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Taller de reflexión artística I
Jorge Noriega
Ensayo sobre la imagen
TPF REFLEXIÓN ARTÍSTICA XX
Poleri Chiara
Diseño gráfico
chiarapolerii@hotmail.com 97122
TPF
05/12/2017
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Biografía
Martina Elisa Montoya, nace el 7 de noviembre de 1994 en Buenos Aires, Argentina.
Para ella el arte “es una forma autentica de expresión. Una herramienta súper poderosa
para comunicar, donde la sensibilidad, la creatividad y la intuición se encuentran.”
Es una artista a la que le gusta romper con paradigmas del arte, estar en constante
búsqueda de libertad y así permitirse reinventarse. Estudió dibujo y pintura en Buenos
Aires con artistas como Camila Lamarca, Patricia Reca, Billy Waller, Eugenia Laprida y
Eleonora Esponda. Martina se destaca hoy en día por el arte viviente pero también hizo
ilustración, collage, murales, arte digital y fotografía artística.
Disfruta de participar en exposiciones, y llevar su arte a distintos eventos corporativos.
En el año 2015 participó en la Feria Anual Arte Espacio en el Hipódromo de San Isidro
como artista emergente. Su inserción en el arte viviente, en 2017 la relata así: “Empecé
pintando una pared de mi cuarto y le dije a una amiga de mi hermana que estaba en casa
si se animaba a entregarse a algo nuevo.”. Más aún sus obras fueron seleccionadas para
exponer en la Muestra Anual Ayudarte en el Centro Cultural Kirchner.
Se destaca por su búsqueda innovadora. Actualmente está enfocada en su proyecto de
Arte Viviente, una técnica artística en la cual ella considera que prisma la confusión entre
realidad y obra, porque intervienen personas y objetos que se van adentrando en la pintura
y generan un solo plano. Sus colores y su estilo desenfadado son una propuesta de
innovación y modernidad y su resultado es un cuadro original e irrepetible. (Martina
Elisa: Arte Viviente)
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Entrevista
1. ¿Cómo te surgió la idea de hacer arte viviente?
Había visto que la técnica se implementaba en otras partes del mundo, y realmente me
volvía loca. No conocía a nadie que lo hiciera acá y eso me parecía un gran desafío, sobre
todo porque combinaba las dos cosas que más me gustan: las personas y la pintura.
De chica amaba que me pinten la cara en los cumpleaños y siempre tuve alguna prenda
en mi placard pintada por mí, también recuerdo haber pintado caras de amigas con
acrílico. Entonces un día sin darme cuenta terminé mechando un poco de todo lo que me
gustaba.
Empecé pintando una pared de mi cuarto y le dije a una amiga de mi hermana que estaba
en casa si se animaba a entregarse a algo nuevo. Y desde ese día nunca pare.
2. ¿Qué es lo que más disfrutás de hacer arte viviente? ¿Qué cosas te permite que no
podes realizar con otro tipo de técnicas?
Amo esta técnica. Me encanta que contiene dos etapas muy especiales: una de soledad
absoluta y pura libertad cuando realizo los fondos y otra de completa conexión y
comunicación con la persona a la que pinto.
Además, se genera un efecto impactante, donde prima una confusión entre realidad y
obra. Es fantástico ver el proceso y como cada elemento se va adentrando en la pintura
generando un solo plano.
3. ¿Cuál es tu definición de arte?
Arte para mi es una forma autentica de expresión. Una herramienta súper poderosa para
comunicar, donde la sensibilidad, la creatividad y la intuición se encuentran.
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4. ¿Qué artista o artistas te inspiran?
Todos me inspiran, cualquier obra que vea despierta algo en mí siempre.
Pero creo que las obras que más llaman mi atención hoy son las de Klimt, Felipe Noe,
Andy Warhol, Basquiat, Claudio Roncoli, Emilio Pucci (diseñador).
Las postales Vintage, la moda de los 80, y los carteles que veo por las calles suelen
inspirarme mucho también.
5. ¿Cuál es el movimiento artístico con el que te sentís más identificada?
Podría ser POP ART.
Me cuesta decidir uno, me estaría encasillando en una cosa, y creo que al encasillarme no
me doy lugar a la mutación, a la apertura y a re inventarme. Siento que muchas veces se
espera que el artista se defina lo cual genera presión, ya que no todo está definido siempre.
6. ¿Cómo te describís como artista?
Soy una persona súper intuitiva, me escucho mucho a mi misma y avanzo hacia ahí. Me
conecto fácilmente con mis deseos y necesidades y desde ahí expreso. Soy auténtica,
trasparente, sensible, tengo carácter, me río de mi misma, estoy en búsqueda de libertad
constantemente y me gusta romper con paradigmas.
7. Antes de comenzar a pintar ¿tenés una idea previa sobre lo que querés transmitir? Si
es así ¿cómo lo reflejas?
Depende, hay muchas veces que arranco a pintar y no tengo la menor idea donde va a
terminar. Esas suelen ser las mejores obras.
En muchas otras ocasiones ya se hacia dónde voy porque tengo hecho un boceto previo
(sobre todo cuando se trata de un trabajo para alguna marca o empresa donde la idea es
compartida)
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8. ¿Cuán importante consideras que es el color en tus obras?
El color es fundamental, le da fuerza, carácter y sentido a la pintura.
9. ¿Qué buscas transmitir con tu arte?
Me gusta trasmitir la idea de que todo puede ser transformado en una obra de arte, que
nosotros mismos somos obra de arte. Que la autenticidad prueba que no hay un solo
camino, que la fórmula no es siempre la misma y que podemos romper con paradigmas.
10. ¿Qué crees que marca tu estilo como artista, aquello que le permite a uno reconocer
que es una obra tuya?
Creo que mi estilo está en la fuerza, en los trazos bien marcados, en los contornos oscuros,
en los contrastes de colores y en el juego que se genera de imaginación versus realidad.
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Ensayo sobre la imagen
En el siguiente ensayo se analizará la obra de la artista Martina Elisa Montoya con el fin
de destacar sus elementos más significativos y como estos encuadran en los distintos
movimientos que surgieron a lo largo de la historia, así como también como esta se
diferencia de los mismos. Antes de comenzar el análisis, cabe destacar que las obras de
arte de viviente de Martina Elisa constan de dos etapas: una de soledad absoluta y pura
libertad cuando realiza los fondos y otra de completa conexión y comunicación con la
persona a la que pinta.
Para empezar, durante el postimpresionismo, que surge en Francia en 1880, se utilizaban
colores vivos, pinceladas distinguibles y se plasmaban temas de la vida real llevando más
emoción y expresión a sus cuadros. Vincent Van Gogh, usaba el arte como medio de
expresar y no de imitar a la Naturaleza, él tenía pinceladas notorias y hacía utilización de
paletas brillantes y opulentas. Martina se asemeja en sus trazos bien marcados y en sus
formas con aspecto violento e independientes del mundo exterior. Además, ella al igual
que Paul Gauguin no intenta hacer una copia de la realidad visual, y por lo tanto no se
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encuentra ligada ni a paletas de colores que concuerden con la Naturaleza ni tampoco a
las leyes de la perspectiva para recrear el espacio.
Sumado a esto, en sus obras hace uso del recurso que imponía Henri de Tolouse-Lautrec,
él era un artista del postimpresionismo que comenzó a hacer afiches con el sistema
litográfico y utilizaba el contorno que permitía destacar la figura del fondo. En este caso,
se puede ver como la autora de la obra hace un contorno alrededor de los brazos, la
clavícula y en la pera, ella considera que los contornos oscuros es uno de los recursos que
marca su estilo y permite que el espectador reconozca sus pinturas.
En la paleta de la artista se ven colores brillantes y contundentes pero que no coinciden
con una realidad sino más bien expresan una libertad pictórica. Es por esto, que en su
obra se puede ver la semejanza con los fauves, artistas que, a partir del año 1905, en
Francia, recibieron ese nombre a causa de sus elecciones de color expresivas y llamativas
por su apariencia salvaje. Los fauvistas consideraban que el color tenía su propio valor
expresivo y que este era inherente a la realidad y al objeto porque podía sostenerse por sí
mismo en una pieza artística. La artista en su obra también le da al color una nueva
función que ya no es la de permitir reconstruir una realidad que el público reconozca, sino
la de captar la atención y entrar en un plano de pura expresión en la que el color “le da
fuerza, carácter y sentido a la pintura.”. Martina Elisa Montoya al igual que los fauves
“provoca la sorpresa con sus formas más violentas y el color inesperado.” (Jean Cassou,
1995, p.23). No obstante, ella opta por incluir en la paleta no sólo colores puros sino
también desaturados con blanco, que le permite generar mayor contraste.
Otro de los movimientos con los que se puede relacionar la obra es el expresionismo
alemán, que se desarrolló a partir de 1905 en un contexto de continuos inventos y
descubrimientos que obligaron al hombre a pensar de una forma diferente, más abstracta.
Los artistas realizaban cuadros cargados de emoción que debían captar los sentimientos
más íntimos del ser humano, uno de los grupos que se destacan en el expresionismo es
Die Brücke (El Puente), ellos empleaban “colores brillantes y saturados que,
desprendidos del colorido local y pintados superficialmente con un pincel grueso, se
encuentran engastados dentro de un fuerte contorno…” (Kraube, 1995, p.87). Martina
Elisa al igual que Ernst Ludwig Kirchner otorga al color una dimensión emocional y
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composicional y utiliza para ello pinceladas gruesas y el contraste de colores. Además,
ambos artistas no se atan a una paleta que concuerde con la realidad.
Más aún, en el movimiento artístico pop art, que nace en 1958, los artistas “evocaron las
imágenes de la cultura popular de masas, de la prensa sensacionalista y amarilla, de la
propaganda, del cine y del diseño.” (como se cita en Kraube, 1995, p.114). Durante este
movimiento artístico se vuelve a recuperar el mundo material y los objetos de la vida
cotidiana son elevados a la categoría de obras de arte.
Martina Montoya, aunque prefiere no encasillarse, se siente identificada con este
movimiento. En la obra se pueden ver semejanzas en el fondo en la utilización de recursos
pictóricos como las estrellas, que son imágenes que se encuentran dentro de un mundo
conocido y comprensible para el espectador que le posibilitan comprender la obra sin la
necesidad de conocimientos previos ni especiales. (Kraube, 1995, p.114). También, se ve
un estilo pop art en la inclusión de recortes de imágenes como la fotografía de 4 mujeres
que ella intervino con colores vívidos.
Asimismo, en el caso de Martina una vez que pinta el fondo y la persona ella comienza a
hacer uso de la fotografía para captar su obra y poder reproducirla y compartirla con el
público, en ese proceso debe elegir que es lo que va a mostrar de su arte viviente, y así
decidir la posición de la persona y de la cámara que son variables que generan una imagen
totalmente distinta. Esto se relaciona con el artista Andy Warhol que utilizaba la
fotografía de distintas estrellas como base para sus obras de serigrafía en las que jugaba
con la aplicación del color. Sin embargo, las obras de Warhol no tenían unicidad porque
se fabricaban en grandes cantidades, mientras que las obras de Martina Elisa, son efímeras
e irrepetibles para aquel espectador que ve la obra en vivo.
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Anexo
Martina Elisa Montoya
Paul Gauguin Mujeres de Tahíti 1891
Ernst Ludwig Kirchner Doris con cuello alto 1906
Henri Matisse Mujer con sombrero 1905
Andy Warhol Marilyn 1964
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Referencias bibliográficas
• Martina Elisa: Arte viviente. Recuperado de https://www.arteviviente.com
• Yuki: Martina Montoya. Recuperado de https://yuki.com.ar/martina-montoya/
• Kraube, A. C. (1995). Historia de la pintura: Del renacimiento a nuestros días (1ª
ed.) Köln: Könemann
• Corredor, M. J. , Giralt M. D. y Cassou. J. (1975). La pintura en el siglo XX (1ª ed.)
Barcelona: Salvat 1975
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