla en los espacios gestionados por ADGAE, 23 Arts y La maleta dels espectacles, sin contar con todo lo previsto dentro de las actividades paralelas. Treinta y siete agrupaciones son catalanas, 22 del resto del Estado espa-ñol y 12 del ámbito internacional llegas de Eslovaquia, República Checa, Hungría y Polonia además de los miembros de ‘ Focus Visegrad’.

Por primera vez, en sus 34 años, FiraTàrrega se inaugura con una producción propia, dirigida por el chileno Ignacio Achurra, director artístico de la compañía La Patriótico Interesante y uno de los creadores latinos con mayor proyección inter-nacional. La ira de los peces, espectáculo con música en vivo, se plantea como un canto a la diversidad cultural y a la resistencia de los pueblos, naciones y culturas

Escaparate urbano multidisciplinar

Esta 34 edición se presenta como una plataforma donde se entienden las artes de calle como un espacio multidisciplinar, mostrándolo como un catálogo de experiencias para todos aquellos que quieran dejarse sorprender. “

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La ira de los peces




del mundo amenazadas que luchan por sobrevivir.

FiraTàrrega lleva años contribuyen-do a las artes escénicas como esca-parate y como coproductor gracias al programa ‘Apoyo a la creación’, iniciativa que busca incitar la exce-lencia en el ámbito de la creación en el espacio público posibilitando que en la presente edición se muestren un total de once coproducciones fruto de la colaboración del equipo de la Fira con artistas con trabajos marcada-mente personales y comprometidos, espectáculos que se podrán conocer en la sección ‘Plataforma’.

Somos da nombre a la experiencia escénica interdisciplinar de Amantis con la entidad local Associació Alba de Tàrrega, que trabaja para mejorar la calidad de vida de las personas con dis-capacidad psíquica, física y mental. El movimiento, la acción y la imagen son los hilos conductores que acompañan la historia que se genera in situ. Por su parte, Animal religion, quien marcó un precedente con su propuesta anterior,, ‘Indomador’ que obtuvo muy buena acogida en la pasada edición de la Fira, dará a conocer Chicken Legz, una ex-periencia única de circo y movimiento que tiene lugar en una granja, veremos a los animales vibrar, volar y bailar en combinación con la música electrónica. Los también catalanes Foradelugar presentarán El Rey Gaspar inspirado en el libro homónimo de Gabriel Janer Manila, un espectáculo que explica la historia de un luchador que aspira a una vida mejor para él y su familia.

Cuatro poderosos extravagantes y sin escrúpulos que se reúnen en secreto en una mansión para controlar el mun-do son los protagonistas de la alocada propuesta C.O.C.A. de la Compañía

La Pulpe. Constructivo de Fundación Collado-Van Hoestenberghe y Piero Steiner es un manifi esto en el que dos paletas ilustrados invitan al público a repensar algunas cuestiones universa-les mientras buscan respuestas al vacío ético que nos rodea, con la ayuda de su humor delirante y una humanidad desbordante. Kamchàtka plantea su trabajo Fugit como una precuela que se ubica en el inicio de la trilogía inte-grada por Kamchàtka y Habitaculum; una aventura donde la geografía de la ciudad se convierte en un laberinto de experiencias.

La supervivencia de las luciérnagas de LAminimAL con dramaturgia de Da-niela De Vecchi a partir del texto breve ‘Legión’ de Juan Mayorga se inspirada en los últimos escritos de Pasolini, un ejercicio que invita a conocer diferen-tes perspectivas de una misma historia.

La propuesta multidisciplinar de la compañía catalana Obskené y la mexi-cana Teatro Ojo, Gran rifa d´un fabulós viatge a Mèxic propone una refl exión sobre el exilio que, partiendo de un via-je imaginario, permite a los participan-tes entrar en el sorteo de un viaje para una persona a México que recreará la ruta de los exiliados de la Guerra Civil, de Veracruz a México DF.

Otra agrupación mexicana, la Compa-ñía de Teatro de Calle Monterrey, ofre-cerá una coproducción internacional con el sello artístico de Los Galindos que presenta Ti-Tlan (lugar entre) un espectáculo itinerante y multidisci-plinar que trata sobre la imposición y la violencia. Por último, los húngaros Stereo Akt con el site specifi c Close encounters of the Different kind, que trata sobre la distancia, la seguridad y la familiaridad y que involucra a un colectivo de inmigrantes locales.

Chicken Legz de Animal religion




URBAN NATION.- Danza urbana, para las noches de la Plaça de les Nacions con tres horas intensas de la mejor danza hip hop del momento. La agrupación Brodas Bros presenta varias propuestas, por un aldo Solo2 de la mano

de los hermanos Pol y Lluc Fruitós, un trabajo coreográfico mixto que utiliza

las técnicas diversas como el popping, el locking, el break

y la danza contemporánea. Asimismo, pondrán en

escena Raindú con-tando en directo

con el músico

Jean Philippe Barrios y las hermanas Berta y Clara Pons. Los aragoneses Circle of Trust también particiaparán en esta sección con Motus, pieza de breakdance y circo para seis bailarines dirigida por Jordi Vilaseca, una propuesta que reflexiona sobre el esfuerzo, la superación y la colaboración para conseguir sueños. La programación especial de Urban Nation se completa con dos propuestas más, por un lado con la intervención del DJ Save the Cheerleader, proyecto integrado por dos jóvenes artistas de Barcelona, Will Fly (Willy Barleycom) y Su-pernails (Nil Fruitós), y por otro Sinestesia del joven grupo extremeño Iron Skulls co, pieza que transporta al público, desde la emociones y los sentidos, a un mundo postapo-calíptico donde sus habitantes se expresan a través de las acrobacias y la danza.

ONDARA PARK.- Agrupa los espectáculos de carácter más lúdico y festivo y se .desarrollará en tres espacios es-pecíficos: la Fassina, el carrer Migdia y el Parc del Reguer. Entre los principales protagonistas se encuentran La Troba Kungu-fú, agrupación liderada por Joan Garriga que nace

de tres reivindicaciones esenciales: la trova como actitud para componer canciones a la manera de los antiguos trovadores, buscando la inspiración de la vida cotidiana, el kung-fú como disciplina para llegar a la perfección y la rumba catalana. Guillem Albà & The All In Orchestra pre-sentarán Marabunta, espectáculo de clown enérgico con música en directo con canciones propias, gags absurdos y cabaret. Otra propuesta clown será la que propondrá JAM en El Mêtre, dirigida a todos los públicos. Volviendo con la música, Sidral Brass Band que presentan la propuesta itinerante Red red wine o la pieza que conjuga música y danza Patinem-nos el món!!! de Dr Batonga! (Colectivo Cautivo dj set), proyecto que recupera el concepto de

las míticas roller-disco de los años setenta. Efimer por su parte dará a

conocer su más reciente crea-ción, Traps, donde tres dragones gigantes de más de 4 metros

de longitud, confeccionados con miles de recortes de tela, ocupan las

calles mientras interactúan

con los paseantes. Wet Picnic, compañía que se

inspira en la vida cotidiana y se deleita en el absurdo y en la excentricidad para

crear espectáculos, también estará presente con The Lift al igual que Laïtrum con la instalación Micro-shakespeare, trabajo que cuenta con la producción del Royal National Theatre de Londres en el que condensan en 5 piezas de seis minutos cada una la obra de Shakespeare.

Motus de Circle of Trust




SALA.-La programación de FiraTàrrega 2014 se fundamenta sobre dos líneas de acción, artes de calle, la disciplina mayoritaria y artes de movimiento y creación contemporánea en la programación de sala. En este último apartado se incluyen algo más de una decena de propuestas que se llevarán a cabo en los diversos espacios habilitados en el Polideportivo Municipal, el Teatre Ateneu así como en el Museu Comarcal de l´ Urgell y el Espai Saint Josep. Se podrán ver, Una casa de Asia de Agrupación Señor Serrano, un retrato pop de carácter multidisciplinar de la década que siguió al 11-S y dejó paso al siglo XXI. Arsènic Creació presenta La nit just abans dels boscos, un montaje intimista en el que su protagonista habla de su universo, un suburbio donde todo está oscuro. La obra se escenifi cará en el foyer del Teatre Ateneu. Los eslovacos Jaro Vinarsky llevarán a escena Animalinside espectáculo de danza para dos bailarines planteado como una serie de imágenes poéticas, partiendo de la animalidad inherente al ser humano. La adpatación de los solos de Claire Ducreux ‘La sonrisa del naúfrago’ y ‘Barco de Arena’ que se

recoge en este trabajo denominado Réfugiée poéthique; África del coreógrafo, bailarín, actor y director argentino Luis Biasotto, un montaje entre la performance, el teatro y la danza que gira entorno a 5 cuestiones organizadas en una estructura circular con saltos temporales; Me va gustando de Marco Vargas & Chloé Brûlé, donde los artistas se mueven en busca de los límites del flamenco a través de la palabra, la música y el baile. Dos compañías de la República Checa, Vertedance & Jirí Havelka & Clarinet Factory con Correction sobre la libertad y la falta de ella y Sergean Tejnorová & The Commando con Edge producción multidisciplinar que afronta temas relacionados con el envejecimiento, los cambios en la sexualidad o la percepción de la propia vida. Además, La velocidad del zoom del horizonte de los mexicanos Compañía Teatro de Arena, un espectáculo de ciencia-fi cción construido desde la simplicidad escénica, repleto de diálogos que conducen a con-clusiones paradójicas sobre el conocimiento y la condición humana. Titzina Teatre con Distancia siete minutos, con la que hablan de personas que buscan resolver confl ictos con otras personas y la compañía madrileña Darft.inn con Los nadadores nocturnos, montaje que retrata un mundo enfermo y fragmentado que no deja espacio a la inocencia completan las propuestas de interior.

sección oficialJordi Durán: “es una apuesta por la creación de autor, com-prometida y transnacional”. “

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Potted de La Trócola




EN LA CALLE.- Los espacios en el exterior acogerán las propuestas circenses de La Trócola, que presentará Potted, proyecto que conjuga diversas disciplinas circenses, partien-do de la premisa de la innovación artística, cargada de gran impacto visual y creando una comunicación directa con el espectador. Un trabajo basado en la investigación del espacio, de los objetos, las estructuras y el ritmo. El colectivo compuesto por cuatro jóvenes artistas de diversas nacionalidades afi ncados en Bélgica, 15feet6, especializados en acrobacias con la barra rusa, el mástil chino, la báscula co-reana y los saltos aéreos, proponen en Dynamite & Poetry una performance de calle explosiva donde la técnica y el riesgo se mezclan con el humor y la poesía.

La tercera propuesta de circo viene de la mano de Manolo Alcántara y su último trabajo, Rudo, un homenaje al mundo arriesgado, rudo y efímero del circo clásico. Dentro de un

espacio circular acotado a un aforo limitado, se da paso a un espectáculo íntimo y próximo, aliñado con un acompañamien-to musical y donde el público experimenta el riesgo de sentir el límite de los movimientos.

La compañía polaca Teatr KTO escenifi cará The Blind espectáculo multidisciplinar de gran intensidad física que constituye una parábola sobre la decadencia de la civilización, adaptación de calle en gran formato de la novela ‘Ensayo sobre la ceguera’ de José Saramago.

Les Filles Föllen amb Barbara Wysonczanska pondrá en escena la pieza de danza Thank you for dancing. Con un trasfondo muy lúdico, sus intérpretes buscan la participación del público y como un videojuego en vivo, los espectadores dirigen una secuencia narrativa de los acontecimientos prota-gonizados por cuatro bailarines y un músico.

Continuando con las propuestas de danza cabe destacar

Traveling de Catalina Carrasco



las piezas que presentan dos compañías baleares, Catalina Carrasco con la performance Travelling en la que se unen la danza y la tecnología interactiva. La bailarina/performer lleva incorporado un acelerómetro 3D inalámbrico y las señales registradas son procesadas a tiempo real para ge-nerar, modular y lanzar los sonidos que conforman la banda sonora. La Companya Maria Antònia Oliver llevará a escena Malmenats donde cuatro bailarines exploran el movimiento rudo, sucio e impreciso de este ir y venir, intentando mostrar este movimiento de forma limpia, desprovista de cualquier aditamento superfl uo y con cierta crudeza. Col lectiu Big Bouncer por su parte mostrará una pieza que comparte el mismo nombre que la compañía, de carácter contemporánea, planteada como una performance centrada en el movimien-to y la palabra, establecie un diálogo lúdico con el público a partir de la improvisación.

Navegando entre el teatro y la danza se encuentra Yi-Ha de

Los Moñekos, donde sus integrantes abren un camino polvo-riento hacia el lejano y salvaje Oeste, al tiempo que Sit Back de los británicos Moxie Brawl, es una propuesta inspirada en el papel de la fuerza de trabajo y en la camaradería femeni-na en la década de los 40, y en especial durante la Segunda Gerra Mundial. Monòlit de Nats Nus Dansa está dirigida al pú-blico adulto; un solo dirigido e interpretado por Toni Mira que pretende compartir con el público un momento de poesía, magia, juego, ironía, imaginación y ritmo.

La programación ofi cial se completa con varias propuestas teatrales tales como Fuenteovejuna. Breve tratado sobre las ovejas domésticas de Companya Obskené, adaptación contemporánea y de calle del clásico de Lope de Vega; La guillotina de Bohemia´s una propuesta a caballo entre la metáfora, la instalación y la performance, ideada por el credor y escenógrafo Pericot, así como Los Rodríguez: una familia en crisis de los madrileños La Rueda Teatro Social, donde desarrollan un montaje de teatro participativo que ofrece a los espectadores la posibilidad de intervenir en el transcurso de la historia para modifi car su desenlace. Sin olvidarnos de Despistats que ofrecerán Toti Toronell y Pepa Plana, donde un payaso y una payasa explican, cada uno a su manera, lo que serán dos visiones complementarias de la vida, dos caras de la misma moneda.

EUSKAL TEATROA.- En la sección ofi cial de FiraTàrrega se podrá disfrutar de dos propuestas de compañías vascas. Kukai se acercará para presentar su último montaje, Gela-jauziak, obra que se conforma dentro de las colaboraciones que la compañía viene realizando desde hace años con diversos artistas. Para este nuevo trabajo han contado con el coreógrafo catalán Cesc Gelabert uniendo por primera vez sus fuerzas para ofrecer una nueva mirada de la danza tradicional. Markeliñe, por su parte, en Andante... propone un espectáculo de calle itinerante en el que a partir de una colección de zapatos, desgrana las pequeñas grandes histo-rias de distintos personajes, sus motivaciones, sus confl ic-tos. Una narración poética que habla sobre los desplaza-dos, sobre los que por uno u otro motivo se ven obligados a abandonar su hogar.

Yi-Ha de Los Moñekos




La programación de FiraTàrrega 2014 se complementa con la presencia compañías que actuarán en tres espacios deno-minados ‘Programa empresa’ que son gestionados, cada uno de ellos, por entidades independientes a la organización de la Fira que además de ofrecer una programación propia tienen en común que incluyen una área de ocio dentro del recinto destinado a la restauración, para que el público ten-gan la opción de tomarse algo o incluso comer y cenar.

El espacio ADGAE, ubicado en las instalaciones del Instituto de Enseñanza Secundaria Manuel de Pedrolo, contará con una programación que se completa con una selección de sus mejores propuestas infantiles de artes de calle y animación entre los que se encuentra Cas-canueces de Teatro del Temple, un montaje visual para público familiar de teatro, danza y títeres en el que su puesta en escena de respuesta al mundo de cuento que sugiere el texto. Propiamente como propuestas para pú-blico infantil también están previstas los secretos de Mr Stomboli de EQM Serveis Culturals, La aventura de Tarik y Sarah de Nacho Vilar Producciones o Petits Princeps de MiniMusic, propeustas que invitan a volar la imaginación. Outsizers llevarán a escena la pieza de danza Emotion, Ci-

vic Civiac el montaje de clown y magia Magic casting y El Gran Zampanó y Xa! Teatre la circense Cacos. El programa se completa con Desconcierto de Melomans espectáculo fusión de teatro, humor gestual y humor, y el Taller am-bulante de inventos al instante de Click Clowns.

En el parking de la Estación de Renfe de Tàrrega se ubica el conocido como Espai 23 Arts, gestionada por la agencia veterana especializada en artes de calle que este año contará con nueve propuestas de diversa índole desde clown, circo, humor musical, fanfarria o una inter-vención mural de manos del fotógrafo especializado en artes escénicas Gerardo Sanz denominado Escoba y cola, una acción callejera, participativa y festiva en la que el público es el encargado de diseñar y realizar el montaje de una exposición fotográfica en un espacio público.

Por último en el espacio de La maleta dels especta-cles, que un año más se situará en la Escuela de Artes de Ondara, se espera la participación de diez compañías tales como Elegants, Antonella D´Ascenzi, La Manofac-toria, Ne Me titere Pas, Dudu & Cia., Camilo Clown, Loco Brusca, Produccions Essencials, Las Polis o Les Dessous de Barbara.

programaempresa

Cascanueces del Teatro del Temple




Vuelve una nueva edición de la Fe-ria Internacional de Teatro y Dan-za de Huesca, este año la número 28 que se celebrará del 29 de

septiembre al 2 de octubre con una cui-dada programación de aproximadamente 30 espectáculos aunque al cierre de esta edición la comisión organizadora se en-cuentra en pleno proceso de selección y solamente se han confirmado la mitad de las propuestas a exhibir.

Conocida en el sector como “la feria de Huesca”, esta cita anual con las ar-tes escénicas “no es un festival de nue-vos lenguajes, o de nuevas tendencias, si ambas cosas existieran y si (alguien) fuera capaz de encerrarlas en la cajita de las definiciones” señala su director, Jesús Arbués, “Huesca es una plataforma, un lugar donde (intentar) demostrar y mos-trar al programador medio, a los respon-sables de las redes de este país, que existen “otras propuestas”, más allá de los caminos trillados, más allá de los nom-bres famosos, hay otro teatro y (siempre en la cola) otra danza contemporánea, propuestas contemporáneas y fronteri-zas (teatro/circo/danza) propuestas que (a pesar de todo) si se les da visibilidad consiguen emocionar al público”, aclara Arbués y añade que “necesitamos al pú-blico, público de una ciudad media, públi-co como el de su casa, necesitamos que muestre que la cosa funciona, que en los teatros de este país con tiempo (y una caña) puede establecerse un reper torio, para la gente que va al teatro a algo más que a hacer hora antes de la cena”.

Por todo esto la feria presenta una pro-gramación “escogida con cuidado, con

mimo” indica Arbués para añadir que “te-nemos buenas infraestructuras, podemos asumir el medio, el gran formato pero tam-bién lo mínimo, lo pequeño. Eso es Hues-ca, un muestrario, pequeño pero cuidado, un sitio donde ver danza cómodamente en escenarios donde se puede bailar. Inten-tamos traer las novedades, los estrenos, las cosas que inician su vuelo, las cosas que no se han visto todavía”.

Lo que es y no es

Para comprender más si cabe el idea-rio de esta feria Arbués lo explica de forma muy clara: “Huesca no es la Fe-ria más grande, tiene un tamaño donde todo puede verse; Huesca no es la Feria

con más espacios de exhibición pero sus espacios son óptimos técnicamente para ver y para hacer; Huesca no es la Fe-ria con más programadores pero es la única que comienza su programación por la tarde dejando el día para la actividad profesional. Huesca es la feria donde los espacios de exhibición están más cer-ca, donde más se apuesta por la danza contemporánea, Huesca no es una Feria local aunque no olvida a la industria de la comunidad, Huesca plantea siempre que la mitad más uno de sus propuestas sean nacionales (de fuera de la comu-nidad). Huesca busca su espacio siendo diferente”.

De las propuestas confirmadas al cierre de esta edición destacan los espectáculos

XXVIII FerIa InternacIonal de teatro y danza de Huesca

Encuentro y exhibición de otras propuestas escénicas

Huesca es la mejor plataforma para descubrir otras propuestas contemporánras y fronterizas entre teatro/danza/circo



de danza tales como Hooked de Lasa-la, una pieza en la que su directora, coreógrafa e intérprete Judith Argomaniz junto a Jaiotz Osa reflejan la necesidad constante del ser humano en tener una vinculación afectiva con otro ser humano y los efectos que conlleva. Todo ello a través de un lenguaje coreográfico que investiga sobre el apego y la dependen-cia emocional al que estamos expuestos en las relaciones afectivas reflejado en tres escenas claramente diferenciadas por factores como la música, el tipo de movimiento y los diferentes estados de ánimo. Desde Euskadi llega también Victoria P. Miranda con la danza contem-poránea como lenguaje en su pieza And that´s why I´m here today. El “contact” es la piedra angular de la Compañía Sha-ron Fridman, “es una filosofía existencial que implica una consciente relación no sólo con el otro sino con la materia y los elementos” explican desde la compañía y así se manifiesta en su última creación, Caída Libre en la que explora la supervi-vencia, rasgo esencial de la naturaleza humana, y más concretamente la cues-tión ver tical pues levantarse tras caer constituye un ciclo infinito que se repro-

duce cada día. Además es necesaria la unión para sobrevivir.

En otro registro de danza, la propuesta de la Compañía Miguel Ángel Berna, Me-diterráneo, con coreografía y dirección del propio Berna en la que seis bailari-nes ofrecen un espectáculo impregnado de aires del mar Mediterráneo, creado a par tir de un trabajo de investigación so-bre los orígenes de algunas tradiciones

desarrolladas en esta zona y profundi-zando en el origen y evolución del baile de la jota. Chevy Muraday es el coreógrafo y director de Losdedae compañía creada en 1997 que presenta En el desier to, un propuesta de danza y teatro con textos de Guillem Clúa y Pablo Messiez que pone sobre el escenario a un elenco formado por bailarines y actores para interpretar a siete personajes que escapan hacia un lugar incier to; huyen porque han sido expulsados de su lugar de origen; la sen-sación de exterminio y persecución les acecha constantemente, necesitan resis-tir, crear, aguantar, no transigir, descubrir que sosteniéndose los unos a los otros evitarán desaparecer.

Visiones de shakespeare

Una particular versión de El sueño de una noche de verano de William Shakes-peare desde la visión de Víctor Jiménez, director de LaMov cía de Danza o Much ado about nothing (Mucho ruido y pocas nueces) de David Espinosa en la que su creador, director e intérprete se pregun-ta cuestiones como “¿por qué se siguen montando los clásicos?, ¿para arrancar

Otelo de la Compañía Viajeinmóvil ©Rafael Arenas



con garantías de éxito?, ¿por qué preferimos recordar el pa-sado en vez de analizar el pre-sente o mirar hacia el futuro?, ¿por qué no me interesan a mí esos textos?, ¿una pose snob?, ¿qué haría yo si me enfrentara a uno de esos autores?, ¿y al más grande de todos?” Éstas son algunas a las que intentará dar respuesta con este trabajo.

Otro Shakespeare, Otelo en versión de Teresita Iacobelli, Christián Ortega y Jaime Lorca de la chilena Compañía Viajein-móvil con el feminicidio como tema principal. Para los miem-bros de la compañía esta univer-sal obra no habla de los celos, “el asesinato de Desdémona no se puede suavizar elevando el crimen a una dimensión román-tica: la misma disculpa se puede apreciar en la mayoría de los diarios sensacionalistas de nuestra época, pero la verdad es que cuando un hombre mata a una mujer, es para ejercer poder so-bre ella”. A partir de esta idea ofrecen una mirada al clásico a través de un montaje que mezcla seres humanos y marionetas, realidad con fantasía, el humor, lo antiguo y lo contemporáneo.

Un personaje shakesperiano, un bufón, es el protagonista de la obra de Calei-doscopio Teatro, El abrigo de Yorick... y la Musa de Fuego espectáculo de mario-netas para público familiar creado por Rober to Barra y dirigido por Azucena Gimeno. Los objetos también toman vida en Lover, un espectáculo de teatro de objetos de Mar ta Marco y Andrés Be-ladiez dirigido al público adulto con un tema universal, el amor y su otra cara, el desamor, porque ¿quién no ha desea-do con todas su fuerzas dejar de amar?, ¿qué sucede en nuestras cabezas mien-

tras tanto?, ¿y en el corazón?Confesiones a Alá es un monólogo in-

terpretado por María Hervás que narra, en primera persona la historia de Jbara una joven marroquí. Esta obra de Nada en la Nevera es un testimonio sobre la opresión de las mujeres, una fábula construida a par tir de la desesperación y la miseria que le ha tocado vivir a una mujer, a muchas mujeres, es la confe-sión de una joven a un único confidente, Alá. Fran Calvo e Inma Cuevas por su par te ponen sobre las tablas la historia de Marianne y Roland los protagonis-tas de Constelaciones una obra sobre la amistad y mucho más que presenta Kendosan Producciones.

Tranvía Teatro, compañía titular y re-sidente de Teatro de la Estación de Za-ragoza se acerca a Huesca con un texto de Enzo Cormann dirigido por Cristina Yáñez e interpretado por Mariano Anós

y Miguel Pardo, Sigue la tormen-ta, un espectáculo metateatral que habla de las grandes preguntas de la sociedad de hoy planteadas bajo dramáticos hechos históricos de la II Guerra Mundial. Y dos son tam-bién los personajes de Cuplés, dos anfitrionas que acompañadas por un pianista proponen un viaje por los cuplés de los años 20 y 30, son Las Sicalípticas que a través de las canciones de la época harán can-tar, bailar y corear al público.

Son varias las propuestas que tienen el circo y sus diversas y va-riadas posibilidades como lenguaje principal. Es el caso de Atempo Circ que tras una investigación circo-musical ha creado Invisibles, un espectáculo que combina circo, teatro físico y música en directo para hablar sobre la relación entre dos personajes en un espacio que ha cambiado y que puede volver a

cambiar. El mástil chino es el compañero de viaje de Amanda Righetti que en Els ofrece como ella misma expresa “ins-tantes de fragilidad sobre una técnica acrobática demasiado rígida”.

Las propuestas circenses se comple-tan con Attached y Cubo de la sueca Magmanus Company y la italiana Betti Combo respectivamente. Ambas compa-ñías actuarán en la feria en colabora-ción con ‘Autopistas: Circus Dissemina-tion’, proyecto internacional que tiene como objetivo establecer y consolidar las redes de circulación de espectáculos de circo en Europa y América del Nor te y potenciar el trabajo de colaboración y cooperación entre los programado-res. Este proyecto está coordinado por La Grainerie y los socios son Subtopia (Estocolmo), La Tohu (Montreal) y el Instituto Ramon Llull (Cataluña) con la colaboración de la APCC.

La Feria Internacional de Teatro y Danza de Huesca sigue apostando por su zona de mercado con los stands y workpoints que un año más serán el lugar de encuentro de todos las partes del sector de las artes escénicas. Además será el lugar para la reunión de trabajo de todos los socios de ‘Pirineos de Circo/Pyrénées de cirque’ en la que evaluarán las diferentes acciones y valorarán las perspectivas de esta colaboración para futuros proyectos. También se llevarán a cabo las denominadas ‘Vidas paralelas / Vies para-llèles’, un espacio de información y reflexión para profesionales de uno y otro lado de la frontera, un espacio que tiene como objetivo potenciar la vocación transfronteriza de una Feria que hace años se vuelca con el Sur de Francia como mercado. Para llevarlo a la práctica se llevarán a cabo presentaciones de programaciones singulares o interesantes, de festivales que arriesgando se han ido afianzando y de entidades privadas (compañías o agentes) que expliquen su manera particular de trabajar. Las presentaciones que se llevaron a cabo el pasado año fueron grabadas y pueden ser consultadas en el denominado ‘Canal Feria’. Este año se volverá a repetir la experiencia a la que se suma ‘Radio Feria’ un canal para descarga de podcasts donde intentaremos recoger iniciativas que retroalimenten el sistema de las artes escénicas.

Constelaciones de Kendosan Producciones


1414 septiembre septiembre 1414 septiembre septiembre

Tres espacios públicos, el Teatro Xesc Forteza, el Teatro Mar y Terra y el Teatro Principal, así cómo el espacio privado, el Teatro Sans, además de

algunos espacios en la calle acogerán los 14 espectáculos previstos durante las cua-tro jornadas de Fira Illescena.

La voluntad de esta cita es crear un evento cultural en el que participe toda la ciudad, por lo que además de la progra-mación de los espectáculos, se programa-rán actividades paralelas a la Feria con la intención de darle un carácter festivo y de evento cultural que implique a otros secto-res y agentes culturales, así como a toda la ciudadanía. Incidiendo en la idea de la par-ticipación están trabajando en un programa de inclusión en las artes escénicas al que se destinarán gratuitamente un 10% de las butacas de cada espectáculo a colectivos que no tengan acceso a la cultura.

Como espectáculo inaugural contarán con el estreno de la obra ¡Y lo que no nos cuentan, chica’ de Las diabéticas acelera-das, compañía que combina los códigos expresivos del teatro popular con huidas hacia otras fórmulas que incluyen desde el cabaret hasta la interacción como forma de comunicación viva y espontánea con el público, buscando una lectura, desde el humor y un cierto punto de locura, de la sociedad que nos forma y conforma. Un segundo estreno vendrá de la mano de La Formal, con El guste es nostre trabajo hecho para escenificarse en espacios no convencionales dirigido por Joan Gomila, donde se reflexiona de forma profunda y divertida sobre la cultura balear, y donde la improvisación será la gran protagonista

de la velada. En esta ocasión contará con la interpretación musical a cargo de Cesc Montané y Kiko Barrengoa.

al aire libre

La mayor parte de los espectáculos se llevarán a cabo en sala a excepción de tres. Entre ellos se encuentra Circ Trashumant de Circ Bover, montaje de circo moderno que cuenta la historia de una troupe de sal-timbanquis que viajan por todo el mundo mientras muestran sus aventuras y gracias al cual en la pasada edición de la Feria In-ternacional de Teatro de Castilla y León fue-ron premiados como el Mejor Espectáculo de Calle. Remor coproducción entre Res de Res & Antigues, es un espectáculo de danza visual y físico creado por Marta Barcelo y Joan Miquel Antigues, que cuenta con una

duración de once minutos, y que se lleva a cabo dentro de un cubo de madera y hierro concebido como una instalación artística que potencia la relación entre el público y los dos intérpretes. El tercer espectáculo de calle también es una pieza de danza o mejor dicho de microdanza, se trata de Vi-vir soñando de Tshock Teatre, interpretado por Paquita Ferragut, una joven de 34 años con parálisis cerebral que pese a su alto grado de inmovilidad en las extremidades, lleva una vida muy activa.

Continuando con las piezas de danza la Compañía Mariantònia Oliver presen-tará la versión de sala de Malmenats, trabajo de creación colectiva donde cua-tro bailarines exploran en el movimiento rudo, sucio e impreciso de este ir y venir, intentando mostrar este movimiento de forma limpia, desprovista de cualquier

Fira illescena 2014

Primer escaparate de las compañías de la escena balearDel 25 al 28 de septiembre se llevará a cabo por pri-mera vez Fira Illescena, iniciativa impulsada por la Aso-ciación de Empresas de Artes Escénicas de Illes Balears con el objetivo que este evento sea un instrumento para poder situar con más eficacia en todo el Estado y

en el ámbito internacional los espectáculos que generan las agrupaciones profesionales, al tiempo que los pro-gramadores de la tierra y del resto del Estado puedan ver lo que se hace en las Islas Baleares con voluntad de generar negocio.

Malmenats de la Compañía Mariantònia Oliver




ar tificio y con cier ta crudeza.El resto de propuestas serán de teatro y entre ellas hay dos

de títeres dirigidas al público infantil, en concreto La verdade-ra historia de Juan Sinmiedo de Disset Teatre y Goldilocks de Elastic Nou Produccions. La primera bucea en la tradición de la rondalla mallorquina dando paso a un relato lleno de misterios, magia y sorpresas. Elastic Nou Produccions lleva a cabo teatro educativo interpretado en inglés y en esta ocasión presentará Goldiloscks conocido cuento de Ricitos de oro para la que hacen uso de marionetas.

Varias compañías de sala ofrecerán sus propuestas en ca-talán y castellano. Una de las que ha optado por esta línea es la veterana agrupación Estudi Zero que presentan una reno-vada versión del irónico vodevil de Eugène Ionesco, La cantan-te calva, inspirada en las comedias inglesas de salón y en el método de idiomas Assimil, desplegando toda una crítica a la vida cotidiana. Además de en el idioma Z i l´ habitació 113 co-producción entre La Impaciència e Iguana Teatre, coincide con la anterior propuesta en su formato de vodevil aunque en esta ocasión en clave de comedia excéntrica que tiene lugar en una habitación de un hotel muy especial, donde la incertidumbre acompaña a un cliente solitario que puede dar por concluido un régimen totalitario. El cliente se llama Z, como la última letra del abecedeario o como la última oportunidad del cambio. Por su parte AMC Producciones, que nace con el objetivo de apor-tar profesionalidad al teatro de la isla de Ibiza, escenificará, solamente en castellano, Por amor a Lorca, un montaje que incluye escenas de algunas de las obras más importantes de García Lorca como ‘Bodas de sangre’, ‘Yerma’ y ‘La Casa de Bernarda Alba’.

La programación se completa con tres propuestas teatrales de sala más, dos de ellas se escenificarán en catalán, Xuetes de Mallorca So, montaje dirigido por Rafael Brunet sobre los judíos mallorquines y la adaptación de Woyzeck, uno de los clásicos de la literatura alemana, tragedia atemporal sobre la explotación de los débiles, el amor, la compasión la celos y el fracaso copro-ducida entre Iguana Teatre y Produccions del Mar. Por último, Teatrix y Pometes Teatre escenificarán Frashka!!! espectáculo sin palabras donde sus dos protagonistas viven situaciones muy absurdas en las que se desenvuelven de una manera divertida y surrealista: El sueño del rodaje de un western, un jardín con flores, ecétera...

Remor de Res de Res & Antigues



Cada dos años se lleva a cabo Mira-da-Festival Iberoamericano de Artes Escénicas de Santos que este año celebra su tercera edición del 4 al

13 de septiembre, insistiendo nuevamente en reforzar e intensificar, a través del arte, el diálogo de Brasil con otros países que componen Iberoamérica, ya que como se-ñala su director, Danilo Santos, “este festival viene provocando una agenda de encuen-tros para compartir experiencias y saberes, debatir ideas y procesos creativos, al tiem-po que estrechar lazos de convivencia y estimular y romper barreras territoriales, lingüísticas y de otra naturaleza”.

Además de en una amplia programación de actividades paralelas conformada por residencias, debates y mesas redondas, la atención de Mirada se centra en la extensa programación que contará con un total de cuarenta espectáculos de sala en su gran mayoría pero también de calle, 25 de los cuales serán escenificados por compañías brasileñas y 15 por agrupaciones interna-cionales, venidas desde Argentina, Bolivia, Colombia, Costa Rica, España, México, Pa-raguay, Perú, Portugal y Chile, siendo este último el país homenajeado en la presente edición contando en el programa con siete compañías. Entre ellas se encuentran Teatro la Memoria con Castigo, montaje que expone conflictos humanos que trascienden la bio-grafía del autor de la obra y permitiendo al espectador mirarse en la escena y verse re-flejado como en un recuerdo de infancia. Por su parte la Compañía Gran Reyneta mostrará El hombre venido de ninguna parte poética e innovadora propuesta sobre un personaje que ha conseguido ser un viajero a través del tiempo, Teatro en el blanco escenificará

La reunión donde tratan temas como las rei-vindicaciones de los pueblos originarios, el poder de la iglesia y la oligarquía y la lucha de clases, y Teatro Camino y la Compañía Viaje in móvil que llevarán a escena sendos clásicos, el primero la adaptación de El jar-dín de cerezos de Anton Chejov y el segundo Otelo de Shakespeare.

MoMentos históricos

Dentro de la pluralidad de lenguajes abar-cados en esta edición hay una conexión te-máticas en determinadas producciones, con espectáculos que revisitan momentos histó-ricos, sobre todo vividos durante regímenes militares y sus consecuencias actuales. Entre ellos están dos de las compañías chilenas, se trata del Colectivo La Pato Gallina, El húsar de la muerte basado en la película homóni-ma filmada en 1925 por el actor, director y

periodista Pedro Sienna donde se narran las hazañas de Manuel Rodríguez en su lucha por la independencia chilena así como Teatro La Resistencia y La imaginación del futuro, una ficción libre, desfachatada e insolente basada en hechos que han marcado la iden-tidad política de Chile.

Sobre esta perspectiva giran también otros cinco montajes. Walmor y Cacilda 64 - Robogolpe de los brasileños Teat(r)o o Oficina Uzyna es una propuesta que reve-la una relación de 50 años con la imaginería de la dictadura militar y sus efectos sobre el arte en Brasil y Puzzle A con escenificación de Felipe Hirsch de la compañía Ultralíri-cos reflexiona sobre dilemas nacionales de carácter político y social.

El vientre de la ballena de los colombia-nos Teatro Petra da paso a un culebrón o thriller policial que investiga desapariciones de niños y un “reality show” televisivo que

iii Mirada - Festival iberoaMericano de artes escénicas de santos

La escena iberoamericana se cita en Santos

Chile será el país homenajeado en esta tercera edición contando con la participación de siete compañías dentro de la programación

Fausto de la Compañía de Variedades St. George ©Cacâ Bernardes




juzga a una empresa que concentra varios negocios: alquiler de vientres, prostitución, tráfico de bebés y de órganos, apariciones de la virgen y contrabandos diversos; en el juicio comparecen tam-bién sus cómplices, víctimas y el investigador del caso. Los cuba-nos El ciervo encantado elige como tema de Rapsodia para el mulo el asunto de la carga. La vida y la fe, la supervivencia de uno y el país entendidos como carga. Se enmarcan dentro de esta temática también los paraguayos En Borrador... teatro en construcción con Entre A y B al tiempo que los bolivianos Textos que migran llevarán a cabo el montaje Los B. Apolíticas Consdieraciones Sobre el Na-cionalismo Vol.I, donde narran la historia social reciente de Bolivia encarnada en una familia en decadencia.

La representación españolase compone con la participación de cuatro compañías. Albanta escenificará Cádiz en mi corazón: Pos-tales de un viaje imposible, una pieza que el dramaturgo cubano Abel González Melo ha escrito expresamente para el grupo, una obra más cercana a la comedia que las anteriores del grupo, acos-tumbrado a una línea teatral más dramática. Por su parte, Insec-totròpics, compañía creada en 2011 a raíz de la unión de artistas de diferentes ámbitos y lenguajes con ganas de experimentar en la creación colectiva, presentará su ópera prima La caputxeta ga-làctica, un espectáculo de arte multimedia que versiona el cuento clásico de ‘Caperucita roja’. La tristura llevará a escena Materia prima, un trabajo que es el resultado de un largo estudio sobre la herencia, la educación y el futuro que empezó en 2004 y. culmina con este espectáculo, dando fin a la llamada Trilogía de la Educa-ción Sentimental. A estos tres montajes se une Utopía de María Pagés, una pieza sobre la solidaridad, el compromiso, el exilio, la fugacidad de la vida y sobre la necesidad de la imaginación y el idealismo como motores necesarios para el cambio.

La programación se completará con propuestas de compa-ñías venidas de Perú, Argentina, Costa Rica y Portugal aunque el grueso de la programación lo protagonizarán las compañías brasileñas, entre las cuales hay estrenos destacables como Fausto de la Compañía de Variedades St. George dirigido por Claudia Schapira y GeorgetteFaddel, pieza que conmemora los 15 años de la compañía y también intenta comprender las for-mas y las relaciones forjadas por las fuerzas propulsoras en el mundo contemporáneo. A esta primera se suman, Nossa Senhora dans nuvens del Grupo de Teatro Clowns de Shakes-peare, última parte de la trilogía del exilio, donde investigan las relaciones de la memoria e identidad sumando también las experiencias provocadas por el golpe militar brasileño de 1964 y Stereo Franz de [pH2]: Estado do Teatro montaje que es el resultado de las investigaciones de la compañía sobre la obra ‘Woyzeck’ del alemán George Büchner.

La imaginación del futuro de Teatro La Resistencia ©La Re-sentida



Bajo el lema “25 años de MIMs, 25 años de grandes recuerdos” la Mostra Internacional de Mim a Sueca celebrará su veinticinco ani-

versario del 17 al 21 de septiembre motivo por el que se presenta con una programa-ción muy especial.

“Es una edición conmemorativa y festiva que pretende ser un homenaje al público y a lo mejor del teatro del gesto. El público podrá revivir la emoción que en su día le produjo el descubrimiento de determina-das propuestas artísticas” apunta Abel Guarinos, director del MIM para añadir que “de igual manera que podemos escuchar varias veces un mismo CD que nos gusta, podemos, ver, a lo largo de nuestra vida, diversas veces el mismo espectáculo que nos haya emocionado o divertido de una manera especial, sobre todo si se tratara

de espectáculos tan contrastados en todo el mundo como la mayoría de los que ten-dremos este año en el MIM”.

Y es que esta nueva edición organizada por la concejalía de cultura del Ayuntamien-to de Sueca volverá a acoger espectáculos que se han estrenado o programado en este cuarto de siglo del festival y que to-davía están en cartel o se han repuesto o ampliado para la ocasión.

Pese a la imposibilidad de reunir en cinco días todos los espectáculos imprescindibles que forman parte de la historia del festi-val, Guarinos afirma que “sí que son todos los que están”. Es el caso de Desafiando la gravedad del mítico clown Avner Eisen-berg “The eccentric” que vuelve a Sueca con el espectáculo que estrenó hace treinta años en Broadway y tras haber cosechado éxitos por todo el mundo. Vuelve también

el 666 de Yllana, estrenado en su novena edición y que la compañía pondrá en esce-na además de su último trabajo, The Gagfa-ther, un homenaje al mundo de los bajos fondos desde la perspectiva del humor que les caracteriza.

Repite en el MIM Ras! espectáculo multi-disciplinar para público familiar que conjuga teatro, danza y artes plásticas con el fin de poner las nuevas tecnologías al servicio de un juego escénico estimulante y mágico de la compañía suecana Maduixa Teatre. Vuelve también la propuesta de la catalana Cor de Teatre, Operetta, una divertida manera de adentrarse en el género operístico a través del humor y la música a cappella y cuyo ger-men se presentó en la 17 edición con el títu-lo de ‘Hop!’ aunque ahora vuelve con alguna que otra diferencia, entre otras: entonces eran 7 actores-cantantes, ahora son 22.

XXv Mostra internacional de MiM de sueca

Bombones escénicos para celebrar un cuarto de siglo

La programación se compone de algunos de los mejores espectáculos que han pasado por el Mim durante sus veinticinco años

Ras! de Maduixa Teatre © Jordi Pla




Otra de las obras que repite en sueca es Els Tornejats de Sueca de Los Bailes de es-colta de la Mare de Déu, un espectáculo de danzas guerre-ras medievales teatralizadas que desde su presentación en el MIM de 2004, Sueca recupe-ró como parte de su tradición.

Comediants por su parte presentarán 25 años de MIM, ven a soplar el pastel, una adaptación para la efeméride del espectáculo teatral y par-ticipativo ‘Pastís d’aniversari’ ‘que fue estrenado en 2002 con motivo del 50 aniversario del Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

Otro espectáculo de calle, en este caso de la joven compañía valenciana La Fam, La guillotina de Marat/Sade, Capocómico del italiano Marco Carolei y tres propues-tas de la francesa Claire, Barco de arena, La sonrisa del náufrago y De paseo. Tam-bién se podrá disfrutar con La Bella Tour y su espectáculo del mismo nombre, dos piezas de danza, Te odiero y Je te Haime de la compañía HURyCAN o la reposición de Rico, rico, rico un espectáculo gamberro y

“guarriclown’ de Teatro Salitre que vuelve al MIM veinte años después.

Esta nueva edición del MIM continúa también con el objetivo de servir de pla-taforma de promoción a las compañías va-lencianas por lo que un año más, algunas de ellas estrenarán sus nuevos espectá-culos en Sueca. Es el caso de Habitación 801 de Lucas Locus, evolución de la pieza corta sobre la locura que la compañía es-trenó hace tres años en el festival con el título de ‘La mente de Vicente’ o La mòmia, último montaje del Circo Gran Fele, Premio

Nacional de Circo de 2008.La programación de esta

edición especial se completa con la exposición ‘25 años e MIMs, de caricias y recuer-dos’ que durante el festival conver tirá a la Sala Municipal de Exposiciones Els Porxets de Sueca en el lugar donde encontrar recuerdos, dese-chos y algunos pequeños de-talles que han acompañado la historia del festival. Trípticos, catálogos y car teles del festi-val se exponen acompañados de cosas algo más curiosas

como un MIMcolgante, xocoMims y todos aquellos objetos que a los espectadores les traiga recuerdos del MIM y quiera colgar o ubicar en esta emotiva exposi-ción. Una atractiva programación “llena de bombones escénicos” para celebrar el primer cuar to de siglo de una cita que, en su especialidad, está considerada como uno de los tres festivales de tea-tro gestual y corporal más impor tantes de Europa junto con el festival MIMOs de Periguéux, Francia y el London Mime Festival.

Rico, rico, rico de Teatro Salitre



Espectáculos de los géneros más va-riados, teatro, danza, circo, teatro de objetos, magia, tiovivos y curio-sidades conforman la programa-

ción de la decimoquinta edición del Festival de las Artes Enclave de Calle de Burgos que los días 19, 20 y 21 de septiembre convertirá la ciudad en una fiesta para los sentidos.

El Parque del Parral volverá a convertir-se en sede oficial del festival y lugar en el que este año se instalará la carpa de Cie. Rasposo que harán las delicias de todos los públicos con Morsure, un espectáculo de circo contemporáneo en el que el equi-librio en el cable y en la barra rusa y las acrobacias, acompañadas con música en directo capturan fragmentos de vida. En este espectáculo, la compañía francesa, con más de veinticinco años “en la carrete-ra”, presenta a seis actores y tres músicos que agitan con delicadeza la ferocidad de las relaciones humanas en una carpa con-vertida en un espacio íntimo con guiños al cine asiático de Wong Kar Waï y a Fellini.

También desde Francia llega Zampanos con una delicada propuesta, Le petit circle boiteaux de mon imaginaire, un homenaje al circo de Calder en el que el circo y el tea-tro de objetos se entrecruzan para ofrecer una velada llena de poesía y ternura en una pista de tan solo metro y medio. También en un espacio cerrado, en este caso una caravana, se presenta Clap de los también franceses Cie Le bruit sfumato, un es-pectáculo de cine sensorial a la vez que un concierto homenaje a los antiguos circos. Completa las propuestas ubicadas en el Pa-seo de Marceliano Santa María, todas ellas de aforo limitado, el Teatro de Autómatas en la que en el interior de una antigua car-

pa portátil 35 autómatas tallados en ma-dera policromada ofrecen espectáculos de feria de principios del siglo XX.

Los espectáculos realizados en un espa-cio de aforo limitado, en este caso ubicado en el Monasterio de San Juan, se completan con Rudo de Manolo Alcántara un home-naje al esfuerzo físico a través de equilibrios imposibles que se presentan acompañados de música en directo creando una atmós-fera íntima que atrapa al público, que es invitado a compartir los peligros y anhelos de la vida.

Un año más el festival convierte a la Plaza de la Libertad en ‘La Plaza de los Ingenios’ donde se instalarán varias compañías como Theatre de la Toupine con La Cabane de jardin, un tiovivo-teatro ecológico fabricado con cuero, alambre, madera y piedras en el que los más pequeños podrán realizar un viaje a través de un jardín imaginario cui-

dado por una actriz-jardinera. La Cie. des fourmis dans la lanterne presenta con Clic un gran CinéMarionnettoGraphe de las hormigas, el teatro itinerante más pequeño del mundo, un pequeño e íntimo homena-je a los grandes del cine mudo. Diversos pases diarios realizará también Miguelillo de La Señorita Lupierre una obra breve en la que a través de la historia más bella y trágica jamás contada el público viajará a otro tiempo, donde la cercanía y el miste-rio están presentes en todo momento, al igual que Tombs Creatius que a través de un teatro de feria el público podrá co-nocer El extraño viaje del Sr. Tonet, en el que a través de objetos, utensilios y ma-teriales diversos reconstruirán algunas de sus historias. Encuentros y desencuentros con Errático Swing es un espectáculo de títeres de Errabundo Pelele compañía de Títeres Errantes, una obra que tiene

Xv Festival de las artes enclave de calle de burgos

Tres lustros de teatro en las calles de Burgos

Organizado por el Ayuntamiendo de la ciudad, esta edición ofrecerá más de cien representaciones escénicas

Rudo de Manolo Alcántara




como protagonistas a una vieja maleta, algunas notas de swing y sentimientos atrapados en una época, la nuestra en la que lo virtual ha tomado tal vez demasiada relevancia.

estrenos y coMpañías burgalesas

Un año más el festival acoge varias producciones locales, al-gunas de ellas estrenos, de compañías que han ido creciendo junto al festival y se han convertido en una parte importante de la cita burgalesa. Destaca entre ellas el estreno de una produc-ción del propio festival El BUS de la magia, en la que los magos de cerca Óscar Escalante, Martilda y Héctor Sansegundo harán desaparecer cartas, volar monedas, y muchas otras cosas en los autobuses de la línea 1 que unen el centro de la ciudad con Gamonal. También estrenan espectáculo Teatro Entre Escom-bros, Camila y Costas, 600 motivos, un cuento sobre la vida, la amistad y sobre estar en el lugar apropiado en el momento oportuno. Dos personajes, Costas y Camila y un coche, un Seat 600. Y un estreno más, el de la compañía Debla Danza cuya participación en el festival se remonta al año 2007 y se ha con-vertido en una cita ineludible; esta edición la compañía presen-tan la pieza de danza contemporánea Rewind en el Arco de Santa María. La presencia de compañías burgalesas se completa con otra habitual del festival, Cal y Canto que presentan Abyssal en la Plaza del Rey San Fernando. Inspirada en el cuadro ‘Muchacha en la ventana’ de Salvador Dalí, esta obra recrea las imágenes que esta enigmática mujer pudo ver en el horizonte azulado del lienzo que, se va modificado en tiempo real.

Dos espectáculos más conforman la programación de esta decimoquinta edición. La Cia. La Tal pondrá ante el público asis-tente el espectáculo más grande del mundo convertido, por el paso de los años, en el espectáculo más estrafalario, ridículo, absurdo y extravagante de todos los tiempos. Humor a raudales con The Increíble Box. El arte del mimo y el clown llegan de la mano de Murmuyo que montado en una pequeña bicicleta se presenta acompañado de música, una tarta y champán en Cita a ciegas, elementos con los que el protagonista está dispuesto a jugar con el público ¡Prepárense!

Morsure de Cie. Rasposo ©Florence Delahaye



TNT-Terrassa Nuevas Ten-dencias adelanta sus fechas habituales con una intensa programación del 25 al 28 de

septiembre, cuatro jornadas en las que está prevista la participación de un total de 23 compañías; una edición que será inaugurada con el estreno en el estado español de la última creación de James Thiérrée Tabac Rouge, donde traslada al público a un mundo apocalíptico y delirante.

El teatro de objetos tendrá un prota-gonismo especial en la presente edición gracias a propuestas de compañías tales como Señor Serrano y su pieza A House in Asia western escénico donde la realidad y sus copias se mezclan, la colaboración entre Playground y Xabi Bobés Mons-truos/Objetos de objetos, una búsqueda de la perfección, de la belleza cruda del su-perhombre. David Espinosa y Much Ado About Nothing (mucho ruido y pocas nue-ces) donde cuestiona el teatro y los textos

de Shakespeare con su peculiar propuesta, así como el estreno de la nueva obra de Oligor, La máquina de la soledad. Quien se diera a conocer con la propuesta ‘Las tri-bulaciones de Virginia’, ha creado su nue-va obra en colaboración con la compañía mexicana Microscopía con la que homena-jea al objeto-carta y al correo postal.

Otras coproducciones que se podrán ver en la presente edición serán Bailarina de Sònia Gómez, la pieza-peli-ensayo mul-tigénero Agitador Vórtex de Cris Blanco,

Thank you for dancing un videojuego analógico en vivo que tendrá lugar en las calles de la ciudad y que pro-ponen Les Filles Föllen, Domestica de Sleepwalk Collective o Crossfire una crime movie en que tres almas perdidas bailarán en la gasolinera de un desierto.

Entre otros montajes la programa-ción contempla tres site specifics, las coproducciones La noche se agita de Constanza Brncic un proyecto con

colectivos de gente mayor de Terrassa, N.E.V.E.R.B.E.N.E.U.T.R.A.L. propuesta de la Cooperativa General Humana sobre la lucha obrera que propone una práctica artística a diferentes colectivos de la ciudad para expresar sus reivindicaciones sociales y La Naturaleza y su temblor de Societat Doctor Alonso, un paseo por Terrassa con paradas en diferentes espacios de la ciu-dad en los que los espectadores irán guia-dos por las instrucciones que oirán a través de unos auriculares.

tnt-terrassa nuevas tendencias

El teatro de objetos toma protagonismo en Terrassa

Tabac Rouge de James Thiérrée ©Richard Haughton



Un año más y coinci-diendo con el mes de la vendimia, del 4 al día 19 se desa-

rrollará el programa especial El Rioja y los Cinco Sentidos, organizado por la Consejería de Agricultura, Ganadería y Medio Ambiente del Gobierno de La Rioja festival que tiene como objetivo la divulgación de la cultura del vino. Activida-des de carácter cultural como concier tos, espectáculos tea-trales, de danza y musicales, exposiciones y proyecciones de películas se intercalan con cursos de cata, catas teatralizadas, de-gustación de alimentos así como iniciati-vas para disfrutar en familia.

Sin poder abarcarlo todo y centrándo-nos en el programa escénico propiamente dicho se llevarán a cabo tres concier tos únicos en el Estado. Los días 5 y 6 de septiembre tendrán lugar las actuaciones del cantautor Ismael Serrano y la banda de pop-rock Dover, respectivamente, am-bos en Radioforum, mientras que el día 13 la banda sueca The Hives inaugurará el Palacio de los Deportes de La Rioja como escenario internacional para esta programación.

El Rioja y los 5 Sentidos ofrece los días 6, 7, 13 y 14 una serie de espectáculos

íntimos ambientados en el marco único e íntimo que son las diversas bodegas y viñedos de La Rioja, asimismo, cada una de las jornadas citadas se llevará a cabo una cata temática. En orden cronológico el día 6 tendrá lugar la cata ‘El vino en el siglo de oro’ así como el espectáculo Sombras chinas de Valeria Giugletti. El día 7 se podrá disfrutar con Tubos del mun-do de Bufa & Sons formación que cuen-ta con Xabier Lozano, Guillem Aguilar y Marc Vila, conocidos por su habilidad en la creación de instrumentos musicales a partir de cualquier tipo de objeto y la cata temática ‘Crimen entre barricas’ donde los participantes deberán descubrir al asesi-no durante un intrigante recorrido por las

instalaciones de la bodega, o la propuesta flamenca Me va gustando interpretada por los bailaores Marcos Vargas, Chloé Brulé, el ac-tor Fernando Mansilla y el cantaor Juan José Amador.

El día 13 las Funamvio-listas llevarán a cabo Vino, madera y cuerda, donde tres actrices emocionan a través de la combinación de un gran abanico de disciplinas artísticas, todo ello sirvién-dose de sus instrumentos de cuerda, creando una fusión acrobática. En esta jornada

la cata temática cuenta con la agrupación Volpinex y el espectáculo ¡Bang! propio de los clásicos western, con la proyección de los denominados ‘Celuloides rancios’ de Jardiel Poncela.

Los títeres y la magia serán protagonis-tas de la jornada del 14. Michèlle Nguyen escenificará La vida de una marioneta espectáculo que ofrece un viaje sencillo y hermoso que los espectadores vivirán como propio recordando sus sueños, sus miedos y sus anhelos. Las pompas de ja-bón, los colores y la cata se convertirán en magia con David Vega y su Made in ja-bón un estético ejercicio de pureza crea-tiva que acercará al espectador al mundo de los sueños y la fantasía.

el rioja y los cinco sentidos

Rioja propone un festín artístico para los sentidos

Vino, madera y cuerda de Funamviolinistas




m i s c e l á n e a

Donostia, Irun, Hondarribia, Pasaia, Errenteria, Hen-daia, Azkaine, Biarritz, Donibane Lohitzune, Bidart y Baiona acogerán, del 11 al 28 de septiembre, la quinta edición de Dantza Hirian. El festival se lleva a cabo ín-tegramente en la calle relacionando la danza contem-poránea con la arquitectura y explorando y acercando al ciudadano este arte en sus tendencias más diversas. Junto con las actuaciones también se llevarán a cabo varias masterclass, talleres, un certamen de break-dance, un concurso fotográfico así como un programa de participación ciudadana. Entre las actuaciones ha-brá dos estrenos, Azala de Jordi Vilaseca y Laues-ku de Lasala, ambos proyectos seleccionados dentro del programa artistas en residencia ‘Aterpean’ creado por el propio festival hace 8 años. Entre los artistas participantes estarán las compañías Cielo Raso con Carnaval, Ertza con 4x4, Dantzaz con Chamaleon y Revolution, compañías todas ellas enmarcadas dentro del programa ‘Ibili’, creado también por el Festival para dar visibilidad a compañías y coreógrafos de Aquitania y Euskadi. Además, se podrá disfrutar con Hooked de Lasala, Retrato de Oscar Wilde de Proyecto Titoyaya y ¿Hasta Dónde? de Sharon Fridman entre otras, todas ellas seleccionadas por la red ‘Circuito Acieloabierto’.

El grueso de la programación de la decimoquinta edi-ción del Dantzaldia se desarrollará entre los meses de octubre, noviembre y diciembre pero su inauguración tendrá lugar el 25 de septiembre con la propuesta Ho-oked de la compañía vasca de danza contemporánea Lasala dirigida por judith Argomaniz y compuesta por artistas del ámbito de la danza y la fotografía. Esta pie-za es un extracto de ‘Hooked (still)’, propuesta que ha obtenido sendos galardones en España y Francia. En ellas se refleja la necesidad constante del ser humano en tener una vinculación afectiva con otro ser humano y los efectos que conlleva dicha condición. El lenguaje coreográfico investiga sobre el apego y la dependencia emocional al que estamos expuestos en las relaciones afectivas. A través de esta propuesta intentan apro-vechar y explotar la minuciosidad y la fuerza del mo-vimiento, además de los diferentes estados de ánimo por los que pasan las diversas fases de las que constan tales conductas. Hooked se centra en el mecanismo de reproducción y representación de un concepto. Se estructura en tres escenas muy diferenciadas una de otra por varios factores, tales como la música, el tipo de movimiento, los diversos estados de ánimo y la ac-titud e interpretación.

Dantza HirianDantzaldia

Azala de Jordi Vilaseca©Diego Hernandez

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PROGRAMACIÓN

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11:30h Titiriteros de Binéfar Canciones de Titiriteros (60´) . . . . . . . . . . . . Teatro Arbolé13:00h Ana Continente Retrato Revelado (60´) . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . Teatro de las Esquinas16:00h La Chaminera Esto me suena (60´) . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . Teatro Arbolé17:30h Tarde o Temprano Danza La tiranía de la belleza (50´) . . . . . . . . . Teatro de la Estación19:00h Sinsensatas Mejor Sin (70´) . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . Centro Cívico La Almozara20:00h Crisálida . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . Centro Cívico Delicias20:30h Microteatro Zaragoza Adictos (60´) . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . Teatro del Mercado20:45h La Casa Escénica Marx en el Soho (80´) . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . Teatro de las Esquinas21:00h Insolenzia . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . Centro Cívico Delicias21:30h Dr. Cuti & The Mogambos . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . Sala López21:30h Mabuse y los Compayos . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . Sala López22:00h Despierta McFly . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . La Ley Seca22:00h Maryone Fly . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . Sala Creedence22:00h Hotel . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . Sala Z23:00h The Shimm . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . Sala Pub Eccos23:00h Nacho Estévez . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . La Campana de los Perdidos23.00h Javier Aranda Parias (60´) . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . El Sótano Mágico

09:30h Teatro Arbolé Babel de cuentos (50´) . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . Teatro Arbolé11:00h Esencia Producciones Chef Mostachó (60´) . . . . . . . . . . . . . . . . . . . Centro Cívico La Almozara12:30h La Mov Cía. de Danza El sueño de una noche de verano (75´) . . . . Teatro de la Estación16:00h Cirteani Nautraxtos (70´) . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . Teatro de las Esquinas (Exterior)

17:30h Teatro Los Navegantes Peer Gynt el aventurero (60´). . . . . . . . . . . Teatro Arbolé19:00h Pepe Lirrojo y Pepín Banzo In-Extremis (70´). . . . . . . . . . . . . . . . . . El Sótano Mágico20:00h El Mantel de Noa . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . Centro Cívico La Almozara20:30h Microteato Zaragoza Adictos (60´) . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . Teatro del Mercado20:45h Producciones Viridiana Ligeros de equipaje (90´) . . . . . . . . . . . . . . C. C. Teodoro Sánchez Punter21:00h Olga y los Ministriles . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . Centro Cívico La Almozara21:00h 14KM . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . Centro Cívico Las Delicias22:00h Das Laundromat. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . La Lata de Bombillas23:00h Huesca Big Band . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . La Bóveda del Albergue23:00h Tinglao Fusion Band . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . Sala Roxy23:00h Esparatrapo . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . La Casa del Loco23:00h Oui People. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . El Zorro23.00h Teatro del Temple Arte de las putas (75´) . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . Teatro de las Esquinas23.00h Rubén Jiménez y Juan Dual . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . La Campana de los Perdidos

09:45h Civi Civiac Magic Casting (75´) . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . Teatro Arbolé11:30h Alodeyá Son recuerdos (25´) . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . Teatro de la Estación 12:30h Seis de Trébol El caso Perry (80´). . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . C. C.Teodoro Sánchez Punter16:00h D´Click L´avant Premiére (45´). . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . Teatro de las Esquinas17:30h Caleidoscopio Teatro El abrigo de Yorick (50´) . . . . . . . . . . . . . . . . . Teatro Arbolé19:00h Teatro de La Estación y Actuando sin Red Animalicos (70´) . . . . . . Teatro de la Estación19:00h y 21:30h Microteatro Zaragoza Adictos (60´). . . . . . . . . . . . . . . . . . . Teatro del Mercado20:45h Belladona Teatro Mundo Rotundo (90´). . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . El Sótano Mágico23.00h Clausura con Santiago Auserón . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . Teatro de las Esquinas

teatro danza música

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04 | Entrevista con Marian

06 | Estrenos: Da. Te Danza, Teloncillo, Tí-

teres de María Parrato, Ron Lalá, Gorakada, Producciones Nun Tris y El Espejo Negro

12 | Espectáculos de 0 a 3 años

14 | Espectáculos

18 | Títeres

20 | Circo y otros

22 | Danza

24 | Espectáculos Internacionales

28 | Actividades paralelas

30 | Premios

31 | ACT

El Ayuntamiento de Zaragoza, a través de la Sociedad Munici-pal Zaragoza Cultural, celebra los días 13, 14 y 15 de noviembre de este año la segunda edición del MERCADO DE LAS ARTES ESCÉNICAS, en el que participan grupos aragoneses de músi-ca, teatro y danza que hayan desarrollado o vayan a desarrollar producciones nuevas durante los años 2013 y 2014.

A través de esta cita, el Ayuntamiento de Zaragoza pretende ayudar al sector cultural a hacer frente a la desfavorable co-yuntura que padece el sector: aumento del IVA cultural, des-censo del consumo y de ventas, recorte de ayudas públicas, difi cultades en la captación de créditos... Dentro de este com-promiso con el sector cultural de la ciudad y para paliar el hue-co dejado tras la desaparición de ferias que impulsaban otras administraciones, Zaragoza Cultural impulsó en noviembre de 2013 el primer Mercado de las Artes Escénicas. Más de 120 artista, promotores, distribuidores, programadores y directo-res de festivales de toda España acudieron a conocer la oferta cultural local.

El Mercado se desarrolla en distintos espacios de la ciudad tanto privados como públicos de gestión privada: Teatro de las Esquinas, Teatro de la Estación, Teatro Arbolé, Teatro del Mercado, El Sótano Mágico, Centros Cívicos Teodoro Sánchez Punter, Almozara y Delicias. Igualmente como en la edición pasada, existirá la colaboración con las Salas de Música en Vivo de la ciudad.

Los objetivos del Mercado son la difusión de los grupos ara-goneses de teatro, música y danza, dando a conocer fuera de la ciudad sus nuevas creaciones. También la puesta en valor de los teatros de la ciudad que ejercen con gran esfuerzo su trabajo desde la iniciativa privada y público-privada, dándolos a conocer en el exterior y sirviendo de escaparate para com-pañías, grupos, y distribuidores de otras ciudades españolas y extranjeras.

Del mismo modo el Mercado de las Artes Escénicas pretende ser un lugar de encuentro e intercambio durante tres días de artistas, promotores, distribuidores, programadores y direc-tores de festivales de música, teatro y danza tanto españoles como extranjeros y que puedan generar sinergias de trabajo.

Este suplemento acompaña a la rev istaArtez 199 de Septiembre 2014

04 | Titiriteros de BinéfarAna ContinenteLa ChamineraTarde o Temprano Danza

05 | SinsensatasLa Casa EscénicaMicroteatro de ZaragozaCrisálida

06 | InsolenziaDr. Cuti & The MogambosMabuse y los CompayosDepierta McFly

07 | Maryone Fly HotelThe ShimmNacho Estévez

08 | Javier ArandaTeatro ArboléEsencia ProduccionesLa Mov Cía. de Danza

09 | CirteaniLos NavegantesProducciones TeatralesPepe Lirrojo y Pepín BanzoProducciones Viridiana

10 | Teatro del Temple El Mantel de NoaOlga y los Ministriles14KM

11 | Das Laundromat Rubén Jiménez y Juan DualTinglao Fusion BandHuesca Big Band

12 | Oui People EsparatrapoCivi CiviacAlodeyá

13 | Seis de TrébolD´ClickCaleidoscopio TeatroTeatro de La Estacióny Actuando sin Red

14 | Belladona TeatroSantiago AuserónDirecciones de las Salas

15 | Otras compañías y grupos

Sociedad MunicipalZaragoza Cultural

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NOVIEMBRE 13 14 15

TITIRITEROSDE BINÉFAR

CANCIONESDE TITIRITEROS

Teatro Arbolé / 11:30h

LA CHAMINERA

CONCIERTO TEATRAL DE MÚSICA Y CIENCIA

Teatro Arbolé16:00h

ANACONTINENTE

RETRATOREVELADO

Teatro de lasEsquinas / 13:00h

TARDE O TEMPRANO DANZA

LA TIRANÍA DELA BELLEZA

Teatro de la Estación17:30h

Se trata de un concierto de las canciones que vienen usando Los Titiriteros de Binéfar y que han tenido éxito entre sus seguidores: La Despelona, Un elefante se co-lumpiaba, Una, dola…, Antón pirulero, Todo el mundo en esta fiesta. Se incluyen también otras canciones menos habituales cuya propuesta consideran adecuada para el público sentado como son: Periquituli, San Antonio y los pajaritos, o La portera de mi casa.Para la puesta en escena de las melodías usan títeres y otros elementos. En resumen: Una fiesta a lo grande pero esta vez dentro de un teatro.

www.titiriteros.com

¿Qué tiene que ver la flauta de Bartolo con el arco iris? Pitágoras ¿fue antes músico, matemático o astrónomo? ¿Por qué la zambomba es un resumen del cosmos? ¿Es el theremín un instrumento que se toca sin tocarlo? ¿son las flautas de hueso de hace 40.000 años como las actuales? ¿Cómo escuchaba Beethoven la música de su piano des-pués de quedarse sordo? Este concierto dará respuesta a estas y otras muchas preguntas de forma divertida, con un montón de ejemplos musicales en directo interpreta-dos con instrumentos convencionales, populares e insó-litos. La música, incluso la más sencilla y popular, está asociada a procesos que nos remiten a múltiples facetas de la Ciencia: física, matemática, lingüística, sociología, psicología, antropología... Como en la danza, todo consis-te en dejarse llevar.

www.chaminera.com

Un espectáculo de Danza Teatro que se inspira en el tiem-po y la memoria, en cómo vivimos el presente con la mi-rada puesta en el pasado para reconocernos y en el futuro para alimentar nuestra necesidad de evolucionar sin nos-talgia ni pesar. El tránsito del tiempo como una experien-cia que viaja desde la nostalgia, melancolía, casi el dolor, para convertirlo en una fiesta y en una celebración. Para dar forma a esta parábola Ana Continente cuenta con tres intérpretes de la tierra que han pasado por su escuela. Los actores-bailarines Macarena Buera y Manuel López, que representan el pasado, la frescura, la juventud; y la bailarina Ana Martín que representa el placer de lo ines-perado que nos saca de los recuerdos y nos lanza al futu-ro. “Un retrato y un cumpleaños pueden desvelar nuestra identidad pasada, presente y futura”.

www.anacontinentedanza.com

La compañía Tarde o Temprano Danza reflexiona sobre el canon de belleza en la sociedad actual. El culto al cuerpo se ha convertido en una obsesión. El cuerpo humano ha perdido su auténtica naturalidad. En la era de la imagen, la eterna juventud se ha impuesto en la estética como el ejemplo a seguir. Las arrugas, las curvas, las grasas, los pelos y la imperfección son el enemigo a batir, ser físi-camente perfecto parece ser el único sinónimo válido de éxito, felicidad o salud. “La irregularidad, es decir, lo inesperado, la sorpresa o el estupor son elementos esenciales y característicos de la belleza.” Charles Baudelaire.Proyecto de residencia artística en colaboración con el Teatro de la Estación.

tardeotempranodanza.wix.com/tardeotempranodanza

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NOVIEMBRE 13 14 15

Una visión ácida y crítica desde el humor borde de ciertas sesiones de terapia,dominadas por absurdos y extravagantes gurús.El público puede participar como uno más de los asistentes a la terapia o disfrutarlo desde la comodidad de la distancia del patio de butacas.Aromas, músicas relajantes, ejercicios...Todo un espectáculo! Otro... ¡Todo un espectáculo!

MICROTEATROZARAGOZATeatro del Mercado 13-14 (20:30h)

15 (19:00h/21:30h)

ADICTOS

SINSENSATAS

¿MEJOR SIN? REFLEXIONES DE UNA MADRE ARREPENTIDA… A RATOS

Centro Cívico La Almozara 19:00h

¿Puede la cigüeña acabar en el paro? ¿Es posible arre-pentirse abiertamente de haber tenido hijos? Tres actri-ces zaragozanas Marissa Nolla, Nuria Herreros y Rosa Lasierra vuelven a presentar una mirada divertida y áci-da sobre un tema de actualidad: LOS HIJOS. ¿SON UNA TRAMPA?Para padres, para madres, para hijos, para los que tienen, para los que no pueden, para los que no quieren, para los que tendrán… Un guiño a la crisis… de la maternidad. Así que: ¡Cuidado con la cigüeña!... los cañonazos de las SIN-SENSATAS podrían dejar sin plumas a la zancuda.

LA CASA ESCÉNICA

MARX EN EL SOHO

Teatro de las Esquinas20:45h

A Karl Marx se le permite volver a la tierra durante una hora aproximadamente. Por un error burocrático aparece en nuestra ciudad, en lugar del Soho de Londres, don-de había vivido con su familia. A partir de allí la obra lo muestra luchando para aclarar conceptos y contándonos una parte significativa de su vida personal, además de re-flexionando sobre nuestra sociedad actual, -un Karl Marx desconocido, con latidos de humor chispeante y agudo, erudito y original.-La Casa Escénica es un nuevo proyec-to de producción teatral que nace con el deseo de apor-tar cauce a propuestas artísticas sencillas y coherentes, haciendo hincapié tanto en el fondo como en la forma, y buscando siempre el rigor artístico. Hacemos bandera del discurso consecuente y de la especial búsqueda de sentido social en cada una de las propuestas.

www.lacasaescenica.wordpress.com

©Francho

CRISÁLIDA Centro Cívico Delicias20:00h

La formación de rock CRISÁLIDA presenta nuevo disco, que lleva por título La Revolución de Terciopelo. El EP ha sido grabado y producido íntegramente por el grupo, y como ingeniero de sonido y mezcla han contado con Gui-llermo Marín, brillante productor y técnico aragonés que ha mezclado y masterizado el proyecto entre Zaragoza y Berklee. El diseño gráfico ha sido realizado por XCAR Malavida, y las fotografías han sido tomadas por V. Mo-nahan. El videoclip de nuestro single El Tren del Ayer, ha sido dirigido y producido por Luis Franganillo y su equipo. Gracias a este trabajo han obtenido el galardón al mejor EP en los XIV Premios de la Música Aragonesa (2013). www.crisalidarock.bandcamp.com

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INSOLENZIA

CON EL MUNDOENTRE LAS PIERNAS

Centro Cívico Delicias21:00h

INSOLENZIA lleva desde el año 2000 defendiendo su rock de cuidadas letras, enérgicas guitarras, y la acertada combinación de una excelente voz femenina con una voz masculina rasgada y cruda. Tienen publicados cinco tra-bajos: Alea iacta est (El Lokal, 2002), Lluvia y sol (Carcaja-da Records, 2007), La boca del volcán (Carcajada Records, 2010), Me quema el sabor de tus ojos (Carcajada Records, 2011) y el último, Con el mundo entre las piernas (Carca-jada Records, 2013). Con estos tres últimos es cuando in-ventan el concepto de disco-novela, incluyendo una nove-la que complementa el disco y en la que cada canción se corresponde con un capítulo del libro; así se han metido en un ambicioso proyecto rockero-literario que les está llevando a tocar por todo el país.

www.insolenzia.es

DR. CUTI &THE MOGAMBOS

Sala López / 21:30h

Juan Ramón Vericad, Cuti, se ha sacado de la chistera un proyecto de música de New Orleans. Incluso el nom-bre de la banda –Doctor Cuti and The Mogambos– reve-la esa intención de reivindicar el legado sonoro de tipos como Dr. John, Professor Longhair, Fats Domino o Neville Brothers. Y, para darle un punto de colorido visual a la cosa, Cuti aparece maquillado de espectro del carnaval del Mardi Gras y con el teclado adornado con calaveras, mientras sus sempiternos compinches Guillermo Mata (bajo) y Fletes (percusiones) van ataviados de explorado-res con salacot.

DESPIERTA McFLY La Ley Seca / 22:00h

Despierta McFly es la denominación de la banda liderada por los músicos Jorge Martínez y Joaquín González. Un grupo con bagaje militante en el Rock and Roll ibérico. Una gran frescura en sus composiciones, calidad literaria y gran energía en las tablas, avalan a esta formación que tiene su gran baza en un directo que no pasa desapercibi-do allí donde lo llevan.Se fue Distrito 14, despierta McFly. ¡Estamos a salvo! Al este del Moncayo puede seguir oyéndose rock carnoso de siempre. Burning, Mermelada, los Stones de los prime-ros setenta, Lou Reed, Faces, la Allman... se traslucen en este cuarto álbum de los turiasonenses en unas cancio-nes tan vitales como transparentes.

www.despiertamcfly.com

MABUSE Y LOSCOMPAYOS

Sala López21:30h

Mabuse & Los Compayos acaban de finalizar la graba-ción de su primer disco Cantes de ida y revuelta es la culminación de un proyecto que se inició hace tres años con los encuentros musicales entre Paul den Holder y Rodrigo J. García a los que posteriormente se unió José Luis ‘Fletes’. Propusieron participar a Daniel Rabanaque, y dijo que sí. Imaginaron un cuerpo rumbero que les jalease hasta los cielos formado por Konstan Pradas, Javier López y Eva Lago. Y lentamente, como se hacen las cosas que desti-lan cariño, el sonido cada vez fue más compayo. Se trata de un álbum abierto a los ritmos gitanos, las negruras musicales, la poesía y algunos cantares. Rumba, samba, blues, tangos, funky, bulerías... palos diversos, hermana-dos con respeto y devoción a lo poético.

www.es-es.facebook.com/RodrigoMabuseYtheCompayos

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HOTEL

TIEMPO DE LUZ

Sala Z22:00h

Tiempo de luz es el primer larga duración de HOTEL, pero apenas son necesarias un par

de canciones para darse cuenta de que no estamos ante un grupo neófito que expresa sus primeros balbuceos en busca de un sonido y de una identidad; se trata de un só-lido trabajo que muestra la evolución y maduración de la banda zaragozana, tras la experiencia acumulada en los dos EP’s que grabaron entre 2008 y 2011, La suite de Marc Star y Mujer satélite, este último producido por Yosu R. García (La Tercera República, Tequila, Loquillo).

En su música podemos hallar las huellas de Chris Robin-son y los Black Crowes, de Neil Young y otros adalides del rock de sabor genuinamente americano, de los Faces de Rod Stewart…

www.hotel-musica.com

La loca de los hits y las pelucas.Residente en la Sala Boite Hits en Florida 135 (Fraga-Huesca) MARYONE FLY nació en el año 1988, cinco años más tarde de que abriera las puertas el Malaka Disco-pub. Este bar situado en La Almunia de Doña Godina ha sido y es el culpable de la adicción que Maryone arrastra por la Música. Aparte de sus pelucas, en su maleta nunca faltan los éxitos más fuertes de las mejores décadas.

MARYONE FLY

Sala Credence / 22:00h

The Shimm es un grupo aragonés-neozelandés de pop-rock melódico (les gusta llamarlo “pop luminoso”) con influencias que van desde Weezer, Beatles, Ash, These Animal Men o The Smiths hasta Teenage Fanclub, Pink Floyd y Radiohead entre otros. Se formó en Auckland (Nueva Zelanda) en el año 2005. A finales de 2008, “Eyeball” (su cantante y compositor) se tras-ladó a Zaragoza con su familia y comenzó a buscar nuevos músicos con los que crear un nuevo The Shimm. Se incor-poran Esperanza Faci al bajo, Richi Pérez a la guitarra solista y Miguel Sanjuán a la batería. Tras granar el II Concurso de Aragón Musical Radio en el 2011, grabaron su segundo traba-jo, Overlap. Ese mismo año quedan en la tercera posición del concurso Ambar Z Music 2011. Actualmente, es una forma-ción estable, preparada para afrontar nuevos proyectos.

www.myspace.com/bandshimm

THE SHIMM Sala Pub Eccos23:00h

NACHO ESTÉVEZ

CUANDO TOCO BIEN LA BOCA ME SABE A SANGRE

La Campana de losPerdidos / 23:00h

Una cita de la cantaora Tía Anica la Piriñaca cuando canto bien, la boca me sabe a sangre da título al debut disco-gráfico de Nacho Estévez, guitarrista flamenco zaragoza-no que se estrena en solitario. Durante años, Nacho ha formado parte del Alejandro Monserrat Grupo, formación flamenca con tres discos publicados, pero también ha colaborado con grupos de folk como Biella Nuei, de rock (Malamente, Los Cármenes), de música electrónica (DAB) o con Bunbury o Navajita Plateá.En La boca me sabe a sangre plasma las experiencias acu-muladas a lo largo de los últimos años a través de siete com-posiciones de honda raíz flamenca: guajira, soleá, bulerías, taranta, farruca, tangos y rumba. Sin perder de vista las esen-cias, pero mostrando un estilo personal. Habla a través de su guitarra y su música tiene el sabor de la sangre flamenca.

producciones.siamm.es/nachoestevez.html

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TEATRO ARBOLÉ

BABEL DE CUENTOS


A través de versos sonoros y cantarines que permanecen en el recuerdo de nuestros niños durante toda su vida, Babel de Cuentos se adentra en el mundo de la diversi-dad lingüística. La niña que riega la albahaca y El príncipe preguntón de Federico García Lorca, la fábula de Histo-ria de burros de Juan Ramón Jiménez o el curioso caso del Culete rebelde de Omar Pompeyo son algunos de los cuentos que recoge la representación. Nuestro objetivo con Babel de Cuentos es que el niño comprenda no solo la utilidad de aprender otros idiomas, sino el placer y la diversión que supone comunicarse en lenguas distintas, compartiendo otros conocimientos y formas de mirar el mundo. El niño gana confianza en sí mismo y su autoesti-ma se ve reforzada cuando es capaz de entender y comu-nicarse con otras personas y en otros idiomas.

www.teatroarbole.es

ESENCIAPRODUCCIONES

CHEF MOSTACHÓ

Centro Cívico La Almozara11:00h

Chef Mostachó y su ayudante Pintxo están de visita en tu localidad: el Chef Mostachó viene dispuesto a mostrar las delicias de la gran cocina internacional. Pero los niños, ayudados por Pintxo, le demostrarán que lo mejor son las recetas sencillas hechas por uno mismo y con productos locales.Sin embargo, el Chef no se cree del todo que los chavales puedan llegar a ser cocineros y para demostrarle que es-tán preparados deberán superar diversos retos y prepa-rar el plato que el Chef les propone… ¿Serán capaces?Con El Chef Mostachó, los niños y no tan niños participan se divierten jugando juntos, cantando y cocinando. De la mano de nuestros estrafalarios personajes preparar una sabrosa merienda que se convierte en una gran aventura.

www.esenciaproducciones.com

LA MOV CÍA DE DANZAEL SUEÑO DE UNA NOCHE DE VERANO


Sueño y realidad, amor y mucha magia. Son los cuatro pilares sobre los que se asienta El sueño de una noche de verano, que con motivo del 450 aniversario del nacimien-to de William Shakespeare, LaMov traduce al mundo del ballet. A través del movimiento narra la historia de amor de varias parejas, con sus sufrimientos, sus deseos y sus miedos, con sus argucias de enamorados. Todos se bus-can, se entrelazan y se aman enzarzándose. Y todo ocurre en el bosque, el espacio para la fantasía y exaltación de los sentidos, donde se desbocan los deseos, el lugar má-gico en el que el amor suelta sus amarras, en el que todo puede ocurrir. El sueño y la realidad se funden, la trage-dia y la comedia amorosa se confunden… Locura, amor y poesía que dura toda una noche que culmina cuando que-dan resueltos los pesares y sufrimientos del amor.

www.lamov.es

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JAVIER ARANDA

PARIAS

El Sótano Mágico23:00h

Un espectáculo de títeres para adultos donde la relación entre el muñeco y el titiritero llega a un grado de intimidad que estremece. En Parias los títeres son el símbolo brillante de la degradación y la marginación del ser humano; Hamlet, El tiranicida, Los miserables y La cantante calva cuatro microhistorias que conmueven y obligan a la reflexión. Parias retoma temas y vías del teatro clásico, devolviendo al escenario su función social. Muñecos hechos de cartón y tela que se funden con el actor, que hablan con él, danzan con él, se apoderan de él… Y nos arrancan la sonrisa, nos contagian sus emociones, nos hacen cómplices de sus historias y sus mundos.

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COMPAÑÍA CIRTEANI

NAUTRAXTOS

Teatro de las Esquinas(exterior)16:00h

Tras una dura selección entre cientos de aspirantes, cuatro son los elegidos para realizar las pruebas espe-cíficas para los entrenamientos que dan paso a la misión espacial.Ejercicios gravitacionales, pruebas de flotación sin flota-dores, ecuaciones matemáticas trigonométricas, planos y antiplanos, la materia y el vacío. Todo hasta ser nom-brados Nautraxtos. Ya están preparados para su primer viaje. Por fin harán su primera salida espacial. Los cinco componentes, cuatro nuevos Nautraxtos y su instructor se disponen a viajar por otros planetas, su objetivo princi-pal es buscar un nuevo lugar donde colocar su bandera. Sin darse cuenta y debido a un error de órbita aterrizan de nuevo en la tierra pero para ellos cada rincón es igual de desconocido que cualquier otro planeta.

www.ciacirteani.com

LOS NAVEGANTESPRODUCCIONESTEATRALES

PEER GYNT,EL AVENTUREROTeatro Arbolé17:30h

Peer Gynt, el aventurero tiene un único y claro objetivo: mostrar un mar de emociones y sensaciones en un es-cenario casi desnudo. Sobre una escenografía que más que definir sugiere, el amor, la mentira, la crueldad, el humor e incluso la muerte van cobrando vida en cada una de las situaciones que marcarán el devenir de nuestro protagonista: Peer. En una sociedad cada vez más deshu-manizada y en la que para muchos jóvenes lo virtual tiene más protagonismo que lo real, sentimos la necesidad de mostrarles que el teatro todavía puede emocionarnos, emocionarles, y que sólo a través del teatro podemos vivir o revivir experiencias únicas, más próximas a lo real que a lo virtual. Nosotros nos hemos emocionado creando esta obra. Ahora esperamos que vosotros también os emocio-néis junto a nosotros.

www.teatrolosnavegantes.com

PRODUCCIONESVIRIDIANA

LIGEROS DEEQUIPAQUE

C. C. Teodoro Sánchez Punter / 20:30h

Ligeros de equipaje son los trozos rotos de la memoria de alguien que recuerda sin querer recordar, de alguien que cuenta sin querer contar, que relata su vida sin saber si miente, porque todo es demasiado absurdo para ser creí-do… En aquel éxodo del 1939 en el que casi medio millón de personas cruzaron, a través de los Pirineos, la frontera francesa. Había restos del ejército republicano, pero tam-bién población civil, muchas mujeres y niños. Ligeros de equipaje pretende, con una historia de ficción creada con multitud de crónicas y testimonios, recuperar la verda-dera historia de cientos de miles de personas. Una his-toria casi olvidada, perdida en el tiempo. Una crónica del hombre común, aquel que no aparece en los libros, aquel que sufrió el cruel exilio. Una historia de ficción basada en cientos de historias reales.

www.viridiana.es

PEPE LIRROJO &PEPÍN BANZO

IN - EXTREMIS


Pepe y Pepín… Pepín y Pepe… Llevan al extremo todas y cada una de las ramas del ilusionismo… cartomagia, mentalismo, escapismo, faquirismo, espiritismo… viven sus versiones más estrambóticas de la mano de este dúo sin par. Cena Extrema... nuestra particular última cena…. milagros, multiplicaciones, desapariciones…. de panes, de peces… Cartomagia Extrema: Cartomagia sin sentido y sin sentidos. Mentalismo Extremo: lo que viene hacien-do un mentalista al uso…. pero llevándolo al más alocado extremo. Escapismo Extremo: Dos personas, animales o cosas…. totalmente inmovilizadas por los espectadores.Faquirismo Extremo: cuchillos, agujas, cuchillas de afei-tar puercoespines, penetran en nuestro organismo para el deleite de los asistentes.

www.pepinbanzo.com / www.pepelirrojo.com

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OLGA Y LOSMINISTRILES

Centro Cívico La Almozara / 21:00h

El grupo Olga y los Ministriles se presenta ante el públi-co en el Festival Internacional del Castillo de Aínsa 2009, cosechando una excelente crítica. Nace con la intención de mostrar una visión más personal de la música popu-lar aragonesa, donde se mezclan los instrumentos más autóctonos y ancestrales que se tocan en los dances pi-renaicos, con la magnífica voz de Olga Orús, una de las mejores voces del panorama de la música folk española. Sus temas, de composición propia y del folklore aragonés, reflejan el compromiso, que desde hace tantos años, tie-nen algunos de sus componentes con la difusión de nues-tra música tradicional.

www.olgaylosministriles.es

14 KM Centro Cívico Delicias / 21:00h

Proyecto de cooperación de los festivales Pirineos Sur (ESPAÑA) y Festival L`Boulevard (MARRUECOS). 14 KM está formado por tres músicos de España (Momo, Mon-cher, y Gordo del Funk) y tres marroquíes (Khalid Mouk-dar, Anas Chlih y Hassan Krifa). Destaca la versatilidad instrumental de esta formación, que combina el trabajo de productor y la bases electrónicas de Gordo del Funk, con elementos acústicos como el trombón y guitarra, y con instrumentos tradicionales marroquíes como el laud, gembri y la percusión. Los líderes vocales son Momo y Khalid, dos voces versátiles que fusionan el rap con el rock, el reggae y el punk. Fusión musical de dos estilos muy diferentes, y unos textos con un alto contenido social. Un constante viaje musical de uno y otro lado del estre-cho, pero con proyecto común.

www.pirineos-sur.es/artistas/?artista=435

©Ignacio Galarraga

DAS LAUNDROMAT

La Lata de Bombillas / 22:00h

Das Laundromat es un grupo de indie-rock creado en Zaragoza en los fríos días de enero de 2012. Pasan las armonías de los 60s (Beatles, Byrds, Love) por el filtro del indie de los 80s y los 90s (Dinosaur Jr., Sebadoh, Teenage Fanclub) para conseguir un sonido que a todo el mundo emociona. Graban su primer disco durante la última mitad de 2013 y comienzan a presentarlo en los primeros meses de 2014 en sitios míticos como La Lata de Bombillas con acogida muy positiva por parte de Capitán Demo de Radio 3 y Comunidad Sonora de Aragón Radio.

Bandcampwww.facebook.com/DasLaundromatmusik

TEATRO DEL TEMPLE

ARTE DE LAS PUTAS


Arte de las putas, el opúsculo-ensayo-conferencia de Ni-colás Fernández de Moratín, ha sido para Teatro del Tem-ple una semilla fecunda, que les permite compartir con el público una historia de amor poblada de una multitud de gente, voces, músicas, humor, ironía, sátira, ternura y arrebato. Risa, sí. Regocijo, también. Emoción, irrenun-ciable. Teatro, siempre. El machismo, la consideración de la mujer como objeto sexual, su subordinación a los deseos del hombre.... es-tán implícitos en todos los textos de este tipo que el Siglo de las Luces alumbró. Por eso cuentan esta historia des-de otro punto de vista. El de celebrar a las mujeres. Toman el texto de don Nicolás y con la ayuda de Tomás de Iriarte, Félix de Samaniego y Leandro Fernández de Mo-ratín, cuentan la historia de un personaje que no aparece en ningún texto: Elías Cañabate, un chulo enamorado que viene a cantar las galas de la difunta.

www.teatrodeltemple.com

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EL MANTEL DE NOA

INSTRUMENTALIACentro Cívico La Almozara23:00h

Disfruta de un viaje musical por diferentes épocas y países. Déjate llevar por el embrujo de la música tradi-cional sefardí... Suecia, Armenia, Rumanía, Irlanda, son sólo algunos de los destinos que se puede sentir de la mano de Pilar Gonzalvo y Miguel Ángel Fraile... Imagina países lejanos a través de sus melodías. Un espectáculo único y emocionante donde instrumentos tan lejanos y peculiares como el duduk, el arpa, la zanfona, la gaita irlandesa o el acordeón diatónico entre otros, se unen llenos de delicadeza en una vivencia íntima, de la que el espectador saldrá “encantado”.

www.soundcloud.com/el-mantel-de-noa

RUBÉN JIMÉNEZ Y JUAN DUAL

La Campana delos Perdidos23:00h

Concierto de Juan Dual, cantaor y Rubén Jiménez Gimé-nez, ambos ganadores de la I Edición Concurso de Fla-menco para Aficionados de Zaragoza, en sus variantes de cante y toque de guitarra.En este concierto, interpretarán, entre otros algunos de los palos con los que se alzaron vencedores de dicho cer-tamen, como la soleá a la voz, y los toques de granaína o malagueña a la guitarra.Dos jóvenes músicos que ponen de manifiesto que el fla-menco mantiene su fuerza y poderío.

©Marta Marco

HUESCA BIG BAND

La Bóveda del Albergue22:00h

La andadura de la Huesca Big Band empezó en enero de 2013 en el marco del laboratorio ArtLab del Ayuntamiento de Huesca. Este proyecto fue avanzando por los diferentes escenarios que la ciudad de Huesca ofrece para repre-sentar este tipo de espectáculos que nos transporta al es-tilo de los años 50 y 60 de las grandes formaciones de jazz y música latina. Las Big Bands en Estados Unidos.El repertorio, trabajado por su director, Gerardo López y los más de veinte integrantes (saxos, trombones, trompe-tas y sección rítmica compuesta por piano, guitarra, bajo, batería y percusión auxiliar y voz femenina y masculina), todos ellos músicos de la ciudad y cercanías, la Huesca Big Band nos lleva a temas estándar de jazz adaptados a esta formación, también a temas pertenecientes a la cul-tura española.

www.huescabigband.es

TINGLAO FUSION BAND

Sala Roxy / 22:00h

TINGLAO fusion band, es una formación hispano-cubana con residencia en Zaragoza, que intenta aunar las inquie-tudes artísticas dentro de una depurada musicalidad. Es en 2011 cuando se completa la formación acuñando un sonido mucho más fresco, maduro y depurado. Con te-mas que van desde el jazz-fusion al latin-jazz, pasando por el jazz-rock, plasman en cada espectáculo una au-téntica amalgama sonora de influencias, consiguiendo obtener muy buenas críticas nacionales e internaciona-les de sus recientes composiciones y adaptaciones en su corto periodo de andadura. En julio de 2013 publicaron su primer trabajo discográfico, Por encontrar más luz (Delicias Discográficas / La Tapisca Producciones), en conjunción con la obra plástica del artista gráfico Yen-dris Patterson Ricardo.

www.tinglaofusionband.com/es

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CIVI CIVIAC

MAGIC CASTING


ALODEYÁ CIA

SON RECUERDOS


Un atípico casting con público en directo.Una comedia en clave de magia, donde el teatro y el humor se dan la mano, para contar la historia de cinco personajes, que buscan un futuro mejor: Ganar Magic Casting y abrir las puertas de la fama televisiva. Los cinco ilusionistas, venidos de diferentes países, son expertos especialistas en magia y compiten al más alto nivel, utilizando sus más variadas artes y disciplinas mágicas, para sorprender al público en vivo y en directo: desde Francia, llega la magia clásica y la manipulación de Monsieur Chapoo; desde Es-paña, la magia cómica del Mago Yaso; desde Finlandia, las indomables lenguas de fuego del Faquir Steel Amorphis; la hipnosis más cómica y sorprendente con el Ruso Dimitri Vladimir Ivanov y la frescura, simpatía y poesía mágica vi-sual, con la maga americana Miss Marlyn.

www.civi-civiac.com

Alodeyá Cia. surge de la inquietud de sus componentes de buscar nuevos caminos por expresión a través de la siner-gia entre distintas formas artísticas. Mediante la poesía, la música, la danza y el circo desarrollan un lenguaje íntimo y de gran elocuencia para contar historias de encuentros y desencuentros, de amor y desamor, de juego. Historias de gran potencia visual y de contenidos. Un baúl con fo-tografías sumerge a los dos enamorados en un sueño en el que se reencuentran y pueden volver a compartir sus momentos de felicidad hasta que el peso de la realidad que los separa se hace patente. Una propuesta hacia los sentimientos desde la melancolía y desde el amor. Son recuerdos… pone en escena una propuesta coreografiada de danza, teatro y malabares que se mezclan a ritmo de música en directo. Edu y Paula se acompañan de Sofía al piano, en una bonita historia de amor, una bien trazada interactuación de música y movimiento.

www.alodeya.com

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ESPARATRAPO

SIN TRAMPANI CARTÓN

La Casa del Loco23:00h

Marian y Roy Emperador son ESPARATRAPO, uno de los grupos revelación de Aragón. Sus conciertos son diná-micos y muy divertidos. Tras dos años recorriendo los escenarios de diversas poblaciones, salas y eventos pri-vados, publican su primer disco Sin trampa ni cartón, donde se incluyen las versiones que dan a conocer en sus conciertos y algún tema propio. Sus conciertos están dedicados a todo tipo de público. En sus directos pode-mos escuchar versiones de Sabina, Serrat, Luz Casal, María Dolores Pradera, Albert Hamond, Kiko Veneno, Peteco Carvajal, Amaral… entre otros, además de sus temas propios. Un recorrido por lo mejor y más impor-tante de la música hispano latina de todos los tiempos revisitados de una manera íntima y personal que no deja indiferente a nadie.

www.esparatrapomanager.wix.com/esparatrapo

OUI PEOPLE El Zorro / 23:00h

OUI PEOPLE comienza a gestarse en 2010 a partir de las composiciones del cantante y guitarrista Guillermo Fernández, si bien su debut en vivo no se produce has-ta diciembre de 2013. Guillermo, que durante los últimos años ha vivido en el sur de Francia, se ha rodeado en este proyecto de destacados músicos de la escena zaragoza-na, procedentes de bandas como El Hombre Lento o Los Brodies. En sus canciones se mezclan múltiples ingre-dientes sonoros: funk, soul, rap, rock, chanson francesa, blues, toques psicodélicos; melodías pop, guitarras roc-keras, bases rítmicas de raíz negra, cuidadas armonías vocales y detallistas arreglos. Letras en francés e inglés que pueden ser tiernas o violentas, oscuras o llenas de luz, infantiles o pornográficas. Música rica en contrastes y sugerencias, cosmopolita, sin prejuicios y abierta a muy diversos influjos.

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CALEIDOSCOPIOTEATRO

EL ABRIGO DE YORICK


SEIS DE TRÉBOL

EL CASO PERRY

C. C. TeodoroSánchez Punter / 12:30h

TEATRO DE LA ESTACIÓN YACTUANDO SIN RED

ANIMALICOS


D´CLIK

L´AVANT-PREMIÈRE


La Musa del fuego danza y convoca a la imaginación. Llega Yorick, con su abrigo, un objeto muy especial que cobija y con-forta. De sus bolsillos brotan las musas que traen variados artilugios con los que cultivar el arte de contar historias.Comienzan las peripecias de Yorick y Tubitos, dos intré-pidos personajes… Historias de papel que dan vida a un hermoso cisne… El sol y el viento desatan sus furias… Tubitos es muy curioso y siempre desencadena nuevas trapisondas… la maleta misteriosa, la extraña barbería... que culminan con Yorick y la nariz aventurera.Todo esto y mucho más trae consigo este abrigo… repleto de historias hechas con amor y risas, con palabras y ges-tos... poesía visual.Os invitamos a un viaje por el Mundo del otro Teatro, el que tiene que ver con los clowns de teatro, los fabulado-res, las máscaras, los bufones, los objetos imposibles o sorprendentes, el juego, la música y la pantomima.www.caleidoscopioteatro.com

El Caso Perry es una comedia negra de humor absurdo para público juvenil y adulto.Todos los ingredientes del género, pasando por detecti-ves, asesinos, víctimas o mujeres fatales, se encuentran presentes en esta obra, en la que el ritmo transcurre de forma trepidante hacia un sorprendente final.A través de una trama fragmentada y no lineal, la puesta en escena opta por recursos cinematográficos como son los saltos temporales, la voz en off o la iluminación, y des-de el humor absurdo conduce al público hacia la resolu-ción del caso. Una obra de humor, con música en directo y tintes de có-mic, que evoca recursos de películas desde El Inspector Clousseau, pasando por Espía como puedas, hasta Pulp Fiction.

www.facebook.com/SeisDeTrebol

Ah!, la vida en el campo. La buena comida, el aire puro, el canto de los pájaros, las noches estrelladas. La libertad. Todo lo que no disfrutan los ‘animalicos’ de nuestra his-toria. Rafael, un animal de costumbres que ha desapare-cido de repente; las gallinas y los pollos, indefensos ante cualquier ataque; Manuela, una palomita indefensa; los conejos y las liebres, que saltan cuando menos te lo es-peras; Santiago, que es muy perro, y que le da cosica que las arañas le rocen el cogote; el Terry, perrillo cazador, testigo incómodo de cuanto ocurre. Y Encarna, claro, que es muy zorra, y que no está dispues-ta a que las cosas cambien. Porque los animales son así, necesitan la seguridad de su hábitat. Y son capaces de lo increíble para adaptarse al cambio, y que nada cambie. Una comedia negra a la luz de la lumbre, en la que nos reiremos reconociéndonos a nosotros mismos en estos personajes tan desquiciados. Al fin y al cabo, estos ‘ani-malicos’ son de nuestra misma especiewww.teatrodelaestacion.com

El espectáculo, que brinca entre realidad y ficción, crea un universo poético y entrañable a través de una escritura de teatro físico con códigos de danza y circo.El encuentro entre dos personajes, Pingo, acomodador de una sala de cine que procura que todo el mundo tenga un si-tio adecuado y Olvido que acude cada día a esta misma sala. ¿Será actriz, directora de cine o una fiel espectadora? Un espectáculo que hace un guiño al mundo soñador, fas-cinante y fabulador del cine. Ese maravilloso lugar en el que nos abandonamos y poco nos importa si la sala está vacía o llena, porque logramos recrear nuestros anhelos y eso nos basta para combatir la imperfección de la vida.D’Click entiende las artes circenses como un lenguaje educativo y transformador que permite expresar otras maneras de entenderse y relacionarse, y que nos ayuda a valorar y comprender el mundo con humor y con respeto.

www.dclickweb.net

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TEATRO ARBOLÉPaseo del Botánico, 4(Parque del Agua Luis Buñuel)50018 ZARAGOZATel. 976 73 44 [email protected]

TEATRO DE LA ESTACIÓNC/ Domingo FiguerasJariod, 8-1050004 ZARAGOZATel. 976 46 94 [email protected]

TEATRO DE LAS ESQUINASVía Universitas, 3050017 ZARAGOZATel. 976 33 30 [email protected]

TEATRO DEL MERCADOPlaza Santo Domingo s/n 50003 ZARAGOZATel. 976 43 76 62

EL SÓTANO MÁGICOC/ San Pablo, 4350003 ZARAGOZATels. 646 436 571687 885 [email protected]

CENTRO CÍVICO TEODOROSÁNCHEZ PUNTERPlaza Mayor, 250008 ZARAGOZATel. 976 72 60 [email protected]

CENTRO CÍVICOLA ALMOZARAAvda. Puerta Sancho, 30, 50003 ZARAGOZATel. 976 72 60 [email protected]

CENTRO CÍVICO DELICIASAvda. Navarra, 5450010 ZARAGOZATel. 976 726 [email protected]

EL ZORROCentro Comercial Indepen-denciaPaseo de la Independencia 24,50004 ZaragozaTel 976 21 80 [email protected]

LA LEY SECAC/ Sevilla, 250006 ZARAGOZATel. 652 63 55 07 [email protected]

SALA ZCalle Félix Latassa, 14. 50009 ZaragozaTel [email protected]

LA LATA DE BOMBILLASC/ María Moliner, 750007 ZARAGOZATel. 656 23 05 [email protected]

SALA CREEDENCEPlz. San Lamberto, 350004 ZARAGOZATel. 696 94 67 07 [email protected]

LA CAMPANA DE LOS PERDIDOSCalle Prudencio, 750003 ZARAGOZATel. 976 39 80 [email protected]

SALA ROXYCalle Temple, 750003 ZARAGOZATel. 672 78 23 [email protected]@salaroxy.com

SALA LÓPEZCalle Sixto Celorrio, 250015 ZARAGOZATel. 976 44 66 [email protected]@salalopez.com

LA CASA DEL LOCOCalle Mayor, 1050001 ZARAGOZATel. 976396771- [email protected]@lacasadelloco.es

LA BÓVEDA DELALBERGUEC/Predicadores, 7050003 ZARAGOZATel. 976 282 [email protected]

SALA PUB ECCOSCalle Sevilla, 2450006 ZaragozaTel. 628 29 88 [email protected]

DIRECCIONES DE LAS SALAS

BELLADONA TEATRO

MUNDO ROTUNDO


SANTIAGO AUSERÓN ‘JUAN PERRO’


Mundo rotundo es un espectáculo de teatro de sala que intenta desmenuzar, a través de seis historias, de seis es-cenas, un universo pegajoso y desquiciado de servidum-bres tecnológicas y emociones customizadas. Suicidios digitales, realities carniceros, indigentes mediáticos, an-droides electrodomésticos, velatorios de humo, un mundo de desmesura fermentado a través de un humor afilado y poco condescendiente.Los espectáculos de Belladona Teatro reúnen una serie de características que a veces suponen una simple tenden-cia y otras un rasgo estructural: inmediatez, organicidad, ausencia de cuarta pared, el surrealismo como tránsito más que como punto de partida, el uso de cualquier téc-nica escénica que favorezca el desarrollo de la historia, la perplejidad y la histeria como puntos de vista.

Haciendo gala de la historia musical que tan bien conoce, Juan Perro lleva las composiciones desde Cuba a Nueva Orleans y viceversa, como un sonero antiguo y como un bluesman de raza, acercando orillas y amasando sincre-tismos en un esplendoroso tratado de negritud que no oculta los aromas (roqueros, trovadorescos, mediterrá-neos, etcétera) que algunas de las canciones adquirieron en origen.En escena está acompañado por el guitarrista Joan Vin-yals, barcelonés a quien Auserón llama cariñosamente “el dimoni del barri de Gràcia”.Juan Perro no escatima tiempo ni canciones: 22 piezas que lanza sin prisa, ofreciendo un espectáculo doble: por un lado, la vitalidad de la música; por otro, la gracia, la ironía y la invención de unas inteligentes e hilarantes pre-sentaciones que son en sí mismas todo un show.

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OTRAS COMPAÑÍAS Y GRUPOS

TEATRO

El gabinete de los sueños extraviadosTeatro BinomioC/Lobez Pueyo, 1950007 Zaragoza Tel. 976 256 217www.binomioteatro.com

La revelaciónRomperlanzas Compañía TeatralC/Comandante Repollés, 2150001 ZaragozaTel.: 655 552 486www.gromelo.com

Cuentos del mar alláTeatro la CosaC/ Las Cambras, 15 2 drch22700, Jaca (Huesca) Tels.:974 361 600 / 660 678 321www.teatrolacosa.es.tl/TEATRO-LA-COSA.htm

Barça – MadridLos MancusosC/ Fita, 13, 3.izda.50005, Zaragoza Tel. 669 017 789www.losmancusos.com

TodoterapiaThe Feas Company Tels. 609 213 920 / 655 646 914www.thefeascompany2013.wix.com/thefeas

DANZA

Entre cajas Carlota BenedíC/Lopez Allué, 9-1150005, ZaragozaTel. 666 940 030www.carlotabenedi.es

MÚSICA

AmankayC/ José Oto 5, bajo (Zaragoza)Tel. 976 189 455www.amankay.org

Ana Midón & Miles AwayC/ Unceta, 6 dpdo 1º a50010, ZaragozaTel. 976 346 738www.es-es.facebook.com/pa-ges/Ana-Mid%C3%B3n-Miles-Away/251239174930425

Angelitos NegrosTel. 670 231 534 www.facebook.com/Ang3litosN3gros

Ars LiricaeCanciones de una vidaTel. 622 068 [email protected]

BvocalC/ Juan Blas de Ubide, 2650015, ZaragozaTels. 976 516 006 / 654 232 380www.bvocal.org

Beatriz BernadPlz. las Eras, esc. A, 1ºC50002, ZaragozaTel. 976 203 526www.es-la.facebook.com/beatriz.bernadesteban

Bel Canto [email protected]

Biella NueiTel. 607 625 774www.biellanuei.com/inicio.html

Roberto CiriaAvda. Menendez Pidal, 1922004, HuescaTels. 974 232 043 / 974 230 797www.espiritudelsur.com/artistas/la-jota-del-siglo-xxi

Carlos SobrevielaTel. 636 227 929http://carlossobreviela.com/web/

Chema Bellowww.myspace.com/chemabello

Estampa BaturraC/ Batalla de Arapiles, 18-2050003, ZaragozaTel. 976 446 740www.estampabaturra.com/

El factor humanoC/ Unceta, 6 dpdo 1º A50010, ZaragozaTel. 976 346 738www.es-es.facebook.com/el.f.humano

Ensemble Al InteCine mudo con música en directoTel. 609 951 157www.ensemblealinte.com/Ensemble_Al_Inte/inicio.html

EvoéhTel. 659 673 256www.evoeh.es/

Franco deteriorohttp://es-es.facebook.com/pages/Franco-Deterioro-y-Qui%C3%A9n-Son/108111772551137

Gaby Morgan y Los Titanes del Rockwww.es-es.facebook.com/GabyMorgan-YLosTitanes

Galimatías BandTel. 607 801 359www.galimatias.co

Gancho Dromwww.ganchodrom.bandcamp.com/album/de-rodriguez

Gustavo Gimé[email protected]

Joaquín Carbonell y Eduardo PazC/ San Miguel 26, 3ºB50001, ZaragozaTel. 976 223 121www.gesmanagement.com

Los BrodiesTels. 976 291 475www.losbrodies.com

Los Expresoswww.es-es.facebook.com/events/326820160696094

María ConfussiónTels. 910 019 991 / 668 876 091www.mariaconfussion.es

Matías Mingote GermánTel. 976 216 808www.matiasmingotegerman.net

MosicairesTel. 649 402 620www.mosicaires.wordpress.com

O`CarolanC/ Cosme Blasco 5, 4º B50006, ZaragozaTel. 615 076 712www.ocarolanfolk.com

ReflexiveTel. 676 473 [email protected]

[email protected]

Tempo GiustoAvda. María de Zambrano, 1050018, ZaragozaTel. 650 927 462www.amtempogiusto.com/index.htm

The PatinnettesC/ Unceta, 6 dpdo 1º A50010, ZaragozaTel. 976 346 738www.es-es.facebook.com/thepatinettes

Ticketwww.facebook.com/TICKET.poprock/info

Tritón Jiménezwww.eses.facebook.com/pages/Trit%C3%B3nJim%C3%A9nez/557233810997691



Como “una asociación de profe-sionales del teatro dedicados a la producción de espectáculos y a enriquecer el actual entramado

cultural” se presenta Zeena Producciones Teatrales cuyo primer proyecto, El elefante ha ocupado la catedral de Juan Mayorga se estrena el 13 de septiembre en el Tea-tro Paco Rabal de Madrid.

Dirigido por Juanfra Rodríguez, este montaje, el primero de Mayorga para pú-blico familiar, quiere desmarcarse de la “tendencia moralista y educativa propia del teatro infantil” apuntan desde la com-pañía, apostando para ello por un enfoque distinto al habitual y una puesta en escena que mezcla lenguajes escénicos como el teatro, la música y el audiovisual.

La historia de El elefante ha ocupado la catedral viene de hace un par de años, cuando Mayorga escribió la obra para que fuera interpretada por niños y niñas de una comunidad de vecinos de un amigo del dra-maturgo y desde entonces la obra se ha representado en algunos colegios, siempre con niños y niñas como actores. Después vino otra transformación; el texto teatral,

acompañado de las ilustraciones de Daniel Montero Galán se convirtió en un bello libro publicado por la editorial 27 Letritas.

Tras este viaje llega ahora el momento de la propuesta teatral profesional en la que Juanfra Rodríguez tiene la misión de aunar todas las disciplinas –el texto de Mayorga, la música de su amigo Pedro Sarmientos y las ilustraciones de Monte-ro– sobre el escenario.

Para la puesta en escena de esta histo-ria, “una utopía, si se quiere hacer un símil con el mundo real, pero algo factible en el mundo de la imaginación” tal y como señala Mayorga, Rodríguez cuenta con Esther Ace-vedo como ayudante de dirección, Mónica Florensa para el diseño escenográfico y de vestuario y los intérpretes Cristina Gallego, Víctor Antona, Quique Fernández Villar, Ma-ría Moral y Miguel Ángel Jiménez que darán vida a una serie de variopintos personajes dispuestos a solucionar un grave proble-ma: un elefante ha llegado a la ciudad y... ¡ha ocupado la catedral! pero además... ¡la víspera de la llegada de los turistas norue-gos! Es un desastre. La imagen de la ciudad está en riesgo y deben tomar medidas. Allí

aparecerá la alcaldesa que se pone manos a la obra y llama a un fontanero a punto de jubilarse para que junto a su ayudante, una joven aprendiz consigan sacar al ele-fante. Entre todo el embrollo también está el cura, el organista, un sargento... todos ellos emprenderán un fantástico viaje que desde la trompa, les llevará por el interior del gran mamífero hasta dar con la clave del misterio.

El objetivo de este espectáculo, para cuyo montaje Zeena Producciones Tea-trales ha recurrido al micromecenazgo a través de internet, es ofrecer un “juguete” escénico para los más pequeños y un rato de entretenimiento y humor para los adul-tos y es que tal y como apunta Rodríguez “lo que me apetece aportar es una forma de hacer teatro infantil que a mí me atra-pa. Se trata de considerar la obra como si fuese un juguete. Esta metáfora me gustó mucho cuando la leí de un dramaturgo ca-nadiense. Ellos están más avanzados que nosotros en la escena infantil. No se tra-ta de educar, sino de divertir y pasárselo bien y que los niños vuelvan a querer que les cuenten una historia en el teatro”.

Zeena estrena el elefante ha OcupadO la catedral

La utopía es posible en el mundo de la imaginación




El 4 de septiembre se estrena en el Teatro Marquina de Madrid El lar-go viaje del día hacia la noche de Eugene OŃeill en versión de Borja

Ortiz de Gondra y bajo la dirección de Juan José Afonso con dos grandes de la escena en los papeles protagonistas, Mario Gas y Vicky Peña, acompañados por jóvenes ve-teranos con larga experiencia como Juan Díaz, Alberto Iglesias y Mamen Camacho.

Los cinco intérpretes pondrán ante el público la historia de la familia Tyrone “que es un trasunto apenas velado de la propia familia de OŃeill, parece ser un caso especialmente agudo de padres e hijos incapaces de encontrar la manera de vivir juntos, pero igualmente imposibilita-dos para abandonarse” explica Ortiz de Gondra, encargado de esta versión “ab-solutamente fiel a la trama y con las míni-mas libertades que exige un espectáculo hoy” tal y como afirma el director de la propuesta, Juan José Afonso.

Y es que el equipo artístico se enfrenta a este clásico “tratando de ser fieles al espíritu del autor, a la esencia de su obra” apunta Afonso, quien recuerda una frase del dramaturgo norteamericano “la mira-da piadosa, comprensiva y salvadora so-bre cada uno de los personajes, tratando de no tomar partido y de defenderlos con la mirada atormentada y bañada de anti-guo dolor, lágrimas y sangre”, frase con la que definió OŃeill su estado de ánimo al escribir la obra. “Deseamos potenciar esa palabra tan cuidada por O’Neill gracias a

un trabajo esencial con los actores; todo el montaje girará en torno a un trabajo con ellos para que, desde la sencillez y la humildad, con su trabajo desnudo, cons-truyan el mundo de esa familia que son todas las familias. Deseamos contar esta historia porque creemos que nadie como O’Neill ha sabido relatarnos a partir de su mundo más íntimo y personal los grandes enigmas del ser humano y su relación con el mundo. Partiendo de un reencuentro familiar y en el transcurso de un anodino día de verano hasta la caída de la noche, O’Neill nos termina enfrentando a grandes retos de nuestra existencia. Y eso es lo que hace de esta obra un clásico univer-sal” aclara Afonso.

Según va avanzando la obra, “el espec-tador comprende, entre la fascinación y el horror, que los seres humanos que palpi-tan enfrente de él se parecen demasiado a nuestros propios hogares. ¿Quién no

reconocerá en una réplica, en un gesto, en un silencio de los Tyrone algo vivido en su propia carne, en algún momento de su vida familiar? Porque esa es la grandeza que hace de este texto un clásico: nos tiende un espejo para decirnos que nadie está a salvo, que bajo cualquier apariencia de ar-monía familiar siempre laten demonios que terminan por salir” aclara Ortiz de Gondra.

El microcosmos que emana esta obra queda en manos de los intérpretes de la misma, Mario Gas y Vicky Peña como el señor y la señora Tyrone, Alber to Iglesias y Juan Díaz como los hijos de ambos y Mamen Camacho en el papel de la cria-da. Reunidos todos ellos en la casa que junto al mar tiene el matrimonio en una plácida jornada de verano de 1912, a lo largo del día y mientras cae la noche se irá desarrollando un combate descarna-do en el que saldrán a la luz todos los demonios de la familia.

estrenO de el largO Viaje del día hacia la nOche

Un clásico universal sobre los demonios de la familia




Javier Maqua y Maxi Rodríguez han re-escrito el guión cinematográfico de Carne de Gallina y lo han conver-tido en una obra teatral que llega a los escenarios en una coproducción entre Arteatro, La Estampa Teatro y Teatro del Cuervo. Dirigida por el propio Rodríguez, el estreno de este espectáculo tendrá lugar el 21 de septiembre en el Teatro Filarmónica de Oviedo para co-menzar una gira que le llevará durante los próximos meses por una treintena de escenarios. La obra narra la historia de la familia de Luisón Quirós, un minero jubi-lado que el mismo día de casar a su hija mayor aparece muerto en un prostíbulo y... comienzan los problemas pues de la pensión del minero dependen nada más y nada menos que una hermana, su tres hijos, varios nieto y una nuera y por si fuera poco, están pendientes de un crédito que evite el desahucio de la casa fami-liar. Ante esta situación la familia decide dilatar la cer-tificación del fallecimiento ocultando el cadáver pero las cosas no son tan fáciles, todo se va complicando y la familia tendrá que evitar, con la colaboración de lo vecinos del pueblo un proceso judicial resolviendo el “entuerto” con sentido común. “Carne de Gallina es una reflexión en clave de humor negro, sobre la situación de las cuencas mineras de Asturias, de su falta de futu-ro y de la dependencia de las pensiones de los jubilados para la subsistencia de familias completas” explican sus autores para añadir que cuando crearon el guión cine-matográfico, hace más de una década “se podía enten-der como localista, pero ahora es de rotunda actuali-dad”. Porque esta versión teatral quiere “extrapolar el conflicto global. Todo pasa en Asturias pero... ¿por qué no podría pasar en otros muchos lugares de España e incluso del resto del mundo?” se preguntan los autores. “La crítica ya destacó la conciencia social del texto en su versión cinematográfica, y ese valor es el que se ha conservado en este trabajo teatral para transmitir a los espectadores” afirman, para añadir que la obra se presenta “bajo un planteamiento estético más cercano a las atmósferas de Valle-Inclán o Kusturika eliminando así el barniz localista de la trama”.

Entre el 22 y el 25 de septiembre la Cia Paisaia rea-lizará una residencia de creación en La Fundición de Bilbao del espectáculo cuerpos límites-GR10, una pieza de las bailarinas y coreógrafas Arantza Iglesias y Sofie Dubs cuya muestra en forma de work in progress tendrá lugar los días 26 y 27 en la sala bilbaina. Esta producción de Cia Paisaia y Maite Telleria es un trabajo de investigación sobre “el cuerpo/limite, consideramos el cuerpo como un todo que incluye tanto la materia fí-sica, como los pensamientos, las emociones, el presen-te, el pasado, la memoria, las expectativas, ...” afirman sus creadoras para señalar que “planteamos un proce-so creativo anclado en la experiencia vivencial, la con-vivencia con pautas que nos llevan a nuestros límites personales”. “Buscamos entornos variados” aclaran, “tales como la naturaleza, la ciudad o zonas industria-les para estimular nuestros cuerpos-mentes-espíritus en un rango de colores lo más amplio posible”. Para la creación del diseño de luces Cia Paisaia ha contado con Itziar Bote y Ander Fernández. Esta nueva residencia de creación se enmarca en el apartado de acción de la sala bilbaina que además de una sala de exhibición, se ofrece como Centro de Recursos ofreciendo un espacio para los procesos de investigación, creación y produc-ción así como el equipamiento técnico necesario para su desarrollo. Además La Fundición, como espacio in-teresado en desarrollar la conexión con los públicos y otros profesionales plantea estas residencias como una herramienta de acercamiento entre los procesos creati-vos, los artistas invitados y los locales junto con todas aquellas personas interesadas en conocer, más de cer-ca todo el entramado que conlleva la puesta en marcha (el proceso creativo), y la puesta en escena de una nueva creación. En el primer semestre de 2014 han realizado su residencia artística o parte de ella compa-ñías y creadores como Compañía Dinamo con ‘Flecha rota’, Natxo Montero_Danza con ‘Barbecho’, Amparo Badiola con las obras ‘Amalaba’ y ‘Palabras invisibles’, Ziomara Hormaetxe con ‘Symbiosis’ y Olatz de Andrés con ‘El cielo ahora’.

Carne de GallinaCuerpos límites-GR10




Durante todo el mes de septiembre y hasta el 5 de octubre se podrá disfru-tar en la Sala Verde de Los Teatros del Canal de Madrid del estreno de Jugadores. Miguel Rellán, Ginés García Millán, Luis Bermejo y Jesús Castejón protagonizan esta comedia negra, escrita y di-

rigida por Pau Miró, que ya se estrenó con distintos elencos en el Teatro Salt de Girona, El Teatre Lliure de Barcelona y el Piccolo Teatro di Milano. Sus protago-nistas son un profesor de matemáticas, un enterrador, un actor y un barbero, cuatro hombres que se sienten desplazados en un mundo que ha cambiado y que ya no entienden. Reunidos en la cocina de un viejo piso, juegan una partida de cartas. La mesa de juego es un refugio en el que se aceptan y permiten todos los fra-casos. Porque para este cuarteto el fracaso es la regla, no la excepción. El dinero ha desaparecido, también cualquier posibilidad de éxito personal. A punto de to-car fondo, los cuatro personajes deciden arriesgarse. En este momento el juego se vuelve peligroso.

Ados Teatroa en coproduc-ción con Pentación estrena la adaptación teatral de la película de Fernando Cas-tets y Juan J. Campanella, bajo la dirección de Garbi Losada, El hijo de la novia en el Teatro Campos Elíseos de Bilbao manteniéndolo en

cartel del 10 al 14 de septiembre, y después del 17 de septiembre al 2 de noviembre en el Teatro de Bellas Artes de Madrid. El elenco compuesto por Juanjo Alte-rio, Tina Sainz, Álvaro de Luna, Mikel Laskurain y Sara Cozar, dan vida a esta tragicomedia que se sostiene sobre dos líneas argumentales, la boda de los padres y la obligada venta del ruinoso restaurante familiar a una cadena internacional. Los personajes y situaciones lle-varán al espectador de la carcajada al llanto, y es que como señala la propia Losada “gran parte de su acierto se basa en que, en casi todas sus escenas, en medio de unos diálogos dramáticos, se despliega el sentido del humor”. En definitiva la obra refleja fragmentos de la vida misma llevadas a la escena.

JugadoresE l hijo de la novia

El Teatre del Raval acogerá del 17 de septiembre al 30 de noviembre el estreno en catalán de la propuesta musical de pequeño formato L´Esbudellador de Whitechap (El destripa-dor de Whitechap), producción del propio teatro, drigido por Marga Parrilla y Oriol Estefanell, con música de Josep Ollé y la dirección musical de Esteve Costa. La idea de crear esta obra se debe, en gran medida, al deseo de querer contar la historia sobre Jack el Destripador y re-solver el misterio del asesino más mediático del XIX, que a día de hoy todavía sigue siendo es un personaje que permanece en la memoria colectiva. El espectáculo esta representado por sólo cinco actores que hacen las funciones de personajes principales, personajes secundarios y corazón, pasando con facilidad de un estado a otro. Un tono que tan pronto es cómico, como cabaretero o trágico. Uno de los puntos fuertes del espectáculo es que así como sólo

hay cinco actores, también hay cinco músicos que permiten disfrutar de la riqueza y los matices que el compositor pro-pone. Jack el Destripador es el nombre que se le dio a lo que se cree que fue el responsable de una serie de asesinatos que horrorizaron el barrio de Whitechapel entre agosto y noviembre de 1888. Los cuerpos de cinco prostitutas fueron encontrados durante estos meses en las calles del barrio, total o parcialmente destripadas. Este caso llevó de cabeza a la policía de Londres y puso de manifiesto su ineficiencia: el mundo no estaba preparado para lo que ahora mismo se considera el primer asesino en serie de la era moderna, lo que sentó las bases no sólo de la análisis de conducta actual de los asesinos y su clasificación, sino también la del proceso de investigación policial que todavía se utiliza hoy en día a la hora de abordar un crimen.

L´Esbudellor




El Teatro Arriaga de Bilbao arranca su programación de septiembre con fuerza con las últimas funciones del cabaret The Hole que darán paso a algunas de las producciones teatrales estelares del segundo semestre del año tales como El Eunuco de Terencio que estará en cartel del 17 al 21 de septiembre, una versión divertida y trepidante, de Jordi Sánchez y Pep Gómez, que transita sin rubor por el teatro clásico grecolatino y el musical, la comedia de situación y el vaudeville, donde veremos a nueve personajes enloquecidos por el amor, el dinero, la pasión, el orgullo, lo celos y los equívocos. Otro de los montajes destacables será la producción del Centro Dramático Nacional, Los Mácbez, adaptación de Juan Cabestany del Macbetth de Shakespeare, obra que versa sobre la corrupción y la ambición, ambientada en la Galicia de la actualidad y sus costumbre, que se llevará a cabo del 25 al 27 de septiembre. Andrés Lima

dirige este montaje en el que se puede ver con claridad cómo el deseo de poder y la superstición siguen siendo moto-res en el ser humano, cómo la codicia, la violencia y la falta de escrúpulos es universal, cómo hombres y mujeres se corrompen por conseguir el poder y una vez en sus manos siguen corrompiéndose para tener la seguridad de conservar ese poder, y de cómo una vez corruptos del todo sólo quedan la locura y el miedo. Carmen Machi y Javier Gutiérrez encabezan el reparto, como el matrimonio Mácbez. Una pareja que como detalla Lima “no son altivos y misteriosos sino un señor y una señora muy normales, que tienen las mismas ambiciones que el común de los mortales, lo que pasa es que el deseo hace que se desate en ellos una serie de mecanismos que le llevan hasta el crimen”. Ederlezi pastorala completará la programación del mes con su única función el día 28, en ella se cuenta la historia de una madre y sus siete hijas gitanas entre los siglos XVII y XXI en Euskal Herria.

Teatro Arriaga

Miguel del Arco dirige La violación de Lucrecia adap-tación del poema dramático de Shakespeare producida por Juanjo Seoane prevista el 27 de septiembre en el Teatro Barakaldo. Nuria Espert protaoniza este poema dramático en forma de monólogo basado en la leyenda del origen de Roma, las luchas por el poder y el papel de la mujer en la época. La veterana actriz va mutando para dar vida a cada uno de los protagonistas, desde Tarquino, el violador, Lucrecia, la violada hasta pasar por el marido de ésta, dando forma a esta desgarrado-ra obra, en la magnífica traducción de José Luis Rivas Vélez, que contiene todo el germen y esplendor de las obras posteriores del autor inglés. Un espectáculo de poderosa belleza, a pesar de su escalofriante violencia. Todo un mosaico de sentimientos, pasiones, arrebatos y delitos, en el que se recrea la extraordinaria y emo-cionante narración del hecho criminal que terminó con el reinado de los reyes en Roma y que propiciaron, por tanto la instauración de la república romana.

La pieza de danza K-OTICA in progress de Ziomara Hormaetxe iniciará la programación de septiembre en la Sala La Fundición de Bilbao los días 18 y 19. Esta pieza está inspirada en la teoría del caos, desa-rrollada a partir del principio que defendía que todo, está interrelacionado en un sistema de reacciones. La obra aborda el tema de la tensión entre aleatoriedad y fatalidad; entre la imposibilidad de determinar el fu-turo y el hecho de que sólo uno de los futuros posibles tendrá lugar. A esta primera le seguirá la propuesta La máquina de dueño de PlataformaTirante los día 20 y 21, obra que denuncia que denuncia las limitacio-nes que viven las mujeres como consecuencia del rol tradicional y del sistema patriarcal en el que vivimos. El día 25 de septiembre se llevará a cabo la represen-tación de Hoocked de Lasala, enmarcada dentro del Dantzaldia, y por último la pieza de danza Cuerpos límites-GR 10 de la Compañía Pasaia cerrará el programa los días 26 y 27.

Teatro BarakaldoLa Fundición




Del 4 al 7 Victoria Eugenia Antzokia acogerá Al final de la carretera, divertida y amarga comedia de Willy Russell, autor de obras acla-

madas y representadas en todo el mundo como ‘Educando a Rita’ o ‘Shirley Valenti-ne’, maestro en mostrar miserias del ser humano sin apenas darte cuenta, adaptada por Juan Carlos Rubio. La obra habla de las crisis que se padece o más bien la que se siente al darnos cuenta que la vida no es, ni por asomo, como lo habíamos soñado.

A lo largo de una intensa y caótica no-che los cuatro personajes, encarnados por Manu Baqueiro, Melanie Olivares, Marina San José y Raúl Peña, irán poniendo las cartas sobre la mesa hasta asumir, no sin resignación, que aunque no tengas la vida

que habías soñado quizás la que te ha to-cado vivir no sea tan mala como creías.

En el Antzoki Zaharra/Teatro Principal se han previsto dos comedias más. La prime-ra, del 4 y 7 de septiembre, Un balcón con vistas producido por Manderlight, basado en el texto de Laura Molpeceres quien también se ha encargado de dirigirla, una comedia delirante sobre mujeres al borde de un ata-que de nervios en busca del amor. Maggie Civantos, Rubén Martínez, Cristina Soria y David Tortosa protagonizan esta historia de mentiras, engaños, manipulaciones, enredos y verdades a medias. Una obra sobre las relaciones de pareja y las difusas fronteras entre el amor y el desamor.

La segunda comedia prevista en el Antzoki Zaharra, entre el 11 y el 14 de

septiembre, será Hiru, la versión en eus-kara de la obra Tres de Juan Carlos Rubio, producida por Txalo. Loli Astoreka, Miren Gojenola y Ana Elordi se adentran en la piel de Adela, Nekane y Maite, tres ami-gas desde la etapa del colegio que no se han visto en tres décadas. Todas rondan los 50 y la opor tunidad de tener descen-dencia se acaba. La idea de ser madres poco a poco va surgiendo en la conver-sación ya que ninguna ha visto cumplido su sueño. Se plantean encontrar en hom-bre ideal y es en ese momento cuando entra en escena Zuhaitz Gurrutxaga, ex futbolista actualmente dedicado a la in-terpretación, que será quien tendrá que contrarrestar los deseos de estas tres mujeres.

La comedia en sus diversas manifestaciones en Donostia




La nueva temporada comienza en el Centro Dramático Nacional con una nueva edición del ciclo ‘Una mirada al mundo’ que este año acercará hasta los Teatros María Guerrero y Valle Inclán cinco propuestas de compañías internacionales dos de ellas el mes de septiembre. Inaugura el mencionado ciclo una producción de la Compañía Nacional de Teatro de México (del 11 al 14 de septiembre) en colaboración con el Centro Dramático Nacional, La sangre de Antígona de José Bergamín en versión de Fernando Bergamín Arniches y dirigida por Ignacio García. La obra llevará al público a la ciudad de Tebas. Allí dos hermanos, cau-dillos y enemigos murieron matándose uno en manos del otro. Ahora la ciudad rinde homenaje a uno de ellos y repudia y castiga al otro mientras la sangre de ambos se hace llanto en el corazón de la tierna Ismena y se levanta como una llama ardiente en el alma luminosa de Antígona. La seguna obra del ciclo es un

Shakespeare, Medida por medida que sube también al escenario del Teatro María Guerrero (del 18 al 21 de septiem-bre), en este caso bajo la dirección de Declan Donnellan de la prestigiosa compañía Cheek by Jowl y Teatro Pushkin de Moscú. “Es una de las más grandes obras de Shakespeare. Como muchos grandes thrillers, no es pura comedia ni pura tragedia, sus cambios dramáticos de tono nos mantienen en vilo. Un gobierno corrupto, una novicia sumida en un dilema espantoso… Una ciudad asfixiante e imprevisible, policía, conventos, cárceles y burdeles. La justicia, Dios, el sexo, la muerte son los temas que se combinan en una mezcla sorprendente hasta llegar a un final extraordinario. Pero, como en los grandes thrillers, la obra plantea cuestiones profundas e inquietantes sobre nuestra forma de vida. E incluye escenas que figuran sin duda entre las mejores que Shakespeare haya escrito” explica Donnellan. La programación del mes de septiembre se completa con un segundo ciclo, ‘Titerescena’, que incluye las obras de títeres para público familiar Ulises de Bambalina (20 y 21), Hay un gallo en mi tejado de Titiriguiri (26, 27 y 28) y Lágrimas junto al río de Krystall Puppets de Kenia (4 y 5 de octubre).

Centro Dramático Nacional

David Espinosa iniciará la programación de septiem-bre, del 16 al día 21, con su propuesta Mi gran obra, un montaje en el que se plantea construir un espec-táculo de gran formato, sin escatimar en gastos, pero con un ligero matiz: a escala, pensando en grande y haciendo en pequeño Asimismo, se cuestiona sobre los límites de lo teatral y ahonda en el interés de ante-riores proyectos sobre la idea de representación. En definitiva, el resultado es un juego formal del que sur-gen diferentes narrativas no lineal que son el retrato de la sociedad en la que vivimos. La cartelera del mes lo completará Bambalina Teatre Practicable, del 17 al 28 de septiembre, con Petit Pierre, adaptación de la obra de la dramaturga canadiense Suzanne Lebeau, con una puesta en escena intimista y un cuidado dispo-sitivo escenográfico, dando vida a este bello relato de supervivencia, de arte, de voluntad y de vida.

En septiembre hay previstas dos únicas obras en el Teatro Circo de Murcia aunque el disfrute del público adulto e infantil estará garantizado. El 26 y 27 Facto-ría Madre Constriktor ofrecerá dos funciones de El intérprete, donde una vez más el polifacético actor bilbaíno Asier Etxeandia desplegará todo poder inter-pretativo y musical acompañado de sus fieles músicos en esta propuesta con tintes autobiográficos en el que se reivindica lo diferente. El 28, por otro lado, Teatro de Malta representará la propuesta vitalista y rebo-sante de optimismo dirigida a niños y niñas Alegría, palabra de Gloria Fuertes, donde dos actores/clowns Doña Pitu Piturra y Señor Antropelli, trabajadores del antiguo Circo Cocodrilo, juegan con las palabras que escribió la poeta madrileña acercando a sus emociones y sus sentimientos, con canciones, el mar, un circo des-aparecido, un bruja con sus hechizos...

Teatro de la AbadíaTeatro Circo de Murcia

©Sergio Carreón Ireta



Luz negra Josu Montero


Insectos atrapados en ambari hay una institución en cuyo seno anidan los monstruos más terribles, esa es, sin duda, la intocable familia, sea ésta del tipo que sea, de la más patriarcal a la más hete-

rodoxa. Desde esas familias catastróficas, sangrientas y freudianas de los trágicos griegos hasta por ejemplo las familias desestructuradas y disfuncionales de Claudio Tolcachir -pasando por: Shakespeare (“El Rey Lear” o “Hamlet”), Ibsen (“Casa de muñecas”), Strindberg (“El pelícano”), Chejov (“La gaviota” o “Tres hermanas”), Miller (“Todos eran mis hijos” o “Muerte de un viajante”), T. Williams (“El zoo de cristal” o “La gata sobre el tejado de zinc”), O´Neill (“Largo viaje hacia la noche”), Bernhardt (“Ritte, Dene, Vos” o “Almuer-zo en casa de los Wittgenstein”), Lorca (“La casa de Bernarda Alba”), Buero (“El tragaluz” o “Historia de una escalera”), Ionesco (”La cantante calva”), Berkoff (“Como los griegos”), Vinaver (Disidente, claro”), Be-lbel (“Caricias”), Pinter (El regreso a casa”), Sanzol (“Delicadas” o “Días estupendos”)… –la familia apa-rece sobre el escenario como el ámbito terrible de las pulsiones y las relaciones más turbias y turbulentas. El curtido dramaturgo y director mexicano Flavio González Mello (México, 1967) nos ofrece por tanto aquí el enésimo avatar de la encarnizada lucha entre individuo/s y familia; y lo hace con un magnífico pulso dramático para crear situaciones y personajes, y una estructura que nos atrapa desde el arranque de la obra y no nos suelta hasta el telón final. Como el título de la obra declara, aquí el pródigo no es el hijo sino el padre, Hernán, un profesor de Literatura prófugo de todo que salió a comprar tabaco hace veinte años, y un buen día regresa sin más, eso sí, acompañado además por una atractiva y silenciosa jovencita, Analí. En el hogar quedaron la esposa, Cecilia, y los dos hijos, Ceci y Nan, que ahora tienen 28 y 24 años; cuando el padre se esfumó eran unos críos. Como le recuerda Ceci a su padre, veinte son los años que estuvo Ulises fuera de Ítaca, diez en la guerra de Troya y otros diez vagando por el Mediterráneo, sorteando peligros y retozando con amorosas ninfas. Aprovechando la profesión del padre, y que Ceci, la hija mayor, de alguna forma ha heredado ya que anda haciendo el doctorado en Filología –¡sobre las mujeres en la obra de Borges, ade-más!– la función abunda en referencias literarias que le dan a la trama un cierto espesor mítico y que también por momentos funcionan como herramienta de humor. Y es que hay que decir de una vez que nos hallamos ante una comedia, y ya sabemos que es éste un género más que apropiado para contar las cosas más terribles.

Como todos sabemos, Penélope teje y desteje desesperando a sus pretendientes y ganando tiempo para ver si su amado marido se digna regresar; cuando Ulises vuelve, con la ayuda de su mujer y de su hijo Telémaco, perpetra la sangrienta escabechina de los pretendientes. Pero otro de los referentes clásicos que aparece en la función es el de “La Orestiada”, de Esquilo, el modelo para-lelo y opuesto a Ulises. Aquí, cuando Agamenón regresa a Argos desde Troya, harta ya de él, Clitemnestra, su mujer, con la cola-boración de su pretendiente Egisto, le da matarile. Y es que aquí

hay también un pretendiente, Camargo, un matemático que trabaja con modelos de predicción y cuyo carácter, apocado y bonachón, es absolutamente la antípoda del de Hernán; “El lenguaje de las matemáticas es absolutamente lógico, complicado lo otro, la vida diaria”, afirma. Tan cortés y humilde es en apariencia Camargo que raya lo pusilánime. Aunque es la actual pareja de Cecilia, ni él ni ella han pretendido sustituir al esposo huido; ella ha conser-vado incluso vacío su lugar en la mesa, poniéndole plato y todo, para que al menos simbólicamente siguiera presente. La desigual batalla entre ambos está servida.

Y luego están los hijos, ambos airados y enfadados con el mundo pero de forma bien distinta. Muy mayor para sus 28 años, Ceci quiere entender por qué se fue su padre, pero aún más por qué diablos ha vuelto a es-tas alturas, cuál es la causa del retorno. Un crío para sus 24 años, Nan está en constante actitud de cabreo monu-mental con todo y con todos, es incapaz de pronunciar cuatro palabras sin soltar tres exabruptos y otros tantos insultos, lo que proporciona momentos regocijantes.

Y por fin también cumplen una función esencial los novios; el de ella es Jaime, la aguanta y obedece en su rigidez y su mal humor constante, y, aparentemente, es lo que llamaríamos un calzonazos. El de él, Laurita, tres cuartos de lo mismo, sobrelleva sumisa todos, o casi todos, los constantes desplantes de Nan; además de ser una apasionada lectora, estudia restauración y aprovecha cualquier momento libre para cocinarles

amorosamente sus platos. A su bien diferente manera, los dos hijos son por tanto despóticos tiranos con sus respectivos novios. Pero siempre hay aquí gato encerrado.

Y por fin, ella, la madre de la familia, Cecilia, que se muestra en todo momento sorprendentemente comprensiva y contemporizado-ra, amén de absolutamente impertérrita ante semejante situación. Única pacificadora en esta batalla ya subterránea ya campal de casi todos contra casi todos. Pero eso es, de nuevo, la superficie de las cosas. Es evidente que a pesar de la larga separación, los padres pertenecen a un mundo absolutamente distinto a éste de los hijos; el de aquellos más libre, hedonista y utópico; el de éstos más regla-do y gris. Como siempre, de algún extraño modo, los hijos purgan los pecados de los padres.

En el sutil desenlace –más desolador aún por el tono de come-dia de la obra– cumplen también su papel simbólico obras como “En busca del tiempo perdido”, “Una habitación propia” o “El doble”, de Dostoievski; y sobre todo un viejo regalo: un colgante con un insecto atrapado en un pedazo de ámbar. Las apariencias, decíamos, casi siempre engañan, y en un inesperado giro –o no, más bien no es un giro, sino el sorprendente desarrollo de la lógica de los hechos– sur-ge una pequeña heroína y una gran y malvada bruja. La familia como un organismo enfermo que nos traga y nos paraliza, como el ámbar al insecto. Siempre hay en cada una de ellas una Medusa, una terrible Gorgona. Antes de que baje el telón, reunidos todos en torno a la mesa, dos sillas, dos platos, vacíos.

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EL PADRE PRÓDIGIOFLAVIO GONZÁLEZ MELLOArtezblai Editorial




Vivir para contarlo Virginia Imaz

La formación profesional en la narración oral

ste verano en Ezkaray (Rioja) ha tenido lugar la primera edición de la Escuela de Verano sobre oralidad organi-zada por AEDA (Asociación de Profesionales de la Na-rración Oral en España) y ha sido todo un lujo, un placer

y una fiesta. Desde los inicios de AEDA se había venido trabajando sobre tres objetivos prioritarios: hacer visible el oficio, defender la profesionalización y potenciar las acciones formativas. La propuesta de una Escuela abierta tanto a personas asociadas como a las que no, da cuerpo y voz a nuestros intereses en materia de formación. El proyecto despegó con todas las plazas cubiertas y comenzó así una nueva experiencia para las gentes de este oficio, cinco días para descubrir, aprender y compartir. Alrededor de treinta horas reales de formación, sesiones dialogadas y algunas otras actividades com-pusieron el programa de la 1ª Escuela de Verano bajo el título de “El cuento a escena”.

El programa se configuró a partir del análisis de varios de los grupos de trabajo de Aeda que, entre otras cosas, elaboraron un primer docu-mento invitando a la reflexión sobre las diversas líneas de formación que se estimaban recomendables para ser narrador o narradora oral:

CON LO QUE CONTAMOS: La importancia de adquirir nociones • sobre la expresión corporal, la voz y la presencia escénica. LA PROPIA VOZ: Toda formación y exploración para consolidar • la propia voz será siempre muy útil. En esta búsqueda, convie-ne alimentar la originalidad, buscar la diferencia, consolidar el estilo propio, elaborar un repertorio personal… todo ello da color al desarrollo de la actividad y honestidad al trabajo. LO QUE CONTAMOS (1): Es aconsejable tener conocimientos • de textos de tradición oral, pues la lectura habitual de estos textos, así como la preparación e incorporación de los mismos al propio repertorio, permiten internalizar estructuras y estra-tegias “naturalmente” orales, imprescindibles para el habitual desarrollo de nuestro oficio. LO QUE CONTAMOS (2): Es importante toda formación relativa • a la ordenación, elaboración, tono, ritmo… de los espectácu-los de narración oral. En este sentido siempre resulta bueno tener nociones sobre la duración, organización del repertorio, el uso de libros y objetos, etc., en los espectáculos de cuentos. Igualmente merece la pena reflexionar acerca de la diferencia entre sesión de cuentos (más abierta) y espectáculo de narra-ción oral (con una estructura más fijada). A QUIÉN CONTAMOS: Resulta esencial saber cómo es y qué • interesa al público al que contamos, por lo que tener conoci-mientos de los centros de interés de los públicos diversos y de las peculiaridades y rasgos propios de cada edad es determi-nante. Conocer lo común y comprender lo diverso. DÓNDE CONTAMOS: También resulta positivo tener conocimiento • de los diversos espacios escénicos en los que se puede contar (teatro, café, biblioteca, escuela, plaza…) y las peculiares exi-gencias técnicas, recursos necesarios… de cada uno de ellos.

Es importante asumir la necesidad de la formación continua, ya sea mediante la recepción de cursos especializados, talleres creativos, la-boratorios... ya sea mediante la reflexión crítica sobre el propio trabajo o el de otros compañeros.

Y por último, desde AEDA creemos que es necesario ser conscientes de todas las cuestiones legales relacionadas con el oficio (obligacio-nes tributarias e impositivas, figuras legales, etc.). Igualmente pensa-mos que es fundamental reflexionar sobre la actitud ética y crítica en la profesión (legalidad, cachés, repertorio, etc.).

Yo, por mi parte, siempre he creído en la formación. Hago lo que hago y como lo hago en gran medida gracias a las distintas formacio-nes que he recibido a lo largo de mi vida. Contar historias también.

Por supuesto que entiendo la formación en sentido amplio. Una len-gua por ejemplo, se puede aprender en una academia, de manera for-mal. O también de manera informal, viendo películas en ese idioma ori-ginal. Y sobre todo, de manera no formal, por inmersión más o menos prolongada en ese entorno lingüístico. Cuando pregunto a alguien que narra profesionalmente cómo llegó a contar, todo el mundo responde que por una de estas tres vías o una combinación de ellas. Algunas personas nos criamos en oralidad. No había tele en nuestra infancia y teníamos personas en nuestra familia que eran charlatanas. Contar lo que fuera era una manera de pertenecer, de tener nuestro lugar en la tribu. Una forma de vivir. En otras familias a lo mejor había tele, pero los oficios que garantizaban la supervivencia estaban particularmente vinculados a la palabra como en el caso de comerciantes, las maestras o los publicitarios. Buscarse la vida dependía de tener una historia interesante que contar y de contarla con la mayor elocuencia posible. En otros casos la inmersión en la oralidad llegó más tarde, por amor a los cuentos, desde la literatura, el teatro, la etnografía, la sicología, etc… Cada quien llegaba al hecho de contar de viva voz por su propio camino pero todo el mundo hacía alusión a un momento particular de “deslumbramiento”. Esta revelación llegaba a menudo escuchando contar a alguien. En ocasiones, una sola experiencia de escucha, si la pasión de contar ya estaba dentro, había puesto todo en marcha.

Por otro lado está el abordaje formal. Mediante cursos, talleres, lecturas sobre el arte y el oficio de contar y otros temas relacionados. En el caso de la oralidad no existe a nivel de Estado, unos estudios “reglados”, una titulación que te acredite como cuentera o como na-rrador oral. Tampoco sé si sería lo deseable. Yo de hecho, estoy más interesada en la fórmula del tú a tú, donde la persona con más oficio y experiencia comparte lo que sabe con quién desea iniciarse o habién-dose ya iniciado, desea probar otros caminos y desafiarse con otras maneras de contar.

Porque a contar se aprende escuchando, leyendo, contando, ha-ciendo cursos… y como la mayor parte de los aprendizajes significa-tivos, se prolongan o pueden prolongarse a lo largo de toda la vida. Por eso, una escuela como la organizada por AEDA es una ocasión única para compartir búsquedas creativas propias y ajenas en este bucear incesante en lo profundo del imaginario colectivo.

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Jorge Dubatti


Abel y Caín según Mauricio Kartun

ialogamos con Mauricio Kartun sobre su nueva obra: Te-rrenal, que además dirige (Teatro del Pueblo). En conti-nuidad con su pieza anterior, Salomé de chacra, regresa

al intertexto de la Biblia, en esta ocasión al Génesis: los personajes de Terrenal son Abel, Caín y Dios. Nuevamente, teatro político. Lue-go del “tríptico patronal” –integrado por El Niño Argentino, Ala de criados, Salomé de chacra–, Kartun asegura que Terrenal “es tal vez la más ‘patronal’ de todas”.

De acuerdo con los “momentos” del proceso creador sobre los que reflexionaste en tu seminario de desmontaje de Ala de criados, ¿de qué universo surge Terrenal y cuáles fueron las imágenes generadoras?Del universo de la Biblia, al que vengo trajinando desde hace tiem-po, y una vez más el del varieté, los folcloristas, los recreos con tablado… Todo de la familia, bah. Hace muchos años, mis hijos eran chicos, andábamos un domingo de excursión por unos andurriales, unas lagunitas en Benavídez (Provincia de Buenos Aires) a las que solía ir a pescar. En un caminito de tierra, separados por un largo trecho, había dos tipos vendiendo carnada. Los carteles estaban escritos con la misma letra y pintura sobre sendas chapas viejas. Uno decía “Isoca” y el otro “Lumbrí”. Por su parecido físico imaginé que eran hermanos. Tal vez porque mis hijos vivían en esa época en disputa continua, los imaginé enfrentados. Y apareció el espacio: un terreno que habían heredado al que habían subdividido en dos mitades en la que uno criaba lombrices y el otro isoca, la larva del escarabajo, que es muy apreciada como carnada. Me los hacía como protohacendados en guerra. Una historia de rivalidades ganaderas pero en un lotecito choto con una casilla de chapa, me imaginé. Me pareció en ese momento que era una buena situación conden-sadora y que esa miseria disputada como propiedad contenía una parodia sustanciosa sobre algunas cosas del capitalismo que me agitan a veces. Quedó como tantos otros materiales generadores empollando en un archivo. Hace un par de años, releyendo el libro de mitos hebreos de [Robert] Graves, me reencontré con el de Caín y Abel con todas sus connotaciones sobre la propiedad en lucha contra el impulso nómade. Con Caín como el inventor de los pesos y las medidas, según sus exégetas, y condenado a los temblores, a las ciudades amuralladas y al trabajo inútil. Como suele suceder se sobreimprimieron las dos cosas, aquella imagen sin relato y estas ideas, y calzaban justo. Como siempre: a la herida que produce la imagen sólo la cauteriza la metáfora. La cierra, la sana. Y así toda obra es cicatriz. Terrenal es el costurón resultado de aquel tajo y esta sutura.¿Cómo fueron en este caso el trabajo de campo y el acopio?Mucho Google al principio, como hacemos todos, buscando orienta-

ción, bibliografía, referencias y mucha imagen. Lo extraordinario de los buscadores de internet es esa apertura interminable en la que cada término lleva a un autor y ese autor a otros términos, y esos términos traducidos a otros idiomas y nuevamente buscados vuel-ven a abrir y abrir. Es nuestra biblioteca de Babel contemporánea, no hay caso. Luego ya con ese marco, la búsqueda y acopio desde esos libros. Fue fundamental en este caso, además, un aporte que desde su biblioteca personal me hizo Eduardo Graham. Leí mucho y de todo. Y todo el despelote se empezó a ordenar, como de costum-bre, durante la escritura. Le cuesta a veces a quien no lo practica, entender esta cosa de que la escritura es una forma analógica del pensamiento, que quienes lo hacemos no tenemos otra forma de encontrarnos con las ideas que plasmar un universo en palabras, recorrerlo y descubrirlas a su través. Parece raro y sin embargo es tan obvio. Hay una actividad menos conocida sobre la Biblia, la de los eiségetas. A diferencia de la exégesis, que extrae el significado de un texto dado de acuerdo a la necesidad de la iglesia, la eiségesis inserta en un texto dado las interpretaciones personales. Eso hice con este mito, mi propio -spinozista y marxista- laburo de eiségeta.¿Qué esquema dinámico diseñaste y qué características fue-ron surgiendo en los personajes?Busqué situación analógica, pero seguí obediente en este caso cada uno de los pasos mencionados en la Biblia, con sus textos originales incluso. Esa fue aquí la clásica secuencia equilibrio-desequilibrio-equilibrio con que solemos ordenarnos los relatos. Los personajes se fueron armando. Andando el carro se acomodan los melones, como siempre: Abel el escéptico indolente, el nómade, que en rea-lidad vive en su interior angustiado por el abandono. Y que cuando regresa Tatita oscila entre la rabia, el amor, la necesidad de afecto y el fastidio por la chantada de aquel ser amado. Caín el Pastor Capi-talista, culpador y plañidero. Victimizado siempre. En busca siempre del par que le da sentido, su victimario designado. Y Tatita, el payaso blanco, el inimputable. Sé que puede sonar a joda, pero laburé ese personaje con imágenes de Horacio Guaraní en una entrevista que le hizo en televisión Beto Casella. Le tomé de ahí incluso algún bo-cadillo notable. Durante el proceso de escritura si me preguntaban quién era Dios en mi obra sólo podía explicarlo así: Dios es Horacio Guaraní. Una vez más en mis obras la dialéctica del payaso blanco y el tony, que acá es Caín, claro; con el agregado en este caso del tercero posible en la serie: el pierrot, el arquetipo cómico del eterno enamorado, el intelectual sufriente, el poeta.Una vez plantada la materia a trabajar, cómo fueron los pasos más relevantes de escritura-reescritura que puedas destacar.Mucho acopio de fragmentos de diálogo buscando con empeño ese lenguaje. Cómo hablarían estos tipos solitarios, resultado del len-guaje bíblico original y el territorio conurbano de los ´50 o los ´60

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Postales argentinas

donde imaginaba ubicarlos, algo así. Conseguido eso, fluyó. Se armó rápido un borrador. La reescritura la produjo el encontrar un día de sorpresa en ese borrador la punta del tópico del Theatrum Mundi, que antes no había percibido, y a su versión más cachuza: el varieté mundi. Desde ahí reescribí todo con ese nuevo contexto.Por qué definís tu laburo de eiségeta como “spinozista y mar-xista”? ¿Qué tiene de Spinoza y qué de Marx? A ver… Qué difícil es hablar de teatro y ponerse serio, donde te descuidás terminás personaje de [Diego] Capusotto… De Spinoza, a ver… Yo creo en Dios. Como relato, pero creo. Y en los hombres como espectadores comunes conmovidos por ese relato en un espacio común. Si creo en la validez de los grandes mitos, y vivo de un oficio que los ha desarrollado, cómo no iba a creer en ese supremo, el de Dios. Creo en el Dios Mito. En su metáfora perfecta. Y lo respeto como tal. Con toda la ambi-valencia del verbo creer, creo en su relato perfecto, bello, útil, ansiolítico y ordenador. Qué sería de nosotros sin esos relatos que nos permiten pensarnos, explicarnos, ordenarnos a través de sus metáforas, de su poesía universal: ¿vivir esperando a Go-dot…? Lo único que nos concier ta como humanidad son nues-tros relatos en común. Acepto su cosmogonía, su metafísica, sus metáforas, que hablan sobre todo de nosotros, no de él, del hombre, su público, retorciéndolo, tironeándolo durante siglos para que diga siempre otra cosa. Para que sostenga un poder económico o tremendas matanzas. O para que pueda detenerlas y hacernos llorar a todos en éxtasis comunal. O para que te lleve a la meditación y te encuentres adentro tuyo gracias a él. Pero si voy a elegirlo como relato, busco el que me da, el que me construye, si la metáfora es multívoca escucho de ella la voz que me construye, ¡si ese es el valor del relato! Entonces digo como Einstein, raro ateo: “Creo en el Dios de Spinoza”. No me jodan con el represivo. Los mitos, metáforas ampliadas, tienen tantas eiségesis como eiségetas y yo elijo aquella que lo aleja de toda oscuridad, de todo carácter vengador. Ese habla del mundo con el que sueño. Me gusta esa idea spinoziana de un Dios que se burla de la imagen que el hombre culposo ha construido de él. Ese Dios al que Spinoza le hace decir: dejá de ir a esos templos lúgubres que construiste y que decís que son mi casa, mi casa está en la naturaleza, ahí es donde vivo y en donde expreso mi amor por vos. Un Dios anti represivo, liber tario. Tatita en esta obra sostiene eso: te puse acá a que disfrutes. No me busques afuera, no me encontrarás, le hace decir Spinoza a Dios, bus-came dentro, ahí estoy, latiendo en vos… Esta no es una obra atea aunque pudiese parecerlo. Aunque irreverente con el relato institucional y algo desesperanzada, es una parábola –medio chota, pero parábola– sobre el sentido del mundo desde su creación, su origen. Y no hay manera mejor de representar y entender esa creación que a través de ese Dios Mito, al menos para mí. Esta no es una obra que se burle de Él, al contrario, como autor lo celebro pero me permito construirlo, como han hecho otros hombres, a mi imagen y semejanza, mirá si me la iba a perder. A semejanza de mis ideas. Y mi imagen entonces, claro, no se parece tanto a la del prototipo judeocristiano. El mío es un Dios zurdo. Spinoziano, justamente. Me preguntabas además sobre el carácter marxista del enfoque, bueno eso está más expreso, ¿no? El sentido de propiedad y la

dialéctica entre esas dos grandes visiones distintas del mundo: la de quienes quiere habitarlo y disfrutarlo, y la de quienes quieren poseerlo.Venimos del “tríptico patronal” (El Niño Argentino, Ala de criados, Salomé de chacra) en el ciclo de textos que estre-naste en los últimos años, ¿cómo enlaza Terrenal con ese ciclo o es un giro en otra dirección, ya adelantado por el tema bíblico de Salomé?Es tal vez la más “patronal” de todas. Y la que abreva más allá, más atrás, que cualquiera de las otras. El non plus ultra patronal vendría a ser ésta. Su mito de origen. ¿Cómo fue aquella intervención de Horacio Guaraní que te llevó a relacionarlo con Dios? ¿Cómo es un Dios-Horacio Guaraní?Mientras armaba el acopio me venía aquella entrevista que me ha-bía divertido mucho. Un inimputable querible, Guaraní, una mezcla guasa de ideología, ingenuidad, ironía y vanidad. No sé, calzaba, lo probé y anduvo. Creo en aquello de la “forma formante”: dada una forma, ésta crea –como en un fractal– su propia condición compleja y después completa. Y con eso, luego claro, su sentido. Se fue ar-mando esa idea del dios músico. Del universo como concierto. Partí azarosamente de aquella imagen de Guaraní, de quien tengo ade-más otras imágenes medio jacarandosas, y la imagen en su hacer fue creando su sentido y su personaje, un dios irónico, libertario, fané y medio atorrante.¿Por qué “pequeño misterio ácrata” como subtítulo? Siempre estoy escudriñando viejos géneros en busca de sus convenciones. Aprendo mucho observando convenciones. Esos acuerdos dinámicos entre artistas y espectadores que permiten construir mucho con poco, simbolizar. Cada género tiene las suyas y están en continuo cambio. Con esas convenciones, esos pac-tos, cada género construye a sus espectadores a su imagen y semejanza y es construido a la vez por ellos. Trabajé un tiempo para un proyecto que tengo en capilla sobre una vieja compañía de cómicos, la de Angulo el malo, que Cervantes menciona en el Quijote y en El coloquio de los perros. Aprendí sobre sus formas de representación, esos autos sacramentales toscos, con argu-mentos armados a hachazos y chistes tan groseros que los expul-saban de las iglesias y después de las plazas. Me entusiasmaba la idea de trabajar los códigos de esos dramas religiosos que ponían en escena pasajes de las Sagradas Escrituras. Leí algu-nos misterios medievales –antecedente de esos autos– durante el acopio, y vi videos de otros, ancestrales, que se siguen repre-sentando. Mi obra hace eso mismo, monta un pasaje del Antiguo Testamento así que lo es, es un misterio, un auto. Adopté de ahí varias cosas: esa zona grosera, esas convenciones ingenuas de la ilustración escénica, la estructura a los bifes, de retablo titiritero, las transiciones a cuchilla. Pero claro mi representación no tiene los mismos objetivos didácticos que los de la iglesia, el mío no es un misterio religioso. Ya se sabe: en un género, distintas especies. Lo de ácrata viene, entonces, por la mía. Género Misterio. Especie Ácrata. Lo de pequeño es por el formato. Es la pieza más conden-sada que he escrito en mucho tiempo. Pensaba incluso trabajarla en un espacio diminuto al que los personajes aludieran como “el universo”. Esa paradoja. Me imagino una puesta de movimientos mínimos, puesta en friso y con actores quietos como en el varieté, algo muy pequeño.



Cronicón de Villán... y corteJavier Villán

Operación Talía:Una sociedad sin teatro

iempre se dijo que una sociedad sin teatro estaba con-denada a perecer. Y pereció. Al no tener conciencia de sí misma, carecía de identidad y, al no tener identidad, era

una abstracción en manos de cuatro mercaderes del pensamiento. Nadie creyó que eso pudiera ocurrir. Y, sin embargo, ocurrió. No fue de golpe, sino que fueron apareciendo signos y profecías que nadie quiso interpretar o lo hizo correctamente. De pronto un dia las salas de la Metrópoli aparecieron cerradas, las taquillas precintadas y las pocas colas de despistados que no habían percibido la anomalía, desbaratadas a palos por la policía. Los ciudadanos se refugiaron en los bares próximos y acabaron todos borrachos, incluidos los policías que tomaron al asalto barra y despensa. La gente más joven pensó que la salvación estaba en las salas alternativas, mas cuando a ellas llegó las encontró convertidas en cenizas. Los teatreros prefirieron quemarlas y, en algunos casos, perecer entre las llamas. Ese mismo dia se reunió el Consejo de Ministros y se dio por concluida la Opera-ción Talia que había empezado muchos años antes.

Cuando llegó la democracia, los habitantes de Iberia creyeron, sin demasiados fundamentos para su raciocinio, que había llegado el tiempo de la libertad. Era tan desconocida, tras una larga Dictadura, que sólo nombrarla creaba un estado de euforia y, a la vez, de des-concierto. Se dieron a la molicie y se produjo un estado de ánimo que un intelectual de rara condición dio en llamar “desarme ideológico”. Se llenaron, transitoriamente, las salas de teatro, creció la producción de poesía sin ton ni son y, puesto que la gente se reía a carcajadas en los patios de butacas, muchos dieron por alcanzado ese estado en que el hombre empieza a ser semejante a los dioses sin necesidades ni deseos. Lo de la risa y el teatro estaba bien; ya Aristóteles había en-salzado su valor terapéutico y otros, en sintonía, elevado a los altares la comedia como forma de convivencia. La risa, sin duda, es el primer síntoma de la inteligencia humana, aquello por lo que el hombre se distingue, con suprema jerarquía, de los demás mortales.

Y Bertolt Brecht destacó en su Pequeño Organon, canon y teoría de todas las virtudes de un teatro liberador, que la primera función de farándula es divertir. Iberia, pues, era una fiesta. Quienes más belico-sos habían sido contra la Dictadura, divirtiéndose sin duda aunque no exentos de peligro, quienes más habían contribuido a cuartear los muros de la caverna, se tumbaron a la bartola, fiados en su ingenio y su sabiduría. Puesto que ha llegado la democracia, dejemos que la democracia solucione todos los problemas, que solo su nombre es garantía de libertad. Sobraba un teatro resistente, un teatro agitador que sacudiese las mentes; no había enemigo y apuntaba una Edad de Oro en el horizonte.

Las cosas estaban claras: el Teatro Público e Institucional estaría al servicio de todas las ideologías tolerables por el sistema, repar-tiría dádivas y prebendas con una sola condición: talento y libertad creadora. Y el Teatro Privado, el de libre competitividad y comercio, se regiría por el patrón oro de la oferta y la demanda. Mas empezó a

descubrirse algo que casi todos habían olvidado; que el Estado es un instrumento de clase y que, como tal, repartía prebendas conforme a simpatías y afinidades. El Teatro Público, por otra parte, se sentía postergado y maldecía la taquilla, suprema ley del liberalismo más exi-gente, como fuente de todos sus males. Venía a pedir, en consecuen-cia, quedarse con las ganancias si las hubiere y que el Estado, en sus distintas administraciones, asumiera los riesgos y las pérdidas. Pronto se confundieron los dos planos, el público y el privado, el institucional y el empresarial, y empezó a montarse el cirio.

Lo que no había conseguido la dictadura, matar el pensamiento crítico, aunque lo había amordazado silenciando todo brote regene-rador, lo consiguió la democracia por medios más refinados como la economía: libre pensamiento y libérrima libertad de creación, pero sin medios para ponerlos en práctica. Los gobiernos, daba igual el signo del que fueran, consideraron la cultura como despilfarro innecesario, restringieron apoyos y aumentaron impuestos; pero como siempre quedaban algunos privilegiados frente a la inmensa mayoría de los desfavorecidos, no pasaba nada A lo sumo, algunas algaradas de café; pero nada de aquel viejo teatro militante que obligaba a actuar a los guardias, nada de la subversión que desequilibraba y consumía las gastadas neuronas de los censores. La censura había sido abolida; pero autor o director de intenciones sesgadas o a otro partido, era abolido también. Fuera subvenciones, al enemigo ni agua.

Se acentuaba el peligro de privatización del sector público teatral, como el de la sanidad o la educación. Pero pronto los más lerdos acabaron dándose cuenta de que no era tanto cuestión ideológica restrictiva como miedo a la cultura y, singularmente al teatro, como vivero de hombres libres. El teatro, fuente de agitación, como lejana amenaza de subversión. El golpe de gracia fue una brutal subida de impuestos, sin parangón en toda Europa, y aun en el mundo, que dejó a la farándula enfrentada al suicidio o al paro, o a ambas cosas a la vez. Se alzaron algunas voces discordantes, pero, en el fondo, todos admitieron que la democracia y la libertad tienen inconvenientes. Y los gobernantes siguieron alardeando de su naturaleza escrupulosamen-te democrática.

Los más conspicuos o los más inocentes confiaban en una reacción del pueblo ante el cercenamiento solapado de sus derechos; pero no ocurrió. Los más avanzados empezaron a refugiarse en las pequeñas salas alternativas, en el teatro de barrio, más económico y más próxi-mo. Pero esta solución es una solución restringida que no alarma a los poderes, por virulento que sea el mensaje de algunas obras. A la postre, pongamos veinte salas; cuatro días a la semana y unos treinta espectadores por sesión, no llega a los quinientos semanales. La onda expansiva es mínima y los periódicos ni caso. Además, tanto los gran-des empresarios públicos como los jerifaltes oficiales consideran este teatro como una destrucción del tejido comercial debilitado ya por ellos y un enemigo en potencia. A partir de ahora les va a dar igual: todos al mismo saco. La operación Talia se ha consumado.

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El lado oscuro Jaume Colomer

Una programación para la libertad de los públicos

eorge André Malraux, nacido el 1901 en París, autodi-dacta y escritor vanguardista y comprometido, que ha-bía militado durante unos años en el partido comunista, publicó en 1951 Las voces del silencio para defender

la libertad del artista contra los determinismos de ciertos sistemas políticos. En el año 1959 Charles de Gaulle creó el primer Ministerio de Cultura de Francia para “favorecer el acceso a las obras capita-les de la humanidad, y primeramente de Francia, a un número de franceses lo más grande posible; de asegurar la audiencia máxima del patrimonio cultural, y de favorecer la creación de obras de artes y del espíritu que la enriquecen” y le encargó la dirección a Malraux, quién definió y aplicó la primera política cultural: democratización; ldifusión y creación.

La política cultural francesa, desde Malraux hasta nuestros días, se ha basado en la defensa del principio de que la cultura y las artes no deben ser reguladas por las leyes del mercado, sino más bien defendidas y estimuladas por los estados soberanos1 pero ha sido permanentemente contestada por movimientos de artistas y filósofos que consideran que es la estética burguesa institucional la que aleja a las nuevas generaciones de públicos. Hay dos posiciones enfrentadas: una que rechaza el poder de la institucionalidad en la relación entre la obra y el público, otra que proclama la necesidad de una “intermediación” de sensibilización y acercamiento de los públicos a las obras.

Nuestras programaciones escénicas aplican el modelo surgido del paradigma de la democratización cultural desarrollado por las políticas culturales francesas, considerando que los poderes públi-cos deben “intermediar” para fomentar el acceso de los públicos al patrimonio escénico histórico y contemporáneo para conseguir la culturalización escénica de los ciudadanos. Este modelo plantea dos interrogantes: ¿quién selecciona el contenido de la programación y con qué criterios de valor? ¿Cómo garantizamos y fomentamos la libertad de elección de los públicos?

Hay que distinguir entre el valor intrínseco o técnico de una pro-gramación (su excelencia) y el valor relativo (la percepción de los públicos de que les aportará un beneficio buscado). La programa-ción basada en las políticas de democratización cultural busca el acceso de los ciudadanos a contenidos con valor intrínseco que, a veces, carecen de valor relativo para muchos ciudadanos y, en consecuencia, no participan. En contraposición, las programaciones comerciales se basan exclusivamente en el valor relativo sin preocu-parse por el valor intrínseco de los contenidos.

¿Cómo se pueden articular ambos valores para incrementar los públicos y ofrecerles la oportunidad de que participen en propuestas

con valor intrínseco? El simple incremento de públicos no debe ser nunca un objetivo de las políticas públicas, debe ir siempre asociado a la calidad escénica de las experiencias programadas.

Hay que buscar la solución en la participación de los espectado-res en el proceso de programación, algo que incomoda a muchos programadores que consideran que los públicos no deben partici-par en la elección de contenidos debido a la falta de conocimiento del patrimonio escénico y de competencias para valorar su calidad. Las metodologías basadas en la participación no menosprecian el papel de los programadores como especialistas en contenidos sino que desarrollan un proceso de implicación de los espectadores en la elección de contenidos desde su condición de públicos. Si los públicos manifiestan sus intereses y necesidades los programado-res podrán buscar contenidos con valor intrínseco que respondan a ellos, y si los espectadores validan la propuesta de programación que argumentan los programadores percibirán que es una progra-mación con valor relativo y participarán en ella. Para que una pro-gramación articule el valor relativo con el intrínseco debe basarse en el diálogo con los públicos.

Es evidente que desarrollar la participación de los espectadores en el proceso de programación es relativamente fácil con los públicos regulares. El problema está en los ocasionales o los interesados que no asisten nunca. En este caso hay que aplicar la metodología que propone Eugene Carr2 basada en una relación permanente e interac-tiva con los espectadores.

La democratización cultural institucionalizada tiene el riesgo de ser una forma velada de dirigismo cultural porque la elección de conte-nidos la realizan los poderes públicos como titulares de los equipa-mientos. Por otro lado, es cierto que la elección crítica y autónoma de contenidos requiere conocimiento y capacidad de análisis de las propuestas del mercado, condición que no se da en la mayoría de es-pectadores reactivos que van a ver un espectáculo si previamente ha sido prescrito por su entorno social, por los medios de comunicación o por la publicidad integrada en el paisaje urbano.

¿Cómo se puede incrementar la capacidad de elección autónoma de los públicos? Parece lógico que el acceso a los contenidos escénicos de una programación debe ir acompañada del acceso a propuestas de formación como espectadores. Hay varias experiencias de escuelas de espectadores o talleres de formación de públicos que nos muestran cómo son instrumentos de gran valor para sacar más provecho a las experiencias escénicas e incrementar la capacidad de elección crítica de contenidos. Considero que este es el camino que puede garantizar la libertad de los públicos en la elección de contenidos y facilitar que pasen de reactivos a proactivos.

G

1.- Karin Elmore, El artista, el público, los mediadores y la ciudad. El impacto de la democratización y de la descentralización cultural en la re-gión Languedoc-Roussillon. Tesina del Master en Gestión Cultural del ICCMU, febrero 2008, dirigida por el profesor Emmanuel Négrier.

2.- Eugène Carr y Michelle Paul (2012). Rompiendo la quinta pared. Marketing para las artes en la era digital. Fundación Autor, Madrid.



Piedra de sacrificioJaime Chabaud


Proyecto Ruelasl año pasado escribía, motivado por los discursos oficiales tanto de la Presidencia de México así como de Conaculta (nuestra instancia cultural rectora), que para verdadera-mente emplear la cultura en la tan cacareada urgencia de

la reconstrucción del tejido social en el contexto de guerra que vivimos existían experiencias formidables. Pedía yo que no empezaran de cero y que los funcionarios bajaran de sus torres de marfil para acercarse a quienes ya trabajaban en las zonas de conflicto. Existen muchos pro-cesos creativos que artistas de diversas disciplinas han emprendido en comunidades urbanas y rurales. Las más son iniciativas personales y las menos de gobiernos que las apoyaron mientras el funcionario interesado estuvo en el cargo.

De las institucionales tenemos ejemplos en el arte escénico como el teatro que se hacía con las Misiones Culturales durante el car-denismo en los años 30, el teatro del Centro Regional para la Edu-cación Fundamental de América Latina (CREFAL, dependiente de la UNESCO) en los años 50 y 60, El Teatro CONASUPO (dependiente de la Compañía Nacional de Subsistencias Populares) en los años 70 del siglo pasado. También el Laboratorio de Teatro Campesi-no e Indígena primero en Tabasco y luego en Yucatán, encabezado por la directora María Alicia Martínez Medrano. El trabajo de teatro social emprendido por creadores ha tenido muchas ramificaciones como pueden ser el penitenciario que arrancara hace décadas Jorge Correa y muchos otros teatristas, el que se hace con niños de la calle o mujeres de las maquiladoras, con poblaciones vulnerables (discapacitados, adultos mayores, etc.) y con vecinos de barrio. Sus alcances son extraordinarios y verdaderamente le modifican la vida a los ciudadanos que viven el teatro desde la piel. Lo incorporan a sus vidas con intensidad y modifica su horizonte. Pero en un país como México las experiencias son pequeñísimas al lado de las nece-sidades espirituales (ya no digamos las materiales).

El Festival Internacional Cervantino junto con el programa Cultura de la Armonía de la Secretaría de Gobernación, el DIF y gobierno de Guanajuato y otras instancias, echaron a andar para este año el Proyecto Ruelas. Se harán 4 adaptaciones de Shakespeare en 3 comunidades en pobreza extrema y 1 en un barrio depauperado de la capital del estado. Es un “proyecto piloto” cuyo proceso, que he podido atestiguar, se vuelve brutalmente conmovedor y nos habla del enorme poder sanador y constructor de sentido de pertenencia y comunidad que genera el teatro.

San Juan de Abajo es una comunidad con cerca de 900 habitantes, considerada una de los más violentas y empobrecidas del municipio de León, en Guanajuato. No hay agua potable y los vecinos de vez en vez logran juntar dinero para contratar un camión con agua que los abastezca para lo más elemental. El baño diario no está incluido en sus expectativas y, en la visita que me tocó a esa comunidad, unos niños jugueteaban en un charco lodoso y con larvas de mosquito. Y es una jauja porque es temporada de lluvias. Es ahí donde Javier Sánchez Urbina, director de teatro con una larga trayectoria hacien-do teatro profesional y comunitario, está montando un Shakespeare arrancando a las amas de casa de su telenovela diaria y a los niños de sus caricaturas para que ensayen. Javier es un viejo lobo de

mar en el manejo de actores no profesionales en sus proyectos de teatro social y se arma de paciencia para seducir con el teatro a sus cómplices de la comunidad donde la pobreza, los malos olores y las enfermedades son un marco, un caldo de cultivo perfecto para la frustración y la violencia.

El Proyecto Ruelas ha convocado a tres directores escénicos gua-najuatenses: Luis Martín Solís (con enorme trayectoria nacional e internacional), Sara Pinedo (una de las jóvenes directoras y drama-turgas más prometedoras de su entidad) y el propio Javier. La cuar-teta la cierra la yucateca Raquel Araujo, también con una trayectoria nacional e internacional reconocidísima. Durante cuatro meses es-tos directores realizarán una residencia en un barrio marginal de la ciudad de Guanajuato (Solís); en las comunidades de Puerto de Valle, Valtierrilla, en el municipio de Salamanca (Pinedo); La Escon-dida y Pozo Blanco del Capulín, en el municipio de San José Iturbide (Araujo); y en el ya citado San Juan de Abajo (Sánchez Urbina).

Mientras para Javier el trabajo de seducción ha sido complicado, por ejemplo Sara cayó en blandito en la nopalerísima Valtierrilla pues un grupo de mujeres había ya –por iniciativa propia– arrancado con montajes teatrales sobre las fiestas patrias y con una pastorela el año pasado. Ningún hombre quiso participar en su incipiente grupo teatral en donde ellas hacen todo, desde los vestuarios hasta los personajes masculinos. La participación de los hombres suele ser baja, les da pena hacer teatro.

Sueño de una noche de verano de Shakespeare resuena en voces niñas en un escenario de pasto y tierra que tiene por ciclorama un par de árboles de capulín muy bonitos y una cortina de cactus de los que conocemos como órganos. Son 23 niños y niñas de entre 6 y 13 años, 7 jóvenes entre 17 y 25 años, y dos ancianos, una mujer y un hombre. Ese es el elenco que la directora Raquel Araujo ha reunido para el montaje que en el poblado de Pozo Blanco del Ca-pulín, en el municipio de San José Iturbide. “También hay 2 señoras que nos ayudan con el vestuario, un grupo de músicos ciegos de 6 personas… En fin… No hay hombres adultos en el grupo porque o han migrado o no se atreven a hacer teatro”, nos comenta Raquel Araujo en breve charla.

El trabajo con esta obra se desarrolla en la comunidad ya citada y en La Escondida, donde ha sido muy difícil reclutar actores por las distancias y los problemas que encarna la pobreza extrema de las familias que suelen ser conformadas por entre 8 y 15 hijos. La plani-ficación familiar es un concepto que no se conoce y casi todos los ni-ños ayudan a sus papás en la ladrillera de la localidad, trabajo brutal para los niños a los que se les ha robado la infancia porque buena parte no estudia ni tienen un desarrollo como lo exige la Convención sobre los Derechos de los Niños que adoptó la Asamblea General de las Naciones Unidas en 1989 y que ratificó México en 1990. Hay problemas de alcoholismo, violencia intrafamiliar y un alto índice de migración. Eso tanto en La Escondida y Pozo Blanco. No obstante, en esta última el trabajo infantil es en la milpa y se respira de otra manera. Ambas son poblaciones sin agua ni servicios.

El Proyecto Ruelas, por lo pronto un programa piloto, quiere de-mostrar lo ya demostrado: el teatro construye tejido social.

E




El método griego María Chatziemmanouil

Lorca: una fuente inagotablede inspiración

a sala “Vault” es un espacio de arte que se fundó en Atenas hace 2 años, justo cuando Grecia atravesaba por la etapa más dura de la crisis económica. Está situada en

el barrio de Keramikós (nombrado por el homónimo antiguo cemen-terio que está ahí) y tiene como objetivo principal acoger por un lado a compañías de teatro compuestas por artistas jóvenes que no tienen residencia artística, y por otro lado actividades culturales de otra ín-dole: exposiciones de fotos y de pintura, conciertos musicales etc. Ocupa el espacio de un edificio de tres plantas y dispone de dos escenarios, de 60 y 45 butacas respectivamente.

Desde el primer momento de su fundación, “Vault” ha sido una colme-na de creación artística y sus espacios están siempre llenos de público. (Se podría decir que “Vault” es, guardan-do las distancias el equivalente ate-niense de “La casa de la portera”). En ese resultado contribuye mucho la gestión del espacio por sus dos propietarios: el autor, director y actor Dimitris Karatziás, y el músico Manos Antoniadis. La cuidadosa selección de las producciones que se estrenan, la polifonía, la experimentación y la originalidad, en combinación con el ambiente acogedor del espacio, son los ingredientes que componen la receta del éxito.

La temporada pasada, entre las 24 producciones que se estrena-ron en “Vault”, destacó el homenaje a F. G. Lorca, con 3 obras: una original del autor granadino (Yerma), otra adaptada (Asfixia) y otra más, escrita en 2013 por Dimitris Karatziás (Basta ya con Adela), cuya trama es la continuación de la historia de La casa de Bernarda Alba.

Lorca es, con diferencia, el autor extranjero más representado en Grecia. Cada año se estrenan en Atenas al menos 5 montajes de obras suyas, para mencionar sólo las de compañías profesionales.

El homenaje a la obra lorquiana en “Vault” empezó el 24 de no-viembre de 2013 con Yerma, dirigida por Lily Melemé, una de las di-rectoras más destacadas de la nueva generación. Melemé dirigió un grupo de licenciados de la escuela dramática Arjí, quienes fueron sus alumnos durante los tres años de sus estudios. El montaje, alabado por la crítica por su estética, por la mirada de la directora sobre la obra y por su dinamismo, prorrogó sus funciones varias veces y se-guirá en cartelera de cara a la temporada que viene, después de una gira estival por varias ciudades y festivales.

Cinco días más tarde, el 29 de noviembre, se estrenó Asfixia, una obra inspirada en La casa de Bernarda Alba, adaptada y di-rigida por Dimitris Karatziás (quien escribió tres nuevas escenas)

en otro contexto cultural, cronológico y geográfico. La acción no transcurre en Andalucía en 1936 sino en una provincia de Turquía oriental en 2013, y las heroínas no se llaman Bernarda, Adela, Poncia, etc., sino Jadisé, Nasma, Ulvillé, etc. Como declara Ka-ratziás, su inspiración fue por una parte “el valor de esta obra maestra” y por otra el hecho de que casi 80 años después, la opresión sexual, el dominio de la religión, los prejuicios y la ex-clusión social de las mujeres siguen en pie, en países que buscan

mostrar una cara más progresista en temas políticos, como es el caso de Turquía. “Los datos impactantes que aparecen en el programa de mano se han extraído de los registros ofi-ciales de las Naciones Unidas y de la Unión Europea” sentencia Karatziás. La crítica acogió con entusiasmo la producción y el público llenaba la sala hasta el 15 de junio, fecha en la que se produjo la última función (en un principio, estaba previsto que durara hasta finales de enero).

La tercera obra del homenaje fue también escrita por Dimitris Kara-tziás y se estrenó en “Vault” el 24

de marzo de 2014, con dirección de Lily Melemé y música origi-nal de Manos Antoniadis (quien compuso también la espléndida música para las dos funciones anteriormente mencionadas). Se titula “Basta ya con Adela” y se trata de una continuación de La casa de Bernarda Alba (es obvio que se trata de la obra lorquiana preferida de Karatziás). Treinta años después del acontecimiento trágico que marcó el fin de la obra original, Bernarda está ago-nizando y Martirio, “la única descendiente de la “maldita” familia, guarda insomne de un secreto oscuro e instigadora de un suicidio fraterno, está condenada a vivir hundida en un mar de luto, donde el eco de las voces sigue sonando y la culpabilidad no permite a los párpados que cierren y al alma que se tranquilice. La “inva-sión” inesperada de una joven en la oscura casa de Bernarda, es el motivo para abrir la caja de Pandora sellada: por medio de un viaje doloroso a la memoria, que revela con violencia secretos y mentiras, instintos reprimidos y pasiones prohibidas, Martirio vuelve al lugar y al momento del crimen, representa paso a paso los hechos y busca la catarsis. La obra está escrita respetando profundamente la obra original y transmitiendo absolutamente el espíritu lorquiano, omnipresente en las tres funciones del home-naje. Un homenaje que fue un importante cruce de poéticas, de inspiraciones y de teatro de calidad.

L

Asfixia



Noticias desde los fiordos Víctor Criado


Parálisis permanenten viaje a través de Europa para visitar familia y antiguos fantasmas. Uno más doméstico para, dentro de Euskal He-rria, ver la representación que un amigo ha dirigido. El lugar

es un pueblo “tipo”, industrializado en un principio, desindustrializado más tarde, lleno de bloques de apartamentos. La representación tiene lugar en la calle, un montón de niños en primera fila, expectantes. Una segunda fila compuesta por madres, padres, abuelos, y demás, acom-pañados de móviles y comentarios sobre todo lo habido y por haber. El espectáculo transcurre con problemas de sonido e indiferencia adulta. Los niños curiosos a veces, desconectados otras, expectantes al final por poder tocar y entrar en el espacio escénico. Al finalizar se recogen sillas e ilusiones más o menos cumplidas.

Me acerco a los actores para saludar y me doy cuenta de que co-nozco al programador. Sigue siendo el mismo que 25 años. La com-pañía también tiene más o menos la misma edad.

A ver si logro explicar bien la reflexión que esto me produjo. Inevi-tablemente aparece la comparación, en este caso Suecia es el espejo, con lo observado. Dejando a un lado las primeras impresiones de que en el Norte todo es mejor, o está mejor pensado (lo cual no es del todo cierto) si surge una conclusión inmediata: parálisis.

Ese programador es un hombre, por lo que sé e intuyo, íntegro, que ama su trabajo y el teatro como forma de expresión artística. Me ha explicado los problemas, reducciones de presupuesto y demás pe-nurias. Totalmente de acuerdo. Sin embargo pienso que después de 25 años ejerciendo una labor hay que… ¿variar?, ¿moverse?, ¿dejar sitio a otras personas con otras ideas y energía? Si salto la línea y me coloco en el lugar de la compañía, ¿no sucede lo mismo?

Es evidente que hay muchos tipos de compañías, con edades y trayectorias diferentes, como también es verdad que muchas de las consolidadas llevan ya un largo camino recorrido, respeta-ble y hasta admirable. Pero considero que hay consecuencias en esta “permanencia”, un anquilosamiento de ideas y formas. No de personas, ya que en eso somos cada uno de nuestra madre y nuestro padre, pero si de estructuras, tanto en la parte de la ofer ta (las compañías) como, sobretodo, en la de la demanda (los programadores). Ese anquilosamiento puede además dar lugar a clientelismos y “tics programáticos”, entre otros. No sé hasta que punto esto influye en la “forma” de los espectáculos producidos, para esto habría que hacer un estudio meticuloso de los porqués a la hora de decidir qué producir, pero si sé que una estructura influye muy mucho en el “resultado teatral”.

En anteriores artículos he explicado un poco, muy poco y por en-cima, la forma de organización de las artes escénicas en Suecia. La figura del programador tal y como está entendida allí es inexistente aquí. Hay teatros públicos diseminados por todo el país que producen y exhiben sus espectáculos, con elencos estables (o casi), al frente de los cuales está un “director artístico” que, en contadas ocasiones (dado el limitado presupuesto empleado para ello) decide qué espec-táculo puede ser contratado. Director artístico he dicho, no progra-mador, o técnico de cultura o funcionario público al que se le encarga programar. Y estos directores artísticos tienen una duración limitada, no se eternizan en su puesto, son relevados con mas o menos asi-duidad. Asimismo los grupos de teatro independientes suelen también

elegir nuevos directores artísticos cada cierto tiempo (sus consejos de dirección son los encargados de ello). El caso de Suzanne Osten, que es a quien conozco más de cerca, es especial, nadie en Suecia ha estado al frente de un centro de producción tanto tiempo, algo atípico, pero también es verdad que la capacidad de transformarse, evolucionar y ser curiosa es muy peculiar en su caso.

Volvamos al programador, de teatro, festival, evento… A veces me parece que es una prolongación del funcionario de turno del estado franquista; ordena y manda, decide y ejerce el poder de un modo soberano, casi omnímodo; le llaman, le vuelven a llamar, le envían dossiers, le doran la píldora, cena incluida, a veces hasta se lleva en el bolsillo un pequeño porcentaje del bolo (confío que no muy a menudo)… Enfín.

Se que hay admirables personas, que pelean por mantener programaciones y compañías. Es la estructura la que, desde mi subjetivo punto de vista, está errada, la que hace que se perpe-túen nombres y proyectos, algo que aquí sucede en mucha menor medida (ya he dicho que aquí también hay problemas). Somos humanos, vanidosos y sobornables en mayor o menor medida, sobre todo cuando de sobrevivir se trata. Los nobles y valientes escasean. Ya que esto es así pongamos los medios, las estructu-ras, para evitar males mayores, no lo contrario, abonar el terreno para que personajes ávidos de control y poder tomen las riendas, que es lo que creo ha sucedido, o sucede.

Todo esto se me pasó, como un fogonazo, por la cabeza al hablar con aquel honesto y cansado (eso me pareció) programador de un pueblo medio de Euskal Herria.

Ahora que se habla de la refundación del estado, de darle la vuelta al vestido de la transición, que no fue más que una farsa necesaria para contentar a todos los presentes (de los ausentes, solo silencio y olvido), no estaría de más romper la baraja y comenzar de nuevo. Cla-ro que quien tiene la sartén por el mango no va ser fácil de convencer, pero algo habrá que hacer para salir de esta Paralisis Permmanente.

Grupo de rock transgresor de culto con su autor, Eduardo Benaven-te al frente. Pocos años, muchas creatividad y luego… A la tumba, accidente de tráfico. Menos funcionarios y mas directores artísticos, de verdad, no de título a la puerta del despacho.

PD1: El director artístico también tiene su tendencia a “ejercer po-der”, la “debilidad” antes descrita, pero hay dos factores que deli-mitan esa “debilidad”; su amor por el teatro (motivo por el cual ha elegido esta profesión), y la presencia, a sus espaldas, del consejo de dirección, que analiza, con frecuencia, su labor, y da el visto bueno a sus proyectos (sin tener ninguna implicación directa en los mismos).

PD2: Hace unos años un fotógrafo teatral comentó, como quien no quiere la cosa, que bajo administración socialista había sido testigo de mas corrupción que bajo administración conservadora (el era, creo yo, progresista). No es una cuestión de ideas o principios sino de cómo estas se llevan a la práctica, y como se controlan.

PD3: Un día pude ver con mis propios ojos la carta de una pro-ductora que amablemente ofrecía al programador un % del bolo a contratar. Patético.

Otra “empresaria teatral” pedía ser programada por la labor que “su padre” había realizado en el teatro español. Sin comentarios.

U




Las Lejanías Carlos Be

La sacristana

rimer borrador en torno al correspondiente personaje de “Její pastorkyňa” (“Su hijastra”), obra teatral de Gabriela Preisserová escrita en 1890 y en la cual Leoš Janáček se basó para escribir el libreto y la música de “Jenůfa”, ópera

estrenada en Brno en 1904:

Con la irrupción de la primavera, la nieve se deshace alrededorde los troncos de los árboles y las faldas de las mujeres.Una marisma de colores se despliega en el cielocomo un ala de mariposaabierta. Nunca me he sentido cómoda lejos del invierno. Soy una anciana sin nombre y nada se equipara más a la lucidez que el resplandor de la nieve en enero.Permanezco con los puños hundidos en la nievepara mantener el invierno prendido a la tierra. Retengo el frío con las manos clavadas en garra. Un cuerpo yace muerto con su tiempo congelado bajo la mortaja de mis lágrimas congeladas.Incluso la nieve más blanca es impura como el hombre que siempre confunde la pureza con la verdad. La pureza no existe. La pureza no es más que una nana para criaturas sin bautizo.La nieve siempre oculta un crimen como el hombre siempre confunde la pureza con la verdad.Esta noche he soñado que ayudaba a mi madre a hacer la cama. Las sábanas blancas en volandas y los rayos de sol bajos entraban por la ventana casi a ras de suelo entre los botines negros. El embozo se alisa a lado y lado bajo nuestras palmas blancas. Mi madre se sonríe y la luz se apaga. He vuelto a despertar antes del alba. A mi hija no la odio.Cuántas veces habré soñado con afilar de nuevo el cuchilloy marcarle la otra mejilla por poca mujer, por mancilla. Quedarse pre-ñada de un borracho que no la casa. Parir el hijo en secretoy ser rechazada por su enamorado que se desenamora y le cortacon cuchillo la mejilla. Cuántas veces habré soñado con saberte estéril como yo, aferrada a la tierra sin nada que plantar, sólo en los puños la muerte.La nieve canta que no es mi hijani él nieto mío. No es mi hija, me canta,y no es amor mío sino desvarío.La nieve lúcida que reclama lo que le pertenece.Llegaste un once de noviembre a lomos del caballo blanco de San Martín y antes de la primavera el jinete te reclama de vuelta. Tu padre se entretenía jugando a las cartas y en el momento del parto cuatro doses en su baza. Cuatro doses abren las puertas del infierno. Cuántas abuelas con el chal cargado a sus espaldas habrá conduci-do con sus juegos perversos hasta donde se acaba la noche, hasta el pecho de la nieve de enero. Me siento multiplicada por su semen réprobo y agrio. Debiera ser su cuello el que apresara ahora entre mis manos y no el tuyo, su engendro, pero el horizonte donde tiene tu

madre la vista puestatras la ventana parte en dos mis piesy tu cuello.¡Calla, niño, calla ya bajo la nieve! En casa a tu madre prepara las faldas y en los labios un rescoldo en-cendido: al filo de medianoche San Martín se apareció en la ventanay sacó de su alforja izquierda un pequeño barco de madera.El pequeño barco de madera atracó bajo el ortigal del muromás apartado del cementerio. Yo bendije tu pequeño ataúdcon mi saliva. La fiebre se pudre dentro como una mentira.El fuego siempre necesita de un hogar.El frío reina afuera. Nunca pintaras nubes en el vaho de la ventana.Nunca te jalearé y tú te reirás y brincarás de alegría.Nunca aprenderás a nadar en el lago ni a bucear con las carpas.Nunca soñarás con las alas de las libélulas ni te detendrás ante la noria del molino.Salvo morir. Morir sí morirás. Mueres en tu tiempo congelado. Y yo te bendigo.La llave del cementerio repiquetea en mi cinto. Soy la sacristana y du-rante el oficio permanezco a pie de altar inerte como una sombra. Soy la mujer más sola del mundo y no le deseo lo mismo a ninguna otra mujer. Nunca he hablado en voz alta hacia afuera. Siempre he hablado en voz baja hacia afuera si me lo han solicitado. Con cara de llorar. Con cara de despedirse. No me han permitido respetar mi propia vida. No lo hago por mí. Lo hago por ella. Nunca otra mujer debe sentirse más sola en el mundo que yo. El invierno lo mantengo yo y sólo yo y en su cementerio no hay nadie más que dios. Yo le danzo sobre la losa las noches de luna llena y el amanecer me sorprende abrazada al sepulcro vacío. El capellán observa con lascivia la hostia aplastada en la lengua húmeda de los niños y de las niñas y al cerrar la iglesia le suplico que no me toque, que no me toque, que no me toque y él asiente con la baba deslizándose por su estola cruzada sobre el pecho y dice que sólo quiere oír cómo su envite rasga mi ajadura de vieja decrépita, sólo ese crujido tan parecido al primer mordisco de los niños en el cuerpo de dios. Y se posa sobre mi vientre vuelto con su grajo negro de miserable tamaño sin importarte si es el saco de arpillera de una prostituta, el ano embreado de un militar o mi cuenco lustrado por el hielo.Se retiray de sus nalgas cae una flatulencia viscosa casi líquida y yo le maldigo en silencio. Usted y los suyos mataron a dios. No les basta. También quieren a las mujeres y a los hombres. En silencio grito el tiempo en que vuestro altar se quiebre por la mitad.Se arregla la sotana y me pide que sea honesta cuando me pre-gunta sin importarle si me ha gustado. No me hable de honesti-dad. La honestidad no existe. Nadie puede decir la verdad. Y le respondo que no.

Dios murió en 1627.

P



La cita bienal del sector de las Artes Escénicas Mercar tes que se lleva realizando desde 2004 y que tiene como objetivo promover acuerdos comerciales entre distintos agentes públicos y privados (creadores, productores,

distribuidores, programadores y gestores de espacios escéni-cos y festivales, empresas de servicios y equipamiento técnico e instituciones públicas) celebrará su próxima edición del 5 al 7 de noviembre y contará como una de las novedades más des-tacables su nueva ubicación, el recinto ferial de Valladolid, tras haber contado como única ubicación hasta 2012 con el Centro de Congresos y Convenciones de Sevilla.

En esta nueva edición Mercartes ofrece un servicio perso-nalizado de asesoramiento dirigido a profesionales y empre-sas. Apuestan por un formato de mercado eficiente, intentando ofrecer un incremento de la actividad comercial a través de los diferentes conceptos que conforman el evento: el pabellón de expositores, el foro de los negocios, itinerarios guiados, encuen-tros con autores y las presentaciones de proyectos. Los intere-sados en conocer las posibilidades que ofrece esta cita tienen la oportunidad de realizar ya la prescripción online, además los costes de participación se han visto reducidos una media del 42% respecto a la última edición, y los socios de las entidades convocantes y organizadores tendrán una bonificación del 25% sobre las tarifas oficiales.

La tercera jornada de Mercartes estará dedicada a la celebra-ción del primer Foro Mercartes, un espacio de reflexión y debate sobre las tendencias y oportunidades de los mercados internos y externos con un objetivo claro: identificar las claves tecnoló-gicas, logísticas, económicas e institucionales que permitirán al sector dar un paso adelante a nivel cualitativo y cuantitativo.

Mercartes 2014 en Valladolid




La séptima edición de la Feria del Libro Teatral de México se adelanta un mes con respecto a años anteriores y se celebrará del 2 al 7 de septiembre en su sede habitual, el Centro Cultural del Bosque de México D.F.

El Instituto Nacional de Bellas Artes a través de la Coordina-ción Nacional de Teatro con el apoyo de la Dirección General de Publicaciones de CONACULTA, el Centro Nacional de Investigación Teatral Rodolfo Usigli, El Centro Cultural del Bosque, la Universi-dad Autónoma Metropolitana y PasodeGato Revista Mexicana de Teatro. En sus años de andadura la FeLiT se ha convertido en una cita para el mundo teatral mexicano y gran parte del sector editorial iberoamericano. Las carpas montadas expresamente para esta cita son el centro neurálgico en el que se ubican los aproximadamente cuarenta stands de otras tantas editoriales en las que mostrarán todas las novedades y fondo editorial. Pero bajo las dos carpas se ubican también los escenarios sobre los que se desarrollarán diversas actividades que enriquecen el evento y congregan, año tras año a un mayor número de públi-co. Presentaciones con los autores de las novedades editoriales expuestas, conferencias, encuentros y mesas redondas sobre el hecho teatral entorno a los que se generan debates y una notable participación de los presentes. Además en los teatros que conforman el Centro Cultural del Bosque se celebrarán talle-res formativos y otras actividades que se han convertido ya en tradición como el ‘Rally Teatral’ que organiza El Punto Teatro, o el ‘Jam de dramaturgia’ entre otros. Y como guinda a este encuentro con el teatro “escrito”, se dará a conocer el trabajo ganador del ‘Premio Internacional de Ensayo Teatral 2013’ que convoca el INBA, PasodeGato, CITRU y la revista de las artes escénicas ARTEZ.

México, cita con el libro teatral



El dramaturgo, director y profesor de arte dramático Alfonso Zurro es el autor de ‘Cien viajes en ascensor’, piezas de teatro breve o minipiezas que tienen en común “todos estos encuentros fortuitos, que constituyen los fragmentos de un puzzle, estructura coral

que no se atiene a una mera relación sin objetivo, puesto que conforma una unidad muy bien urdida” tal y como apunta en el prólogo de esta edición María Jesús Orozco Vera, autora del mismo. Orozco aclara además que “las primeras minipiezas evocan más bien un clímax más distendido, iniciando la serie con uno de los tópico que más se asocian al ascensor, “hablar del tiempo”, conti-nuando en su desarrollo con un repaso de las principales lacras del siglo XXI, y las últimas muestran un perfil más desolador -la decadencia, el castigo, la purgación de las faltas cometidas- que concluirá con el apocalipsis, la des-trucción de ese “no lugar” y el extermino del ser humano. Así se revela en la última minipieza, “Espalda”.

Ediciones Antígona ha publi-cado la versión que Miguel del Arco ha realizado sobre El Misántropo de Molière bajo el título ‘Misántropo’. Esta versión libre y contempo-ránea de la universal obra fue estrenada por Kamikaze Producciones el pasado mes de octubre en Oviedo bajo la dirección del propio autor y ha recibido elogios de crítica y público.

Juan Diego Botto es el autor de ‘Invisibles, Voces de un trozo invisible de este mun-do’, obra galardonada con varios Premios Max este año. Publicada por Espasa Calpe, la obra narra la historia de diversos personajes unidos por la emigración: un policía xenófobo, una mujer africana llegada a Europa en patera, un exiliado argentino tortura-do en la dictadura...

‘Larrea Toujours’ de Daniel Sarasola es una aventura literaria en cuatro jornadas, convertidas en cuatro piezas distintas con solución de continuidad, sobre la vida del poeta y escritor Juan Larrea anterior a su primer exilio en México tras la Guerra Civil española. Editada por Abada Editores, la obra está marcada por el París de las últimas vanguardias.

Texto Teatral Texto Teatral Texto TeatralTexto Teatral

El dramaturgo, director y profesor de arte dramático Alfonso Zurro es el autor de ‘Cien viajes en ascensor’, piezas de teatro breve o minipiezas que tienen en común “todos estos encuentros fortuitos, que constituyen los fragmentos de un puzzle, estructura coral

Bajo el título ‘Juan Mayorga. Teatro 1989-2014’, la editorial La Uña Rota ha reunido en un mismo volumen casi la obra completa del reconocido dramatur-go. La selección de obras recogidas ha sido realizada por el propio Mayorga, un total de veinte textos

que recorren las distintas líneas temáticas en las que se ha centrado el autor, ofreciendo, a su vez, las claves de su escritura dramática. Por un lado se encuentran las obras basadas en hechos o personajes reales como por ejemplo ‘Últimas palabras de Copito de Nieve’; por otros textos de carácter histórico como ‘El traductor de Blummemberg’ o ‘Himmelweg’. Textos políticos como ‘La paz perpetua’ o ‘Hamelin’ y de temática social como ‘Animales nocturnos’ o ‘El chico de la última fila’. Ade-más también se pueden encontrar otros textos en los que prima la ensoñación y la poesía como ‘Más ceniza’ o ‘El Gordo y el Flaco’ y textos de su primera época así como tres obras inéditas, algunas aún sin estrenar.

‘No deberíamos salir de aquí’ de Pedro Fresneda es el último número de la colección Pliegos de Teatro y Danza publicado recientemente por Aflera. Esta obra, fue estrenada en marzo pasado en el Teatro Ensalle de Vigo con la interpretación de los actores Artús Rei y Jorge Rúa y la actriz Raquel Hernández bajo la dirección del propio Fresneda.

Fundamentos ha publicado en un mismo volumen dos obras de Antonio César Morón, ‘Elipses’ y ‘El espejo más frío’. La primera obra es de ciencia ficción y el autor escribe haciendo uso de la narración especulativa. La segunda es un monólogo in-terior protagonizado por una voz femenina; de una mujer joven que decide suicidarse en el cumpleaños de su hija.

La editorial Teatro del Astillero ha publicado bajo el título ‘Teatro noruego contemporáneo’ las obras ‘Yo soy el viento’ de Jon Fosse y ‘La casa de hielo’ de Marit Tusvik. Fosse se acerca en esta obra a temas como la inestabilidad emocional, la despersonalización, el miedo al abismo y el dolor extremo y Tusvik realiza un viaje al pasado de una familia.

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Bajo el título ‘Juan Mayorga. Teatro 1989-2014’, la editorial La Uña Rota ha reunido en un mismo volumen casi la obra completa del reconocido dramatur-go. La selección de obras recogidas ha sido realizada por el propio Mayorga, un total de veinte textos

Estantería

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Kiosko

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El número 41 de la Revista de las Artes Circenses ‘Zirko-lika’ tiene como tema de portada la vuelta, cinco años después de su desaparición del Festival Internacional de Payasas que ha impulsado el Circ Cric y El Almazen y cuya crónica abre esta edición a la que le siguen otras como las de Trapezi o el Festival Circada o una entrevista con Eduardo Cardenal.

La revista norteamericana ‘Estreno’ incluye en su último número correspondiente a primavera de 2014 los textos ganadores de Crono-Teatro de autores como Agustina Rimondi, Alba Pérez o Carlos Be entre otros. Cabe destacar también el artículo “Los muertos vivientes de la memoria histórica en el teatro español contemporáneo” de Alison Guzmán.

La Primera Guerra Mundial en el Teatro es el tema cen-tral del número 151 de ‘ADE Teatro’ que incluye además dos textos teatrales: ‘La so-nata de Belcebú’ de Stanislaw Ignacy Witkiewicz, en el 75 aniversario de la muerte del autor y ‘El pasillo’ de Manuel Sacristán, que se acompaña de los artículos que sobre el autor han escrito Salvador López y J. A. Hormigón.

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El número 78 de la ‘Re-vista Galega de Teatro’ publica en su interior el texto dramático ‘Morte súbita” de Ricardo Cabaça. En lo que a las entrevistas se refiere, este número hace hincapié en el décimo aniversario del Teatro Ensalle de Vigo motivo por el que se incluye

una entrevista con dos de sus fundadores, Raquel Hernández y Pedro Fresneda. Entre las secciones habi-tuales de la publicación gallega destaca Escena Aberta con artículos de actualidad como la crónica de los XVIII Premios María Casares a cargo de Afonso Becerra, el Manifesto do Teatro Galego firmado por Camilo Franco y otras crónicas sobre el festival ALT, FETEN o Primavera en Danza en Carballo. En la sección Temas por su parte, encargada de abrir la revista, se puede encontrar los artículos ‘Notas sobre escenografía’ de Marta Pazos y ‘Días sen gloria e noites sen durmir’ de Baltasar Patiño. Este número se completa con las secciones Espectácu-los y Ficheiro.

RGT

El número 78 de la ‘Re-vista Galega de Teatro’ publica en su interior el texto dramático ‘Morte súbita” de Ricardo Cabaça. En lo que a las entrevistas se refiere, este número hace hincapié en el décimo aniversario del Teatro Ensalle de Vigo motivo por el que se incluye

La editorial Fondo de Cultura Económica ha publicado ‘Estudios avanzados de per-formance’, una compilación de textos de 17 autores realizada por Diana Taylor y Marcela Fuentes en la que se trazan varias trayectorias en el estudio de la performance, no sólo en cuanto a prácticas artísticas sino a otros ámbitos como la política, el deporte, la religión, etc.

El escenógrafo portugués José Manuel Castanheira es el autor de ‘Desenhar Nuvens’ un volumen publicado por Edição Caleidoscopio en el que se recogen algunas reflexiones, historias, dudas e inquietudes resultado de la experiencia profesional del autor y que se presentan como pequeñas contribucio-nes para una reflexión sobre la creación escenográfica.

En ‘La Escuela Bolera Sevilla-na. Familia Pericet’ su autora, Marta Carrasco Benítez realiza en la primera parte del libro, una reconstrucción de la Escuela Bolera y de la familia Pericet mientras que en la segunda, y de forma más documental, ofrece un listado de bailes de la Escuela Bolera del siglo XVIII y los Cuadernillos de los tres cursos Pericet.

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Dentro de la colección Cana Negra Ensayo, Amargord Ediciones acaba de publicar ‘Tea-tro de Calle actual’ de Pasqual Mas, hombre de amplia carrera en el mundo de la escena y director de la revista Fiestacultura. Este libro es fruto de la reelabora-ción de diversos artícu-

los, conferencias y comunicaciones relacionadas con las Artes de Calle; algunos apartados del libro forman parte del currículum del curso sobre teatro de calle impartido por el propio autor dentro del Master de Gestión Cultural de la Universitat de València y la Universitat Politècnica de València. Todo el material recogido en el presente vo-lumen ofrece un repaso por la visión de Mas sobre cómo se ha ido imponiendo esta expresión escénica que en las últimas décadas ha recuperado el espacio urbano para el disfrute y aprendizaje del ciudadano y es que Mas, ha recorrido decenas de festivales y eventos callejeros de todo el mundo de los que ha informado, puntualmente, en la revista Fiestacultura.

Teoría Teatral

Dentro de la colección Cana Negra Ensayo, Amargord Ediciones acaba de publicar ‘Tea-tro de Calle actual’ de Pasqual Mas, hombre de amplia carrera en el mundo de la escena y director de la revista Fiestacultura. Este libro es fruto de la reelabora-ción de diversos artícu-



A finales de mayo y comienzos de ju-nio, en menos de dos semanas, tuve el honor y el placer de tomar parte en tres foros de la comicidad femeni-

na muy diferentes. Esta es la crónica de unas vivencias profundamente enriquecedoras tanto a nivel personal como profesional, con el único objetivo de visibilizar que estos hechos ocurrieron y que las payasas como dicen de las brujas, “no existen” pero haberlas haylas. Y es que en las programaciones oficiales, en los carte-les de Ferias y Festivales, la presencia de las payasas y de las actrices cómicas sigue brillando por su ausencia. Fenó-meno curioso éste de una especie que sin acabar de haber aparecido, se diría a veces en vías de extinción.

En orden cronológico la primera cita fue en Sevilla, en las Jornadas Interna-cionales “Stupro: mitos antiguos y vio-lencia moderna. Homenaje a Franca Rame.” Organizadas por el grupo de investigación Escritoras y Escrituras, y coincidiendo con el primer aniversario de la muerte de la actriz y dramaturga Franca Rame, el objetivo de estas jornadas era analizar textos relaciona-dos con la violencia que se ejerce contra las mujeres, ahondando en las raíces culturales de este problema social de primera magni-tud. “Lo que me gustaría seguir diciendo a las mujeres, también después de mi muer-te, es que no pierdan nunca el respeto de sí mismas, tener dignidad. Siempre”. Con estas palabras Franca Rame había hablado a las personas reunidas en la celebración del 8 de marzo del 2013. “Estupro” es el título del monólogo que la autora había escrito en 1975, cuando aún nadie ni en Italia ni en el resto de Europa hablaba de violencia sexual. En él contaba el episodio de su violación por un grupo de neofascistas, que quiso darle un castigo ejemplar por ser militante de iz-quierdas. Los responsables nunca acabaron en la cárcel, a pesar de que años más tarde se descubrieron sus nombres. Franca Rame nunca aceptó el silencio, y decidió a través del teatro contrastar la violencia con la pa-labra. En estas jornadas alrededor de una treintena de personas estudiaron la vida y la obra de Franca Rama. Se leyeron, se repre-sentaron, se analizaron con vídeos, un buen número de sus espectáculos. Ella fue una de

las pioneras. En nuestra genealogía de mu-jeres cómicas, que utilizaran el humor como estrategia para denunciar los estereotipos y los falsos mitos sexistas, Franca Rama tiene en mi opinión un lugar de honor. Me fui de Sevilla profundamente conectada con todas las mujeres creadoras de humor y creado-ras de arte que nos han precedido y que fueron abriendo camino y con reflexiones en

torno a la urgencia de conectar mucho más la escena y la Universidad. Particularmente las mujeres creadoras precisamos de toda la ayuda que nos pueda proporcionar la in-vestigación universitaria en cuanto al rescate de las dramaturgas olvidadas o silenciadas y a la reflexión desde la literatura, la filología, la antropología, la sicología, la sociología, etc… de la violencia simbólica incesante que supone haber sido educada como mujer.

La segunda cita fue en el Montseny, en Ca-taluña, donde las carpas del CIRC CRIC acogie-ron un Festival Internacional de Payasas que nacía con toda la intención de dar continuidad a aquel Festival internacional de Payasas que bajo la dirección artística de Pepa Plana se ce-lebró en Andorra entre los años 2001 y 2009. Como el ave Fénix este encuentro pudo rena-cer de sus cenizas, gracias al impulso y la co-laboración entre Tortell Poltrona y Montserrat Trias del CIRC CRIC y Mar Ortega y Macarena Gonzalez de la Sala Almazen (El Raval - Bar-celona), responsables entre otras magníficas iniciativas de la programación Very Important Women destinada a visibilidad el trabajo de las mujeres creadoras. Y por supuesto gracias a las sesenta payasas, algunas consagradas y de gran prestigio internacional, de trece na-cionalidades diferentes, que aceptamos par-ticipar en el Festival para visibilizar nuestro trabajo como creadoras y reivindicar el humor en femenino.

El pistoletazo de salida tuvo lugar con una conferencia de la brasileña Alice Viveiros so-bre los orígenes históricos de la profesión. A lo largo del Festival locas excéntricas hicieron las delicias de diferentes públicos: Merche Ochoa, deliró con una antivedette de cabaret, la ve-terana Nola Rae, maestra de maestras, pre-sentó un número de poseía visual de técnica depurada y de conmovedora profundidad. La

australiana Amelia Cadwallader, creó una gran complicidad con el público en un número de aros rebosante de comicidad. La inmensa Cristi Garbo mostró cómo el chocolate puede convertirse en la mejor amiga de una mujer, mientras que Lluna Albert seducía a un espectador en un de-lirante cortejo de escucha magistral. La brasileña Aline Moreno se puso de parto y la magnífica austriaca Anna de Lirium (Tanjia Simma) nos deleitó con un deli-rante número cómico musical. Ana Serzo, Tona y Xicana acompañaron con extraor-dinaria sensibilidad el número de magia

del mago Macmon y Marta de Marte trajo su personal mirada sobre lo cómico. También tomaron parte entre otras Nuria Urioz (Va-lencia) y la italiana Francesca Martello. Esther Carrizo y Blanca Inés d´Uhartean y Cirquet Confetti animaron el espacio exterior como Las Polis (Marta Sitjà y Fanny Giraud) que hi-cieron las delicias fuera de la carpa de todo tipo de públicos en una parodia genial sobre la incompetencia de la autoridad competente. Mar y Maracarena de Almazen presentaron el Open clown y ¡Qué placer volver a disfrutar de Las Gallegas! (Lola y Coral), incombusti-bles, ácidas y cada vez más maduras en el desarrollo de su excentricidad. Hubo también propuestas mixtas como la desarrollada por el primer espectáculo conjunto de Pepa Plana y Toti Toronell. También el trío de Las Bellotas presentó un delicioso número coral de diálo-gos ingeniosos y trepidantes.

La parte reflexiva se completó con la ex-posición de Caroline Dream, autora del libro ‘El payaso que hay en tí’. Y por supuesto la increíble Marceline Khan, de los Excéntricos, que intervino con una gran sensibilidad y pa-labras muy acertadas sobre el oficio desde una perspectiva de género. Las Folklóricas Anónimas animaron el festival con un des-parpajo inagotable y las maquilladoras de la compañía Passerell pintaron los rostros a gente grande y menuda. Intervino Miss Dolly de Francia y Benjamien Eugene. La gala del

Foros sobre comicidad femenina Virginia Imaz




sábado a la noche fue presentada por la mul-titalentosa Alba Serraute y contó con la par-ticipación de Marta Carbayo, Fanny Giraud o una servidora, entre otras y fue una vivencia increíble. Incluso Tortell Poltrona se travistió de Mary Sempere e intervino en una deliciosa parodia. El sábado a la noche Karol Green de Sudafrica nos puso a vibrar a todas con su particular universo sonoro. Todo un trance. Y el domingo por la mañana tuvimos una gala magnífica para todas las edades presentada por las talentosas payasas de Decopivolta y tuvimos ocasión de disfrutar entre otras a la Cía Passerell o las Imperfectes clowns.

La tercera cita fue en Valencia en el III Encuentro solidario de Payasas con la A. La Trobada solidaria de dones pallases, organizada por la Casa de la Dona, es ya una cita ineludible para el pensamiento y la acción crítica feminista en clave de humor; en la que las actuaciones de las payasas proponen “cuestionar roles y estereotipos y afirmar un espacio de denuncia de la vio-lencia que se ejerce contra las mujeres y el retroceso de sus derechos”. Payasas con la A es una apuesta real por la creación de un humor feminista y transgresor para reivindicar los derechos de las mujeres y denunciar las violencias patriarcales que se agudizan en estos tiempos y que son de-nunciadas por el movimiento feminista.

La tercera Trobada Solidaria, comenzó con el espectáculo de teatro de calle Una poción fantabulosa, de Las Clownrurales. La gran gala solidaria del encuentro estatal empezó una hora después con una decena de microespectáculos que tuve el placer de presentar con mi hermana de sangre y de narices, Rakel Imaz. Un honor y un placer. En la muestra participaron con un derroche de

talento, Decopivolta Teatre, Sandralia Clown-maleónica, Batamantis clown, el master class de flamenco de Esférica, Las Enclownadas, Kankaneo Teatro, Les Ovulines, Cía Mada-mdarina y Las Kapritxosas. Al día siguiente, se celebró una manifestación pasacalles que partió de la Casa de la Dona y disfrutamos también de una sesión golfa a cargo de Las XL, tan cómicas como transgresoras.

Desde una perspectiva general puedo apreciar que no sólo cada vez hay más payasas. También creo que las que resisti-mos vamos salvando obstáculos internos y externos propios de nuestra construcción como mujeres. Nuestras voces son cada vez más propias. Nuestras búsquedas más genuinas. Ya no todas las payasas jugamos que buscamos al príncipe azul. Y cuando lo hacemos salimos cada vez más de los es-tereotipos. No hay límites para los temas ni para los tratamientos creativos, desde el cambio climático hasta la violencia en el par-to, desde la muerte al culto al cuerpo, desde la orientación sexual hasta la denuncia de los estereotipos sexistas en los medios de co-municación… Estamos dispuestas a reírnos de nosotras mismas en cualquier ámbito y a través de habilidades y talentos muy diferen-tes. Ver y gozar de todas estas búsquedas me llena de emoción. Mil gracias hermanas. Mil gracias compañeras… Hasta ahora, hasta siempre. Que se oiga en todas partes: las payasas hemos llegado a los diferentes espacios públicos de lo estético y hemos ve-nido para quedarnos.

Esther Carrizo se ocupó de recoger du-rante dos días las opiniones de varias pa-yasas asistentes al Festival Internacional y de redactar un manifiesto que suscribo con toda mi alma:

Yo soy mujer y manifiesto que hay una payasa que me habita. Lo manifiesto para hacerlo evidente, para que se vea y se perciba con claridad.

Yo deseo que la payasa que me habita se exprese. Mi deseo conlleva responsabilidad.

Así pues asumo la responsabilidad de ser visible. De crear espacios que permitan esa visibilidad. Espacios mentales, emocionales y físicos que me permitan desarrollarme y crecer.

Este Festival Internacional de Payasas es una opción hecha realidad. Pone luz y nos permite brillar.

En este camino estoy acompañada. Somos multitud. Así pues asumimos la responsabilidad de crear redes para el encuentro, la inspiración, la renovación, la confianza, el debate…

Nos expresamos desde lo que somos y visualizamos lo que queremos conseguir con lo que estamos haciendo.

Si el humor es referencial, nosotras queremos ser referente. Caminamos para seguir dignificando este bello oficio que transforma todo lo que toca. Amamos reír en femenino, gozamos del placer que nos mueve.

Tenemos muchas herramientas para asumir estos retos: la paciencia, la capacidad de supervivencia, el cuidado, el coraje, la belleza, la capacidad de reírnos de nosotras mismas…

Y sobre todo hay algo para lo que la naturaleza nos ha dotado y es la capacidad de dar a luz. Vamos pues a parir a las payasas que queremos ver en el mundo. Vamos pues a parir a las payasas que queremos sean visibles en el mundo.



Centenares de invitados, amigos, es-tudiosos, colaboradores, editores, periodistas, gestores, eso que en la mitología teatral se llama “el pueblo

secreto del Odin”, nos concentramos en Holstebro durante cuarenta y ocho intensas horas para celebrar los primeros cincuenta años de vida de esta compañía que en me-dio siglo de existencia ha creado tanto pen-samiento sobre el propio hecho teatral, la interpretación, la concepción del teatro, su relación con la sociedad, que por ese motivo ya tiene un lugar preeminente en la Historia de la Cultura Teatral Universal.

Y lo importante es que esa investigación y trasvase de la misma a la escena, su difusión y diseminación, se ha basado en el análisis de la propia praxis, por lo que sus documen-tos, libros, tratados, manuales, diccionarios surgidos de Eugenio Barba o sus compañe-ros de vida teatral, son útiles, asimilables, ayudan a formar un modelo de organización de los materiales esenciales desde el que cada cual pueda emprender su camino hacia la creación.

Muchos creen que el Odin Teatret es un modelo estético, una fórmula para hacer tea-tro, que se basa en el entrenamiento y en la reiteración de conceptos, y algunos estamos convencidos de que lo que han hecho en es-tos cincuenta años, es difundir unas dudas, compartir unos logros, buscar un poco más

allá de lo obvio para comprender de manera integral qué es el teatro. Qué es el actor, el arte de actuar, los porqués de esa necesidad que anida en numerosos individuos por con-vertir su cuerpo en transmisor de voces, sig-nos, discursos o sensaciones que intenten explicar la misma esencialidad de la vida, de la existencia, de lo que las artes escénicas tienen de elemento antropológico no uní-voco, no perteneciente a ninguna corriente predominante, sino que abarca, a casi todas las culturas, a toda la humanidad. Otra cosa es lo que se ha hecho con todo ello, su codi-ficación, su comercialización, convirtiendo el rito en un comercio.

Uno viajó a Holstebro días después de tener el privilegio de hacer un acto de co-municación en el TAC de Valladolid donde se les homenajeaba por este cincuentenario, y en un foro de recién creación estuve de acompañante necesario de Eugenio Barba para hablar de su visión del teatro, de su idea del Odin Teatret. Por ello ver todo lo que se formó en la localidad danesa, como colo-fón al Festuche, una actividad que realiza el Odin, una fiesta cultural básica, se convirtió en una confirmación de la importancia de estas gentes, de estos fundadores unos y continuadores otros, de un proyecto de vida, cultural, teatral, que indudablemente ahora mismo transciende a cualquier anecdotario, a cualquier acto estadístico, por haber entra-

do en los anales de la historia de la cultura, siendo, probablemente el núcleo de creación teatral que más documentos, más trabajo de investigación, más profundo y más abierto haya legado a todos cuantos se interesen por este concepto de teatro laboratorio, de teatro más allá del sistema productivo al uso, que busca en la verdad de la actuación su vinculación, casi ancestral, con los otros, con los públicos, con la sociedad. Un compro-miso ético, que deviene en una estética no dogmática, y que nos deja ver unas políticas, unos discursos que se retroalimentan con las realidades que viven y su posicionamien-to ante ellas.

Quizás no venga a cuento tanto discurso, que lo importante hubiera sido hacer un re-lato de los acontecimientos, de los pasaca-lles, de las actuaciones de varias orquestas de jóvenes músicos de varias culturas, de los espectáculos al aire libre en un parque de la ciudad, en uno de esos días mágicos del nor-te de Europa en donde el sol parece querer convertirse en un acompañamiento de esa fiesta, de esa celebración compartida por los invitados, pero sobre todo, por los conciuda-danos de Holstebro. Comprobar cómo uno de los grupos más viajeros, que más días al año están por todo el mundo mostrando sus investigaciones, sus metodologías prácticas, sus ideas, sus espectáculos, se metaboliza y es admirado en su lugar de residencia,

50 Años de odin TeATreT

El día que un pueblo asistió al entierro de su propia historia




adonde acudieron por el empecina-miento de un alcalde que comprendió del valor de la cultura para un pueblo agrícola e industrioso. Hace cincuenta años fue un acontecimiento local, con sus polémicas, incomprensiones y de-tractores. Cincuenta años después es un acontecimiento mundial, universal que refuerza la idea de asentamiento, de lugar de irradiación de una energía transformadora. Desde un punto geo-gráfico, un punto de apoyo alcanzar el infinito.

Pero decía que fue un reencuentro de algunos de los trashumantes miembros del pueblo secreto del Odin. Llegaron de todas las partes, venían con sus mochilas cargadas de vivencias, de recuerdos de hace décadas o con los ojos todavía llenos de imágenes de hace unos meses o aca-so semanas. Un encuentro en una fase de conciencia de formar parte de algo más. Re-conocimientos, vínculos entre unos y otros, descubrimientos. Unas horas intensas para algunos corazones que ya acumulan muchas emociones, que se contraponían a una savia nueva, a unos nuevos integrantes de ese pueblo secreto, refulgentes, energizantes, capaces de organizar movimientos de cien-

tos de artistas, o de capturar la voluntad de los cientos de invitados para despedirse en una cena campestre, inenarrable, musical, creativa, rompedora, que fue la culmina-ción de un proceso, de un gran montaje, de un paseo por el amor y el recuerdo, por la muerte, por la memoria activa y activada.

Todo cambia, todo se mueve, todo se transforma. Vimos un espectáculo recopila-ción en el jardín de la sede, mientras en un nuevo escenario, una familia india hacía sus ceremonias, sus trabajos iniciáticos para la danza, la mística de la representación, de la música, del movimiento. Eso quedó como figura de fondo, como música incidental,

mientras se hacían escenas de obras, se transformaban los elementos, y de repente apareció un enorme hueco en el suelo de donde había salido la tierra que sirvió de escenario a esas accio-nes, y de repente, como enloquecidos los miembros del Odin con sus colabo-radores, empezaron a tirar dentro del agujero, la gran tumba, el sarcófago sa-grado partes de escenografías, atrez-zo, vestuario de obras. Los asistentes no sabíamos dónde mirar, nos entris-tecimos algunos, se soltaron lágrimas. Y en ese rito los obreros empezaron

a remover la tierra y se empezó a enterrar esa historia, parte de esos cincuenta años de gloria, de trabajo, de sudores, de espe-ranzas de objetivos cumplidos. Y la rabia, las lágrimas se empezaron a convertir en pensamiento positivo, en complicidad con el acto. Allí, de la tierra, puede resurgir algo más, puede llegar una nueva epifanía. Y el futuro no debe ser solamente una recreación del pasado. Una lección más del Odin. Y se colocaron unos columpios y a los minutos dos niños se columpiaban. No se podía pedir mejor metáfora. Larga Vida al Odin Teatret.

Carlos Gil Zamora



L as circunstancias obligan. La precariedad en la que nos movemos crea disfunciones que van acumulando olvidos.

Nosotros acudimos a ferias, festi-vales y posteriormente hacemos crónicas de los eventos. No damos abasto, no tenemos espacio, debe-mos primar la información. Recupe-ramos algunas notas.

La Fira de Titelles de Lleida cum-plió veinticinco años. Han consegui-do superar el duelo y mantienen un nivel espléndido en sus ofertas. La ciudad les sigue, los profesionales se encuentran y reconocen, el ambiente es productivo y amable.

Estuvimos en el Festival Internacional de Teatro de Palco e Rua de Belo Horizonte, con nuevo equipo directivo que demostró las ganas de restaurar el valor de este encuentro, de su conexión con la realidad teatral local ya que es de titularidad mu-nicipal. Asistimos a dos inauguraciones de salas reformadas. Hubo un componente de debate y creación de un circuito, porque existe una necesidad en todos los lugares de saber qué se hace y por qué se hace. Vimos espectáculos en barrios y nos im-

presionó la respuesta del público popular. Salimos con una grata impresión.

En Leioa, nuestra querida Umore Azoka, la Feria de artes de calle que se ha conso-lidado de manera angular en el sistema de producción vasco, estatal y en gran parte del internacional. De sus programaciones salen muchos de los espectáculos que cubrirán las necesidades de festivales, fiestas patronales y programaciones ocasionales de los próxi-mos meses. Este año el clima respetó el or-ganigrama. Los espacios donde se ofrecen los trabajos van consolidándose. La distribu-ción mejora. Los estrenos se suceden. Nos

quedamos siempre con dos o tres des-tellos, algunos premiados, otros simple-mente celebrados por los profesionales o el público. Rudo de Manuel Alcántara, lo último de Kukai, el boceto de Marcos Vargas y Chloe Brulé. No se tome como acta notarial, sino como recuerdos ex-presados con el tamiz del tiempo.

En Valladolid, además del ya men-cionada encuentro con Eugenio Bar-ba, de presenciar después de muchos años la creación de Roberta Carreri en Salt, nos queda muy grabado en nues-tro álbum de momentos importantes del coraje teatral, la actuación de Tea-

tro del Silencio de Mauricio Celedón, que cayendo una auténtica tormenta, tuvieron la gallardía profesional, de no suspender, simplemente eliminar alguna de las escenas circenses de máximo peligro, pero ofrecer la grandiosa mirada sobre Meyerhold de Doctor Dapertutto. Resaltar de la estruc-tura del festival, la innovación de un Foro, una parte académica, que le dota de mayor enjundia, ya que lo que está claro es que el festival, sus espectáculos reciben el calor de la ciudadanía de manera masiva.

De Valladolid al FITEI de Oporto, en la primera edición después de su crisis interna

Recuerdo en diferido del paso por importantes citas teatrales




con la dimisión del presidente y director artístico, y la necesidad de ejecución de este año, de transición, con todos los problemas económicos que sufre este imprescindible festival, en su edición ordinaria número treinta y siete que solamente por respeto histó-rico debería ser protegido por las instituciones locales, regionales y estatales portuguesas. Se mantiene el espíritu, y participamos en una mesa-debate sobre el futuro de este festival. Se habló con cierta claridad. Los problemas internos se agudizan con la igno-rancia externa. Deben refundarse y reinventarse.

De nuevo en Almada, un festival internacional que parece justo lo contrario: la cohesión interna y el espíritu fundacional de Joaquim Benite está presente, aumentado. Saben buscar los resortes para hacer una programación colaborativa, y se puede considerar uno de los grandes festivales generalistas del verano europeo. Vimos el espectáculo inaugural, Orquídeas de Pipo Delbono. Mantiene su parte de debate, con un homenaje a Luis Miguel Cintra. Todo cuan-to sucede está bien armado, parten de una idea que se defiende con una buenísima programación.

Nuestro periplo acaba en Miami, en su XXIX edición del Festival Internacional de Teatro Hispano. Un lugar de referencia. Y de nuevo comprobamos como la fidelidad a la idea motora, que en ocasiones se puede parecer a una tozudez, hace que se solventen todos los problemas económicos estructurales o sobrevenidos. Tienen un esquema claro: un país invitado, en esta ocasión Argentina, y todo pivota sobre sus autores, directores, creaciones. El homenajeado era Eduardo Pavlovski, que debido a su delicada salud no pudo viajar, y fue Jorge Dubatti quien nos trajo un vídeo grabado con un mensaje del maestro.

Festival con su componente educativo, cuya conferencia prin-cipal fue de Dubatti y nos explicó su actitud ante el hecho teatral desde la perspectiva de la investigación y la crítica. Una maravillosa y bien estructurada comunicación.

Nos fuimos directamente de la sala a tomar el avión de vuel-ta con las imágenes de El loco y la camisa, escrita y dirigida por Nelson Valente, fantástico trabajo, de un pulso escénico gradual, denso, unas interpretaciones que van progresando hasta lo subli-me, en ese naturalismo reformulado que tantas veces vemos en las propuestas argentinas. Una curiosidad fue un bello texto del dra-maturgo argentino Santiago Serrano, en portugués, Dinossauros, a cargo de los brasilienses de Grupo Cena, un delicado ejercicio actoral, sutilmente dirigido por Guilherme Reis. Y a Albanta Teatro, con Cádiz en mi corazón, una historia que se explica en su subtítu-lo, ‘Postales de un viaje imposible’, del cubano Abel González Melo, dirigida por Pepe Bable, en un dispositivo emocional y espacial que requiere mucha carne interpretativa del equipo actoral.

Abrió el festival una versión musical de Calígula, firmada por Pepe Cibrián Campoy, también director y Ángel Mahler, obra es-trenada durante la última etapa de la dictadura militar argentina y que inauguró una manera propia de producir este género tea-tral. Barroca puesta en escena, con una indudable impronta de energía en todo el elenco que destaca por su capacidad para el musical. Nos encontramos de nuevo con Arizona de Juan Carlos Rubio a cargo de los mexicanos de Teatro de Babel con direc-ción de Ignacio García. Pudimos ver tres lecturas dramatizadas a cargo de los alumnos de Teatro Prometeo, La conducta de la vida de María Irene Fornés, Volvió una noche de Eduardo Rovner y Querido san Antonio de Patricia Suárez. Asistimos a un ensayo de Años difíciles de Roberto Cossa, la obra del grupo anfitrión, Teatro Avante dirigida por Mario Ernesto Sánchez. Nos cundió el tiempo. Muchas gracias.

Carlos Gil

artez199

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