artes visuales - webadventure · 2020. 4. 27. · artes visuales -2019 i.p.e.m. nº 185 “perito...

ARTES VISUALES

ADRIANA

MERCADO

…

CELESTE

TEIJEIRO

…

SILVIA LASCANO

…

I.P.E.M. N° 185 “PERITO MORENO”

2019

Artes Visuales -2019 I.P.E.M. Nº 185 “Perito Moreno” 2°- 3° y 4°año

Docentes: Silvia Lascano, Adriana Mercado, María Celeste Teijeiro

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El hombre necesita comunicarse y cotidianamente lo hace a través del lenguaje oral, gestual, escrito. EL ARTE es una manera de expresar sentimientos, es un diálogo y una comunicación directa y profunda con otros. Es la visión del universo que hace el hombre a partir de su sensibilidad, tiempo y lugar. Es al mismo tiempo expresión y comunicación. Se manifiesta a través de dife-rentes formas, materiales, técnicas, procedimientos y vías de llegada a la gente. Su importancia, consiste en que, siendo un lenguaje, ofrece distintas escalas posibles de com-prensión. Es un lenguaje sin fronteras que puede ser captado por persona de diferentes cultu-ras, idiomas o nacionalidades; también puede comunicar a grupos humanos muy distanciados en el tiempo, así conocemos al hombre prehistórico a través de sus dibujos. El lenguaje gráfico es una forma muy directa de informar las cosas. Las imágenes invitan a detenerse y mirarlas y siempre dicen muchas más cosas que lo que ex-presan las palabras que la acompañan.

Clasificación francesa de las Artes (aceptada en la actualidad)

La lista de Hegel de las artes prendió particularmente en Francia, y con continuas modificacio-nes, la lista ha seguido siendo relevante y un tema de debate en la cultura francesa en el siglo XXI.

Las diez artes se enumeran generalmente de la siguiente manera:

LAS BELLAS ARTES:

Se conoce como bellas artes al conjunto de disciplinas que buscan la expresión de la be-lleza. Puede decirse que las bellas artes apelan a la búsqueda de la belleza, la utilización de la estética y el dominio de la técnica.

1) El primer arte: la arquitectura: es una ciencia que conjuga conocimientos físicos e ingenieri-

les para poder desarrollar un edificio o construcción que cumpla, también, una función esté-

tica.

Así pues, en la arquitectura confluye tanto la estética como la práctica y el arquitecto nece-

sitará de ambas vertientes para poder crear su obra. Como arte, la arquitectura tiene un

poderoso significado ya que, desde la Antigüedad, podemos ver cómo los edificios que había

en las ciudades no eran meramente espacios para albergar la vida cotidiana, sino que tam-

bién eran obras de arte funcionales que embellecían la ciudad y, así, la dotaban de un má-

ximo poder terrenal.

2) El segundo arte: la escultura: una disciplina que trata de moldear materiales como el barro,

la piedra, el metal y demás materiales que formen parte de la naturaleza. También se trata

de un arte que lleva años conviviendo con nosotros y que, de hecho, iba fuertemente vincu-

lado al mundo de la arquitectura ya que la mayoría de los edificios y construcciones iban

acompañadas de esculturas que se adherían a las fachadas, a las columnas, a los tejados,

etcétera. Con la escultura, el artista crea volúmenes y convierte cualquier material en autén-

ticas obras de arte con expresividad, con emoción y con detalles muy bien cuidados. En este

gran género se incluyen todas las artes en las que se usa la talla y el cincel, así como la fun-

dición y el moldeado.

https://definicion.de/disciplina/

https://definicion.de/belleza

https://es.wikipedia.org/wiki/Arquitectura

https://es.wikipedia.org/wiki/Escultura



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3) El tercer arte: la pintura la expresión de ideas mediante el uso de colores, pinceles y un trazo exquisito. La pintura puede realizarse en distintos soportes como, por ejemplo, paredes, muros, lienzos, láminas, hojas de papel, etcétera, y dependiendo del tipo de material que se use, la pintura puede ser "al fresco", "al óleo", entre muchas otras téc-nicas. Se trata de un tipo de arte que representa de forma gráfica la realidad (tanto externa como interna del artista) mediante la combinación de pigmentos con los que forma co-lores y texturas únicas. El éxito de una pintura dependerá del cumplimiento de criterios como la teoría del color, la composición pictórica, el trazo, etc.

4) El cuarto arte: la música es un arte que ha formado parte de la cultura desde hace muchísimos años. De hecho, con cualquier elemento de nuestro entorno se puede hacer música puesto que el sentido del ritmo lo llevamos en nuestro interior y viene inerte al ser humano. La música es el lenguaje del alma, la melodía que acompaña nuestros sen-timientos y que, muchas ocasiones, no podemos expresar con palabras. La música combina sonidos y silencios para crear una melodía, un ritmo y una armonía que nos llegue de forma psicológica y también emocional. En la Antigua Grecia se con-sideraba la música como un arte igual que la poesía y la danza y, por eso, era conside-rada un solo arte. Sin embargo, con el paso del tiempo, cada una de estas disciplinas ha adquirido un desarrollo complejo y exquisito que usa diferentes métodos de comunica-ción y expresión de emociones.

5) El quinto arte: la literatura, incluyendo la poesía y la prosa. Es la expresión escrita de la realidad y de las emociones mediante un lenguaje elevado, concreto y que conmueva al lector. No cualquier escrito es literatura, sino que, para serlo, deberá cumplir criterios estéticos, además de incluirse dentro de algunos de los géneros literarios (narrativa, teatro o poesía).

Muchas personas creen que en las Bellas Artes debe diferenciarse la literatura del tea-tro, aunque no debemos olvidar que el teatro es una rama de la literatura ya que tiene una estructura concreta y usa un tipo de lenguaje literario pensado para comunicar y emocionar por partes iguales.

6) El sexto las artes escénicas, incluyendo la danza y el teatro : La danza Desde épocas muy antiguas existe la danza y, de hecho, en multitud de tribus se siguen rituales con bailes como ceremonias sociales, para invocar a la naturaleza, etcétera. Desde esas danzas primitiva hasta ahora, el género ha alcanzado una máxima brillantez y se ha bifurcado en diferentes subgéneros como, por ejemplo, la danza clásica (o ba-llet), la danza contemporánea, la danza urbana, etcétera. el Teatro Como teatro se denomina el género literario constituido por el conjunto de obras dra-máticas concebidas para su representación en el escenario. Etimológicamente, la pa-labra teatro proviene del griego (théatron), que significa ‘mirar’. Teatro forma parte de las llamadas artes escénicas, que combina las áreas de actuación, escenografía, música, sonido y espectáculo.

7) El séptimo arte: el cine: Aparecido a finales del XIX, este es uno de los más nuevos y revolucionarios en el campo artístico ya que ha conseguido aunar diferentes artes en un nuevo medio. En el cine se une la literatura (guion), con la música y la fotografía para conseguir que, todos estos elementos juntos, describan, sin necesidad de palabras, el mensaje que el director quiere proyectar con su obra.

https://es.wikipedia.org/wiki/Pintura

https://es.wikipedia.org/wiki/M%C3%BAsica

https://es.wikipedia.org/wiki/Literatura

https://es.wikipedia.org/wiki/Poes%C3%ADa

https://es.wikipedia.org/wiki/Prosa

https://es.wikipedia.org/wiki/Artes_esc%C3%A9nicas

https://es.wikipedia.org/wiki/Danza

https://es.wikipedia.org/wiki/Teatro

https://es.wikipedia.org/wiki/Cine



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Actualmente, el cine es una de las artes más comerciales y consumidas por todas las personas. Hay géneros de todo tipo y se adaptan a las diferentes necesidades y prefe-rencias de cada consumidor: comedia, drama, thriller, cine de aventuras, fantástico, de ciencia ficción, etc.; el género consiguió su máximo apogeo gracias a la industria de Ho-llywood que, hasta la actualidad, es una de las principales promotoras de toda clase de películas.

8) "LAS ARTES MEDIÁTICAS" El octavo arte: incluyendo

a) la radio, entendiendo como radio artística, concretamente, un producto radial con un

nivel de realización donde se combinen armónica -¡y hasta científicamente!- todos los re-

cursos del lenguaje del medio (música, voz, ruido y silencio) de manera armónica que ha-

gan de todo el conjunto una unidad radial. Cuando se combinan todos esos elementos

que integran el lenguaje radiofónico y se consigue promover un placer estético por el pro-

grama en sí mismo, entonces nos aproximamos al concepto artístico de la radio.

Pongamos como ejemplo el cine. Inicialmente no fue un arte, sino una novedad tecnoló-

gica que atrajo el interés de la gente. A partir de George Meliès fue cuando el cine em-

pezó a perfilarse como lo que hoy es: el séptimo arte. Con la radio sucede algo parecido,

por constituir un medio tecnológico para la comunicación, pero sus productos se hacen

arte si poseen la propiedad de crear imágenes en quienes la escuchan, y hacerlo de modo

armónico, combinando y unificando todas sus posibilidades expresivas.

b)la televisión En los años sesenta el alemán Gerry Schum pensó que se podrían aprove-

char los potenciales tecnológicos de la televisión para crear piezas de arte.

La televisión ha tenido desde sus comienzos un gran potencial artístico. Sin embargo, la

naturaleza comercial del medio ha frustrado la mayoría de los intentos por hacer de ella

un vehículo capaz de aprovechar todas sus posibilidades, tanto a nivel artístico como so-

cial. Esa empresa utópica es la que se planteó en 1968 el alemán Gerry Schum (Colonia,

1938-Düsseldorf, 1973) cuando fundó su Galería Televisiva en Düsseldorf.

La idea de Schum era desarrollar obras de arte concebidas específicamente para el medio

audiovisual, utilizando las características técnicas de este soporte y evitando formatos tra-

dicionales como los documentales. Schum quería además democratizar las formas de dis-

tribución del arte para que, a través de la televisión, llegara a un público masivo.

c) la fotografía este arte se centra en captar imágenes y perpetuarlas en el tiempo. Se ne-

cesitan conocimientos sobre la luz y la estética para poder hacer buenas instantáneas.

9) El noveno arte: los cómics: cada vez son más las personas que creen que los cómics deben

formar parte de esta clasificación de las artes porque, como ocurre con el cine, en estas

creaciones se unen varias artes como sería la literatura y la pintura para ofrecer una pieza

única.

10) El décimo arte los juegos de video y las formas de arte digital más en general. Los juegos

de computadora se remontan a 1947, aunque no llegaron a una gran audiencia hasta la

década de 1970. Sería difícil y extraño negar que la PC y los videojuegos incluyan muchos

tipos de arte (teniendo en cuenta, por supuesto, que el concepto "arte" en sí está, según

se indica, abierto a una variedad de definiciones). Los gráficos de un videojuego constitu-

yen arte digital, arte gráfico y, probablemente, videoarte. La banda sonora original de un

videojuego constituye claramente música. Sin embargo, es un punto de debate si el video-

juego en su conjunto debe considerarse una obra de arte de algún tipo, tal vez una forma

https://es.wikipedia.org/wiki/Radio_(medio_de_comunicaci%C3%B3n)

http://www.cmbfjazz.cu/

https://es.wikipedia.org/wiki/Televisi%C3%B3n

https://es.wikipedia.org/wiki/Fotograf%C3%ADa

https://es.wikipedia.org/wiki/Historieta

https://es.wikipedia.org/wiki/Videojuego



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de arte interactivo. El crítico de cine Roger Ebert, por ejemplo, ha declarado públicamente

que los videojuegos no son arte, y por razones estructurales siempre serán inferiores al

cine, pero luego, admite su falta de conocimiento en el área cuando afirmó que “nunca

juegues un juego cuando hay un buen libro para leer o una buena película para ver ".

Pinturas rupestres

Las pinturas que se conservan en las cuevas de España (Al-

tamira) y del sur de Francia representan, con increíble

exactitud, bisontes, caballos y ciervos. Estas representacio-

nes están realizadas con pigmentos extraídos de la tierra,

compuestos de diferentes minerales pulverizados y mez-

clados con grasa animal, clara de huevo, extractos de plan-

tas, cola de pescado e, incluso, sangre; se aplicaban con

pinceles hechos de varitas y juncos o se soplaban sobre la

pared. Estas pinturas debían desempeñar una función en

los rituales mágicos, aunque no se conoce con certeza su

naturaleza exacta. Por ejemplo, en una pintura rupestre de

Lascaux, Francia, aparece un hombre entre los animales junto a varios puntos oscuros; aunque

su exacto significado permanece desconocido, demuestra la presencia de una conciencia espi-

ritual y la capacidad de expresarla por medio de imágenes, signos y símbolos.

Pintura prehispánica en América

Las pinturas murales de Teotihuacán y las pobla-

ciones vecinas de Tetitla y Tepentitla expresan la

visión de la creación del Universo según los anti-

guos mesoamericanos que poblaron esa zona, si-

tuada en el norte y el centro de América, entre

los siglos II a.C. y VIII d.C. La descripción del viaje

que emprende el alma a través de lo que en tér-

minos cristianos se llamaría cielo e infierno re-

https://es.wikipedia.org/wiki/Roger_Ebert



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fleja la inquietud respecto a la trascendencia del ser humano que no se conforma con su exis-

tencia terrenal. Alegorías de lo más preciado, como el agua, la sangre, la vida, la serenidad, están

reflejadas en los frescos dedicados a Tláloc, deidad de la lluvia, y al paraíso que ofrece cada vez

que se prodiga.

Arte gótico

El arte gótico es un estilo fascinante debido a que en él se unifican el arte y una nueva teología

que surgía en Europa hacia el año 1100.

Algunos historiadores de la Ilustración veían este estilo como expresión de una época oscuran-

tista, pero el arte gótico fue una estética de la luz sobre todas las cosas. En él se manifestó el

humanismo teocéntrico que dio paso al antropocentrismo renacentista.

El gótico tuvo su inicio en la Baja Edad Media, en Francia, desde donde se irradió al resto de

Europa. Cada país, sin embargo, incorporó elementos de su cultura y así en cada uno adquirió

características particulares.

Pintura renacentista

El desarrollo de los principios de la perspec-

tiva lineal, llevado a cabo por varios arqui-

tectos y escultores a principios del siglo XV,

permitió a los pintores conseguir, por me-

dio de la representación bidimensional, la

ilusión del espacio tridimensional.

Muchos de los artistas del primer renaci-

miento se valieron del empleo dramático

de la perspectiva y del escorzo en su dibujo para producir la ilusión de la prolongación de un

objeto o figura en el espacio. La exploración de la anatomía condujo a un mayor entendimiento

de la representación de la forma humana. También se empezaba a utilizar la pintura al óleo,

desafiando a la antigua supremacía del temple y del fresco.

Los maestros del alto renacimiento fueron Leonardo da Vinci, Rafael, Miguel Ángel y Tiziano.

Paradójicamente, Leonardo sólo dejó un puñado de obras, pues dedicó la mayor parte de su

tiempo a la observación científica de los fenómenos y a los inventos técnicos. Realizaba conti-

nuos experimentos con pigmentos oleosos sobre yeso seco, y a ello se debe el deterioro de los

murales que han llegado hasta nuestros días, como es el caso de La última cena (1495-1497,

Santa Maria delle Grazie, Milán).

Rafael perfeccionó los anteriores descubrimientos renacentistas en materia de color y de com-

posición, creando tipos ideales en sus representaciones de la Virgen y del Niño y en sus estudios



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de retratos de sus coetáneos. La Capilla Sixtina del Vaticano, en Roma, con sus frescos de la

creación y la expulsión de Adán y Eva del Paraíso en la bóveda (1508-1512) y el gran mural

del Juicio Final (1536-1541), dan fe del genio pictórico de Miguel Ángel.

Barroco francés

Dos pintores franceses en particular asimilaron el es-tilo de Caravaggio. Georges de la Tour, en principio pintor de temas religiosos, fue un maestro de la luz y la sombra: su virtuosismo queda patente en su ma-nera de iluminar los rostros y las manos, con la luz de una sola vela, consiguiendo unas carnaciones casi translúcidas. Louis Le Nain empleó también dramáti-camente la luz en sus obras de gran formato sobre la

vida campesina. Sin embargo, en general, los artistas franceses barrocos hacían gala de una moderación clásica que aportaba claridad, equilibrio y armonía a sus obras. Pintura romántica Sucediendo muy de cerca al neoclasicismo, el movimiento romántico introdujo el gusto por lo medieval y lo misterioso, así como el amor por lo pintoresco y lo sublime de la natu-raleza. Se dio rienda suelta a la imaginación individual y a la expresión de la emoción y del estado de ánimo, desban-cando al enfoque intelectual razonado de los neoclasicistas. En general, los pintores románticos preferían las técnicas coloristas y pictoricistas al estilo neoclásico, lineal y frío. Pintura impresionista

Al volver sus ojos hacia los temas cotidianos, los artistas de mediados del siglo XIX cuya obra es

adscribible al realismo sentaron un precedente para la siguiente generación de la vanguardia

francesa. Édouard Manet fue el principal innova-

dor de la década de 1860 y su estilo fue precursor

del impresionismo. Al igual que Courbet, Manet

encontró muchos de sus temas en la vida que le

rodeaba (los parisinos solazándose en restauran-

tes, en parques o paseando en barco). Estas y

otras innovaciones,

como su pincelada

libre e imprecisa y

sus amplios parches

de color yuxtapuestos sin transición, hacen que se considere a

Manet el primer pintor moderno.

A finales del siglo XIX, Edgar Degas se destacaba como maestro del

trazo, dotando a sus temas de movimiento, como si hubieran sido

captados por una cámara. Sus retratos son también únicos en lo

que se refiere a la integración de las figuras en los decorados y a la

revelación de la personalidad de los modelos. Degas, maestro en



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muchas técnicas, destaca sobre todo en el empleo de los pasteles, con los que consigue efectos

de inusitada riqueza.

El estilo impresionista se desarrolló al aumentar el interés de los pintores por estudiar los efec-

tos de la luz sobre los objetos -cómo la luz da color a las sombras y disuelve los contornos de

los objetos- y por trasladar sus observaciones directamente al lienzo. Su falta de interés por

los detalles concretos de las formas y su empleo de pequeños toques separados de color puro -

técnicas que contrastaban totalmente con el estilo académico predominante- provocaron la

animosidad de crítica y público. Tuvieron que pasar casi 20 años hasta que Claude Monet, prin-

cipal exponente del impresionismo, alcanzara el reconocimiento general. Su interés se centraba

sobre todo en el paisaje, que representaba bajo todas las condiciones climatológicas y en dife-

rentes estaciones; captaba los efectos centelleantes de la luz del sol en los árboles en primavera

y la luz gris del invierno en las huellas del suelo nevado. Los impresionistas trabajaban juntos al

aire libre, como en el caso de Renoir y Monet. Mientras los impresionistas se dedicaban a plas-

mar los efectos transitorios, como los cambios de la luz, Cézanne se preocupaba por los aspectos

eternos de la naturaleza, extrayendo sus principios estructurales.

Movimientos post-impresionistas

En la década de 1880, y durante un breve periodo, Pissarro se desvió hacia una nueva técnica,

una ramificación del impresionismo desarrollada por Georges Seurat y conocida como divisio-

nismo o puntillismo.

Seurat y sus seguidores transformaron la pin-

celada suelta, típica del impresionismo, en

puntitos de pigmento puro, yuxtaponiendo

sobre el lienzo zonas diminutas de colores

complementarios. Las teorías de Seurat pro-

cedían de sus lecturas de los textos estéticos

y científicos del siglo XIX sobre el color.

Esta técnica se aprecia perfectamente en

una de sus obras más espectaculares, Un do-

mingo de verano en la Grande Jatte (1884-

1886, Instituto de Arte de Chicago).

Las obras tempranas de tres importantes artistas de fi-

nales del siglo XIX, Vincent van Gogh, Paul Gauguin y

Henri de Toulouse-Lautrec, denotaban la influencia del

impresionismo, pero acabaron por desarrollar estilos

postimpresionistas claramente definidos.

Tanto Van Gogh como Pissarro hicieron breves experi-

mentos con la división del color. Sin embargo, en el es-

tilo desarrollado por Van Gogh era típico el empleo del

color puro, aplicado muy denso en pinceladas vacilan-

tes que dotaban a la obra de intensa expresión emo-

cional. Muchos de sus lienzos, en especial los de cipre-

ses azotados por el viento y los de campos de trigo bajo

cielos tormentosos, expresan su propio estado de



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ánimo, tal como lo reflejan las fuerzas de la naturaleza. El estilo de Van Gogh ejerció gran in-

fluencia sobre los pintores del norte de Europa que, a principios del siglo XX, desarrollaron el

expresionismo.

La obra de Gauguin refleja también distorsiones de línea y de color, pero difiere de la suya en

que es más simbólica que expresionista. Las zonas de colores planos intensos forman motivos

decorativos, con los contornos muy marcados.

Expresionismo

La obra de los artistas más preocupados por plasmar sentimientos y

respuestas subjetivas, por medio de la distorsión de la línea y del color,

que por representar fielmente la realidad externa se fundió en un mo-

vimiento conocido como expresionismo. En Alemania, el movimiento

abarcaba dos grupos.

Los artistas jóvenes, activos entre 1905 y 1913, que componían el grupo

Die Brücke estaban, como los fauves, inspirados en el arte africano,

cuya fuerza y energía trasladaban a su propia obra.

El grupo estaba formado por Ernst Ludwig Kirchner, Karl Schmidt-

Rottluff, Erich Heckel y Emil Nolde, entre otros. Representaban los su-

frimientos de la humanidad con un estilo parecido, en cierto modo, al fauvismo, pero con el

ingrediente añadido de la angustia. La obra temprana del noruego Edvard Munch, de gran carga

emocional, era bien conocida en Alemania y produjo honda impresión en los artistas de Die

Brücke. Algo más tarde, en 1911, Franz Marc y el artista nacido en Rusia Wassily Kandinsky en-

cabezaron la otra fase del expresionismo alemán por

medio del grupo Der Blaue Reiter, en Munich; se inspi-

raban en el llamado arte primitivo, en el fauvismo y en

el arte popular, y la modalidad expresionista que practi-

caban evolucionó hacia una forma de pintar que antici-

paba el arte abstracto. Los principales componentes de

Der Blaue Reiter eran August Macke, Gabriele Münter,

Paul Klee y Alexey von Jawlensky. En esos años, el uru-

guayo Pedro Figari produce su obra neoimpresionista

en su país, en Buenos Aires y París.

Cubismo

Entre 1907 y 1914, Pablo Picasso y Georges

Braque desarrollaron el cubismo en París, ins-

pirándose en la forma, cada vez más geomé-

trica, que tenía Cézanne de representar los

paisajes y las naturalezas muertas, y en las for-

mas dinámicas de la escultura africana e ibé-

rica. El cubismo llegó a ser el estilo artístico

que más influencia ejerció en todo el siglo XX;

se basa en la descomposición de la imagen tri-

dimensional en multitud de puntos de vista bi-

dimensionales, rechazando los valores tradicionales de la perspectiva, el escorzo, el modelado

y el claroscuro. La pintura cubista atravesó diferentes fases, entre las manos de Picasso y Braque



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inicialmente, y más tarde las de Fernand Léger, Robert Delaunay, Sonia Delaunay y Juan Gris,

para ser modificado posteriormente por un grupo de artistas italianos entre los que se encon-

traban Gino Severini, Umberto Boccioni, Carlo Carrà y Giacomo Balla. Su intención de expresar

en el arte el avance dinámico del siglo XX se conoce como futurismo. El cubismo en América

Latina tiene, entre otros representantes, al cubano Wifredo Lam y al mexicano Diego Rivera en

su obra de caballete. En los años 1930 se da a conocer el uruguayo Joaquín Torres García, pre-

cursor del constructivismo.

Pintura abstracta

El arte abstracto, que abarca varios estilos bien definidos, empezó a

desarrollarse en Alemania, Estados Unidos, Rusia y los Países Bajos

durante la segunda década del siglo XX. El cubismo fue crucial para su

evolución, sobre todo en Rusia, donde los artistas, que conocían las

tendencias francesas, bien a través de sus viajes a París, o contem-

plando el arte de vanguardia en las colecciones moscovitas, empeza-

ron a crear cuadros de composición geométrica

Kazimir Maliévich llamó suprematismo a su manera de abordar la

abstracción, mientras que a otros artistas rusos -como Alexandr Ro-

dchenko y El Lissitzky- se les conoció como constructivistas. Después de su contacto con el cu-

bismo, Piet Mondrian desarrolló una forma de abstracción llamada neoplasticismo. Sus pintu-

ras de cuadrículas, poniendo de relieve la bi-

dimensionalidad del plano pictórico, y sus

teorías estéticas fueron la base del desarro-

llo de la abstracción geométrica en Estados

Unidos en la década de 1930. En esta última

tendencia destaca en América Latina el ítalo-

brasileño Alfredo Volpi, cuyo trabajo desem-

boca en una geometría sensible, con trazos

menos exactos y más imaginativos.

https://surdelsur.com/es/secciones/identidad-cultural/artes-plasticas/

En la Historia de las Artes Plásticas en Argentina presentar el arte argentino desde sus orígenes

hasta la actualidad, obliga a realizar una segmentación. Esta permite ofrecer, no un conoci-

miento exhaustivo; pero sí, al menos, los hitos más importantes.

En esta ocasión, se decidió centrar la síntesis en la pintura y dejar para una próxima oportunidad

el desarrollo del enfoque de la escultura.

Períodos de las Artes Plásticas

El resumen de la Historia de las Artes Plásticas en Argentina se dividirá en cuatro grandes perío-

dos:

*Prehispánico * Colonial * 1816 a 1920 * 1920 a 1996

Es de destacar, también, el hecho de que entre períodos se produjeron saltos abruptos. Estos,

están estrechamente ligados, a los cambios políticos, económicos y culturales, de importancia,

acaecidos en el país.

https://surdelsur.com/es/secciones/identidad-cultural/artes-plasticas/



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PERÍODO PREHISPÁNICO se destacan las culturas del noroeste, consideradas como las que alcanzaron

el más alto grado de desarrollo antes de la llegada de los españoles. Eran agroalfareras, basaban su

economía en el trabajo de la agricultura y conocían las técnicas de la cerámica, metales y textiles.

Sobresalen las culturas de La Ciénaga, Condorhuasi, del oeste

de Salta; La Aguada (período medio) ubicada en Catamarca,

sur de Salta y norte de la Rioja hasta el norte de San

Juan; Belén y Santa María (1000 de la era cristiana) se

localizaron en los valles del oeste catamarqueño y en los de

Yacavil y Calchaquí respectivamente.

Cerámicas decoradas con figuras geométricas, imágenes reales o fantásticas; vasos efigies que

representan seres humanos o animales; urnas policromadas o grandes discos de metal

decorados con figuras esquemáticas limitadas por líneas de relieves, conforman la producción

de estas culturas que, actualmente, se hallan dentro del patrimonio de la división de

Arqueología del Museo de La Plata.

Las culturas nativas dejaron también su testimonio en grutas y abrigos de las montañas: Salta,

San Luis, Tucumán, Jujuy, Córdoba y la Patagonia son las zonas argentinas que ofrecen muestras

de arte rupestre.

PINTURA ARGENTINA COLONIAL

es, como sostiene Héctor Schenone, “El

predominio de lo religioso… y la

funcionalidad que se otorgó al arte como

instrumento persuasivo y transmisor de

ideas”. Artistas y artesanos trabajaron en

función de una comunidad cuya vida social

estaba centrada en el templo.

La Iglesia misma era una manifestación de

esos valores: fachadas-retablo eran el nexo entre los hombres y el espacio sagrado, al interior,

los retablos repetían esta función y en ellos los artistas coloniales lograron notables exponentes.

Numerosos artistas de origen español e italiano, llegaron a estas tierras y realizaron pinturas y

esculturas religiosas y retratos de personajes de la Iglesia y de funcionarios civiles. Merece

destacarse que desde el siglo XVII, también llegaron a Buenos Aires numerosos envíos de obras

provenientes de talleres europeos.

Una mención especial merece la labor de la Compañía de Jesús: sus arquitectos hicieron templos

y edificios para su orden, pero también para otras, e incluso edificios civiles. Entre esos hombres

cabe destacar a Andrés Bianchi (1677-1740).

Los autores de la pintura argentina colonial fueron los pintores jesuitas. Trabajaron en

las ciudades del Río de la Plata, Tucumán y Paraguay, incorporando pinturas y esculturas a los

templos y, dedicándose también a la formación de indígenas, mestizos y negros en sus talleres.

Un artista: el jesuita alemán Florián Paucke (1719-1789), se conservan en Austria las

ilustraciones acuareladas de sus memorias, éstas son un completo registro de la Argentina

colonial: trajes de soldados y civiles, costumbres y usanzas de los indígenas, la vida

cotidiana, útiles de labranza, la agricultura y hasta la fauna y la flora.



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LA PINTURA ARGENTINA DE 1810 A 1920 es el período que se inicia a partir de la Revolución

de Mayo. Bajo el influjo de las corrientes de pensamiento tomadas de la Revolución

Francesa; la temática religiosa, señalada en el período colonial, fue menos abundante en esta

etapa.

Esta vez, la actividad pictórica se desarrolló fundamentalmente en el retrato y las escenas de

costumbres.

Los protagonistas de la pintura argentina de 1810 a 1920, fueron un numeroso grupo de artistas

extranjeros que visitaron, residieron por algún tiempo o se establecieron en la Argentina;

captando en sus obras los tipos y costumbres de la

región.

Emeric Essex Vidal (1791-1861), marino inglés, dejó

acuarelas con texto que son un registro notable del

pasado argentino.

1830Interior de la Catedral de Buenos Aires,Pintura de Carlos Enrique

Pellegrini Carlos Enrique Pellegrini (1800-1875) originario de

Francia, llegó contratado como ingeniero, razones

políticas le impidieron llevar a cabo las obras públicas

programadas, entonces se dedicó a la pintura, realizando

numerosos retratos, escenas de costumbres y vistas de la

ciudad.

Prilidiano Pueyrredón (1823-1873), arquitecto, inge-

niero y urbanista, fue uno de los pintores argentinos más

notables del siglo XIX; buscó perpetuar las tradiciones de

nuestra tierra y las antiguas costumbres de la gran aldea. Entre sus obras pictóricas se encuentra

el Retrato de Manuelita Rosas, Un alto en el campo (imagen de portada) y El baño un desnudo

demasiado audaz para la época.

PINTURA ARGENTINA A PARTIR DE 1920 La historiografía del arte argentino coincide en señalar la

pintura argentina a partir de 1920 como el período en que se produjo la modernización del lenguaje

plástico en Argentina. Diversos acontecimientos sostienen esta afirmación: Regresaron a Buenos Aires

https://surdelsur.com/es/revolucion-del-25-mayo-1810/

https://surdelsur.com/es/revolucion-del-25-mayo-1810/

https://surdelsur.com/es/pintura-argentina-colonial/

https://cdn1.surdelsur.com/es/wp-content/uploads/sites/2/2014/07/ic05a-1830-pellegrini-300.jpg



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Emilio Petorutti, el Grupo de París y Alfredo Guttero. Actuaron Xul Solar, los Artistas del Pueblo, el Grupo

de la Boca y otras individualidades.

Desde distintos ángulos formales e ideológicos -los artistas que regresaron al país conocían el lenguaje

de las vanguardias europeas- , se cuestionó el gusto dominante y sus árbitros: los organismos oficiales.

Se fundó Amigos del Arte, organismo que brindó espacio a las nuevas tendencias.

Alfredo Guttero fue la figura aglutinante de los jóve-

nes artistas y se organizó el Nuevo Salón. Para la

misma época revistas como Prisma, Martín Fierro,

Inicial, Plus Ultra, Claridad y Campana de Palo refle-

jaron la efervescencia del campo cultural. Convivie-

ron en tensión durante el mismo período obras como

las de Fader y Colivadino, portadoras de un lenguaje

tradicional, con las de los jóvenes artistas en las que

se puede rastrear, con mayor o menor éxito, la mo-

dernidad plástica. De aquí en adelante es imposible, sin

caer en omisiones injustas, establecer la lista de artistas

y grupos que enriquecen la plástica argentina; todas las

tendencias, todas las búsquedas se hallan presentes.

Señalaremos algunos hitos, de la pintura argentina a partir de 1920, que marcaron momentos

importantes para el arte contemporáneo:

En 1944 se publica la revista Arturo, manifiesto a favor del arte concreto. En 1951 se crea la ga-

lería Bonino, cuya actuación se extendió incluso fuera del país.

En 1948, se publica la revista Ver y Estimar dirigida por el crítico Jorge Romero Brest, quien en

1956 fue nombrado Director del Museo Nacional y más tarde, en 1963, Director del Centro de

Artes Visuales del Instituto Di Tella, convirtiéndose, desde sus múltiples actividades, en impul-

sor del arte contemporáneo.

LAS ARTES VISUALES comprenden: EL DISEÑO GRÁFICO E INDUSTRIAL, LA FOTOGRAFÍA, LAS ARTES APLICADAS, EL CINE Y LAS ARTES PLÁSTICAS.

LAS ARTES PLÁSTICAS son una forma de comunicación en la que intervienen: * la PERCEPCIÓN para captar y conocer a través de los sentidos el mundo exterior que nos rodea; * la IMAGINACIÓN que permite ir mas allá de la realidad que percibimos enriqueciéndola con la creación de nuevos mundos impregnados de sentimientos personales, en donde se revela nuestro interior y * la EXPRESIÓN de lo que imaginamos, lo que sentimos y pensamos a través de un lenguaje diferente, el lenguaje de las imágenes.

Las Artes Plásticas se clasifican según el modo de trabajar en: Dibujo ;Pintura ; Grabado y Escultura, así como las expresiones que incorporan nueva tecno-logía orientada al arte o elementos no convencionales, y su mayor componente expresivo es visual, también el llamado ARTE DE LOS NUEVOS MEDIOS, entre los que se incluyen: arte digital; fanart; fotografía; net.art; videoarte; arte abstracto

https://es.wikipedia.org/wiki/Arte_de_los_nuevos_medios

https://es.wikipedia.org/wiki/Arte_digital

https://es.wikipedia.org/wiki/Fanart


https://es.wikipedia.org/wiki/Net.art

https://es.wikipedia.org/wiki/Videoarte

https://es.wikipedia.org/wiki/Arte_abstracto



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DIBUJAR: es representar sobre una superficie algo imaginado o real por medio de trazos, gene-ralmente se define por la técnica usada por ejemplo dibujo a lápiz, con lápices de colores, con tinta china, al pastel, con marcadores; y generalmente se dibuja sobre papel. PINTAR: consiste en aplicar color con pinceles, espátulas o rodillos sobre una superficie de tela, papel, cartón, madera o metal. Por ejemplo, temperas, oleos, acuarelas, acrílicos. EL GRABADO: se basa en la talla de una plancha de madera y el raspado de una de metal de modo tal que quede una matriz (como un sello) que permite sacar muchas copias del mismo diseño. Algunas técnicas son la xilografía, el aguafuerte, la punta seca, la mono-copia y la seri-grafía. LA ESCULTURA es el arte de modelar, moldear, tallar y ensamblar materias que permiten crear formas que ocupan un lugar en el espacio real (tridimensional) y generalmente se las puede ver desde muchos puntos de vista. Los materiales que se usan son arcilla, madera, piedra, yeso, metales, plásticos entre otros.

Poder leer una imagen es uno de los primeros pasos para introducirnos al mundo de la plástica y comenzar a entender, discriminar, opinar y disfrutar de lo que nos transmiten o queremos transmitir…



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****************************************************** La comunicación visual se produce cuando utilizamos IMÁGENES

-exclusivamente- para transmitir diferentes mensajes.

****************************************************** Una imagen designa globalmente a todo signo de una materia distinta a la de los sonidos arti-culados. (Diccionario de los medios de comunicación. Valencia 1975). CLASIFICACIÓN: Las imágenes pueden clasificarse en dos grandes grupos: 1) FIGURACIÓN y 2) ABSTRACCIÓN El arte figurativo fue la primera manifestación creativa del hombre, quien asombrado ante lo natural dejó expuesta su huella como pintura o arte rupestre.

• IMÁGENES FIGURATIVAS LA FIGURACIÓN se refiere al arte que busca REPRODUCIR LA APARIENCIA de la naturaleza, por el placer de RECONOCER los OBJETOS que nos son familiares. Las imágenes figurativas realistas son aquellas que representan de manera detallada la apariencia externa de los objetos, los lu-gares o las personas, tratando de imitar sus rasgos, proporciones, colores y texturas.

• IMÁGENES ABSTRACTAS LA ABSTRACCIÓN es el arte que se vale exclusivamente de los elementos puros; formas, líneas, colores, despojados de toda imagen figurativa; no objetivo, no representativo e independiente del mundo externo. Arte que tiende a la forma pura y esencial. No reproduce objetos y es por entero creación del artista. Según su apariencia la abstracción puede clasificarse como orgánica o inorgánica.



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ABSTRACCIÓN ORGÁNICA: sugiere el desarrollo y crecimiento del mundo orgánico (viviente). Las formas parecen manifestarse libremente y sin esfuerzo, tendiendo a sugerir movi-miento dotado de vida. ABSTRACCIÓN INORGÁNICA O GEOMÉTRICA: está sujeta a un tipo de organización en la que prevalecen las leyes de

la geometría, sugiere una carencia de movimiento vital. Pre-dominan elementos como puntos, líneas, planos, etc.

El trabajo plástico tiene su propio lenguaje. Comprenden el conjunto de recursos pictóricos que permitirán la construcción de imágenes según las intenciones que tenga el autor. Se pueden considerar los siguientes elementos de expresión plástica: EL PUNTO, LA LÍNEA, EL PLANO, LA FORMA, EL VOLUMEN, LA TEXTURA y EL COLOR.

Cabe destacar que algunos autores también incluyen otros más, producto de los cambios surgi-dos a lo largo de la historia del arte. Estos recursos, propios de las artes plásticas, se caracterizan por tener sus normas y reglas definidas, así como una variedad de representaciones que son en sí mismas un tipo de lenguaje con estructura. EL PUNTO El punto es el elemento plástico básico, tiene superficies y límites. (W. Kandinsky). En el punto se encuentra el origen de la línea, de las formas y se lo percibirá como punto, si su tamaño es adecuado a la percepción de un punto -en relación con el material que lo contiene y los elemen-tos que lo rodean-. Geométricamente, la imagen del punto viene dada por la intersección de dos rectas en el espa-cio bidimensional. Desde el punto de vista gráfico, el punto se materializa por la huella que deja un instrumento grafico (lápiz, pincel, pluma, etc.), o mediante firmas cerradas. Se pueden utilizar muy variadas representaciones del punto: círculos, huellas, triángulos, polí-gonos, manchas, óvalos, etc.

Con un solo punto podemos estructurar, de ma-nera elemental el espacio. Según situemos un punto en el espacio plano del papel, originare-mos tensiones centrales o nos producirán la sen-sación de orden y equilibrio o de inestabilidad.



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El punto situado en el centro del plano capta la atención, deja espacios vacíos equivalentes y da sensación de orden y equilibrio. Tres puntos situados en un plano inducen a la imaginación a cerrar una forma, en este caso triangular. El punto situado en un extremo del plano produce una sen-sación de fuga y movimiento. La apari-ción de áreas vacías desiguales da la im-presión de inestabilidad. Dos puntos si-tuados en el plano nos llevan a imaginar la existencia de una línea recta, ascen-dente, descendente, vertical y horizon-tal. AGRUPACIÓN DE PUNTOS La mancha:

Surge de la agrupación irre-gular y constante de una serie de puntos; llega a construir superficies den-tro del espacio bidimensio-nal y posee una expresivi-dad ilimitada porque nace de la sensibilidad del dibu-jante. Tanto en su componente geométrica como artística, los espacios constituidos por la mancha o por el plano excluyen el volumen.

EJERCICIO PRÁCTICO.Con muchos puntos podemos realizar composiciones libres. Al utilizar las posibilida-des infinitas de formas, tamaño y combinación de los puntos, las realizaciones formales que podemos obtener son incalculables: composiciones por alineación crecientes, uniformes, decrecientes, con el mismo tipo de puntos o diferentes composiciones radiales, circulares, por acumulación, por dispersión, etc.

Mosaico Bizantino Joan Miró Seurat

LA LÍNEA



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Aparece como una sucesión de puntos o puede constituirse por

la traslación de un punto. Es un elemento unidimensional y la

longitud es la dimensión predominante. Puede presentar un

cuerpo, lo adquiere al ser trazada con trazo grueso o ancho, pero

siempre predomina el largo.

En geometría, la línea esta originada por un punto que se mueve. Por consiguiente, la línea aporta a una obra gráfica el concepto de dinamismo. Hemos visto que el punto servía para definir formas y pre estruc-turar el espacio. Si imprimimos movimiento a un punto, este describe una trayectoria. La línea es precisamente la representación gráfica de la trayectoria de un punto. La línea supone la delimitación de las formas y constituye la más importante invención entre los elementos grafico-plásticos. El análisis de las diferentes propiedades, caracteres y conjuga-ciones de la línea contribuye a un mejor aprovechamiento de sus posibilidades expresivas. CUALIDADES GEOMÉTRICAS de la LÍNEA: Recta, curva, mixta, ondulada, espiral, quebrada.

RECTAS: presenta tres direcciones básicas; vertical, horizontal y oblicua.

• Las líneas rectas expresan robustez y rigidez, un orden exacto y frio, mientras que las curvas dinamismo y vitalidad.

• Las líneas horizontales nos sugieren tranquilidad y reposo. Esta es la sensación que re-cibimos cuando contemplamos el mar, una llanura o un edificio en el que dominan las líneas horizontales.

• Las líneas verticales expresan una tensión ascensional que implica sensaciones de fuerza, equilibrio y espiritualidad. Recibimos esta sensación al contemplar un conjunto de árboles altos y derechos.

• Las líneas oblicuas nos transmiten sensaciones de actividad y movimiento. QUEBRADA: se da cuando la recta sufre dos presiones direccionales y se transforma en un án-gulo.



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CURVAS: se produce cuando sufre una presión en forma de arco. ONDULADA: es la unidad de curvas provo-cando sinuosidad. MIXTA: es la unión de líneas curvas y rec-tas. POSICIÓN RELATIVA: horizontal, vertical, oblicua, paralela, perpendicular. LA LÍNEA COMO ELEMENTO EXPRESIVO: Según la presión con la que se trace una línea puede ser sensible u homogénea:

ejercicio de aplicación

LÍNEA SENSIBLE: su grosor e intensidad se va modificando a lo largo de su recorrido, también puede llamarse línea variable o modulada. Es el tipo de línea más utilizada en el dibujo artístico.

LÍNEA HOMOGÉNEA: es una línea igual tanto en grosor como en intensidad a lo largo de todo su recorrido, es el tipo de línea utilizado en el dibujo científico y téc-nico. La línea tiene también un marcado poder expresivo en relación con su posición en el espacio.

ejercicio de aplicación:

EL TRAZO:

es una línea más espontánea y libre de ejecu-ción, da carácter a la obra gráfica al representar los valores contradictorios de la realidad: fuerza o suavidad, agresividad o dulzura.

GRAFISMO:

es un línea uniforme y precisa, se adapta mejor al dibujo técnico



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EL PLANO Desde el punto de vista geométrico, el plano es una superficie bidimensional ilimitada e indefi-nida. Sin embargo, desde el punto de vista plástico el plano puede ser definido como una su-perficie delimitada, que al igual que otros elementos (punto, línea…), constituye un recurso ex-presivo del lenguaje plástico. DIMENSIÓN: hace referencia al espacio plano, que posee dos dimensiones o medidas: el alto y el ancho. Por ejemplo, la superficie de la hoja sobre la cual dibujamos



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En el espacio, el plano existe como material y es impo-sible considerarlo sin “espesor” por mínimo que sea. Pero se consideran ancho y largo como dimensiones predominantes y la tercera, el espesor, está subordi-nada a las otras dos. Se reconoce por sus 2 dimensiones: alto y ancho. El plano es un concepto bidimensional definido por un conjunto de líneas que se cortan o mantienen relacio-nes de paralelismo. Tiene estructura propia: cuadrado, rectangular, circular, hexagonal, etc. También pre-senta formas libres o irregulares.

Ejemplo de planos en obras de pintores famosos

LA RELACIÓN ENTRE LOS PLANOS. El plano es un elemento activo en la estructuración del espacio cuando lo relacionamos con otros planos. Esta relación obedece a los siguientes criterios: CRITERIO DE YUXTAPOSICIÓN: significa poner al lado, inmediato, o adyacente. Se refiere a la tensión provocada por la proximidad de figuras o formas, valores, colores etc. CRITERIO DE SUPERPOSICIÓN: se usa para dar la sensación de profundidad espacial. Hay for-mas o planos que tapan parcialmente a otros, o que otros objetos representados ocultan en parte a otro. En la superposición, los objetos o planos que "tapan" a los demás aparecen como más próxi-mos a nosotros, mientras que los "tapados" parecen estar más alejados del observador. Con esto se genera una sensación de un "detrás" y un "delante".



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Yuxtaposición Superposición

CRITERIO DE TRANSPARENCIA: Es la representación de objetos o planos transparentes. Donde las figuras no quedan "cubier-tas" o resguardadas de la vista, sino que puede percibirse, tam-bién "detrás" de la ubicada en primer plano. Los fenómenos de transparencia suelen producir una altera-ción en las características visuales, de las figuras en segundo plano: a) Desaturación del color, b) Mezcla de su color, c) Per-dida de su detalle, de textura o de relieve, d) Perdida de clari-dad u oscuridad.

EL PLANO EN EL ESPACIO

LA FORMA Todos los elementos del alfabeto actúan en función de la forma de la cual dependen. El hombre es un creador de formas. Nuestra apariencia, y el entorno físico donde estamos inmersos, tienen forma. La forma es una de las características esenciales de los objetos que la vista capta; se refiere a las características estructurales de los objetos sin tener en cuenta su ubicación y orientación. Alude a los límites que pueden ser contornos o superficies.

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FORMA ABIERTA Las formas abiertas se caracterizan por presentar zonas en las que no se distingue claramente la separación o el límite entre el objeto y el fondo porque no hay contraste. Por ejemplo, en el atardecer o cuando se miran cosas que están muy lejos, no se distinguen claramente los limites; cada cosa tiene su límite, su forma solo que el ojo no alcanza a percibir el limite exacto. FORMA CERRADA Las formas cerradas se distinguen por la continuidad del contorno dado por un fuerte contraste entre la figura y el fondo, se ven claramente los límites de los objetos. ESTRUCTURA DE LA FORMA Estructura significa organización, correspondencia, orden en que está constituida, o compuesta una forma. Es la interrelación de las partes con el todo que caracteriza a la unidad formal. Es-tructura es forma entendida como totalidad. La forma de un objeto visual no consiste solo en su contorno. Las líneas principales casi nunca nos refieren a los contornos que se dan realmente en los objetos, sino que forman el “esqueleto estructural” de un objeto. La estructura establece la identidad de la figura, lo que significa que señala las condiciones que deben observarse para que una figura dad se asemeje a otra. La estructura debe considerarse como la forma totalizada por partes o subestructuras cuyo re-sultado es algo más que la mera suma de sus partes. Un ejemplo de estructura es el esqueleto, el cual hace de sostén de nuestra forma.

Los EJES son líneas imaginarias que tienden en el sentido de las direcciones y/o posiciones do-minantes de un cuerpo, forma y figura u objeto cualquiera, con el fin de determinar en orienta-ción. Son ejes fundamentales la: vertical y horizontal, como coordenadas espaciales fundamen-tales. LAS FORMAS PLANAS



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Creamos una forma plana cuando definimos los límites de una figura bidimensional. La defini-ción de la forma plana puede realizarse: por el trazado de su contorno o por el dibujo de su silueta. Existe una tercera manera, llamada DINTORNO.

Objeto real

Contorno

Silueta

Dintorno modificado

Contorno es la línea que representa el perímetro de una figura→ (perímetro) Silueta es la superficie encerrada dentro de la línea del contorno→(área) Dintorno es lo que está contenido en el contorno. Podemos modificarlo combinando líneas, colores, texturas, etc. Mediante la representación del contorno o de la silueta, se individualiza la forma y así adquiere su entidad como figura. Simultáneamente, se produce la diferenciación entre la figura y el fondo que la rodea. LA FIGURA Y EL FONDO FIGURA: impresiones captadas por un sentido determinado y que son percibidas como una uni-dad u objeto. Contorno, área, limite, espacio limitado por líneas o planos. Entidad diferente del fondo. Sinónimo de forma. Que representa o significa. FONDO: Zona del campo de percepción que recibe menor organización que la figura. Siempre da la impresión de que “pasa” por detrás de la figura. Por lo general tiene colores más tenues y menos detalles que la figura. El fondo contiene a la figura, la rodea, la acompaña y ayuda a completar o resaltar su significado. FORMA: nace de la combinación de líneas que delimitan una zona en una superficie bidimen-sional, o de la combinación de volúmenes que delimitan una zona en el espacio tridimensional, las primeras son formas PLANAS, las segundas son formas VOLUMÉTRICAS.

POSITIVO Y NEGATIVO: se desprenden de los conceptos de figura y fondo. POSITIVO: es la zona o forma que se encuentra sobre el fondo. Figura, forma. NEGATIVO: es el fondo, la zona que rodea a la figura (posi-tivo). Espacio vacío alrededor de una figura. La zona nega-tiva puede llegar a convertirse en figura cuando tiene carac-terísticas de forma consistente.

RELACIONES ENTRE LA FIGURA Y EL FONDO Toda superficie rodeada tiende a convertirse en figura y la zona restante actuara como fondo. La figura tiene calidad de cosa y el fondo calidad de sustancia. Los limites siempre pertenecen a la figura y se tiene la impresión de que el fondo pasa por detrás de la figura. La figura presenta mayor claridad y precisión, apareciendo siempre más cerca del espectador. Todo lo relativo a la figura se recuerda mejor. Una figura puede presentarse como un elemento más o menos complejo y como tal diferen-ciarse del fondo que la rodea.



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Figura compleja sobre fondo simple. En este caso toda la atención del observador recae sobre la figura; el fondo completa y acompaña. “SER EN MUTACIÓN” de Raquel Forner

Figura simple sobre fondo com-plejo. En este caso es el entorno muy elaborado lo que contrasta con la simplicidad de la figura, que, por este último, pasa a pri-mer plano. “TERRACITA” de Lino E. Spilimbergo

Figuras reversibles en algunos casos, la relación figura-fondo presenta un carácter reversible, es decir, cualquiera de las partes puede percibirse alternativamente como figura.

EL VOLUMEN Es el espacio que ocupa un cuerpo. El volumen de los cuerpos es el resultado de sus tres dimen-siones: ancho, alto y profundidad. Se llama volumen a la estructura formal tridimensional escul-tórica, así como también se denomina volumen a las partes componentes del todo escultórico, cuando estas tienen carácter de masas. También se llama volumen a la sugerencia de peso y masa lograda por medios pictóricos que muestran características tridimensionales, por ejemplo, cuando se dibuja un cubo, este se ve tridimensional, entonces, se dice que es volumétrico; o cuando se usan los colores para indicar que algo está más adelante que otras cosas se da la idea de volumen.



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CLAROSCURO El claroscuro es la distribución de los valores tonales en la organización de una obra de arte. Debe diferenciarse la luz y la sombra. Toda obra presenta una relación de valores tonales claros y oscuro; las representaciones de estos valores harán que en la obra se perciba una composición bi o tridimensional. El claroscuro es usado y en lo que caracteriza al dibujo, puede encontrarse también en la pintura cuando se usa una variación de un mismo color. FASES DE LA REPRESENTACIÓN DEL VOLUMEN

EJERCICIO DE APLICACIÓN



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1. Observar y análizar el modelo buscando simetría y la reducción a formas simples planas. (Usar de líneas auxiliares, útiles de geometría y trazo muy claro).

2. Dar volumen a través de la línea sensible, eliminar los ángulos y líneas auxiliares reali-zadas en el primer paso.

3. Aplicar claroscuro para dar volúmenes, dando mayor luz a las zonas altas, salientes y sombras más intensas en las zonas hundidas. Recordar: NO trazar líneas homogéneas y oscuras en las áreas de mayor iluminación.

LOS EFECTOS DE LA LUZ La luz natural y la luz artificial

Los efectos producidos por la iluminación de un objeto pueden ser diferentes en relación directa con la fuente de luz utilizada. Las dos fuentes de luz que podemos utilizar son la luz natural y la luz artificial.



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La luz natural tiene como fuente luminosa al sol. Debido a la distancia en que se encuentra el sol con respecto a la tierra, consideramos la luz natural como una radiación que se con-figura en una superficie cilíndrica formada por rayos paralelos entre sí. La Luz artificial tiene como fuente luminosa a cualquier foco artificial (lámpara, vela, etc.) como la distancia entre el foco emisor y el objeto es pequeña, consideramos la luz artificial como una radiación que se configura en una superficie cónica formada por rayos diver-gentes.

La posición del foco luminoso Los efectos producidos por la luz también dependen de la posición desde la que están ilumina-dos los objetos.

• Con luz frontal centrada conseguimos un efecto de relieve poco acusado.

• La luz lateral realza todos los matices tridimensionales de los volúmenes.

• La luz enfocada de abajo hacia arriba nos da una imagen desfigurada de los objetos.

• La luz enfocada por la parte posterior de un objeto produce el efecto del contraluz, en el que se subrayan las siluetas de las figuras.

LA REPRESENTACIÓN DE LAS SOMBRAS Llamamos sombra, genéricamente, a la parte de un objeto iluminado que no recibe directa-mente los rayos de luz. Con respecto a un cuerpo iluminado se pueden diferenciar tres clases de sombras:

La sombra propia, que es la que corresponde a las zonas no iluminadas del objeto. La sombra proyectada, que es la imagen oscura que un cuerpo opaco iluminado proyecta sobre otra superficie u objeto diferente. La sombra ante proyectada, que es la que alguna parte del objeto arroja sobre otra parte del mismo objeto.

LA TEXTURA

Textura (Artes visuales). Se denomina así no sólo a la apariencia externa de la estructura de los materiales, sino al tratamiento que puede darse a una superficie a través de los materiales como agregación de formas o colores que se perciben como variaciones o irregularidades en una su-perficie continua. La función de tales texturas es proporcionar realismo a la obra, hacerla creíble y lograr sensaciones de espacios.

https://www.ecured.cu/Forma

https://www.ecured.cu/Color



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TEXTURAS TÁCTILES- TEXTURAS VISUALES

Puede ser táctil, cuando presenta diferencias que responden al tacto, y visual si responde a la visión, puede ser: rugosa, áspera, suave, etc

Ejemplo de texturas táctiles: la piel de la naranja, la aspereza del revoque, la lisura del vidrio, un sillón de mimbre, la superficie de una moneda, etc. Ejemplo de texturas visuales: sucesión de puntos, bastoncitos, líneas entrecruzadas, pequeñas comas, pequeños cuadraditos, etc.

ANÁLISIS DE TEXTURAS La obtención de diferentes texturas, que modifican y caracterizan la representación del plano, depende de dos factores:

- El SOPORTE, que puede ser liso o rugoso, blanco o de color, blando o duro; - Los materiales y las herramientas de dibujo y pintura.

CARACTERÍSTICA DE LA TEXTURA:

• “TAMAÑO” se refiere al tamaño del elemento texturante que puede aumentar o dismi-nuir, pero debe mantener la proporción con el tamaño del objeto texturado.

• “DENSIDAD” se refiere al aumento o disminución del intervalo que existe entre cada elemento texturante, en otros términos, seria ralo o tupido.

El pincel ofrece innumerables posibilidades para elaborar texturas, su calidad depende del ma-terial elegido, las acuarelas son transparentes y permiten realizar gradaciones y transparencias, también las tintas de marcadores, las témperas son cubrientes y opacas permiten cubrir con color uniforme, hacer pinceladas, trazos y raspado o relieves agregando tiza en polvo o arena y plasticola blanca. Pueden obtenerse texturas usando carbonillas o tizas de colores acostadas sobre el papel.

https://www.ecured.cu/Tacto

https://www.ecured.cu/Visi%C3%B3n



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Otro modo de hacer texturas es aplicando la técnica de ESTARCIDO, y la del COLLAGE que per-mite la combinación de toda clase de texturas y materiales gráficos de distinta naturaleza.

EL COLOR EL FENÓMENO FÍSICO DE LA VISIÓN El color es una sensación producida por el reflejo de la luz en la materia y transmitida por el ojo al cerebro. La materia absorbe todas las longitudes de onda que componen la luz, excepto las que corresponden al color que son reflejadas y que son las que podemos ver.

¿POR QUÉ VEMOS LOS OBJETOS CON DETERMINADOS COLORES?

Los objetos absorben y reflejan la luz de forma distinta dependiendo de sus características físi-cas, como su forma, composición, etc. El color que percibimos de un objeto es el rayo de luz que rechaza. Nosotros captamos esos “rebotes” con diferentes longitudes de onda, por medio de los ojos gracias a su estructura. Si los rayos de luz atraviesan al objeto, este es invisible. Las células sensoriales de la retina que reaccionan de forma distinta a la luz y los colores se les llama basto-nes y conos respectivamente. 1) Los bastones se activan en la oscuridad, y estos

sólo permiten distinguir el negro, el blanco y los distintos GRISES. Nos permite percibir el CON-TRASTE.

2) Los conos, en cambio funcionan de día y en ambientes iluminados, y hacen posible la visión en los COLORES. En realidad, hay tres tipos de conos; uno especialmente sensible a la luz roja, otro a la luz verde y un tercero, a la luz azul. Cada Cono (célula) está conectado indi-vidualmente con el centro visual del cerebro por medio del nervio óptico. La combinación de estos tres colores: rojo, amarillo y azul es suficiente como para ver unos 20 mil de colores distintos. Así por ejemplo el naranja es rojo con un poco de amarillo y el violeta azul con un poco de rojo. Es en el cerebro donde se lleva a cabo esta interpretación, pues en el ojo solo se capta la luz.

Newton descubrió que estos colores que percibimos pueden ser identificados gracias a la luz, pues ella refleja el pigmento de las sustancias que los componen.



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El ojo humano a través de las células receptoras puede identificar los colores e interpretarlos mediante un proceso biológico de respuesta que es posible gracias a la luz y sus interferencias.

Dependiendo de las distancias longitudinales, el ojo interpretará diferentes colores.

COMPOSICIÓN QUÍMICA DEL COLOR (artificial) LOS MATERIALES con los que pintamos están compuestos básicamente por la combinación de tres tipos de elementos: los pigmentos, los aglutinantes y los diluyentes. LOS PIGMENTOS: son sustancias sólidas que dan color, formadas por pequeñas partículas sepa-

radas unas de otras. Los pigmentos pueden ser: Inorgánicos: compuestos por diferentes minerales, como el hierro, el cobalto, etc. Orgánicos: Su composición se basa en derivados de productos naturales, vegetales o animales. Los pigmentos forman parte de los colores y los mismos pigmentos se usan para todas las técnicas pictóricas.

LOS AGLUTINANTES (o Medios): lo que diferencia a las técnicas pictóricas son los medios o

aglutinantes. son sustancias que unen las partículas de pigmento, dándoles cuerpo, como la cera, los aceites y la goma arábiga. Por ejemplo, los pigmentos mezclados con aceites de lino con la base de la pintura al óleo. Los pigmentos aglutinados con cera virgen hacen los crayones; con goma arábiga son la base de las acuarelas, y el huevo en el aglutinante de los pigmentos en el temple.

LOS DILUYENTES: son sustancias que ablandan la consistencia de las pinturas y hacen que estas

puedan extenderse con facilidad sobre la superficie. Se evaporan sin dejar residuos en la superficie pintada. Las pinturas aglutinadas con colas o gomas naturales, como la tempera y las acuarelas se diluyen con agua. Las pinturas aglutinadas con otros productos químicos y medios grasos, como los crayones, oleos y fibras (algunas) se diluyen, según sea su com-posición química, con aguarrás, alcohol, etc.



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TEORÍA DEL COLOR La teoría del color es un grupo de reglas básicas en la mezcla de colores para conseguir el efecto deseado combinándolos. CROMÁTICO: lo que tiene color. ACROMÁTICO: carente de color. Se refiere a los valores de grises de las escalas. Que tiene solo la posibilidad de aclarar u oscurecer el color, como ocurre con el blanco, negro y grises: pero no cambia su naturaleza CROMA, CROMO: grado de intensidad, concentración o pureza de un color. Sinónimo de luz coloreada. MONOCROMÁTICO: del griego, monos, único y cromo, color. Se dice de ciertas composiciones pictóricas, para las que se ha utilizado el juego de relaciones que se obtienen en el uso de un solo color y las variables de valor y saturación que resulten de mezclar al color con blanco, negro y grises. La utilización de un único color hace que la resultante cromática sea armónica, dado que el predominio abierto de lo monocromático lo sostiene. El contraste se logra sobre las va-riables marcadas de valor y saturación. POLICROMÍA: refiere al uso de varios colores del circulo cromático y las diferentes combinacio-nes. TINTE: sinónimo de color. NEUTRO: todo aquello en que no se perciba con claridad un valor o tinte. Refiere al negro, blanco y los grises; es decir que tienen la posibilidad de aclarar u oscurecer al color sin cambiar su naturaleza CIRCULO CROMÁTICO ARMÓNICO (rueda de color) Un círculo cromático es un tipo de rueda en la que se colocan diferentes colores, correspon-dientes a los tres grados básicos del universo cromático: primario, secundario y terciario. COLORES PRIMARIOS: Se considera color primario (antes llamado color primitivo) al color que no se puede obtener mediante la mezcla de ningún otro color. Este es un modelo idealizado, basado en la respuesta biológica de las células receptoras del ojo humano ante la presencia de ciertas frecuencias de luz y sus interferencias. Los colores primarios son el rojo, amarillo y azul. COLORES SECUNDARIOS: surgen de la mezcla-en partes iguales- de dos colores primarios. Los colores secundarios son el anaranjado, verde y violeta. COLORES TERCIARIOS: son aquellos formados a partir de la mezcla de un color primario con el secundario más próximo. Uniendo amarillo y verde se obtiene un color verde claro, llamado amarillo verdoso que es el color terciario. ¿CÓMO “ASOCIAR” LOS COLORES? Dependiendo de nuestra intención podremos aplicar las siguientes opciones:

• GAMA DE COLORES: Es una ausencia de colores ordenados. Por ejemplo: amarillo, ama-rillo-anaranjado, rojo-anaranjado.

• ARMONÍA CROMÁTICA: se produce por la presencia de características comunes que se perciben como similitudes. Se puede conseguir armonía cuando un todo es la base do-minante, y da color a toda la composición.

• DISCORDANCIA: son colores que chocan entre sí. Producen un efecto excitante a través de la vibración de colores como azul claro y anaranjado. Para lograr discordancia debe invertirse el orden natural: un violeta más claro que el amarillo

http://es.wikipedia.org/wiki/Teor%C3%ADa_del_color



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¿Para qué sirve circulo cromático? El círculo cromático o circulo de color se utiliza para identificar una gama de tonos, además de indicar su correlación o posible convivencia. Cuando los colores se organizan de esta manera, los artistas pueden ver las relaciones entre colores contrastantes y armoniosos alrededor de la rueda. Los artistas a menudo tienen una estética distinta en mente cuando comienzan a traba-jar. Saber cómo usar una rueda de colores puede ayudarlo a llegar allí.

COMBINACIÓN ARMONIOSAS DE COLORES:

• Intervalos de triadas La asociación de tres colores del circulo situados a intervalos iguales entre sí, se denomina triada. Por ejemplo, triada de primarios o de secundarios. Estos colores pueden aplicarse sola-mente puros o mezclados con neutros. Las composiciones organizadas sobre la base de triadas presentan mayor variedad y fuertes contrastes en el caso de utilizar colores muy saturados, como los tonos llamados primarios.

• Intervalo de los análogos (o adyacentes) Los colores situados próximos entre si y que abarcan menos de un tercio del circulo cromático son los llamados colores análogos. Una composición organizada sobre la base de tonos análogos siempre resulta armónica, aunque un poco monótona por no tener contrastes.



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• Intervalo de complementarios (u opuestos) Son los tonos opuestos en el círculo. Las composiciones organizadas sobre la base de comple-mentarios presentan el mayor contraste tonal. Si se usan colores complementarios puros y en las mismas proporciones de superficies cubiertas, los resultados pueden ser exagerados. En estas composiciones se pueden utilizar entre otros, los siguientes intervalos del circulo cro-mático:

- Complemento simple: un color y su opuesto en el círculo. - Complemento de a dos: dos colores alternos con un opuesto común.

TEMPERATURA DEL COLOR La impresión cálida o fría que se detecta en un color se crea por la asociación de este con una sensación térmica determinada. COLORES CÁLIDOS: tienden a avanzar hacia el espectador por su luminosidad, esto hace que vayan a ocupar los primeros planos. Los colores cálidos: magenta, rojo, amarillo, anaranjado, comunican calidez por asociarse con el fuego. COLORES FRÍOS: alejan los planos al fondo del cuadro. Produce sensación fría los colores que se asocian con el agua, el hielo, la noche, es decir todas las mezclas donde el azul sea predomi-nante. Son fríos el azul, verde, violeta, blanco, negro y los grises. El principio cálido-frio se sigue usando como base para acrecentar la impresión de espacialidad en las obras. Los colores pueden parecer cálidos o fríos según su luminosidad, su proximidad a otros colores: por ejemplo, al verde puede verse más cálido según la cantidad de amarillo que contenga



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Al combinar colores cálidos y fríos se nota una impresión de dinamismo. El paso de colores fríos o cálidos produce una sensación de apertura, expansión: el efecto es contrario al pasar cálido a frio.

DIMENSIONES DEL COLOR

• MATIZ – TINTE (O TONO): es el conjunto de características que componen un color y lo distinguen de otro, como el rojo, el amarillo, etc. Cuando queremos definir el color de un objeto lo primero que se nombra es su tono, añadiendo luego otras características por ejemplo amarillo limón.

• SATURACIÓN (O INTENSIDAD: Es el grado de pureza de un color. A mayor pureza, mayor saturación. En la práctica los colores suelen mezclarse con otros y pierden saturación. Un color mezclado con su complementario en diferentes proporciones produce escalas de sa-turación.

• LUMINOSIDAD – VALOR (O BRILLO): es la cantidad de luz que refleja un color. El valor se refiere a su luminosidad, es decir, a las diferentes mezclas que puedes obtener al mezclar un tono con blanco y negro. A mayor cantidad de blanco, más luminosidad.

Sólo hay dos valores: blanco y negro. Los grises, que son tonos del blanco y del negro, no son valores, solo son los colores que se utilizan para oscurecer y aclarar otros colores.

• ESCALAS DE VALORES: diagrama graduado de valores o intensidades que mantienen un orden ascendente o descendente. Puede hacerse escala de blanco al negro pasando por las variaciones de grises; o la escala de valores de un color por ejemplo el rojo, pasando de un



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rosa casi blanco a un rojo casi negro y se obtiene por agregado progresivo de blanco para aclarar y negro para oscurecer al color puro, también debe figurar en la escala el color puro.

SIMBOLISMO DE LOS COLORES: los colores han tenido desde siempre cierta carga simbólica, representando en ocasiones conceptos muy amplios. Sus diversos significados no son universa-les porque en la cultura los ha creado en función de sus usos y tradiciones que, en muchos casos, han variado con el paso del tiempo. :

Color Sensación Simbolismo aplicaciones

AZUL Produce sensación de espa-cio, lejanía, infinitud, calma, relajación, descanso, seguri-dad, altruismo, limpieza, fi-delidad, frescura.

es el color del cielo, del mar. En oriente es símbolo de inmorta-lidad; en occidente representa la espiritualidad.

En la publicidad se utiliza para evocar las sensaciones de lim-pieza y frescura, se utiliza en productos light, lácteos, agua mineral y colonias frescas.

ROJO: produce sensación de calor, alegría, excitación, agresivi-dad, fuego. Es el color que posee mayor fuerza, llama inmediatamente la atención, por ese motivo se usa en se-ñales de tráfico para indicar peligro.

Es también símbolo de la pa-sión. Ofrece un efecto de avance hacia el espectador

. En publicidad se utiliza en productos para jóvenes, indu-mentaria y objetos deportivos.

AMARI-LLO:

produce sensación de ex-pansión.

Representa la luz y el oro, hace pensar en la riqueza, la alegría y la abundancia. También re-presenta celos y odio. En oriente, algunas culturas lo usan como símbolo divino y solo el monarca podía usarlo en sus vestiduras

. En publicidad significa moder-nidad, futuro y desarrollo.

VERDE : naturaleza, juventud, des-canso, perseverancia.

En publicidad se aplica a ali-mentos congelados, vegetales, colonias frescas y productos ecológicos

ANARAN-JADO:

fiesta, alegría, reunión, co-municación.

En publicidad se utiliza para productos de alimentación.

VIOLETA: equilibrio y calma La publicidad lo utiliza en los mensajes dirigidos a la mujer.

MARRÓN: confort, calor de hogar.

BLANCO: Limpio y puro símbolo de la pureza, inocen-cia, paz, armonía y libertad. En oriente, china, es símbolo de luto.

En publicidad se usa para pro-ductos de limpieza

NEGRO Oscuridad, frio, en Occidente es símbolo de do-lor, luto, seriedad.

En Publicidad se usa para des-tacar productos de calidad.

GRIS: indica desánimo, estabili-dad, aburrimiento y también discreción y elegancia.



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VALORES EMOTIVOS DEL COLOR: Los colores producen distintas sensaciones a quieres los percibe, siendo todas de carácter sub-jetivo, ya que varían con cada espectador, sin embargo, pueden señalarse las más generales:

• Una forma de tono claro sobre fondo oscuro parece de mayor tamaño.

• Una forma de tono oscuro sobre fondo claro parece de menor tamaño.

• Los colores cálidos parecen dar más extensión a las formas que los tonos fríos.

• Cualquier color resulta más oscuro sobre un fondo blanco.

• Un color parece más intenso cuando más claro es el fondo.

• La percepción de un color determinado crea la visión a su alrededor, de manera simul-tánea, de su complementario.

LA VISIBILIDAD DE LOS COLORES: Depende de su propia luminosidad y de los contrastes con su entorno. En síntesis:

• Los colores que mejor se ven a distancia son el amarillo y el azul cyan.

• Se percibe más el amarillo sobre el negro.

• El blanco sobre el negro tiene una visibilidad media.

• Los colores tienen menos visibilidad cuando tienen como fondo a su complementario: rojo/verde; anaranjado/azul; amarillo/violeta.

• Resultan más visibles los tonos oscuros sobre fondo claro que los colores claros sobre fondo oscuro.

CONTRASTE DEL COLOR CONTRASTE CROMATICO: es la sensación de diferencia que se percibe al comparar dos tonos o dos colores entre ellos. Esta puede ser mayor o menor dependiendo de la suavidad o dureza de los contrastes. La percepción del color es relativa ya que depende de las condiciones visuales y subjetivas de cada espectador. Los colores están en constante transformación, según actúe sobre ellos la luz, cambien su situación o las coloraciones adyacentes. Se puede modificar el aspecto de un color cambiando el fondo que lo rodea. Un color se ve distinto, causa diferente impresión según sea otro color cercano a él. Esto es contraste. Recordemos que contraste es la combinación de cualidades opuestas. Cuanto más opuestos sean los colores mayores será el contraste.

TIPOS DE CONTRASTES:

a) CONTRASTE DE VALORES DE UN COLOR: una forma de color claro (valor alto) sobre un fondo oscuro (valor bajo) parece más clara y de mayor tamaño, es decir se expande, mientras que una forma oscura sobre un fondo claro se concentra, es decir que se ve más pequeña.

b) CONTRASTE DE COLOR CUALQUIERA SOBRE UN NEUTRO: el color neutro del fondo acentúa la sensación de profundidad y realza al color de la figura.

c) CONTRASTE DE DOS COLORES COMPLEMENTARIOS: es la modificación visual que se percibe al mirar simultáneamente dos superficies de diferente coloración. Dos tonos complementarios yuxtapuestos se potencian el uno al otro, percibiéndose mayor inten-sidad en ambos. Al realizar una composición con contraste de complementarios, uno de los dos complementarios estará influido por el otro, es decir ocupara mayor superficie que el otro. Conviene evitar el contraste violento entre dos superficies de igual tamaño ya que suele producir un efecto visual desagradable.



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d) CONTRASTE ENTRE COLORES CÁLIDOS Y FRIOS: produce un fenómeno óptico que inten-sifica sus cualidades respectivas, el color frio parece más frio y el cálido más cálido. Al combinar en una composición colores cálidos y fríos puede notarse una impresión de dinamismo. El paso de colores fríos a cálidos produce una sensación de apertura, expan-sión, percibimos el efecto contrario al pasar de colores cálidos a fríos.

LEYES DE EQUILIBRIO EN EL ARTE En la física el equilibrio es un estado general de reposo que se logra mediante la compensación de las fuerzas que operan en un determinado elemento. Esta compensación de fuerzas se da también en el arte, aunque se rige por leyes diferentes La acción de distintas fuerzas necesarias para lograr el equilibrio implica al mismo tiempo mo-vimiento, por lo que no es posible tratar el tema del equilibrio sin referirnos al movimiento. Por una relación entre nuestro propio cuerpo y la gravedad las horizontales resultan totalmente estáticas, en tanto la vertical parece que debe mantener el equilibrio para no caer y las inclina-das resultan por eso las más dinámicas. La forma más fácil de alcanzar el equilibrio es mediante el uso de ejes o puntos centrales como en la simetría, pero existen diferentes relaciones de elementos que deben combinarse adecuadamente, de modo que el desequilibrio que puede producir el uso de un elemento se compense mediante el uso adecuado de otro. A continuación, veremos algunos elementos dinámicos den el campo individualmente:

• CONTRASTE TONAL Puede expresarse en valor, matiz o intensidad o, generalmente, en su combinación.

• FORMA DEL ELEMENTO Según estudios psicológicos, e circulo es la forma de más simple, fácil y de rápida percep-ción, continuando las formas geométricas simples.

• TAMAÑO DEL AREA Entre dos áreas de igual forma, color, posición, etc., pero de diferentes tamaños, se per-cibirá con mayor peso la más grande.

• POSICION DEL ELEMENTO SOBRE EL FONDO Cualquier elemento colocado alejado del centro del campo o del eje central vertical sufre tensiones (fuerzas perceptuales que actúan dentro de un campo) de ángulos, bordes, dia-gonales o eje horizontal y resulta, por lo tanto, perceptivamente de mayor peso que si se lo ubica en el centro o en la vertical central.



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COMPOSICIÓN COMPONER es resumir, simplificar, elegir, acentuar, ordenar organizar. La composición es un todo armónico y expresivo donde los distintos elementos se distribuyen en el plano o espacio. En la composición intervienen la imaginación, la pasión y la inteligencia, a veces se compone por intuición es decir que no se es totalmente consciente de la forma de organizar las formas, pero muchas veces la composición se estructura sobre bases geométricas. En síntesis, componer es establecer relaciones entre los objetos, los seres, (entidades), por lo que no se puede hablar de composición cuando hay entidades aisladas. A la hora de componer se debe meditar sobre:

a. Distribución de los elementos grandes, medianos y pequeños. b. Distribución de claros y oscuros. c. Ordenar los elementos que están dentro del cuadro.

El punto de partida para componer es la elección del TEMA, luego siguen otros factores: - COMPONER: significa ordenar y relacionar elementos entre si formando un todo coherente,

autónomo. Tiene estructura, proporción, orden, ritmo, movimiento y equilibrio. Esto hace que la obra sea armónica.

- DESTINO: la finalidad que se da a la obra condicionara a la composición. Por ejemplo, un afiche debe ser sencillo y llamativo para atraer la atención, una pintura religiosa tiene una composición serena, generalmente sobria y muchas veces usa dorados su finalidad es exal-tar los valores espirituales, lo divino.

- FORMA DEL SOPORTE, en la bidimensión la composición varia si la superficie (sea hoja de papel, tela, o un muro) rectangular, cuadrada, circular, ovalada, etc.

- DIMENSIÓN: cuanto mayor tamaño tenga la obra mayor complejidad en el ordenamiento de sus elementos para que no se torne confusa o pobre y poco interesante.

- MATERIAL: el material que se emplee será un factor determinante en el resultado de la obra y en algunos aspectos compositivos.

ELEMENTOS CONSTANTES EN LA COMPOSICION: DISTRIBUCIÓN: La composición se inicia con la distribución de los elementos de modo tal que surjan centros de interés y zonas más tranquilas produciendo variedad y orden que hacen a la unidad. ESTRUCTURA: En el sostén que organiza el cuadro, así como el esqueleto lo es para el cuerpo. Se encarga de definir el lugar de cada parte para que el todo quede ordenado. En el plano bidi-mensional el trazado de la estructura puede realizarse de varios modos: División de la superficie en zonas geométricas. Trazado de direcciones dominantes y secundarias, que determinan ritmos. Trazado libre según las necesidades expresivas. PROPORCIÓN: Es la relación que se establece entre las partes de un todo y entre ellas y el total. Cada época y región del mundo tiene tratados de proporción y reglas que los artistas cumplen. El canon es la medida que sirve de modulo en la aplicación de las proporciones. Por ejemplo, en la figura humana se considera a la cabeza como unidad o modulo y empleamos un canon de ocho cabezas. EQUILIBRIO: El equilibrio hace referencia a la distribución ordenada y armónica del peso visual. El número, la forma, el tamaño, la ubicación, el valor, el color, etc. Son los factores que influyen en el equilibrio.



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Así es que:

• A mayor luz corresponde mayor peso visual, o sea la parte más iluminada llama más la atención que las que están en sombras y por ende oscuras.

• Los colores cálidos pesan más que los fríos.

• El peso es desigual si hay mayor número de formas en un sector que en su opuesto.

• Actitud del elemento o figura

• La posición ortogonal de un elemento resulta más equilibrada que si se lo ubica de manera que rompa su relación con la gravedad.

ESTÁTICA Y DINÁMICA Al hablar de equilibrio se ha dicho que no es posible tratar ese tema sin hacer referencia al movimiento. El movimiento puede ser real o subjetivo: es objetivo en la danza, el cine, el teatro y en algunas esculturas, sin embargo, en esquemas físicamente estáticos, el movimiento puede estar presente por medio de la percepción. Como no existen reglas para lograrlo deberemos apoyarnos en la sensibilidad del observador, que actúa siempre siguiendo el sentido de las di-recciones principales del objeto; de allí que algunas formas (como las de flecha) o algunas di-recciones y posiciones, así como los colores cálidos, se perciben con mayor dinamismo. Las for-mas ortogonales y los colores fríos se identifican mejor con la estática. RITMO El ritmo es una recurrencia, en el intervienen dos aspectos indispensables: Tensión y Pausa. El ritmo puede ser muy evidente y estricto, como en el caso de las guardas, o más oculto como en los toques de color que se repiten o sucesiones de montañas, etc. El ritmo puede aplicarse a las formas y al color. En general, es la repetición ordenada de elementos que produce una sensa-ción de movimiento.

a) Ritmo por Repetición: Consiste en repetir la misma imagen sin variar su tamaño y forma, hacia la misma di-rección.

b) Ritmo por Simetría: Las formas se repiten utilizando un eje imaginario, con el que se repiten las imágenes a los lados como si fuera un espejo

c) Ritmo por Alternabilidad: En lugar de utilizar un solo motivo como en el ritmo por repeti-ción, en este ritmo se utilizan dos o más que se van alternando en el mismo or-den y la misma dirección de manera que formen contraste



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d) Ritmo Radial: Este método utiliza una re-petición circular además de simétrica de un motivo, al-rededor de un centro si-guiendo las agujas del reloj. e) Ritmo por Progresión: El mismo motivo se puede presentar progresivamente variando su alto, su ancho,

su tamaño, etc. SIMETRÍA – ASIMETRÍA

Simetría significa concordancia entre partes que concurren a inte-grar un todo. La imagen de la balanza de dos platos es un buen ejemplo de simetría bilateral, lo que significa formas iguales a igual distancia a ambos lados de un eje, esta forma de simetría es evi-dente en los animales y en los seres humanos. La simetría se rige por leyes matemáticas. Asimetría es una composición asimétrica, las formas se ordenan equilibradamente sobre la superficie, sin tener en cuenta un eje o centro divisor. Son composiciones

más dinámicas. Ausencia de simetría. La simetría es la forma más fácil de equilibrar los objetos para obtener una forma armónica y agrada-ble al ojo, pero cuando hablamos de asimetría no hablamos de falta de armonía y orden sino de una forma de orden diferente, hablamos de “equilibrio oculto”.

Simetría aproximada o aparente: una composición tiene simetría aproximada, o aparente, cuando sus partes, no siendo iguales, son lo suficientemente parecidas como para poder percibir un centro o eje divisor.

SIMETRÍA CLASIFICACIÓN

• Simetría axial: Una composición tiene simetría axial cuando segmento o eje la divide en dos mitades exactamente iguales, como reflejadas en un espejo. Este segmento recibe el nombre de eje de simetría.



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• Simetría central o radial: es el giro de una figura alrededor de un eje de rotación, para que la rotación exista debe repetirse la figura un mínimo de tres veces alrededor de su eje y a distancias iguales. En las composiciones que tienen simetría central, las formas se encuentran equidistantes y opuestas con respecto a un punto central de rotación.

PROPORCIÓN. ESCALAS DE AUMENTO Y REDUCCIÓN

• Proporción: Es la relación de medidas armónicas entre las partes componentes de un todo, tanto como la distancia armoniosa entre parte y parte. Estas relaciones de medida son encontradas en el mundo orgánico e inorgánico. (Léxico técnico de las Artes Plásti-cas).

• Escala: Proporción entre una distancia medida en un mapa y la longitud correspondiente sobre el terreno. (diccionario Espasa Calpe).

MÉTODO PARA TRASPASAR UN DIBUJO, MAPA RESPETANDO SUS PROPORCIONES. Este sencillo método permite aumentar, disminuir o traspasar a igual tamaño todo tipo de imá-genes.



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Pasos: dividir al modelo en cuadrados pequeños para obtener precisión. Por ejemplo 1 cm de lado. Enumerar los cuadrados pertenecientes al ancho y alto del modelo para usarlos como referen-cia. Trazar igual número de cuadrados de mayor, igual o menor tamaño que el modelo según el resultado esperado. Enumerar alto y ancho igual que en el modelo. Traspasar cuadro por cuadro, utilizando los números laterales como referencia de ubicación. De ser necesario por la complejidad de algún cuadrado puede subdividirse para una mejor ubicación.

Si se desea DEFORMAR la imagen puede alterarse el enrejado de cuadrados. Se trazan cuadrados en el modelo, pero en la hoja de traspaso se trazan rectángulos verticales para adelgazar la figura u horizon-tales para ensancharla. Otra opción es hacer una reja ondulada o de líneas curvas.

REDES SUPERPOSICIÓN DE REDES

REDES IRREGULARES Las redes irregulares están basadas en una disposición ordenada por una determinada ley de composición de radiaciones lineales sobre figuras regulares o irregulares. Una forma sencilla de obtener otras redes irregulares se inicia con la división de una circunfe-rencia en partes iguales o de los lados de un rectángulo en partes iguales. Al unir las divisiones con un criterio libre pero riguroso, obtenemos la red irregular. REDES INFORMALES Cuando los módulos base no son figuras regulares y además utilizamos criterios compositivos libres, podemos llegar a obtener redes que denominados INFORMALES O LIBRES. Estas redes pueden dar lugar a composiciones armónicas y en ellas se pueden advertir los criterios de com-posición elegidos. ESTRUCTURAS PLANAS. REDES Desde un punto de vista general podemos decir que estructura es una organización, más o me-nos visible y más o menos coherente, de una forma. Desde un enfoque más estricto decimos que estructura es una organización espacial cuyos elementos están relacionados entre sí de un modo matemático. Las redes planas son una forma de organizar el espacio de un plano. Están formadas general-mente por estructuras poligonales cerradas y planas que responden a un orden geométrico es-tricto. En otros casos están constituidas por formas irregulares y responden a un orden apa-rente. Una estructura poligonal es una disposición racional de figuras geométricas regulares, aisladas o combinadas entre sí, con la finalidad de ordenar el plano con arreglo a unas leyes determina-das.



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Las redes planas, cuando cubren todo el espacio sin dejar ningún vacía, forman mallas. Estas mallas geométricas son posibles cuando los ángulos de los polígonos regulares utilizados son submúltiplos de 360º. Por ejemplo, el triángulo, el cuadrado y el hexágono, cuyos ángulos son, respectivamente, de 60º, 90º y 120º. El polígono más elemental es el triángulo equilátero. Por eso consideramos como redes básicas las redes triangulares. Como todo polígono puede ser descompuesto en una serie de triángulos equiláteros unidos entre sí, cualquier polígono puede ser utilizado como base de una red triangular. De manera excepcional utilizamos el cuadrado, que, aunque puede descomponerse en triángu-los, dad su sencillez y su presencia continua en gran número de formas, lo aceptamos como componente de redes cuadrangulares.



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EL ESPACIO El espacio se define como extensión ilimitada que contiene a todos los cuerpos, donde pueden determinarse relaciones de ubicación, tamaño y volumen. La arquitectura es un arte típica-mente espacial que se construye y manifiesta en el espacio y se vale tanto del espacio interior como del exterior. Nos movemos en un mundo TRIDIMENSIONAL, pero al pintar debemos representar la tridimen-sión sobre un soporte BIDIMENSIONAL, para ello recurrimos a complejos sistemas de represen-tación de la tridimensión como la perspectiva o a una serie de antiguas y sencillas leyes que reproducen la sensación de profundidad. Los aspectos que sugieren espacio o profundidad pueden agruparse por FORMA y COLOR y siempre se aplican combinados.

• Por forma: -La superposición de los objetos. -La disminución del tamaño de los obje-tos hacia la parte superior del plano re-presenta el hecho de que vemos más pe-queño aquello que está lejos. -Cuanto más lejos este la forma menos definida, con menos detalles y más pe-queña se verá. -Aumento de los espacios entre las for-mas que van atrás, esto tiende a reforzar la sensación de distancia.

• Por color: La diferencia de valores: si todos los valores fueran iguales no se notaría la profundidad. Los valores bajos (oscuros) tienden a retroceder y los altos (claros) avanzan: es decir que los valores altos se perciben en primer plano. Los colores cálidos avanzan hacia el primer plano y los fríos retroceden. En la distancia los colores se hacen más agrisados y opacos.

PERSPECTIVA La PERSPECTIVA es el arte de dibujar para recrear la profundidad y la posición relativa de los objetos. En un DIBUJO, la perspectiva simula la profundidad y los efectos de reducción. Es también la ilusión visual que, percibida por el observador, ayuda a determinar la profundidad y situación de objetos a distintas distancias. ¿CUÁNDO COMIENZA A DESARROLLARSE ESTE SISTEMA GRÁFICO? En la Antigua ROMA, comienza a esbozarse la idea de profundidad en las pinturas. LA PERSPECTIVA CÓNICA: Es el método usado en el RENACIMIENTO ITALIANO, donde las líneas paralelas convergen hacia un determinado PUNTO DE FUGA. Se trata de una forma de perspectiva lineal basada en la intersección de un plano con un imagi-nario "CONO VISUAL" cuyo vértice sería el ojo del observador. Los objetos parecen más peque-ños cuanto más lejos están. En Occidente se ha dependido de esta forma de representar el espacio de manera casi exclusiva, desde el Renacimiento, pero es importantísimo, desde el punto de vista expresivo, comprender que esta organización no es más que uno de tantos métodos que existen para reflejar en forma aproximada la realidad visual.



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Línea de horizonte: línea horizontal que pasa a la altura de los ojos y que se desplaza hacia arriba o abajo según la altura que tengamos o adoptamos. Sobre esta línea se ubican el o los puntos de fuga. (L.H.) Esta línea separa el Plano del cielo del Plano de la Tierra.

Punto de fuga (P.F.) punto ubicado sobre la línea de horizonte en el cual convergen las líneas horizontales que indican profundidad (la tercera dimensión).



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PERSPECTIVA PARALELA DEL CUBO

Ver la siguiente figura nº 9 Construir dos caras de un cubo la A y la B y seis vértices a los que nombraremos, partiendo del primer cuadrado, con las letras A,B,C y D para la primera cara vertical A, y A,B,E y F para la cara del plano del suelo B.

Ver figura 10. Sobre el vértice F, levantaremos otra perpendicular hasta corta la línea de fuga que une el punto PF con el vértice D, obteniendo de esta forma el vértice restante al que nombrare-mos H y completando el cubo o exaedro.

RECORDAR:

• La cara más próxima al espectador es un cuadrado perfecto y sus líneas horizontales son paralelas a la L.H.

• Las caras laterales, superior, posterior y base SIEMPRE con de menor tamaño que la del frente.

• Solo las líneas horizontales de las caras que indican profundidad son convergentes.

• Las líneas horizontales son paralelas a la L.H.

• Las líneas verticales SIEMPRE son perpendiculares a la L.H.



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PERSPECTIVA OBLICUA DEL CUBO (perspectiva con dos P.F.)

Comenzaremos por trazar la Línea del horizonte y sobre ella señalaremos el Punto de Fuga 2 (PF2) y la vertical desde nuestro punto de vista. Desde el (PF2) trazaremos dos líneas no muy separadas de la línea del horizonte y sobre ella construiremos una de las ca-ras del cubo o hexaedro (Fig. 11)

Seguidamente desde el vértice superior izquierdo, trazaremos la línea Chasta que corte la línea del horizonte, donde señalaremos el Punto de Fuga 1 (PF1), tratando que, la línea C con la lí-nea A formen un ángulo superior a 90º. (Fig. 12)

A continuación, trazaremos, desde el punto PF1, la línea D hasta el vértice in-ferior izquierdo y procederemos a cons-truir otra cara lateral. (Fig. 13).

Para construir la cara superior, trazare-mos desde los Puntos de Fuga (PF1) y (PF2) sendas líneas E, F, hasta los vérti-ces superiores laterales (Fig. 14)

RECORDAR:

• En perspectiva oblicua el ángulo formado por la base del cubo deberá ser SIEMPRE mayor de 90º. Para obtenerlo:

• No dibujar los puntos de fuga muy cerca uno del otro.

• No dibujar el cubo muy por encima o muy por debajo de la L. H.

• Las líneas verticales son siempre perpendiculares a la L.H



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El CARTEL, es un mensaje visual en dos dimensiones, que pretende trasmitir información a un gran número de personas, para convencer, informar y seducir al receptor de dicho mensaje. HISTORIA DEL CARTEL O Los orígenes del cartel. El cartel en su origen (s. XIX) se debe a dos aspectos:

- Un aspecto técnico: el inicio de los medios de impresión litográfica a tres tintas, (roja, amarilla y azul), que permitía gran cantidad de tonos y texturas.

- Un aspecto comunicativo: la capacidad de combinar la palabra y la imagen, convirtieron al cartel en un formato atractivo y económico (ya que generaba la posibilidad de repe-tición a través de medios mecánicos)

O El nacimiento del cartel.- El cartel moderno, tal y como se definióanteriormente, nace hacia 1870, siendo los carteles de Jules Chèret, los que inundan las calles de París.

O La explosión del cartel:.- Estas manifestaciones de Cheret animan a artistas dela época y en diferentes lugares dentro y fuera de París, como Toulose-Lautrec, Alphonse Mucha o Ramón Casas, a crear los propios, alcanzando gran calidad plástica en sus representaciones.

O Desarrollo de la estética del cartel. En realidad, puede decirse, que debe su desarrollo esté-tico a la aportación de los artistas que utilizaron este medio como lenguaje, dejando huella en sus carteles de los diferentes movimientos y manifestaciones artísticas que fueron apare-ciendo a partir del siglo XX. Y en esta evolución algunos momentos y personajes a destacar, pueden ser los que a continuación se enumeran:

1)En momentos de guerra, como arma propagandista. - Utilizado para cubrir aspectos muy diversos durante periodos bélicos. Un ejemplo es el movimiento conocido como constructivismo del que Alexan-der Rodchenko, es un máximo ex-ponente: 2) Durante los años 20 y 30- La nueva situación social y económica hace

que la estética del cartel se encuen-tre mejor representada en movimien-

tos modernos como el Cubismo, el Futurismo y Art Decó. 3) Movimientos Dadá, Expresionismo y la escuela de Bauhaus. Estos utilizaron el cartel para

proyectar sus ideas y formas, influyendo profundamente en el diseño gráfico posterior. 4) Informalismo y época Hippie 5) Milton Glaser. Creando de más de 300 carteles, entre los que destaca el famoso Bob Dylan,

como un símbolo de los años sesenta. “Su concepción creativa se acerca más a la de un artista tradicional que expresa en su obra una particular visión del mundo”.

6) Pop- Art y Op-Art

http://es.wikipedia.org/wiki/Jules_Ch%C3%A9ret

http://es.wikipedia.org/wiki/Henri_de_Toulouse-Lautrec



http://es.wikipedia.org/wiki/Alfons_Mucha

http://es.wikipedia.org/wiki/Alfons_Mucha

http://es.wikipedia.org/wiki/Ramon_Casas



http://es.wikipedia.org/wiki/Constructivismo_(arte)



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• Características del cartel. El cartel siempre se encuentra supeditado a su finalidad de infor-mar, convencer y/o seducir al observador. Por ello existen doscaracterísticas que es conve-niente que se cumplan:

O Debe ser simple, pues así requerirá menos tiempo de lectura. O Debe ser impactante para llamar rápidamente la atención del espectador.

ELEMENTOS DEL CARTEL El cartel utiliza dos tipos de lenguaje, el visual y el verbal, y por ello está formado por dos ele-mentos fundamentales: - Imagen fija - Texto No se excluye que, en algún caso, pueda contener solo texto

• La imagen: Es conveniente que cumpla determinadas características: ▪ Simplicidad de formas: las formas recargadas o complicadas son más difíciles de percibir,

que aquellas que tienen una forma simple, sin excesivos detalles. ▪ Contraste: las figuras se percibirán mejor si contrastan entre sí (si hay más de una) o con

el fondo, por cualquiera de los criterios basados en los principios compositivos (color, luz, textura, forma...).

• El texto. Es conveniente que el texto también cumpla características, que no están aleja-das de las que se han expuesto en la imagen:

▪ Debe ser conciso. ▪ Si existen diferentes textos, es necesario establecer cierta jerarquía, es decir, unos textos

serán más importantes que otros.



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▪ Contraste con respecto a la imagen y al fondo COMPOSICIÓN DEL CARTEL

Consiste en establecer relaciones interesantes entre los elementos que conforman la estructura

del cartel, para hacerlo agradable a la vista como totalidad. (Medina, 1992)

La composición es el ordenamiento/disposición de los elementos visuales a fin de crear un men-

saje gráfico agradable e interesante para la mirada del público meta.

• Ponga atención al contraste del texto, el que se logra usando letras con diferente grosor.

• NO use más de 2 fuentes tipográficas

• Use márgenes en sus carteles

• Recuerde usar interlineados adecuados

CONTRASTE

1)Si divides el plano en dos áreas iguales, tu

cartel no se verá interesante

2) si divides el plano en 2 áreas con distinta

altura, tu cartel se verá interesante. Esto se

debe al CONTRASTE VISUAL.

3) Si usas un contraste muy exagerado, las

áreas no quedarán vinculadas visualmente

• Usa el rombo y el óvalo como guía para esta-

blecer la posición de las imágenes y texto.

Son más armoniosos que el cuadrado o el

círculo.



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EQUILIBRIO:

A pesar de que en este cartel el titular se colocó

en el centro no hay equilibrio visual, pues los de-

más elementos están relegados hacia las esqui-

nas.

Para leer este cartel, la mirada tiene que recorrer

la información del mismo, de manera muy for-

zada

←Colocar la información dentro del

área con forma de RELOJ DE ARENA,

permite crear una composición fluida.

El lector puede recorrer la información

sin mucho esfuerzo.

Hay equilibrio,

Los elementos están integrados

→

La utilización de diferente tipos de

letras y la saturación de los ele-

mentos provoca una sensación de

caos.

• https://es.slideshare.net/alfredoU2/diseo-grfico-cartel

diseño de carteles on line: https://crello.com/es/create/posters/

https://es.slideshare.net/alfredoU2/diseo-grfico-cartel

https://crello.com/es/create/posters/



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10 PRINCIPIOS BÁSICOS PARA DISEÑAR UN CARTEL EXPLICADOS CON CARTELES

Para explicar de forma atractiva diez de los más importantes principios del diseño gráfico en

carteles, la diseñadora turca Efil Türk, creó una serie de carteles en donde explica ciertos térmi-nos pero plasmados sobre piezas de arte creadas con papel recortado. Una de las tendencias que predomina actualmente dentro del arte y el diseño es la de jugar con el papel y recortarlo para dar forma a diferentes figuras o esculturas asombrosas que fácilmente engañan al ojo humano con su gran cantidad de detalle aplicado.

Siguiendo esa tendencia, además de conjugarla con la geometría y la simplicidad, Efil Türk creó una serie de carteles elaborados sólo con recortes de papel que dan vida a diseños y patrones geométricos elegantes. Su proyecto se inclina a exponer diez de los principios más importantes en diseño para crear un buen cartel, por lo que escogió una manera bastante factible y original para exponerlos: los mismos carteles. Entre los conceptos explorados dentro de esta serie de pósteres con papel recortado se encuen-tran el equilibrio, jerarquía, el patrón, el ritmo, el espacio, las proporciones, el énfasis, el movi-miento, el contraste y la unidad. Un trabajo que además de ser creativo, artístico y original, es bastante didáctico y de gran aprendizaje, ya que se explica de manera textual cada uno de los diez conceptos seleccionados.

https://www.paredro.com/los-redisenos-mas-famosos-de-los-ultimos-100-anos/

https://www.behance.net/efilturk

https://www.paredro.com/la-era-de-la-colaboracion/

https://www.paredro.com/artista-utiliza-como-lienzo-el-polvo-en-los-camiones-sucios-para-crear-obras-increibles/



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A continuación, te presentamos estos principios básicos para diseñar un buen cartel:

1-EQUILIBRIO 2-JERARQUÍA

3-PATRÓN 4-RITMO

5- ESPACIO 6- PROPORCIÓN



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7-ÉNFASIS 8- MOVIMIENTO

9- CONTRASTE 10- UNIdad



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Fuente: http://www.brandemia.org/hablemos-con-propiedad-logotipo-isotipo-imagotipo-isologo-ima-

gen-corporativa-identidad

En este blog (y en muchos otros) se utiliza la palabra logo como vulgarismo para designar todo

un amplio espectro de conceptos que realmente significan cosas diferentes, pero que preferi-

mos aunar bajo esta denominación ya que supone un término accesible y entendible para la

gran variedad de lectores. Sin embargo, es muy recomendable que seamos conscientes de los

verdaderos significados de las palabras que leemos ya que esto nos ayudará a entender mejor

las acciones reales que las empresas realizan en torno a sus identidades. No es lo mismo que

una empresa cambie de logotipo que de imagen corporativa. Estudiemos los distintos términos

uno a uno:

Logotipo o logo:

Este término, a pesar de ser el más común, suele ser el peor utilizado, ya que a menudo es

confundido con términos como marca o imagotipo. Realmente sólo sería apropiado hablar de

logotipo cuando nos refiramos a formaciones de palabras. Logo significa palabra. Por tanto, no

son logotipos todos aquellos identificativos formados por símbolos o iconos junto al texto, sólo

aquellos que se limiten a la mera tipografía.

http://www.brandemia.org/hablemos-con-propiedad-logotipo-isotipo-imagotipo-isologo-imagen-corporativa-identidad

http://www.brandemia.org/hablemos-con-propiedad-logotipo-isotipo-imagotipo-isologo-imagen-corporativa-identidad



56

En la imagen de yoigo, sólo vemos

texto. Es cierto que tiene mucho com-

ponente gráfico: formas, degrada-

dos... pero en este caso podríamos ha-

blar de logotipo, ya que no existe sím-

bolo alguno acompañándolo

. Isotipo:

El isotipo se refiere a esta parte simbólica o icónica de las marcas. En branding, hablamos de

isotipo cuando reconocemos la marca sin necesidad de acompañarla de ningún texto. Etimoló-

gicamente "iso" significa "igual", es decir, se intenta equiparar un icono a algún aspecto de la

realidad. Isotipo sería únicamente un símbolo, y además éste sería entendible por sí mismo –

La M de Mcdonalds se ha constituido

como un símbolo fácilmente asociable

a la cadena de restaurantes. No precisa

de ningún tipo de texto o descripción

que defina lo que es. Otro ejemplo muy

claro sería el caso de Nike.

Imagotipo:

Un imagotipo es un conjunto icónico-textual en el que texto y

símbolo se encuentran claramente diferenciados e incluso

pueden funcionar por separado.

No sería extraño encontrar por separado las distintas partes

del imagotipo de Carrefour. En algunos packs de productos

veremos el símbolo, en otros, veremos la tipografía.

Isologo:

En este caso, el texto y el icono se encuentran fundidos en

un solo elemento. Son partes indivisibles de un todo y sólo

funcionan juntos.

No podemos separar las partes del identificativo de

Burguer king, ya que se trata de un conjunto cuyos elemen-

tos perderían su sentido en caso de presentarse aislados.

Imagen Corporativa:



57

La imagen corporativa se refiere a los aspectos de posicionamiento y percepción que poseen los

consumidores con respecto a una empresa. Cómo se proyecta la empresa, qué valores se le

atribuyen, qué perciben los usuarios, que sensaciones evoca...

Tomemos como

ejemplo la marca

Zara. Esta marca pro-

yecta en la mente de

sus consumidores

unos valores concre-

tos, de precios bajos,

de servicio atento, de

tono cercano, de

moda actual...

Identidad Corporativa:

Se trata de la manifestación física de la imagen corporativa. La denominación completa sería

Identidad Visual Corpo-

rativa, pero nos sole-

mos referir a ella sim-

plemente con el tér-

mino Identidad Corpo-

rativa. Engloba todos

los aspectos visuales de

la identidad de una or-

ganización: papelería,

vehículos, señalética...

Ejemplificaremos este caso con una compañía aérea. Vueling debe aplicar todos sus valores de

marca en una gran variedad de soportes físicos: aviones, uniformes de azafatas, mostradores

de atención, billetes, merchandising, papelería, comunicación... En todos estos elementos se

refleja su identidad visual corporativa.

Marca:

Este término es mucho más global y recoge todos los aspectos que definen a una compañía,

aspectos físicos y abstractos: filosofía, personalidad, comunicación, tono de voz, logotipo, look

& feel, papelería...

El término "look and feel" (con el significado de "aspecto y tacto")es una metáfora utilizada dentro del entorno de marketing para poder dar una imagen única a los productos, incluyendo áreas como el diseño exterior, la caja en que se entrega al cliente, etc .. incluyendo también la



58

descripción de las características principales antes de su aparición (anuncio), durante la cam-paña de lanzamiento, y más tarde durante la posterior comercialización, con el fin de que el usuario, mediante todos estos parámetros, pueda llegar a conocer el producto y asociarlo con la marca de una forma inequívoca.

El "look and feel" (con el significado de "aspecto y tacto") se aplica también a otros contextos. En la documentación, por ejemplo, se refiere al diseño gráfico (tamaño del documento, color, tipo de letra y el estilo de escritura, etc ..). En el contexto físico de los equipos tecnológicos (reproductores de DVD, blue-ray, etc ..), se refiere a la coherencia que debe existir a través de una línea de productos, en las teclas, botones, etc .. y su disposición para facilitar al usuario el poder empezar a trabajar rápidamente con el producto si ya ha utilizado antes otro de la misma marca.

La fotografía de bellas artes es la fotografía creada de acuerdo con la visión del artista como

fotógrafo. Usar la fotografía como medio para dar vida a algo que solo vive en la mente del

artista. Capturar lo que ve de manera artística es el arte de la fotografía y no crear arte.

El objetivo es expresar una idea, un mensaje o una emoción. La fotografía de bellas artes con-

trasta con la fotografía representativa, como el fotoperiodismo, que proporciona una descrip-

ción visual documental de temas y eventos específicos, que representan literalmente la realidad

objetiva en lugar de la intención subjetiva del fotógrafo; y fotografía comercial, cuyo objetivo

principal es anunciar productos o servicios.

TEMA: LOS GÉNEROS FOTOGRÁFICOS.

INTRODUCCIÓN.

Entendemos por género fotográfico los distintos temas sobre los que puede tratar una fotogra-

fía.

Cuando aparece la fotografía, ésta se destina a realizar actividades que hasta ese momento se

hacían a través de la pintura. La demanda social y la necesidad de expresión determinaron en

ese momento los temas que más se iban a tratar. Estos primeros temas se fueron agrupando en

una clasificación o géneros que tenía mucho que ver con la pintura, es más, se trataba de los

géneros pictóricos más representativos en el momento de la aparición de la fotografía:

• Retrato.

• Paisaje.

• Naturaleza muerta (bodegones).

Estos tres géneros se convirtieron, por tanto, en géneros fotográficos. Podríamos añadir un

cuarto género, que es estrictamente fotográfico, nacido por y para la fotografía, que es el RE-

PORTAJE, considerado el género fotográfico por excelencia.

La fotografía tiene características que le permiten registrar imágenes en tiempos muy breves

como para memorizar una situación determinada en un entorno variable constantemente.




59

CLASIFICACIÓN

a) Una clasificación de géneros bastante útil (aunque un poco limitada) es en función de

que la escena esté preparada o no y en función del elemento que domina en la escena.

Escena preparada Escena no preparada

Elemento humano pre-

dominante Retrato

Reportaje

Elemento humano

no predominante

Bodegón

Paisaje

b) Podríamos tener otra clasificación atendiendo a otros criterios, que es DESDE EL PUNTO

DE VISTA DE LA FUNCIÓN O EL FIN CON EL QUE SE TOMA LA IMAGEN y en función del

uso que se le va a dar a la misma:

UTILIDAD PÚBLICA. Existen cuatro funciones:



60

• Función informativa.

• Función didáctica.

1. Función persuasiva.

2. Función estética. Dentro de ésta podemos encontrar:

o Función predominantemente NO ARTÍSTICA.

Reportaje.

Fotografía científica.

Fotografía publicitaria.

o Función predominantemente ARTÍSTICA.

Expresiva: retrato psicológico y surrealismo fotográfico o abstracción surrealista.

Racional: realismo formal, abstracción formal y fotografía científico-artística.

En ambas funciones se puede desarrollar la personalidad del autor con un grado de libertad

bastante elevado, aunque puede tener problemas de comercialización. Lo que las diferencia, es

la visión de la realidad que va a dar el autor.

UTILIDAD PRIVADA. El autor es un aficionado. El destino de las fotografías es el álbum perso-

nal.

NO ARTÍSTICA

Reportaje. El fotógrafo actúa seleccionando imágenes instantáneas que recogen aconteci-

mientos humanos. No predomina la expresividad del fotógrafo, sino la del sujeto. Pero he-

mos de tener en cuenta que las actitudes del sujeto o su comportamiento o bien los aconte-

cimientos son interpretables. Hay distintos tipos de reportaje y en todos ellos predomina la

función informativa, ya que suele estar sujeto al texto.



61

Fotografía científica. Es fundamentalmente descriptiva. El fotógrafo no muestra sus senti-

mientos, sino que quiere demostrar o enseñar algo. A la fotografía se le pide que sea clara y

limpia.

Fotografía publicitaria. El fotógrafo subordina su expresividad y su técnica a una finalidad,

que es la de persuadir al espectador. Requieren una cuidadosa elaboración. No son instantá-

neas. No importa que el objeto sea artificial o que lo parezca. Nunca pueden prescindir del

texto.

ARTÍSTICA

Retrato psicológico. El fotógrafo retrata al sujeto según le ve, como él piensa que es.

Abstracción surrealista. La imagen se aleja de la realidad y se crean ambientes expresivos

nuevos donde se desenvuelven los objetos.



62

Realismo formal. Tiene lugar cuando se hace una investigación de forma, textura, luz, color,

perspectiva, encuadre, composición, sin abstraer la realidad y sin mostrar los sentimientos

del autor.

Abstracción formal. La forma llega a perder la conexión con el modelo que lo originó (pierde

el referente con la realidad) .

Científico-artística. Estudia el espacio, el tiempo, el movimiento y el relieve de forma cientí-

fica y con finalidad estética.

Hay otra serie de imágenes que se consideran artísticas porque son bellas estéticamente,

pero son casuales. Son las llamadas hallazgo casual.

El Arte como transmisor de ideas- Clasificación ........................................ 1

Las Bellas Artes .......................................................................................... 1

Las Artes Mediáticas .................................................................................. 3

Historia del Arte ......................................................................................... 4

Línea del tiempo ............................................................................. 4

Pintura rupestre ............................................................................. 4

Pintura pre-hispánica en América .................................................. 4

Arte gótico...................................................................................... 5

Pintura renacentista ...................................................................... 5

Barroco francés .............................................................................. 7

Pintura romántica .......................................................................... 7



63

Pintura impresionista ..................................................................... 7

Movimientos post-impresionistas (Puntillismo) ............................ 7

Expresionismo ................................................................................ 8

Cubismo.......................................................................................... 8

Pintura abstracta ........................................................................... 9

Artes Plásticas en Argentina ...................................................................... 9

Períodos de las Artes Plásticas ....................................................... 10

Período prehispánico .................................................................... 10

Pintura argentina colonial ............................................................. 10

La pintura argentina de 1810 a 1920 ............................................ 11

Pintura argentina a partir de 1920 ................................................ 11

Las Artes Visuales ...................................................................................... 12

Las Artes plásticas .......................................................................... 12

La Imagen .................................................................................................. 13

Elementos del proceso de comunicación ...................................... 13

Clasificación: Imágenes Figurativas- imágenes Abstractas ........... 13

Elementos básicos de la expresión plástica ............................................... 13

El punto ...................................................................................................... 15

La mancha ...................................................................................... 16

La Línea ...................................................................................................... 17

Cualidades geométricas de la línea ............................................... 17

Posición relativa ............................................................................. 18

Línea como elemento expresivo ..................................................... 18

Trazo y grafismo ............................................................................ 18

El plano ...................................................................................................... 19

La relación entre los planos - Criterios ........................................... 19

El plano en el espacio ..................................................................... 21

La forma ..................................................................................................... 21

Forma abierta y cerrada ................................................................ 22

Estructura de la forma ................................................................... 22

La forma plana: contorno-silueta-Dintorno ................................... 23

La figura y el fondo ........................................................................ 23

Relaciones entre figura y fondo ..................................................... 23

El Volumen ................................................................................................. 24

Claroscuro ...................................................................................... 25

Fases de la representación del volumen ....................................... 25

Los efectos de la luz ....................................................................... 26

Representación de las sombras ..................................................... 27

La textura ................................................................................................... 27

Texturas táctiles y visuales ............................................................ 28

Análisis de texturas ........................................................................ 28

Características de las texturas ....................................................... 28

El color ....................................................................................................... 29

El fenómeno físico de la visión ....................................................... 29

¿Por qué vemos los objetos con determinados colores? ............... 29



64

Refracción de la luz ........................................................................ 30

Espectro de luz visible por el ojo humano (luz) .............................. 30

Composición química del color (artificial) ...................................... 30

Teoría del color .............................................................................. 31

Cómo asociar los colores ................................................................ 31

Círculo cromático armónico ........................................................... 31

Combinaciones armoniosas de colores (tríadas, adyacentes,

complementarios .......................................................................... 32

Temperatura del color ................................................................... 33

Dimensiones del color .................................................................... 34

Simbolismo de los colores .............................................................. 35

Valores emotivos del color ............................................................. 36

Visibilidad de los colores ................................................................ 36

Contrastes del color ....................................................................... 36

Leyes de equilibrio en el arte ..................................................................... 37

Composición .............................................................................................. 38

Elementos constantes en la composición ...................................... 38

Distribución -Estructura- Proporción- Equilibrio- Estática y

Dinámica- Ritmo- Simetría- asimetría .......................................... 38

Proporción- escalas de aumento y reducción ............................................ 39

Redes ....................................................................................................... 42

Mallas complejas ........................................................................... 43

El espacio ................................................................................................... 44

Perspectiva ................................................................................................. 44

Perspectiva paralela del cubo -1 punto de fuga ............................ 46

Perspectiva oblicua del cubo -2 puntos de fuga ............................ 47

Diseño gráfico: el Cartel ............................................................................. 48

Historia del cartel ........................................................................... 48

Tipos de carteles ............................................................................ 48

Elementos del cartel ....................................................................... 49

Composición del cartel ................................................................... 46

Principios básicos para diseñar un cartel ....................................... 52

Logotipo. Isotipo. Imagotipo. Isologo. Imagen corporativa, identidad .... 55

Fotografía .................................................................................................. 58

Géneros fotográficos Introducción ............................................... 58

Clasificación según elemento/escena ............................................ 59

Clasificación según su función /uso ............................................... 59

Índice ....................................................................................................... 62



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artes visuales - webadventure · 2020. 4. 27. · artes visuales -2019 i.p.e.m. nº 185 “perito...

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