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Índice

Introducción………………………………………………………………..Pág.1

Desde un principio………………………………………………………...Pág.1

Hipótesis…………………………………………………………………….Pág.3

Concepto de Animación…………………………………………………..Pàg.3

Origen………………………………………………………………………..Pág.4

Detrás de la Animación…………………………………………………...Pág.7

Historia del Animador……………………………………………………Pág.10

Entrevista a Tim Burton…………………………………………………Pág.16

¿Qué parte es real?.........................................................................Pág.21

Bibliografía/links………………………………………………………….Pág.27

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Título de la Investigación.

El Animador detrás de la Animación

Introducción

A continuación se explicará la animación desde su origen, su historia a

lo largo del tiempo hasta llegar a la actualidad, sus técnicas, etc.

Aquellas técnicas y estructuras que utiliza el animador en sus historias de

animación, que resultan tener características del mismo, tanto personales

como hechas de la realidad, y dicho esto, como último paso

propondremos un “vistazo” de la animación actual.

Desde un principio.

El hombre comienza su “arte” desde la era del Paleolítico, como lo

explica Sandra León Palomino en su nota sobre la animación “Los seres

detrás del arte”.

“…Como punto de partida tenemos la era del Paleolítico, en donde el hombre realizaba diversos trazos con los cuales expresaba las actividades realizadas a diario. En la cueva de Altamira se han hallado la presencia de animales policromos tratados con estilo naturalista, entre los que predominan los bisontes con actitudes diversas que, además, constituyen escenas que connotan movimiento la mayoría de veces. Este es, el primer indicio de que el ser humano tenía un gran anhelo por plasmar el movimiento. Otra muestra de este hecho, es sin lugar a duda, las grandes paredes de las tumbas decoradas, en la antigua cultura Egipcia (…) Por otro lado, Miguel Ángel, el genial artista del Renacimiento, ya esbozaba en muchos de sus dibujos diversos movimientos de labios al emitir sonidos. De este modo, y con la posibilidad de citar varios ejemplos más, el concepto de movimiento está presente de manera perenne en el subconsciente de los seres humanos”

1

Comienzan a aparecer indicios que desde un principio el dibujo era esa

idea de movimiento grabada en la mente del artista, una parte de él es

“volcada en su creación”, y por lo tanto tendrá el movimiento presente en

1 Escrito publicado por Sandra León Palomino, recuperado del link:

(http://kailepdesign.wordpress. com/2008/01/15/historia-de-la-animacion-principios-de-la-animacion-etapas-de-la-animacion/)

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su mente y buscará la forma de lograr que su dibujo “se mueva”, gesticule

y hasta emita sonido más adelante.

Quien afirma aquello es nuevamente la escritora Sandra León

Palomino, diciendo:

“…me atrevo a decir que ha estado allí desde siempre, y creo que este gusto por la animación está en nuestros genes. La esencia del ser humano está en crearse a sí mismo, es nuestra naturaleza, darle movimiento a lo que pareciera estar muerto. Es una forma de demostrar que estamos vivos y que tenemos la capacidad de trasmitirlo…”

2

Por otro lado, también es válido mencionar que al descubrir que el

hombre utiliza cierta “parte de sí mismo” utiliza además aspectos de la

realidad. Ya que el hombre vive y muere en su entorno, sea cual fuere: el

campo, la ciudad, en la selva, las montañas…etc. El hombre está y es

protagonista en la historia pero tiene ese “fondo” detrás que no puede ser

olvidado a la hora de inventar y crear a un personaje de animación.

Algunos de los ejemplos que establecen lo dicho anteriormente son:

Los Simpson (una familia poco convencional que vive en una ciudad de

los Estados Unidos, de nombre “Sprinfield”, con 5 integrantes: Homero y

Marge como el matrimonio y Lisa, Bart y Maggie los hijos), o Tom y Jerry

(un gato y un ratón que constantemente están al asecho uno del otro,

pero además realizan travesuras y todo tipo de aventuras en el vecindario,

donde ocurren la mayoría de los acontecimientos, sobre todo en la casa

de la dueña de Tom (gato) quien pone “patas para arriba” todo el lugar

cada vez que quiere atrapar a Jerry (ratón)), ambos dibujos contienen en

su argumento hechos u objetos que se ven cotidianamente en la realidad,

más allá de las características propias que solamente tiene un dibujo,

como el hecho de que exista un hombre con la piel amarilla o un ratón y

un gato que puedan razonar como una persona y hasta hablar en algunas

ocasiones.

El otro extremo sería luego cuando ocurre todo lo contrario y se

comienza a notar en los dibujos animados (sobre todo actualmente) que

2 Escrito publicado por Sandra León Palomino, recuperado del link:

(http://kailepdesign.wordpress. com/2008/01/15/historia-de-la-animacion-principios-de-la-animacion-etapas-de-la-animacion/)

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consisten en personajes totalmente distintos de la realidad conocida por el

hombre. Incluso el entorno contiene my pocos objetos u otro tipo de

aspectos que den el indicio de contener “una pizca” de realidad. Las ideas

resultan ser más retorcidas y es cada vez más difícil entender el

argumento del dibujo animado.

Hipótesis

La animación creada por el hombre (desde la creación de dibujos

animados, películas en stop motion, etc.) contiene en su argumento

hechos u objetos de la realidad, incluso experiencias vividas

propias de los presentes autores de dicha animación.

Concepto de Animación.

En un principio, es necesario explicar el concepto de animación, como

una introducción al tema y luego estudiar su historia y su surgimiento.

“…El término animación viene del griego "anemos" = viento, aliento y del latín "animus" = dar vida…"

3

“…es un proceso utilizado para dar la sensación de movimiento a imágenes o dibujos o a otro tipo de objetos inanimados (figuras de plastilina, por ejemplo). Existen numerosas técnicas para realizar animación que van más allá de los familiares dibujos. Los cuadros se pueden generar dibujando, pintando o fotografiando los minúsculos cambios hechos repetidamente a un modelo de la realidad o a un modelo tridimensional virtual; también es posible animar objetos de la realidad y actores…”

4

Es importante resaltar que esto surge a partir del querer representar el

movimiento en imágenes, dibujos o en otro tipo de objetos inanimados, ya

que es la idea principal. Luego se encuentran las distintas formas de

lograr aquello, los denominados: tipos de animación:

“….Stop Motion: Animación de objetos, muñecos, marionetas, figuras de plastilina u otros materiales así como maquetas de modelos a escala. Se utiliza la grabación "fotograma a fotograma" o "cuadro a cuadro" (frame a frame).

El stop-motion es una técnica de animación que consiste en aparentar el movimiento de objetos estáticos capturando fotografías. En general se denomina animaciones de stop-motion a las que no entran en la categoría de dibujo

3 “4.1 conceptos básicos” recuperado de http://sabia.tic.udc.es, en el link:

http://sabia.tic.udc.es/gc/Contenidos%20adicionales/trabajos/Peliculas/Animacion/TIM_04_Animacion.html

4 “Animación”, recuperado de Wikipedia, en el link: (http://es.wikipedia.org/wiki/Animaci%C3%B3n)

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animado, esto es, que no fueron dibujadas ni pintadas, sino que fueron creadas tomando imágenes de la realidad.

Pixilación: Es una variante del stop-motion, en la que los objetos animados son personas y auténticos objetos comunes (no modelos ni maquetas). Al igual que en cualquier otra forma de animación, estos objetos son fotografiados repetidas veces, y desplazados ligeramente entre cada fotografía. Norman McLaren fue pionero de esta técnica, empleada en su famoso corto animado Neighbours. Es ampliamente utilizada en los video-clips.

Rotoscopía: Se basa en dibujar directamente sobre la referencia, que pueden ser los cuadros de la filmación de una persona real. Así se animó en Disney algunas escenas de Blanca nieves, protagonista del primer largometraje animado de Disney.

Animación de recortes: Más conocido en inglés como cutout animation, es la técnica en que se usan figuras recortadas, ya sea de papel o incluso fotografías. Los cuerpos de los personajes se construyen con los recortes de sus partes. Moviendo y reemplazando las partes se obtienen diversas poses, y así se da vida al personaje…”

5

Ahora bien, una vez explicado el concepto y sus diferentes técnicas,

continuaremos por presentar su inicio.

El origen

Averiguamos su historia, su surgimiento y descubrimos que el hombre

comienza a crear sus dibujos o expresiones artísticas desde la era del

paleolítico y que además opta por plasmar en ello, hechos cotidianos de

su realidad con el intento de que se vean lo más “real” posible. No es un

concepto nuevo que adquiere o una idea que se “le viene a la mente” por

arte de magia, sino que tiene como propio ese pensamiento de “dar vida”

a sus creaciones e incluso aprender nuevas técnicas para realizar aquello.

“…La idea de recrear la ilusión del movimiento con una serie de dibujos es más antigua que el nacimiento del cine. Algunos historiadores se remontan a la prehistoria, en la que, mediante pinturas rupestres, se intentaba expresar movimiento, para que se mantengan estáticos (…) El primer intento que se conoce de una animación mediante la proyección de imágenes data de 1640, cuando el alemán Athanasius Kircher inventó el primer proyector de imágenes, la «linterna mágica», en la que, mediante grabados en cristales, era capaz de proyectar diferentes fases consecutivas del movimiento, cambiando los cristales de forma mecánica. En una de sus proyecciones representaba a un hombre mientras dormía, abriendo y cerrando la boca (…) El incipiente mundo de la animación estuvo estancado hasta 1824, cuando Peter Mark Roget descubrió el principio de persistencia de la visión, fundamento en el que se basan todas las imágenes proyectadas que conocemos hoy en día. Demostraba que el ojo humano retiene la imagen que ve durante el tiempo suficiente para ser sustituida por otra, y así

5 “breve historia de la animación” recuperado de Wikipedia, en el link:

(http://es.wikipedia.org/wiki/Cine_de_animaci%C3%B3n):

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sucesivamente, hasta realizar un movimiento completo. Aunque fueron muchos los inventos nacidos a la sombra del principio de persistencia de la visión, ninguno pasó de la categoría de juguete hasta la llegada del «Phenakistoscopio» de Joseph Antoine Plateau, en 1831, en el que conseguía plasmar un movimiento completo mediante el uso de dibujos. Entre las bases del origen de la animación está el mismo juego de sombras y la proyección de siluetas de papeles recortados creados por la cultura china…”

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Por lo tanto decimos que el hombre de una u otra manera ha

encontrado diferentes técnicas y diferentes formas de “dar vida” a su

creación.

Su historia continúa entonces a lo largo de los años, pero se divide en

varias ramas, ya que, como es sabido, el mundo se divide en variedad de

ideas y pensamientos acerca de la animación y además las distintas

formas de crear la tecnología que luego servirá para realizar animaciones.

Los países con mayor influencia en los dibujos animados en las dos

últimas décadas son los Estados Unidos de América y Japón, luego está

Europa e Hispanoamérica: Argentina, Colombia, Cuba, México y Perú.

Estos países en donde se desarrolla la animación.

“…En Estados Unidos, Disney ha tenido un momento de esplendor a principios de la década de 1990, con algunas de sus más exitosas y mejores películas, sobre todo La bella y la bestia de Trousdale y Wise. Posteriormente ha ido cayendo en la repetición, el seguimiento de las modas y el descrédito crítico. El 2004 puede marcar la fecha en que Disney abandone los dibujos animados. El auge de la infografía ha llevado a la compañía Pixar de John Lasseter (inicialmente una pequeña productora que realizaba cortos infográficos experimentales en los años 1980) a convertirse en la más exitosa productora del mundo, con películas tan bien acogidas como los mejores Disney: Toy Story, Bichos, Monsters Inc., etc.. (…)

En Japón, El anime japonés se ha convertido en la industria más prolífica del planeta, popularizándose en todo el mundo. Las series de televisión son innumerables y siguen siendo la atracción principal para millones de aficionados. Los largometrajes para cines, después de desaparecer prácticamente durante los años 1970(…)

En Francia han destacado los cortometrajes de la productora Folimage; en largometraje, el éxito de Kirikú y la bruja de Michel Ocelot ha abierto el camino para un número creciente de películas de ambiciones y calidad notables: Las trillizas de Belleville de Sylvain Chomet, Corto Maltese: La cour secrète des Arcanes de Pascal Morelli, La prophétie des grenouilles de Jacques-Remy Girerd, etc. (…)

En el Reino Unido, la productora Aardman Animations (dedicada principalmente a animación con plastilina) se hizo popular a ambos lados del Atlántico con sus cortometrajes (especialmente la saga de Wallace y Gromit, de Nick Park) y se lanzó a la producción de largometrajes con Evasión en la granja del mismo director. Al abrigo de este éxito florecía la animación independiente, donde se puede citar al estudio Bolexbrothers, y los cortometrajistas Barry Purves, Phil Mulloy y los hermanos Quay. (…)

6 “breve historia de la animación” recuperado de Wikipedia, en el link:

(http://es.wikipedia.org/wiki/Cine_de_animaci%C3%B3n):

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En Argentina, Manuel García Ferré está considerado como el mayor exponente de todos los tiempos en la animación Argentina. Historietista, publicista y animador de origen español vive en Argentina desde la edad de 17 años. Sus películas están plenamente orientadas para los niños, siendo el creador de famosos personajes infantiles, como Anteojito, Hijitus, Larguirucho, Petete y Calculín, así como de tiras animadas televisivas, largometrajes animados y la revista Anteojito. Es el creador de la única productora argentina (la cual lleva su nombre) de animación con continuidad. (…)

Colombia tiene una historia de la animación que se remonta hasta 1938. Aunque surgió como iniciativas artísticas aisladas, el trabajo de Fernando Laverde quien realizó los largometrajes La pobre viejecita, Cristóbal Colón y Martín Fierro, así como la obra de animación experimental del artista Carlos Santa El pasajero de la noche, abrieron el terreno para los creadores interesados en este arte. Es también reconocida la labor de Nelson Ramírez cuya empresa encabezó la producción de comerciales publicitarios entre los años 1970 y comienzos de los años 1990. La primera serie animada semanal de Hispanoamérica fue creada en Colombia. El siguiente programa, obra de culto creada por la empresa Conexión Creativa, abrió las puertas a otro tipo de producción más irreverente y conectada con la audiencia joven. El surgimiento del Festival LOOP en el año 2003, pionero en Latinoamérica de habla hispana, afianzó y catapultó una nueva historia con autores como María Arteaga (Corte eléctrico), Diego Álvarez (Cabeza de mono) y Andrés Barrientos (La escalera), entre muchos otros. El apoyo gubernamental ha sido base del crecimiento actual, ratificado por la selección en Festival de Cine de Venecia del largometraje animado Pequeñas voces de Oscar Andrade y Jairo Carrillo, en 2010 (…)En 1960 fueron creados en Cuba los Estudios de Animación del ICAIC, institución que hasta la fecha ha creado innumerables series,cortometrajes y largometrajes. Entre ellos el laureado Vampiros en La Habana, del director Juan Padrón. (…)

La animación mexicana, en sus comienzos, se intento con varias producciones que en su mayoría fueron cortometrajes realizados por personas que tenían la inquietud y el deseo de involucrarse en ese ámbito artístico poco explotado en el país. Cabe mencionar los trabajos de Alfonso Vergara Andrade y algunas de sus obras como “Paco Perico en premier” de 1935 y “Los cinco cabritos y el lobo” de 1937 cortometrajes realizados en ava films, estudio que él mismo fundó. (…)

Perú ha sido el primer país de Hispanoamérica en realizar un largometraje animado en 3D. En 2003 fue creado en Perú el estudio Alpamayo Entertainment, especializado en animación en 3D. Estas son algunas de las películas de Alpamayo Entertainment: Piratas en el Callao (2005), Dragones, destino de fuego (2006), Valentino y el clan del can (2008)

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7 “cine de animación” recuperado de Wikipedia en el link:

(http://es.wikipedia.org/wiki/Cine_de_animaci%C3%B3n)

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Detrás de la animación

Luego de tener una breve introducción, sobre el trabajo que se ha

realizado en cada uno de los países nombrados anteriormente, haremos

hincapié particularmente en aquellas películas que se puedan clasificar

como “internacionales” es decir, que aquel que lea nuestro análisis sobre

la animación y la relación que tiene con el animador , pueda entenderlo

con los más claros ejemplos, y estos han de ser aquellos que resulten ser

los más reconocidos, es decir, ¿Quién no conoce a Mickey Mouse y a sus

amigos?

¿Cuántas veces hemos escuchado la historia de Blanca Nieves?

el dibujo a mano cuadro por cuadro que resultó ser la primer película de

animación de Disney:”Blanca Nieves y los siete enanitos”

“…Snow White and the Seven Dwarfs (conocida como Blancanieves y los siete enanitos en España y Blanca Nieves y los siete enanos en Hispanoamérica), es el primer largometraje de animación producido por Walt Disney y el primero incluido en el canon de Clásicos Disney. Se estrenó 21 de diciembre de 1937 en el Carthay Circle Theater de Hollywood. La película es una adaptación del cuento de hadas homónimo que los hermanos Grimm publicaron en 1812, una historia profundamente arraigada en las tradiciones europeas.

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Contrariamente a lo que a menudo se afirma, no es el primer largometraje de animación de la historia del cine, esto se le atribuye al argentino Quirino Cristiani por su creación El Apóstol. De todas maneras, Snow White and the Seven Dwarfs eclipsa a sus predecesores debido al impacto que suscitó en el público tanto de Estados Unidos como internacional. Considerado por muchos como una obra maestra, la película marca una nueva etapa en el terreno de la animación por las innovaciones técnicas y artísticas desarrolladas para esta película…”

8

Luego se combinó personajes reales con dibujos animados como en la

película “¿Quién engañó a Roger Rabbit?”.

“….En Los Ángeles de 1947, donde los dibujos animados viven con el resto del mundo, se comete un asesinato y el principal sospechoso es Roger Rabbit (Charles Freischner). El dibujo animado decide pedir ayuda al detective Eddie Valiant (Bob Hoskins) para demostrar su inocencia, pero éste se muestra reacio en un primer momento. Cuando descubre que detrás de todo está el cruel juez Doom (Christopher Lloyd) y sus comadrejas animadas, Roger Rabbit y Eddie unen sus fuerzas para desvelar la verdad…”

9

Más adelante las películas digitales, es decir, películas en donde se

utilizan técnicas mediante programas de computadora, uno de los

ejemplos más conocidos de esta técnica son: “Toy Story” (Disney- Pixar

1995):

“…Los juguetes de Andy, un niño de 6 años, temen que haya llegado su hora y que un nuevo regalo de cumpleaños les sustituya en el corazón de su dueño. Woody, un vaquero que ha sido hasta ahora el juguete favorito de Andy, trata de tranquilizarlos hasta que aparece Buzz Lightyear, un héroe espacial dotado de todo tipo de avances tecnológicos. Woody es relegado a un segundo plano. Su constante rivalidad se transformará en una gran amistad cuando ambos se pierden en la ciudad sin saber cómo volver a casa...”

8 “Snow White and the seven dwarfs”, recuperado de Wikipedia en el link:

http://es.wikipedia.org/wiki/Snow_White_and_the_Seven_Dwarfs)

9“¿Quién engañó a Roger Rabbit?”, recuperado de Wikipedia, en el link:

http://es.wikipedia.org/wiki/%C2%BFQui%C3%A9n_enga%C3%B1%C3%B3_a_Roger_Rabbit%3F)

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“Bichos” (Disney- Pixar 1998):

“…Un grupo de saltamontes asalta cada verano la colonia de hormigas donde vive Flick, para apoderarse de las provisiones que han recogido durante el invierno. Un día, Flick abandona el hormiguero y parte en busca de insectos guerreros que les ayuden a defenderse de los temibles saltamontes, pero, al final, acaba reclutando a una troupe circense…”

11

“Los increíbles” (Disney Pixar 2004):

“…narra las aventuras de una familia de antiguos superhéroes que descubren que la auténtica fuente de sus poderes está... en los demás. Para uno de los mejores super-héroes enmascarados del mundo, Bob Parr (apodado Mr. Increíble), luchar contra el mal y salvar vidas era algo cotidiano. Pero ahora, quince años después, Bob y su mujer (una antigua superheroína por méritos propios) han adoptado identidades civiles y llevan una vida retirada y apacible junto a sus tres hijos en las afueras de la ciudad. Viven como los demás mortales y llevan una vida demasiado normal con sus hijos, que se alejan de ellos para parecer "normales". Bob trabaja en una compañía de seguros donde ficha puntualmente todas las mañanas y lo único que intenta combatir es el aburrimiento y los michelines que se van

10 “Toy Story”, escrito recuperado de internet, en el link:

http://www.mundodisney.net/peliculas/toystory1/)

11 “Bichos”, escrito recuperado de internet, en el link:

http://www.mundodisney.net/peliculas/bichos/)

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acumulando alrededor de su cintura. Este superhéroe pluriempleado está deseando volver a la acción. Y por fin se le presenta una oportunidad cuando recibe un misterioso comunicado que le ordena dirigirse a una isla perdida para cumplir con una misión de alto secreto. Ahora que el futuro de la humanidad pende de un hilo, la familia debe unirse de nuevo y volver a descubrir el encanto de la vida familiar…”

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Ahora bien, es importante retomar la idea que hemos planteado en un

principio: “La animación creada por el hombre contiene en su argumento

hechos u objetos de la realidad, historias que están detrás de la

animación creada por el artista”.

Historia del animador.

¿Qué se encuentra detrás de una historia de animación? ¿Qué nos

hace sentir realmente cada historia? ¿Con qué hechos de la vida

cotidiana las relacionamos? Por ejemplo, Toy Story, es una simple

historia… un joven y sus muñecos pero ¿Será solo eso? ¿No habrá algo

escondido por detrás? Un significado aún más importante que los colores,

las sonrisas de los dibujos animados. Hablamos de un argumento que

tiene su origen en la realidad, que es casi una “adaptación” de la realidad

desde un diferente punto de vista.

12 “los increíbles”, escrito recuperado de internet, en el link: http://www.mundodisney.net/peliculas/increibles/)

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“…Si hay un tema recurrente en el cine de Pixar, esa es la melancólica tristeza con la que se recuerda la época en que fuimos niños. En Ratatouille (2007), el personaje más negativo es humanizado, con el salto a la infancia del crítico culinario Anton Ego. En WALL-E (2007), un robot pierde la memoria, tras sacrificarse para salvar a la humanidad. En Up (2009) se resume maravillosamente, en sus once primeros minutos, toda la trayectoria vital de una pareja. Y ahora en Toy Story 3 (2010), el joven dueño de los juguetes protagonistas, Andy, renuncia a sus recuerdos de infancia.

Si en la primera entrega hay una llamada al conformismo (cuando Buzz Lightyear tiene que descubrir, a la fuerza, que no es más que un juguete) y en la segunda a la resignación (los juguetes descubren que a medida que Andy se va haciendo mayor, los irá arrinconando, para dedicarse a otros juegos más acordes a su edad), en la tercera nos enfrentamos a nuestra propia mortalidad. Los juguetes protagonistas se ven en la encrucijada de ir a parar al desván (retiro y jubilación), o a la bolsa de basura (la muerte). Ya que Andy se hace universitario y ya no quiere, no puede, o no debe, jugar a cosas de niños.

A pesar de nuestros mayores esfuerzos, nadie vive para siempre. Llega el momento en que nos tenemos que enfrentar a la muerte que nos espera. Como dice la productora, Darla Anderson, “la historia refleja cómo debemos enfrentarnos a cambios en nuestra vida, que son inevitables”. Como la mayor parte de las películas de Pixar, “puede ser tan profunda como uno quiera”. Trata sobre transiciones como crecer, dejar tu casa, ser dejado atrás, o incluso un tema tan serio como qué pasará al final con nosotros.

¿A QUIÉN PERTENECEMOS?

Andy no es el único que ha crecido a lo largo de estas historias. En la primera, el entrañable y egocéntrico Woody odiaba a Buzz por robarle la atención de Andy. Y en la segunda se veía inmortalizado en un museo. Ahora descubre que “ya no se trata de que jueguen contigo, sino de estar allí, cuando Andy te necesita”. Aunque él es todavía el favorito. El chico decide llevárselo a la universidad, pero todos los demás acaban en una guardería.

En el irónicamente llamado Centro de Atención de Día Soleado (Sunnyside), encuentran docenas de juguetes abandonados. Su jefe es un enorme oso de peluche con olor a fresa, llamado Lotso, que encubre a un ser malvado y resentido con la vida. El tirano dueño de la guardería tiene una historia trágica. Su dueña le perdió y compraron otro oso igual, en su lugar. Se sintió “perdido, despreciado, no amado, ni querido”.

Lotso se intenta convencer a sí mismo, que cuando uno “no tiene dueño, no se te rompe el corazón”. Cree que todos los juguetes estarían mejor si fuera “dueños de si mismos”. Su filosofía no sólo domina la guardería, sino la sociedad en que vivimos. A pesar de su luminoso nombre, no hay comunidad, ni libertad en Sunnyside. El deseo de autonomía ha corrompido este mundo, donde hemos cambiado nuestro legítimo Dueño por la tiranía de una esclavitud que nos aprisiona, dándonos una falsa seguridad.

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Entendamos por esto, que ya no hablamos de una animación en sí,

sino de aquellas que tienen un concepto que es anterior al dibujo, un

“detrás de escena”. Sin embargo hay más ejemplos que estamos

dispuestos a nombrar y a explicar.

El siguiente, es la película “Bichos una aventura en miniatura”, Y para

esta animación usaremos un fragmento de la película:

El video que hemos analizado comienza con un fondo negro en el cual

aparecen las palabras “…proceso administrativo” y luego explica dicho

proceso como “conjunto de fases o etapas sucesivas a través de las

cuales se efectúa la administración (…) las cuatro fases son: planeación,

organización, dirección y control (…) para analizar y ejemplificar cada fase

utilizaremos la película “bichos” (…) planeación: consiste en fijar el curso

de cada acción, con principios, determinación y secuencia necesarios

para lograr su realización…” Al finalizar la introducción comienza un

pequeño fragmento de la película, en la parte en la que toda la colonia se

organiza para crear un pájaro con ramas y hojas que tienen como fin

ahuyentar a los saltamontes. Empieza a hablar, sobre dicho plan, la

hormiga protagonista de la película: Flick, luego se desvanece la imagen y

continua la frase el “bicho palo” explicando a un grupo mayor de hormigas

al que se dirigía Flick y por último una de las hormigas, que es la princesa

13 José de Segovia. “Los juguetes abandonados de Toy Story 3, primera edición de

“entrelíneas”. Link: http://www.entrelineas.org/articulo.asp?id=441)

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de la colonia, termina la frase originada por la hormiga protagonísta, con

un altavoz en frente a toda la colonia.

Luego se encuentra en el video la segunda fase: “…organización.

Consiste en agrupar las actividades, asignar responsabilidades y

coordinar personas, trabajos y recursos…”, y se muestra el trabajo de

cada una de las hormigas desde la recolección de las semillas de las

plantas hasta que se dirigen con ellas a la colonia, pero durante el

trayecto que ellos hacen (el cual nombran “seguir la línea”) una de las

hojas de los árboles cae a la mitad del camino que ellas tienen marcado

para seguir hasta el hormiguero y se desesperan por que han perdido su

curso. Entonces llegan dos hormigas encargadas de mantener esa línea y

organizar el trayecto de tal forma que las hormigas obreras puedan

seguirlo, y hacen que aquella hormiga que se desesperó por perder la

“línea” siga su curso rodeando la hoja del árbol y así las demás le siguen

y siguen su curso hacia el hormiguero.

La siguiente fase está escrita en el video como “…Dirección. Consiste

en coordinar el esfuerzo común de los subordinados, para alcanzar las

metas de la organización…” concepto que se ve reflejado cuando las

hormigas y los “bichos de circo” (bichos cirqueros “fracasados” que

encuentra Flick y los convence de ir con él a su colonia para que lo

ayuden a luchar contra los saltamontes.) se complementan como uno,

para construir día a día el pájaro (de madera y hojas de árbol) que usaran

para espantar y así deshacerse de una vez por todas de los saltamontes y

de sus abusos.

Por último, esta la fase “…control. Tiene como objeto cerciorarse de

que los hechos vayan de acuerdo con los planes establecidos…” dicho

esto el video termina con la princesa y la reina de la colonia hablando

sobre el rendimiento de las hormigas e inspeccionando que nada se

saliera de control.14

14 “proceso administrativo” vídeo recuperado de youtube, en El link:

http://www.youtube.com/watch?v=Zk6ge8zo1qY&feature=fvwrel)

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Dicho video explica un proceso que a simple vista no se ve, es decir,

¿alguien alguna vez se ha puesto a descifrar aquellos valores o

conceptos ocultos en un dibujo animado? Claro que no, pero el hecho de

no ser descubiertos no significa que no estén allí, solo basta con

fragmentar cada escena para saber la realidad oculta tras la ficción.

El siguiente video que hemos analizado, es sobre el control que tienen

los saltamontes sobre las hormigas, el cual puede hacerse referencia a un

hecho real de nuestro entorno: el gobierno y la sociedad.

Una vez que los saltamontes han vuelto de haber visitado y espantado

a las hormigas obligándolas a pagar “impuestos”, es decir, a darles parte

de la comida recolectada. Se refugian en su lugar de descanso, parecido

en su totalidad a un hotel de lujo adaptado a un bicho, donde tienen

comida, masajes, un bar, etc. Pero uno de los saltamontes, quién se

presenta como el fiel seguidor y hermano del saltamontes líder, le

pregunta al mismo si es necesario volver a la colonia de las hormigas ya

que tienen de todo allí y por lo tanto no necesitan más de ellas. Hopper

(líder de los saltamontes) se ríe con un tono de sarcasmo e insiste en la

pregunta, bromea y postula (a modo de pregunta retórica) que realmente

por qué tendrían que volver a la colonia si han de tener todo en su “hotel”

para vivir. Todos festejan creyendo que no volverán más, pero entonces el

líder del grupo expone su idea al respecto “imaginemos que este grano es

una hormiga” y golpea con ese grano a uno de los saltamontes “no me

dolió” dice con tono de burla y entonces el líder le tira otro grano más,

“¿eso duele?” el saltamontes sigue burlándose, entonces Hopper por

última vez le dice “y haber esto…” y rompe con fuerza la tapa de la botella

por donde salían los granos, los cuales inmediatamente caen con rapidez

sobre el saltamontes que no paraba de mufarse. “si una hormiga se rebela

contra nosotros, les aseguro que todas lo harán pronto. Esas hormigas

ridículas nos superan en número de cien a uno, y si llegaran a

averiguarlo, ¡adiós! A nuestro estilo de vida. No es por la comida, es para

mantenerlas alineadas. Es por eso que volveré… ¿algún saltamontes

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quiere quedarse?” entonces todos asombrados despliegan sus alas y

comienzan a volar con destino a la colonia. 15

¿Por qué entonces hemos comparado el video con el gobierno y la

sociedad?, cada gobierno establece cierta organización mediante normas

en las que las personas deben ser respetadas a como dé lugar, ya que “si

una se rebela, todas lo harán” por lo tanto el gobierno impone reglas,

normas de convivencia, para que no se desate “el caos” entre las

multitudes. Claro que el ejemplo de los bichos es más parecido a un

gobierno de anarquía que de democracia, pero el punto a desarrollar no

es ese, sino el hecho de que la animación contiene por detrás aspectos

de la realidad que el artista intenta manifestar a través de su arte. Pero es

necesario saber, entonces, ¿Qué piensan aquellos artistas cuando crean

una película de animación? ¿Qué se cruza por sus mentes en ese

momento?

15

Cómo funciona el mundo y la pirámide social del Nuevo Orden Mundial. (Bichos) video

recuperado de youtube en el link: ”http://www.youtube.com/watch?v=Vqls8q3tcjg)

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Entrevista a Tim Burton sobre su nuevo estreno “Frankenweenie”

“…Frankenweenie es una película animada dirigida por Tim Burton. es un remake del cortometraje del mismo nombre. A diferencia de la película original, que era un proyecto live-action, la nueva va a usar animación stop motion. Se estrenó el 5 de octubre de 2012 (…) Víctor Frankenstein es un niño que realiza cortos donde su perro Sparky es el protagonista, hasta que éste es arrollado por un coche. Unos días después a Víctor se le ocurre revivir a su perro por medio de la electricidad, ahora con el revivido animal, Víctor debe convencer a sus padres y a todos el vecindario que Sparky, a pesar de su nuevo aspecto monstruoso, aún sigue siendo el mismo de siempre…”

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Expondremos a continuación una de las entrevistas que ha tenido Tim

Burton sobre este film en particular.

Entrevistador: - Tim Burton. ¿Quién te gustaría traer de la muerte a la vida?

Tim Burton (risas): - esto es una película, así que a nadie. La verdad es que esa idea es demasiado horripilante, aún para mí.

Entrevistador: -¿te gustaría que te revivieran?

Tim Burton: - la verdad no lo sé, antes se decía que la cabeza de Walt Disney estaba congelada. Recuerdo cuando fuimos a CalArts (California) la buscamos por todos lados aunque nunca la encontramos. No sé, quizás tengan mi cabeza en una mesa.

Entrevistador (risas): - ¿Cuál es tu idea de la muerte?

Tim Burton: - crecí en un área suburbana donde la muerte era un tema tabú, pero fui afortunado de vivir en los Ángeles donde teníamos muchas imágenes de la muerte, y siempre gravité en esa filosofía porque me gustaba el color, el humor ligado a como lo mexicanos perciben esos temas.

Entrevistador: - Platícame acerca de “Bambi”, hay una parte en tu película donde se muestra una marquesina y se ve que se está proyectando “bambi” en ese teatro.

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Frankenweenie (2012), recuperado de Wikipedia en el link: http://es.wikipedia.org/wiki/Frankenweenie_(2012)

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Tim Burton: - Es un recordatorio pequeño para la gente, muchos decían que esta película es rara para los niños, y yo tenía que traerles a la memoria que Disney había abordado estos temas en todas sus películas. No serían películas de Disney si no abordaran estos temas; Yo me sentí muy cómodo dentro del marco estructural de estas películas como “Bambi” o “El Rey León”.

Entrevistador: - ¿acerca de qué es “Frankenweenie”? ¿Es una película sobre la muerte o sobre los límites que hay, digamos, en una actividad humana como la ciencia?

Tim Burton: - Yo creo que es mucho más acerca del amor y la pasión, donde la ciencia es un tipo de arte de exploración; sobre ser abierto y apasionado en lo que realizas; sobre la lealtad. El tema es muy simple en ese sentido; luego esta toda la ciencia, que no solo promueve a esta y al arte, sino pensar de una forma diferente, no normal. Crear, explorar cosas. Mantener una mente abierta; esas cosas importantes.

Entrevistador: - ¿y cómo fue regresar a trabajar con Winona Ryder?

Tim Burton (risas): - Bueno, ella sigue sonando como si tuviera diez años, su voz no ha cambiado, fue fácil para ella hacer este personaje; estuvo bien, era importante para mí, en este proyecto, trabajar con gente como ella, con quien ya trabajé, eso lo hizo más personal y especial.

Entrevistador: - Ahora que has estado de visita en México, ¿Qué te inspiraría a crear una historia o una película?

Tim Burton (risas): - Precisamente por eso me gusta venir, la atmósfera es tan interesante, te puedes inspirar cuando menos lo esperas, por eso viajo, por eso quería venir aquí a la Isla de las Muñecas (Xochimilco), hay muchas cosas aquí visualmente impactantes para mí.

Entrevistador: -¿Qué tan cerca trabajas con tus colaboradores, como por ejemplo con Danny Ellfman, que siempre está contigo y obviamente está en “Frankenweenie”?

Tim Burton: - El empezó casi a la par que yo, de alguna forma nos gustan las mismas cosas, entonces siempre hemos tenido esta conexión y yo sabía que él podía meter el elemento Frankestein a través de la música. Elementos muy simples; era natural que estuviera en esta película.

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Como hemos visto, muchas de las características de la película son

aquellas cosas que Tim Burton siente, piensa o cree sobre los

acontecimientos cotidianos que se presentan en la realidad.

“…En la cabeza de Tim Burton

El director de “Alicia en el País de las maravillas” retomó su corto “Frankenweenie” y lo hizo un largometraje, en blanco y negro y 3D, que aquí se estrena el jueves.

17 “Tim Burton entrevista en la ciudad de México sobre Frankenweenie”, recuperado de youtube

en el link: http://www.youtube.com/watch?v=GLlISNjZ0NU&feature=related)

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En una entrevista sin concesiones asume fracasos, habla de sus inicios, de Johnny Depp y de su esposa, a la que suele asesinar en sus películas

Sería una tremenda decepción que el santuario privado de Tim Burton resultara ser un entorno estéril, desnudo a excepción de un teléfono colocado sobre un piso blanco y frío; o un cubículo con una taza de café con la leyenda “El mejor papá del mundo”. Pero no es así. El lugar de trabajo del responsable de delicias negras como El Joven manos de tijera es una experiencia definitivamente burtoniana: ubicado en una colina del norte de Londres, detrás de un muro de ladrillo y árbol triste, en una residencia victoriana, donde vive con Helena Bonham Carter y sus dos hijos, que alguna vez perteneció al ilustrador de libros infantiles Arthur Rackham, se encuentra en lo alto de una serpenteante escalera bordeada de imponentes retratos de Boris Karloff y Christopher Lee. Cuando el dueño de casa nos saluda, el vaso que lleva en la mano tiene una imagen de La maldición de Frankenstein.

Una reciente mañana, Burton, vestido enteramente de negro, hablaba de su nueva película de animación, Frankenweenie (que Disney estrenará el 1° de noviembre en la Argentina) sobre la encantadora historia de un chico (llamado Victor Frankenstein) que reanima el cadáver de su perro. Como su director, “Frankenweenie” es moderna y antigua. La película, en blanco y negro y 3D, está adaptada de un corto que hizo Burton para Disney en 1984, cuando empezaba como animador.

Al hablar, Burton tenía un tono nostálgico y, al mismo tiempo, desafiante. Debe haber sido consecuencia de la fría recepción que tuvo “Sombras tenebrosas”, su remake de elevado presupuesto de la serie de TV (de la que Burton no se siente desilusionado), o de cierta renuencia a analizar las tendencias de su carrera. Burton sigue sintiéndose al margen.

“Frankenweenie” se remonta a los comienzos de su carrera. Parece hacer referencia a muchas de las películas que hizo desde el primer corto. ¿Es deliberado?

Si me dedicara a pensar en eso, probablemente es algo que no haría (se ríe). Las cosas con las que crecí siguen acompañándome. Uno empieza de cierta manera y luego pasa toda la vida tratando de encontrar la simplicidad que tenía. No pasa por aferrarse a la infancia, sino por mantener cierto espíritu de ver las cosas de otra forma.

¿Cuánto de su infancia vemos en el aislamiento de Victor?

Me sentía un marginal. Al mismo tiempo, también me sentía muy normal. Uno puede estar en un aula y sentir que nadie lo entiende. Si uno habla con cualquier chico, es probable que la mayoría se sienta de esa forma. Pero yo me sentía muy atormentado de adolescente. De ahí salió El Joven manos de tijera. Seguro tenía una depresión clínica y no lo sabía.

¿Lo alentaron a practicar deportes?

Mi padre era jugador de basquetbol profesional. Se lesionó muy temprano en la carrera, de modo que su sueño quedó trunco. Hice algo de deporte. Fue bastante frustrante. No era precisamente un gran deportista.

A esa edad puede ser muy desalentador darse cuenta de que se es malo en algo. Lo mismo pasa con el dibujo. Los dibujos de los niños son geniales. Luego llega un momento, cuando tienen entre siete y nueve años, en que dicen: “No sé dibujar.” Sí, saben. A mí me pasó lo mismo, hasta cuando empecé a asistir a CalArts. Un par de profesores me dijeron: “No te preocupés. Si te gusta dibujar, dibujá.” Eso me liberó. Mi madre no era una artista, pero hacía unos extraños búhos con piñas y gatos con agujas. Todos pueden hacer algo.

¿Era fácil acceder a películas de terror y clase B en su infancia?

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Pasaban películas de monstruos por televisión, algo que ahora no sucede. Algunas eran muy truculentas, como El cerebro que no moría, o una en que a un tipo le arrancan el brazo y mancha toda la pared de sangre. Mis padres se asustaban un poco (se ríe). Pero preferían que mirara televisión para no tener que ocuparse de mí.

En “Frankenweenie” hay emociones y experiencias que por lo general el público no relaciona con las películas de Disney.

La gente se asusta. Dicen: “Dios mío, un auto atropella al perro”. Es sorprendente el miedo que se tiene a las emociones. Recuerdo que el primer corto iba a proyectarse con Pinocho , pero todos temieron que los chicos salieran del cine corriendo y gritando.

¿Le parece que hay justicia poética en el hecho de que, después de todo eso, Disney sea el estudio que estrena “Frankenweenie”?

Siento que he pasado años en una puerta giratoria. Desde la primera vez que estuve ahí como animador hasta Frankenweenie, pasando por El extraño mundo de Jack y Ed Wood, la reacción siempre fue la misma. Me decían que volviera y luego: “Hmm, no sé.” Cuando dejé de trabajar en El zorro y el sabueso y traté de convertirme en animador de Disney -lo cual fue inútil-, me dieron la oportunidad, durante un año o dos, de dibujar lo que quisiera. Me sentí muy agradecido. Al mismo tiempo, me sentía como Rapunzel, una princesa atrapada en una torre. Tenía todo lo que necesitaba excepto luz. Sentía que en realidad no me querían. Por suerte, Warner Bros., Paul Reubens y los productores de La gran aventura de Pee-wee vieron la película y me dieron una oportunidad.

¿Qué fue lo que lo conectó con Johnny Depp cuando trabajó con él por primera vez en “El Joven manos de tijera”?

Estaba ante alguien a quien se consideraba un ídolo adolescente. Al encontrarme con él, sin embargo, pensé que no era eso lo que lo definía. Encajaba en el perfil del personaje. Estábamos en Florida, hacía mucho calor, 32 grados, y no podía usar las manos. Tenía puesto un traje de cuero y estaba cubierto de pies a cabeza de maquillaje. Su fuerza y su energía me impresionaron. Recuerdo que Jack Nicholson me mostró un libro sobre actuación con máscaras y la forma en que eso libera otra cosa en una persona. Siempre me impresionó la gente que se mostraba dispuesta a hacer algo así. Muchos actores no quieren cubrir (con voz teatral) “el instrumento”. Con Johnny siempre tuvimos cosas básicas en común. El siempre pudo descifrar mis divagaciones. Para mí es un actor del tipo de Boris Karloff, un actor de personaje.

¿Cuál le gustaría que fuera su legado?

¿Qué quiero que diga mi lápida?

Por lo que parece, ya lo pensó.

Sí. Me parece sabio planificar las cosas con anticipación. No es un pensamiento mórbido. Si uno quiere que algo se haga de determinada manera, sobre todo si es lo último, hay que hacerlo. Lo que más me importa es haber hecho algo que haya tenido impacto en la gente. Veo gente en la calle que tiene un tatuaje de “El extraño mundo de Jack” o chicas que dicen que adoran a “Sweeney Todd”, o gente, sobre todo en Halloween, vestida como “El cadáver de la novia”, “El sombrerero loco” o “Sally”.

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18 Recuperado de El diario el Clarín, “En la cabeza de Tim Burton”, en el link:

http://www.clarin.com/espectaculos/cine/cabeza-Tim-Burton_0_799120105.html)

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No pasa por la crítica ni por la taquilla. Son cosas que hablan de una conexión con la gente real…”

Tim Burton ha tenido muchas entrevistas pero hemos destacado esas

dos anteriores ya que explican nuestro punto a la perfección acerca de la

mentalidad del artista y su conexión inminente con su “creatura”, su

“monigote”, en fin, su forma de expresar arte y movimiento (creando, así,

la ilusión de vida).

Ahora bien, ¿Qué sucede cuando los dibujos animados comienzan a

ser “surrealistas”, por lo tanto, escapar de la realidad conocida por el

hombre y comienzan a ser fantasiosos, futuristas, ficticios, etc.? No

hablamos de aquellas alteraciones comunes que pueden llegar a tener las

animaciones actuales, como el color de pelo ficticio, la fisiología “extraña”

de los cuerpos creados, etc. sino que entendamos esto desde el punto en

el que toda “pizca de realidad” deja de existir completamente, en donde la

mente hace realiza un esfuerzo de más por intentar comprender de qué

se trata lo que se está viendo.

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¿Qué parte es real?

Hemos observado el origen, la historia, su desarrollo, sus técnicas y

sus objetivos. Hemos explicado que las animaciones contienen rastros y

huellas, pequeñas pistas que podemos interpretar que están basadas en

algún objeto u hecho de la realidad.

Como último punto, analizaremos aquellos dibujos animados que a

diferencia de los mencionados anteriormente, parecen ser surrealistas,

ridículos, con argumentos tan “retorcidos” que el espectador debe hacer

un esfuerzo por demás para poder entender el concepto de la animación

en cuestión, este último paso sirve como contrastación de lo que hemos

comprobado anteriormente en pos de resaltar en qué momentos se nota

la “huella” del autor y en cuales es casi imposible de reconocer.

Comenzaremos tomando como ejemplo al siguiente dibujo animado:

“hora de aventura”,

“…Adventure Time (en España, Hora de aventuras; en Hispanoamérica, Hora de aventura), es una serie animada de televisión creada por Pendleton Ward. La serie se centra en las aventuras realizadas por dos mejores amigos (y hermanos adoptivos): Finn, un niño de 13 años, y Jake, un perro de 28 años con poderes mágicos que habitan en "La tierra de Ooo". En septiembre de 2008, el corto fue oficialmente aprobado para una serie en Cartoon Network. La mitad de un episodio, también llamado "sneak peek" (adelanto) se emitió el 11 y 18 de marzo del 2010, y la serie se estrenó oficialmente el 5 de abril de 2010.

Desde su emisión, Adventure Time se ha ido convirtiendo en una serie de culto en internet, siendo ampliamente conocida por su creativo estilo de animación y argumento, ambos basados en la extravagancia, surrealismo y el absurdo continuos (…) Al comienzo de la serie, Finn es un chico de 12 años(Actualmente 14) que vive con Jake, un perro de 28 años con poderes mágicos, que es su mejor amigo, y a Finn no le gusta que digan que Jake es su perro. Viven en "Ooo", un entorno lleno de personajes surrealistas y animales que hablan, donde la magia y la alta tecnología se unen para crear extraños y nuevos artefactos, y donde se dedican a tener aventuras como salvar princesas, luchar contra el mal, explorar lugares desconocidos y ayudar a los más necesitados…”

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Desde un principio podemos ver cómo este mundo que se presenta

ante nosotros es irreconocible como “propio” desde varios puntos de vista.

Ya no se habla de “ratones” o “gatos” que se pelean como podríamos

haber visto en Tom y Jerry, que si bien tienen características particulares

que les proporciona el artista, aún así contienen aspectos que dentro de

lo “cotidiano” podrían considerarse normal, pero al ver “hora de aventura”

un mundo Post apocalíptico en donde ni siquiera el argumento en sí

termina de entenderse, nos resulta casi imposible notar en qué parte de la

realidad que vivimos está inspirada la serie.

Siguiendo el ejemplo anterior, Un Show Más

“…Dos amigos de 23 años de edad, un arrendajo azul llamado Mordecai y un mapache llamado Rigby trabajan en un parque y pasan sus días tratando de conseguir dinero y entretenerse por cualquier medio. Esto disgusta mucho a su jefe, Benson, una iracunda máquina de chicles antropomorfa, junto con sus compañeros de trabajo, Skips, un yeti inmortal; Pops (Papaleta en Hispanoamérica), un hombre con cara de piruleta, cuyo padre, el Sr. Maellard, es el dueño del parque; Muscle Man (Musculitos en España y Musculoso en Hispanoamérica), un hombre verde; Hi-Five Ghost (Fantasma Chócala o Chócala en España y Fantasmín o Fantasmano en Hispanoamérica), un fantasma con una mano en la cabeza, y Thomas, el nuevo trabajador del parque que es una cabra. También Mordecai intenta impresionar a Margaret (Margarita en Hispanoamérica), una cardenal roja hembra, de quien él está enamorado; la mejor amiga de Margarita, Eileen, un topo hembra, está enamorada de Rigby. El programa gira alrededor de los problemas ocasionados por Mordecai y Rigby, que derivan en situaciones fantásticas y surrealistas…”

19 Hora de aventura, recuperado de Wikipedia, en el link: http://es.wikipedia.org/wiki/Adventure_Time

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Cumplen con la misma idea dicha anteriormente, son personajes que si

bien (los protagonistas) “tienen” relación con la realidad que nos rodea, no

dejan de ser situaciones bizarras o ridículas, es decir, irreales, porque en el

momento en el que “digerimos” que es un pájaro carpintero y tiene como

amigo a un mapache, luego surgen otras dudas como ¿de donde apareció

Benson? (el supuesto jefe de Mordecai y Rigby, quien además tiene la

apariencia de una máquina expendedora de dulces) o ¿Cómo se explican

los eventos paranormales que sufren cada vez que tienen problemas o que

han elegido un mal camino y deben pagar las consecuencias de aquello?.

Redoblemos la apuesta entonces e imaginemos aquello aún más absurdo,

como podemos ver en el siguiente y último ejemplo el extraordinario

mundo de Gumball

“…Gumball "Trisha" (Tristoper) Watterson: Es uno de los protagonistas de la serie. Es un gato pre-adolescente de 12 años en la primera temporada y 13 años en la segunda temporada que en repetidas ocasiones hace cosas estúpidas y tontas, pero nunca aprende la lección. Está enamorado de Penny y se comporta de forma extraña al estar con ella. A pesar de su comportamiento revoltoso, puede ser leal, serio y de buen corazón. Es a menudo víctima de las circunstancias. Tiene una gran autoestima, es muy optimista y siente pasión por lo que hace. Su segundo nombre el cual completa el mismo fue revelado en el capitulo"Rechazado". Aunque no lo parece ama a su hermana Anaís, a su hermano adoptivo Darwin, a su familia y protege al Sr. Robinson, su vecino, sin razón aparente.

Darwin Reglan Caspian Ahab Poseidon Nicodemius Watterson III: Es uno de los protagonistas de la serie. Tiene diez años (dos años menor que Gumball) y es la mascota adoptiva de Gumball, un pez dorado, al ser expuesto a la radiacion de una lampara de noche parte de su ADN se modifico y le crecieron piernas , brazos y un cerebro más grande, aprendió a hablar y se adaptó a la vida fuera de su ambiente acuático. Él y Gumball se convirtieron en mejores amigos y hermanos

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Un show más. Recuperado de Wikipedia, en el link: http://es.wikipedia.org/wiki/Regular_Show

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inmediatamente, y es considerado un miembro más de la familia. Sin embargo, su visión del mundo es un tanto sosegada y tiende a ser más ingenuo en el sentido realista que otros personajes, pero a pesar de eso en el sentido sentimental es muy inteligente, esta siempre dispuesto a ser amable, ayudar a necesitados y hacer caridad. Su nombre completo es revelado en el episodio "La Fiesta".

Anais Watterson: Es uno de los personajes secundarios de la serie. Es una conejita prodigio de 4 años de edad y es considerada como el personaje más inteligente y más joven en el programa. A menudo se considera un genio y asiste a la escuela con Gumball y Darwin. Su madre esta obsesionada por que ella tenga una educacion apropiada a su intelecto, pero a ella tan solo le interesa vivir una vida normal de una niña de 4 años y a veces finge ser boba para estar con sus hermanos. Ella es la más madura que sus hermanos y se dedica a sacar de los líos en los que se meten su familia.

Nicole Jennifer Watterson: Es uno de los personajes secundarios de la serie, la madre de Gumball, Darwin y Anais. Es una gata de 40 años adicta al trabajo que trabaja en la fábrica del arco iris con el fin de cuidar de su familia. Es considerada como el único miembro responsable de la familia junto con su hija Anais. Tiene mal genio, puede ser muy agresiva e impaciente y es competitiva por naturaleza, pero ama a su familia. A menudo se comporta como la voz de la razón en las desventuras de sus hijos. Además tiene una enemistad con la Señorita Simian desde niña, ya que la llamaba Pardilla o Inepta.

Richard Watterson: Es uno de los personajes secundarios de la serie. Es un conejo rosa grande y flojo de 34 años, que no tiene ningún grado de responsabilidad o de inteligencia. Es el padre de Gumball, Darwin y Anais. Por lo general sólo pasa todo su tiempo viendo la televisión, durmiendo y jugando videojuegos. En ocasiones ni siquiera se molesta en vestirse, ya que prefiere estar en ropa interior. Tiene un gran apetito y es un glotón. Odia trabajar y hacer otras tareas. Nicole lo cuida como un hijo más por su comportamiento estúpido e irresponsable. Desde el episodio El Tesoro, se descubre que antes Richard trabajaba en una empresa, que quiebra después de que Richard comprara una Estrella en Stellar Corporation, gastando todo el dinero ahorrado. Por esa causa en La Pintura, Richard se niega a trabajar por el trauma que tuvo en el pasado…”

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21 El extraordinario mundo de Gumball. Recuperado de Wikipedia en el link:

http://es.wikipedia.org/wiki/The_Amazing_World_of_Gumball

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Más allá de los personajes que se han mencionado ( del programa), que

resultan ser los integrantes de la familia de Gumball (personaje principal),

también han de ver en la imagen anterior los compañeros de clase, algunos

reconocibles como la flor, la banana, el dinosaurio, el fantasma, la nube, etc.

Pero algunos exceden la “realidad” misma del argumento en el que se

establece la animación y empiezan a aparecer personajes “extraordinarios”

como “penny”, una chica que está enamorada de Gumball, quien resulta ser

un Maní con piernas, brazos, y cuernos de alce. O también al fondo del lado

derecho hay dos personajes que son pareja: El cactus (Carmen) y el globo

(Alan), o que además luego tengan como compañero un ojo con alas, un

niño con cabeza de casetera, etc.

Podemos ver en los tres ejemplos anteriores entonces, el contraste con la

película de Tim Burton, en donde según hemos entendido, hay hechos o

personajes (como el perro de Victor o Victor en sí, el protagonista) que

tienen que ver con la experiencia de vida del autor, y eso ha de notarse en

su film. Sin embargo luego vemos Un show más, El extraordinario mundo de

Gumball U hora de aventuras, en donde nos es casi imposible reconocer al

autor detrás de la animación, porque incluso dicha historia también resulta

ser difícil de entender el argumento en su totalidad.

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Conclusión

La animación creada por el hombre (desde la creación de dibujos

animados, películas en stop motion, etc.) contiene en su argumento

hechos u objetos de la realidad, incluso experiencias vividas

propias de los presentes autores de dicha animación.

Hemos visto y expuesto que los dibujos, películas con técnicas de animación,

etc. Contienen efectivamente en su esencia experiencias, hechos y

acontecimientos de la vida cotidiana del autor y/o autores.

Se ha hecho un breve resumen además de su origen primitivo y su evolución a lo

largo de los años en diferentes partes del mundo, comentando la idea principal de

cada animador “dar la ilusión de vida” a su creatura, la cual se refleja en todas las

películas de este estilo.

Y por último hemos contrastado la idea principal del proyecto de investigación,

con su opuesto, es decir, cuando el autor no “deja huellas” en su producto y en

donde además se hace casi imposible reconocer el argumento de la animación en

su totalidad, entonces pasa a ser absurdo y “bizarro” para el espectador quien

solamente se detiene en lo cómico y nada más.

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Bibliografía/ Links

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(“los increíbles”, http://www.mundodisney.net/peliculas/increibles/)

(“Toy Story”, http://www.mundodisney.net/peliculas/toystory1/)

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http://www.youtube.com/watch?v=Zk6ge8zo1qY&feature=fvwrel)

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http://www.youtube.com/watch?v=Vqls8q3tcjg)

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1http://es.wikipedia.org/wiki/Regular_Show

http://es.wikipedia.org/wiki/The_Amazing_World_of_Gumball

pág. 28