much cine revista diciembre 2014
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Editorial: Diseño y Maquetación: Carlos Benjamín
Viñetas: Laura Merino y Diana López-Barroso
Gerardo Medina: redacción y crítica
Laura Magaña: redacción y crítica
Este mes viene cargado de novedades, se estrena la
última película de la saga ‘El Hobbit’, llegan las navidades
y empezamos a conocer las primeras novedades de 2015
y a prepararnos para la ceremonia de los Oscar, pero
como para esto último todavía queda bastante, os
amenizamos las fiestas con esta nueva entrega.
Agradecimientos a todos y cada uno de nuestros
colaboradores, cuya implicación crece día tras día.
Si quieres sumarte al equipo, escríbenos un email a
info@muchcine.com
Lo dicho, Felices Fiestas y próspero 2015!
Título Original: The Water Diviner
Género: Drama
Nacionalidad: Australia
Año: 2014
Director: Russell Crowe
Guión: Andrew Anastasios, Andrew Knight
Reparto: Olga Kurylenko, Isabel Lucas, Russell Crowe, Jai
Courtney, Damon Herriman, Deniz Akdeniz, Jacqueline McKenzie,
Robert Mammone, Cem Yilmaz, Yilmaz Erdogan, Ryan Corr, Dan
Wyllie, Mert Firat, Steve Bastoni, James Fraser
Sinopsis:
The Water Diviner es una Aventura épica ambientada cuatro
años después de la devastadora batalla de Gallipoli, en Turquía,
durante la Primera Guerra Mundial. El granjero australiano
Connor (Crowe) viaja a Estambul para descubrir qué ha pasado
con sus hijos, declarados desaparecidos en combate, al tiempo
que forja una relación con una hermosa mujer turca (Olga
Kurylenko), propietaria del hotel en el que se hospeda. Aferrado
a la esperanza y con ayuda de un oficial turco, Connor se embarca
en un viaje a través del país para descubrir la verdad acerca del
destino de sus hijos.
Fecha de Estreno: Diciembre de 2014
Título Original: Tomorrowland
Género: Misterio, Ciencia Ficción
Nacionalidad: USA
Año: 2014
Director: Brad Bird
Guión: Brad Bird
Reparto: Britt Robertson, George Clooney, Judy Greer, Hugh
Laurie, Tim McGraw, Paul McGillion, Raffey Cassidy, David Nykl,
Paul Anthony, Matthew Kevin Anderson, Manoj Sood, Shiloh
Nelson, Fraser Corbett, Parm Soor, Ranjit Samra
Sinopsis:
Unidos por el mismo destino, un adolescente inteligente y
optimista lleno de curiosidad científica y un antiguo niño prodigio
inventor hastiado por las desilusiones se embarcan en una
peligrosa misión para desenterrar los secretos de un enigmático
lugar localizado en algún lugar del tiempo y el espacio conocido en
la memoria colectiva como Tomorrowland.
Título: Exodus: Dioses & Reyes
Título Original: Exodus: Gods & Kings
Género: Drama, Histórico
Nacionalidad: Reino Unido, USA
Año: 2014
Director: Ridley Scott
Guión: Bill Collage, Adam Cooper, Steven Zaillian
Reparto: Aaron Paul, Christian Bale, Joel Edgerton, Sigourney
Weaver, Ben Kingsley, John Turturro, Gerard Monaco
Sinopsis:
Del aclamado director Ridley Scott llega Exodus: Dioses & Reyes,
una aventura épica que narra la historia de un hombre cuyo
coraje desafió a un imperio. Mediante los efectos visuales y el
3D más vanguardistas, Scott da nueva vida a la historia del
desafiante líder Moisés (Christian Bale) y su rebelión contra el
faraón Ramsés (Joel Edgerton), liberando a 600.000 esclavos en
una épica huida de Egipto tras un terrorífico ciclo de mortíferas
plagas.
Título: Magia a la luz de la luna
Título Original: Magic in the Moonlight
Género: Comedia, Drama
Nacionalidad: USA
Año: 2014
Director: Woody Allen
Guión: Woody Allen
Reparto: Emma Stone, Colin Firth, Marcia Gay Harden, Hamish
Linklater, Jacki Weaver, Eileen Atkins, Erica Leerhsen, Antonia
Clarke, Simon McBurney, Ute Lemper, Jeremy Shamos, Kenneth
Edelson, Natasha Andrews
Sinopsis:
Ambientada en la lujosa Costa Azul de la Francia de los años 20,
Magic in the Moonlight, de Woody Allen, es una comedia
romántica que cuenta la historia de un mago (Colin Firth) que
intenta desenmascarar a una médium (Emma Stone).
Fecha de Estreno: Viernes, 05 de Diciembre de 2014
Título: Mr. Kaplan
Título Original: Mr. Kaplan
Género: Comedia, Drama, Thriller
Nacionalidad: Uruguay
Año: 2014
Director: Álvaro Brechner
Guión: Álvaro Brechner
Reparto: Héctor Noguera, Néstor Guzzini, Rolf Becker, Nidia
Telles, Nuria Fló, Leonor Svarcas, Gustavo Saffores, Hugo
Piccinini, Cesar Jourdan, Jorge Bolani, Augusto Mazzarelli, Adela
Dubrá, Roberto Suárez, Anouk Ogueta, Gabriel Kaplan
Sinopsis:
El filme nos cuenta la historia de Jacobo Kaplan, un veterano
judío que tras la Segunda Guerra Mundial huyó a Sudamérica.
Descontento con su nuevo rabino, su comunidad, su familia y en
general su vida, y temeroso de morir y no ser recordado, Jacobo,
de casi 80 años, decide, con la ayuda de un policía retirado
llamado Wilson Contreras, dar un giro a su vida. Se embarcará en
una aventura singular: capturar a un viejo alemán propietario de
un restaurante, del cual está convencido de que es un antiguo
oficial nazi. Su objetivo es secuestrarlo y llevarlo a Israel.
Fecha de Estreno: Viernes, 05 de Diciembre de 2014
Título: Ouija
Título Original: Ouija
Género: Aventuras, Thriller Sobrenatural
Nacionalidad: USA
Año: 2014
Director: McG
Guión: Simon Kinberg, Edward Kitsis, Adam Horowitz
Reparto: Douglas Smith, Olivia Cooke, Erin Moriarty, Matthew
Settle, Daren Kagasoff, Bianca A. Santos, Ana Coto, Vivis
Colombetti
Sinopsis:
Aventura en torno a una tabla Ouija.
Fecha de Estreno: Viernes, 05 de Diciembre de 2014
Título: El amor es extraño
Título Original: Love is Strange
Género: Drama
Nacionalidad: USA, Francia
Año: 2014
Director: Ira Sachs
Guión: Ira Sachs, Mauricio Sacharias
Reparto: John Lithgow, Alfred Molina, Tatyana Zbirovskaya,
Olya Zueva, Jason Stuart, Darren E. Burrows, Marisa Tomei,
Charlie Tahan, Harriet Sansom Harris, Cheyenne Jackson, Manny
Perez, Christina Kirk, John Cullum, Eric Tabach, Tank Burt
Sinopsis:
Después de 39 años de vida conjunta, Ben y George aprovechan la
nueva ley y deciden casarse. De vuelta de la luna de miel, debido
al revuelo mediático que generó su matrimonio, despiden a
George de su puesto como director del coro de una escuela
católica mixta. De pronto, la pareja descubre que no puede pagar
la hipoteca de su pequeño piso en Chelsea, por lo que deben
mudarse y venderlo. Pocos días después de celebrar la boda, el
grupo de amigos y parientes vuelve a reunirse para ver cómo,
entre todos, pueden ayudar a Ben y a George.
Fecha de Estreno: Viernes, 12 de Diciembre de 2014
Título: Hombres, Mujeres & Niños
Título Original: Men, Women & Children
Género: Comedia, Drama
Nacionalidad: USA
Año: 2014
Director: Jason Reitman
Guión: Jason Reitman, Erin Cressida Wilson
Reparto: Ansel Elgort, Adam Sandler, Jennifer Garner, Emma
Thompson, Judy Greer, Kaitlyn Dever, Dean Norris, Dennis
Haysbert, Rosemarie DeWitt, JK Simmons, Elena Kampouris,
Olivia Crocicchia, David Denman, Phil LaMarr, Kathrine Herzer
Sinopsis:
Hombres, Mujeres & Niños narra la historia de un grupo de
adolescentes de instituto y de sus padres intentando comprender
las muchas maneras en que Internet ha cambiado sus relaciones,
su comunicación, la imagen que tienen de sí mismos y sus vidas
amorosas. La película intenta analizar temas sociales como la
cultura de los videojuegos, la anorexia, la infidelidad, la búsqueda
desesperada de la fama y la proliferación de materiales ilícitos
en Internet. A medida que cada personaje y sus relaciones son
puestos a prueba, se nos muestra los diversos caminos que elige
la gente (algunos trágicos, otros esperanzadores), mientras se
hace evidente que nadie es inmune al enorme cambio social que
nos ha llegado a través de nuestros teléfonos, nuestras tabletas
y nuestros ordenadores.
Fecha de Estreno: Viernes, 12 de Diciembre de 2014
Título: I Feel Good
Título Original: Get on up
Género: Biopic, Drama, Musical
Nacionalidad: USA
Año: 2014
Director: Tate Taylor
Guión: Steve Baigelman, Jez Butterworth, John Butterworth,
Tate Taylor
Reparto: Chadwick Boseman, Nelsan Ellis, Viola Davis, Octavia
Spencer, Jill Scott, Tika Sumpter, Dan Aykroyd, Keith Robinson,
Lennie James, Ralph E. Tresvant, Donald Watkins, Julius Tennon,
Joseph Stephens Jr., Corey Sorenson, Billy Slaughter
Sinopsis:
Después del éxito de Criadas y señoras, nominada a cuatro
Oscar, Tate Taylor dirige a Chadwick Boseman como James
Brown en Get on up. Basada en el increíble recorrido del padrino
del soul, la película se adentrará sin temor en la música, la vida y
los estados de ánimo de James Brown, guiando al público en un
viaje desde la dura infancia del cantante hasta que se convierte
en una de las figuras más influyentes del siglo XX.
Fecha de Estreno: Viernes, 12 de Diciembre de 2014
Título: St. Vincent
Título Original: St. Vincent
Género: Comedia
Nacionalidad: USA
Año: 2014
Director: Theodore Melfi
Guión: Theodore Melfi
Reparto: Naomi Watts, Bill Murray, Melissa McCarthy, Chris
O'Dowd, Terrence Howard, Selenis Leyva, Nate Corddry, Scott
Adsit, Katharina Damm, Jaeden Lieberher, Kimberly Quinn,
Lenny Venito, Brad Calcaterra, Alexandra Fong, Greta Lee
Sinopsis:
Maggie (Melissa McCarthy) es una madre separada que se muda a
Brooklyn con su hijo de doce años, Oliver (Jaeden Lieberher). Al
tener que trabajar muchas horas, no le queda más opción que
dejar a Oliver al cargo de su nuevo vecino, Vincent (Bill Murray),
un jubilado cascarrabias aficionado al alcohol y a las apuestas.
Pronto, una peculiar amistad florece entre esta improbable
pareja. Junto a una stripper embarazada llamada Daka (Naomi
Watts), Vincent conduce a Oliver por todas las paradas que
conforman su rutina diaria: las carreras de caballos, el club de
striptease, y su bar habitual. Pero mientras Vincent cree que
ayuda a Oliver a hacerse un hombre, Oliver comienza a ver en
Vincent algo que nadie más ve: Un hombre incomprendido de buen
corazón.
Fecha de Estreno: Viernes, 12 de Diciembre de 2014
Título: El Hobbit: La Batalla de los Cinco Ejércitos 3D
Título Original: The Hobbit: The Battle Of The Five Armies 3D
Género: Aventuras, Fantasía
Nacionalidad: USA
Año: 2014
Director: Peter Jackson
Guión: Peter Jackson, Fran Walsh, Philippa Boyens, Guillermo Del
Toro
Reparto: Martin Freeman, Hugo Weaving, Cate Blanchett, Elijah
Wood, Andy Serkis, Ian McKellen, Lee Pace, Richard Armitage,
Leonard Nimoy, Christopher Lee, Conan Stevens, Ian Holm,
Mikael Persbrandt, Brian Blessed, Aidan Turner, James Nesbitt,
Graham McTavish, Ryan Gage, Sylvester McCoy, Dominic Keating,
Jeffrey Thomas, Jed Brophy, Dean O'Gorman, Ken Stott,
Stephen Hunter, John Callen, Adam Brown, William Kircher,
Peter Hambleton, Michael Mizrahi, Mark Hadlow, Benedict
Cumberbatch, Luke Evans, Evangeline Lilly, Richard Armitage,
Manu Bennett, Stephen Fry
Sinopsis:
Tercera entrega de la adaptación de la novela de J.R.R. Tolkien
"El Hobbit", precuela de "El Señor de los Anillos".
El Hobbit: La batalla de los cinco ejércitos supone el épico final
de las aventuras de Bilbo Bolsón, Thorin Escudo de Roble y la
Compañía de los Enanos. Cuando reclamaron su patria al dragón
Smaug, la Compañía desató sin querer una fuerza malvada en el
mundo. Furioso, Smaug descarga llamaradas de ira sobre los
habitantes indefensos de Ciudad del Lago.
Thorin, consumido por la obsesión de reclamar su tesoro,
sacrifica la amistad y el honor para conseguirlo mientras los
frenéticos intentos de Bilbo por hacerle entrar en razón llevan al
Hobbit a tomar una decisión arriesgada y peligrosa; pero las
amenazas que les esperan son aún mayores. Sauron, el mayor
adversario de todos, ha enviado legiones de orcos a un ataque
furtivo en la Montaña Solitaria sin que nadie se entere, salvo el
mago Gandalf.
A medida que el mal se cierne sobre su creciente conflicto, las
razas de los Enanos, los Elfos y los Hombres tienen que decidir si
aúnan sus fuerzas o se abandonan a la destrucción. De repente,
Bilbo tiene que luchar por su vida y la de sus amigos en la épica
Batalla de los cinco ejércitos, mientras el futuro de la Tierra
Media pende de un hilo.
Fecha de Estreno: Miércoles, 17 de Diciembre de 2014
Título: 6 héroes
Título Original: Big Hero 6
Género: Animación, Comedia, Familiar
Nacionalidad: USA
Año: 2014
Director: Don Hall
Guión: Don Hall
Reparto: Genesis Rodriguez, Jamie Chung, Damon Wayans Jr.,
Alan Tudyk, T.J. Miller, James Cromwell, Maya Rudolph, Ryan
Potter, Daniel Henney, Scott Adsit, Charles Adler
Sinopsis:
Inspirada en los cómics de Marvel del mismo nombre. Comedia de
aventuras y acción sobre un experto en robótica llamado Hiro
Hamada, quien se encuentra dentro de un complot criminal que
amenaza con destruir rápidamente la tecnológica ciudad de San
Fransokyo. Hiro y su mejor amigo, un robot llamado Baymax-Hiro
unirán sus fuerzas a un equipo de novatos luchadores contra el
crimen en la misión de salvar a su ciudad.
Fecha de Estreno: Viernes, 19 de Diciembre de 2014
Título: Dios mío, ¿pero qué te hemos hecho?
Título Original: Qu’est-ce qu’on a fait au Bon Dieu?
Género: Comedia
Nacionalidad: Francia
Año: 2014
Director: Philippe de Chauveron
Guión: Philippe de Chauveron, Guy Laurent
Reparto: Christian Clavier, Chantal Lauby, Ary Abittan, Medi
Sadoun, Frédéric Chau, Noom Diawara, Frédérique Bel, Julia
Piaton, Emilie Caen, Elodie Fontan, Pascal N'Zonzi, Salimata
Kamate, Tatiana Rojo, Loïc Legendre, Elie Semoun
Sinopsis:
Claude y Marie Verneuil son un matrimonio muy tradicional,
ambos católicos y padres de cuatro hijas, a las que han tratado
de inculcar sus valores y costumbres. Pero no siempre ha sido una
tarea fácil... La pareja pasó el primer mal trago con la noticia del
matrimonio de su hija mayor con un musulmán, a éste fue seguido
el de su segunda hija con un judío y al de la tercera con un chino.
Aunque el matrimonio trata de mantener una mente abierta, en el
fondo, siguen depositando todos sus esperanzas en su hija menor,
y esperan que al menos ella se case por la iglesia.
Fecha de Estreno: Viernes, 19 de Diciembre de 2014
Título Original: Stand by me Doraemon 3D
Género: Animación
Nacionalidad: Japón
Año: 2014
Director: Takashi Yamazaki
Guión: Takashi Yamazaki
Reparto: Satoshi Tsumabuki
Sinopsis:
Nobita Nobi es un niño bastante patoso al que, a menudo, las
cosas le salen del revés. Un día recibe la visita de Sewashi, un
misterioso niño que afirma ser su tataranieto del siglo XXII y le
explica que ha venido a verle porque su futuro es un desastre que
arruinará a toda su familia durante generaciones. Sewaski cree
que aún puede haber una solución y le presta a su robot
Doraemon para que le ayude a encontrarla. Al principio Doraemon
no lo ve nada claro pero tras unas cuantas aventuras juntos, el
gato cósmico cree haber encontrado la clave: el amor.
Fecha de Estreno: Viernes, 19 de Diciembre de 2014
Título: El club de los incomprendidos
Título Original: El club de los incomprendidos
Género: Comedia
Nacionalidad: España
Año: 2014
Director: Carlos Sedes
Guión: Ramón Campos, Cristóbal Garrido, Gema R. Neira, Adolfo
Valor
Reparto: Ivana Baquero, Aitana Sánchez-Gijón, Yon González,
Àlex Maruny, Patrick Criado, Charlotte Vega, Jorge Clemente,
Andrea Trepat, Michelle Calvó, Iria del Río, Álvaro Díaz
Rodríguez, Paula Muñoz
Sinopsis:
La historia de El club de los incomprendidos se centra en Valeria
(Charlotte Vega), una joven que se acaba de trasladar a Madrid
tras la separación de sus padres. En su nuevo instituto, Valeria se
ve obligada a asistir a unas reuniones con el orientador a las que
también acuden otros compañeros de clase. Lo que en un principio
parecería un mal comienzo para la nueva existencia de Valeria, se
acaba convirtiendo en el inicio de una increíble experiencia vital.
Nuevas amistades, una ciudad llena de posibilidades, el primer
amor… intensas experiencias que cambiarán para siempre las
vidas de este nuevo grupo de amigos. Acaba de nacer El club de
los incomprendidos.
Fecha de Estreno: Jueves, 25 de Diciembre de 2014
Título: Invencible
Título Original: Unbroken
Género: Drama, Bélico
Nacionalidad: USA
Año: 2014
Director: Angelina Jolie
Guión: Ethan Coen, Joel Coen, Richard LaGravenese, William
Nicholson
Reparto: Jack O'Connell, Domhnall Gleeson, Garrett Hedlund,
Alex Russell, Jai Courtney, Finn Wittrock, John Magaro, Jordan
Patrick Smith, Miyavi, C.J. Valleroy, Chris Proctor, Sean Edward
Frazer, Taki Abe
Sinopsis:
Drama épico que narra la increíble vida del piloto y héroe de
guerra Louis “Louie” Zamperini (Jack O’Connell), que junto a dos
tripulantes sobrevivió 47 días en una balsa después de que su
bombardero se estrellara, antes de ser capturados por la marina
japonesa y mandados
Fecha de Estreno: Jueves, 25 de Diciembre de 2014
Título Original: Musarañas
Género: Drama, Terror, Thriller
Nacionalidad: España
Año: 2014
Director: Juanfer Andrés, Esteban Roel
Guión: Juanfer Andrés, Sofía Cuenca, Emma Tusell
Reparto: Silvia Alonso, Carolina Bang, Nadia de Santiago, Asier Etxeandia,
Macarena Gómez, Gracia Olayo, Josean Pérez, Hugo Silva, Luis Tosar
Sinopsis:
España, años cincuenta. Montse (MACARENA GÓMEZ) ya no es joven, ha
perdido su juventud cuidando de su hermana pequeña, encerradas en un
siniestro piso del centro de Madrid. Su madre murió en el parto de la
pequeña (NADIA DE SANTIAGO), y el padre (LUIS TOSAR) no pudo
soportarlo. Huyó cobardemente dejándolas solas. Obligada a ser padre,
madre y hermana mayor, Montse se esconde de la vida, entre cuatro
paredes, alimentando un temperamento obsesivo y desequilibrado: padece
de agorafobia y no puede dar un paso fuera de casa. Ella no entiende lo que
le sucede, y el sufrimiento que esa extraña enfermedad le genera la obliga a
refugiarse en un mundo de Padrenuestros y Avemarías.
Montse trabaja de costurera y el único eslabón que la une con la realidad es
la niña, una niña que está dejando de serlo. Un día, esa cadena se rompe:
Carlos (HUGO SILVA), un vecino joven e irresponsable, tiene la desgracia
de caerse por las escaleras, buscando ayuda en la única puerta a la que ha
sido capaz de arrastrarse. Montse le recoge. Alguien ha entrado en la
madriguera de las musarañas… puede que no vuelva a salir.
Fecha de Estreno: Jueves, 25 de Diciembre de 2014
Título: Noche en el museo: el Secreto del Faraón
Título Original: Night at the Museum: Secret of the Tomb
Género: Comedia
Nacionalidad: USA, Reino Unido
Año: 2014
Director: Shawn Levy
Guión: Robert Ben Garant, David Guion, Michael Handelman,
Thomas Lennon
Reparto: Robin Williams, Ben Stiller, Rebel Wilson, Dan Stevens,
Owen Wilson, Ben Kingsley, Rami Malek, Ricky Gervais, Dick Van
Dyke, Steve Coogan, Rachael Harris, Mickey Rooney, Skyler
Gisondo, Mizuo Peck, Bill Cobbs
Sinopsis:
Larry atraviesa el Globo, juntando a nuestros personajes
favoritos con nuevos amigos para embarcarse en una misión épica
y salvar la magia antes que desaparezca para siempre.
Fecha de Estreno: Jueves, 25 de Diciembre de 2014
Título: Pride
Título Original: Pride
Género: Comedia, Drama
Nacionalidad: Reino Unido
Año: 2014
Director: Matthew Warchus
Guión: Stephen Beresford
Reparto: Ben Schnetzer, Abram Rooney, Jim McManus, George
MacKay, Monica Dolan, Matthew Flynn, Andrew Scott, Joseph
Gilgun, Faye Marsay, Freddie Fox, Lucy Timmons, Jordan
Metcalfe, Roger Morlidge, Dean Ashton, Chris Overton
Sinopsis:
Fecha de Estreno: Viernes, 26 de Diciembre de 2014
REC 4 El ¿fin? de la pesadilla
Por Gerardo Medina
Siempre hubo una progresión lógica e innovadora en la saga que iniciaran Jaume
Balagueró y Paco Plaza en 2007. Podría haber sido muy fácil repetir los esquemas de
aquel éxito inesperado, pero los dos directores, tirando de conocimientos sobre el
género y de amor hacia el mismo, consiguieron darle una vuelta de tuerca que iba desde
las pinceladas de comedia demoniaca hasta el acertado uso de la multicámara. Ya en
solitario, Plaza logró dar otro giro a la franquicia abrazando sin complejos la comedia
gore de Raimi o Jackson –pero a la española, que sabe mejor-, rompiendo la cámara en
primera persona en mil pedazos y lanzando un mensaje soterrado de advertencia sobre
el amor como poderoso parásito infeccioso.
Ahora por su cuenta, a Balagueró le toca dar cierra definitivo a la historia, y a estas
alturas de la película, poco se preocupa por sorprender y por dar un final digno que se
aleje de lo ya visto antes, o lo que se vería en cualquier otro film del género. Se
agradecen ciertos toques de ingenio –siempre es una alegría volver al edificio original y
ver algunos cameos y guiños a la trilogía anterior-, pero en su conjunto, “[·REC] 4:
Apocalipsis” no es más que una secuela funcional, con poco pulso narrativo –tarda
bastante en entrar en materia, y los tiempos muertos son más comunes de lo necesario-
y una desgana que la erigen como la más floja de las cuatro entregas. Es como si su
director hubiera aceptado ponerse al frente del timón de un barco cuyo destino le
importa más bien poco, y en ese sentido es también la más floja de toda la filmografía
del cineasta leridano, sin por ello ser una mala película en absoluto.
Cuando tienes elementos tan suculentos aunque recurrentes como monos, un barco de
pasillos estrechos, una infección zombi en masa y un motor con el que realizar tu propia
bacanal visceral –quizá el momento más festivo del film-, todo debería salir a la
perfección. Pero al contrario, “[·REC] 4” desaprovecha sus muchas cartas con actores
sobreactuados –sí, más que Manuela Velasco, con diferencia la más acertada del
reparto-, efectos discutibles, un guión soso y predecible y un giro hacia la acción con tal
exceso de adrenalina que se vuelve incluso mareante en el momento en que la cámara
actúa como un infectado más. Un survival que debió tomarse un poco menos en serio a
sí mismo y al que le falta tirar la casa por la ventana y volverse gamberra y
desprejuiciada como su predecesora. Al menos, el broche de bronce ya está puesto. O
no.
A favor: algunos toques de ingenio, volver al edificio original, y que entretiene
En contra: se limita a cumplir como entretenimiento funcional y se toma demasiado en
serio a sí misma
NOTA: 6 sobre 10
Autómata El robot que bajó del árbol
Por Gerardo Medina
Treinta años hacia el futuro. La superficie terrestre se ha convertido en un interminable
desierto radiactivo. Poco más del 99% de la población mundial ha sobrevivido, y los
que lo han conseguido malviven en el interior de una ciudad atendida por autómatas
proporcionados por la Corporación Roc. Dos protocolos dominan la conducta de los
robots: primero, un robot no puede causar daño a un ser humano, y segundo, un robot
no puede modificarse a sí mismo. Pero esta última ley se verá peligrosamente
cuestionada cuando un robot modificado por dentro llega a la morgue. O se ha
modificado a sí mismo, o existe un relojero que está modificando las máquinas.
Durante sus primeros compases, “Autómata” desprende cierto aroma a “Blade Runner”
por la presentación de la atmósfera en la que se desenvuelve, su propia temática y hasta
el look –chubasquero anti radiación incluido- que visten los agentes de la corporación.
Y los protocolos por el que se rigen los robots condensan los postulados de Asimov. Las
referencias de las que bebe son claras, y “Autómata” recoge grandes ideas durante la
primera mitad de su metraje, la mejor balanceada del conjunto, ofreciendo un thriller de
ciencia-ficción que consigue captar cierto interés y nivel de suspense, aunque haya que
aguantar el sintético rostro de Melanie Griffith o a ese personaje tan mal trazado que es
el interpretado por Dylan McDermott, una especie de villano que merecía estar mejor
definido.
Pero durante la segunda mitad, sus ideas se aturullan y pierden peso y relevancia. La
trama alterna de forma paralela escenas en el desierto con los robots, quizá las más
humanas e interesantes, con soporíferas secuencias corporativas de despacho
protagonizadas por personajes tan insulsos e inútiles para el desarrollo como el de
Robert Forster. Y aunque el tramo final intenta imprimir algo de acción al conjunto, sus
ambiciosas ideas hace ya una hora que quedaron bien plasmadas y ya se han vuelto algo
redundantes y repetitivas. El film se empeña en reincidir en ellas una y otra vez, pero sin
dirigirlas a ninguna parte.
Y es una pena, porque insisto, sus ideas son enormes. No originales, ya que la temática
del robot que toma consciencia de su existencia y decide bajar del árbol, así como el
principio del fin de nuestro status como especie dominante del planeta, ya ha sido
explotada con anterioridad en el cine. El problema es lo que rodea a dichas ideas, la
historia en la que se desenvuelven, y el mal rumbo que toman hasta resultar reiterativas.
Y una mayor pena da que la factura final del producto, pese a ciertos efectos digitales
poco logrados –los planos generales de la ciudad o la persecución nocturna en el
desierto-, resulta de lo más convincente, que Banderas lleva con dignidad el peso de la
narración, o que Gabe Ibáñez confirma que es un director con pulso visual, pero que
merece un libreto mejor. Quizá la propuesta habría mejorado de haber combinado sus
grandiosos temas con una mayor dosis de entretenimiento y acción antes que apostar
por la ciencia-ficción existencialista. Pero lo que ha quedado finalmente es un soso
ejercicio de prometedoras reflexiones, pero incapacidad para evolucionar y bajarse del
árbol.
NOTA: 3.5 sobre 10
ABC’S of Death 2 R is for Reset
Por Gerardo Medina
Cuando tu estructura narrativa, como antología del terror que pretendes ser, consiste en
presentar 26 cortos en los que la muerte juega un papel crucial, con el abecedario como
única herramienta de cohesión, partes de una cualidad y a la vez de un talón de Aquiles:
la capacidad de presionar el reset cerebral que te otorga el fin de cada pieza y el
comienzo de la siguiente. Una cualidad porque si un corto te aburre, la agonía tiene fin y
puede dar paso a una genialidad. Y un punto débil porque no te da tiempo a saborear
cada entrega, para bien o para mal, y ya estás ante una nueva.
“ABC’s of Death 2” sigue adoleciendo de los mismos hándicaps de su predecesora. 26
cortos de terror embutidos en dos horas de metraje sigue constituyendo algo excesivo,
una forma de poner a prueba la paciencia del espectador, que cuando llega a la última
letra ya está exhausto. Y, por supuesto, la irregularidad de los trabajos presentados, en
los que se da quizá demasiada libertad a sus creadores, es algo inherente a toda
antología en la que participan distintos realizadores.
Sí, esta secuela aún tiene por delante la difícil y prácticamente imposible tarea de
solventar estos dos grandes escollos, pero al menos consigue que la sensación general
que te llevas sea ligeramente más positiva que la de su predecesora. Hay una mejor
realización, un trabajo más depurado en la presentación y confección de los segmentos,
y ya no te llevas la impresión de que en la mayoría de los cortos han tratado de tomarte
el pelo, haciendo alarde de un humor absurdo y grotesco que no encaja con una
antología de terror. E incluso las grandes tomaduras de pelo de la película –por ejemplo,
“G is for Grandad”, “P is for P-P-P-P-P Scary!” o “W is for Wish”- poseen una media
superior a aquel bochornoso corto de Ti West de la primera entrega o aquellas “W is for
WTF” o “F is for Fart” que eran de vergüenza ajena.
Y entre propuestas que empiezan bien pero acaban desinflándose –“K is for Knell” o “U
is for Utopia”- y trabajos que funcionan bien en solitario pero que sigo preguntándome
que pintan en un film de estas índole –“E is for Equilibrium” o “H is for Head Games”-,
destacan cuatro piezas que, en comparación con el resto, se convierten en genialidades,
especialmente durante su recta final: “R is for Roulette” de Marvin Kren, un estiloso
relato en blanco y negro inteligentísimo y con giro final; “S is for Split” de Juan
Martínez Moreno, en el que sorprende el buen uso que hace el director de “Lobos de
Arga” de la multicámara y el fuera de plano como mecanismos para generar suspense;
“X is for Xylophone”, o lo macabros y juguetones que pueden ser los directores de “À
l’intérieur”; y sobre todo “Z is for Zygote”, la más bestia, bizarra y polémica de toda la
cinta.
Pero mucho ojo, constituyen genialidades dentro del conjunto y en comparación con sus
compañeras de pesadilla, que no llegan mucho más allá del pasable. Pero ya es un paso
de gigante en una franquicia que ha pasado de la calificación de horrible a pasable en
una sola entrega. Y una antología que, como ocurre con sus distintos segmentos, invita a
darle al reset. Sólo eso explica que haya ganas de ver una tercera parte.
A favor: ya no existe esa sensación de que te están tomando el pelo
En contra: la propuesta en sí sigue siendo irregular y agotadora
NOTA: 4 sobre 10
Interstellar Más allá del infinito
Por Gerardo Medina
¿En qué momento dejamos de mirar a las estrellas y nos obsesionamos con el suelo que
pisamos? Es la pregunta que se plantea a sí mismo el protagonista de “Interstellar”,
cuestionándose en qué momento el ser humano abandonó sus sueños de exploración por
una vida preocupándose por el cuidado de la tierra. La película presenta con estas
cuestiones un futuro inmediato al nuestro, o también una realidad paralela a la que
vivimos, en la que la comida escasea y el polvo lo cubre todo, en la que la ciencia ya no
es prioritaria para solventar los grandes problemas de la Humanidad. Una especie que
no está condenada a morir en este planeta, aunque lleve millones de años pisándolo. Su
única forma de sobrevivir será abandonando no sólo la Tierra, sino a todos los que la
habitan, en una misión que puede no tener retorno.
Christopher Nolan concilia la necesidad de la ciencia en un mundo que ha renegado
completamente de ella con las emociones humanas. “Interstellar” es su trabajo más
emocional hasta la fecha, y uno de los más logrados a nivel cinematográfico. Con ella,
el cineasta británico logra tres hitos que no suelen darse la mano al unísono en su
filmografía. Por un lado, los personajes más humanos de toda su carrera, matizados por
las interpretaciones de Matthew McConaughey y Anne Hathaway, a los que sólo les
bastan un par de primeros planos fijos para meterse al público en el bolsillo. Por el otro,
y es algo que ya despuntaba en sus dos trabajos anteriores, las escenas de acción mejor
resueltas y más tensas de su trayectoria, salpicadas con fotogramas de una belleza
universal incalculable. Y por último, consigue calmar al Nolan expositivo, al que deja
en boca de sus personajes las complicadas logísticas de sus tramas, aunque en algunos
segmentos, como el de la NASA, se le vaya la mano en este asunto. Por suerte, son
pocos momentos y están bien insertados en la historia.
Pero a la vez, este viaje más emotivo que interestelar sigue teniendo en la escasa
capacidad de síntesis del director –la misma que ralentizaba el comienzo de “El
caballero oscuro”, el desenlace de su trilogía del hombre murciélago, o la que alarga sus
cintas hasta el hartazgo- y en su manía por complicar una trama en cuya simpleza radica
su grandeza su gran piedra contra la que tropezar. Con “Interstellar” asistimos a la que
posiblemente sea la propuesta más asequible y lineal a nivel estructural de la carrera de
un entusiasta de los saltos temporales, los sueños dentro de otros sueños y los laberintos
mentales, un acierto que se ve lastrado en el momento en que el Nolan se saca de la
chistera una argucia para dar cohesión completa a la historia, cuando ésta no necesitaba
de arquitecturas complejas para mantenerse por sí misma.
Por tanto, esta larga, que no pesada, lucha con rabia contra la agonía de una luz que va
difuminándose en lo más hondo del espacio combina lo peor de un ingeniero poco dado
a la síntesis y demasiado a lo cerebral con lo mejor de un realizador que prefiere dejar
que las emociones humanas hablen por sí solas. Y, afortunadamente, es esta última
vertiente la que sale triunfadora, plasmando los detalles humanos más irrisorios como
grandes constantes cósmicas, y enseñándonos que, más allá del infinito, el amor es una
fuerza tan relevante como la gravedad.
NOTA: 8 sobre 10
Ouija Menos terrorífico que el juego de la oca
Por Gerardo Medina
Más importante que el hecho de que Michael Bay esté detrás de la producción de
“Ouija”, cuya alargada sombra estilística no asoma afortunadamente por ninguno de los
fotogramas de la película, es el que tras ella también esté implicado Jason Blum, un
hombre que ha hecho de la escasez de presupuesto y recursos una de las herramientas
más poderosas del cine de terror reciente. Vale, puede que los guiones y los resultados
finales de las distintas “Paranormal Activity”, “Sinister”, “Insidious” o “The Purge” no
estén del todo equilibrados entre sí, pero no se puede negar que en cada una de estas
producciones de Blum la economía de medios ha jugado a su favor a la hora de tirar de
ingenio para activar los resortes más básicos que rigen el género.
No ocurre así con esta nueva propuesta. “Ouija” trata de advertirnos de los peligros que
el mítico juego de mesa paranormal puede albergar, pero el debutante Stiles White ha
recurrido a la opción B a la hora de manejar su discreto presupuesto, que pasa por
explotar los tópicos del cine de terror hasta el extremo. Aquí lo que tenemos es una
excusa, el tablero propiamente dicho, para servirnos una especie de slasher ochentero en
el que un grupo de adolescentes cuyas vidas nos importan más bien un comino van
cayendo uno tras otro a manos de un ente espiritual. Por supuesto, sin un ápice de
tensión, sin ningún atisbo de originalidad y rellenando el metraje con unos cuantos
sustos bastante efectistas pero muy poco efectivos.
Pero, lo peor de todo, sin que se vislumbre en ella ni un solo atisbo de ganas por parte
de sus responsables. Lo que hay en “Ouija” es una absoluta indiferencia general, tanto
en la aséptica puesta en escena, incapaz de provocar desasosiego pese a la práctica
ausencia de luz durante su desarrollo, como en un guión tan lleno de tópicos como
agujeros, con resoluciones tan apresuradas –ay, ese anticlimático final- y poco lucidas
como las muertes de sus protagonistas.
Lo que queda es, sencillamente, la adaptación de un juego de mesa como bien podría
haber sido el Hundir la Flota o el Monopoly, pero que dada su naturaleza es carne de
terror. En el caso que nos ocupa, un terror aterciopelado, repleto de los tics habituales
del género, sin sangre ni terror propiamente dicho. Ni la presencia sorpresa –siento el
spoiler, pero a estas alturas lo mismo me da reventar la sorpresa- de Lin Shaye ayuda a
que nos divirtamos un poco. Lo dicho, un juego para niños. Pero uno aburrido y soso, al
que no dan ganas de jugar. Más terrorífico habría sido adaptar el juego de la oca.
Exists El found footage ha muerto
Por Gerardo Medina
Pocos son los que, más allá de unos pocos títulos forjados por cerebros bastante
iluminados, han conseguido exprimir el found footage haciéndolo imprescindible para la
historia que cuentan. Sin embargo, como formato en sí ha quedado obsoleto y
prostituido. Ya no se limita a un simple “grábalo todo, por tu puta madre”, sino que
ahora además hace uso de la multicámara y del montaje de imágenes para darle mayor
empaque cinematográfico, vilipendiando ya las bases en que se fundamenta el formato
en sí mismo.
La vuelta de Eduardo Sánchez al recurso campestre que él mismo y Daniel Myrick
convirtieron en viral de cara al nuevo siglo con “El proyecto de la bruja de Blair” –no lo
inventaron, que para eso ya estaba “Holocausto caníbal”- podía ser motivo de alegría
para resucitar un subgénero ya en vías de extinción, especialmente después de su
simpático segmento zombi en “V/H/S 2”. Pero lo que Sánchez demuestra con “Exists”
es que la idea que revitalizara hacia finales del milenio pasado no fue más que fruto de
la casualidad, de estar en el lugar indicado en el momento oportuno.
Lo que “Exists” vende viola los postulados mismos del found footage. Todo en ella está
injustificado si tenemos en cuenta que la cámara debe estar en manos de uno de los
personajes. Los cambios de plano, el montaje de las imágenes grabadas, el uso de banda
sonora de fondo o los propios cambios de cámara carecen de todo sentido en esta
película. Es como si hubieran querido rodar un film de terror convencional, pero con
una cámara casera, y para justificar el formato se han sacado de la manga que uno de los
protagonistas es un adicto a grabarlo todo y colocar cámaras por el bosque. Si a eso
unimos el tan trillado mecanismo para colocar los sustos consistente en “ahora enfoco
una grieta o una ventana por la que algo irrumpirá para sobresaltarnos”, la originalidad
de la propuesta queda en entredicho.
Al menos se agradece que, en una cinta en la que lo peor es la técnica de filmación
elegida por encima de un guión que tampoco obra maravillas, éste no nos martirice con
la presentación de unos personajes que nos importan más bien un comino. “Exists” tiene
el atractivo de ir al grano y ofrecer algo de entretenimiento pasajero. Y en su tramo
final, quizá el mejor del conjunto, nos ofrece un survival repleto de justicia poética.
Porque tiene mérito que el monstruo se convierta en un ser tan humano que lleguemos a
sentir simpatía por él. Aunque ello implique que los desdichados protagonistas estén de
más en la función.
NOTA: 3 sobre 10
Strecht Recuperando el “mojo”
Por Gerardo Medina
Echaba de menos al Joe Carnahan de los comienzos de su carrera, al director
descarnado, febril y cargado de esteroides de “Narc” y, sobre todo, “Ases calientes”. Sí,
defiendo al responsable de esa locura palomitera que es “El equipo A” –ningún otro
director podría haber llevado mejor la mítica serie a la gran pantalla- y de la estilosa,
trascendental y vibrante “The Grey”, pero seguía echando de menos al realizador que
había antes de ser carne de la industria. Y con “Stretch” le recuperamos en parte.
Lo de esta película es una mezcla entre “Cita a ciegas” y “¡Jo, qué noche!”. Una noche
interminable en la que el protagonista, un malogrado actor de segunda que sobrevive
como conductor de limusinas para las estrellas, sufrirá para conseguir la astronómica
suma de dinero que unos mafiosos le reclaman antes de que acabe el día. Un Hollywood
anclado en los 90 –magistral el uso de los créditos, la música y el hilarante cameo de
David Hasselhoff para recordar toda una década- en el que el personaje principal tendrá
que lidiar a su vez con las excentricidades de un multimillonario adicto a los excesos o
las iras de la competencia.
Carnahan hace sufrir hasta el ridículo a un Patrick Wilson puteado y carismático, al
borde del abismo de la desesperación, en la noche en la que romperá sus ataduras y
recobrará eso que los americanos llaman el “mojo”. El talento y el talante, el sex appeal
que todos llevamos dentro, esa esencia que nos define y que clama por brotar a la
superficie. Y a la vez, “Stretch” es el grito desesperado de un cineasta que ansía
recuperar su propio “mojo”. Porque ésta es la película más difícil de Carnahan, ésa que
nadie quería distribuir y que supone un riesgo a asumir por un realizador que ya tiene un
pie asentado dentro de la industria. Sería como si Michael Bay dejase de vilipendiar
clásicos de terror poniéndolos en manos de otro y asumiera el rol de un film de género,
por eso de quitarse la espinita clavada de “qué habría pasado si…”.
Por eso, estamos ante la cinta más libre del cineasta desde aquella “Ases calientes” que
sigue siendo su mejor trabajo hasta la fecha. Un ritmo endiablado y un reparto tan
potente como desatado –especialmente Chris Pine, que parece que tiene en Carnahan al
director con el que desmelenarse del todo- completan el espectro que ofrece “Stretch”,
una propuesta que puede hacerse excesiva pese a su corta duración, pero que nos
devuelve en plena forma a un artista que ha recuperado parte de su esencia. No del todo,
que la película pudo haberse desbocado aún más, pero ya es algo.
NOTA: 6.5 sobre 10
Tendencias de la taquilla española
durante 2014
Autora: Laura Magaña
Diciembre es un mes de recapitulaciones, y aquí toca analizar la factura de la industria
cinematográfica en nuestro país durante 2014. Hablar de cifras y de taquilla siempre es
complicado, pero empecemos por lo positivo, y a esperas de cerrar el curso, en 2014 ya
han ido al cine 11 millones de personas más que el año pasado por estas fechas. De
hecho 2013 fue el peor año para las salas nacionales, con menos de 80 millones de
espectadores, cifra que ya se superó el pasado octubre. ¿Pero qué ha propiciado esta
resurrección? Medidas como la vuelta del día del espectador, con precios reducidos, o la
eventualidad de la Fiesta del Cine, han impulsado el regreso de los espectadores a las
salas de exhibición.
En la taquilla mundial, Transformers: La era de la extinción, Guardianes de la Galaxia
y Maléfica, dominan el ranking a la espera de las cifras de superestrenos como
Interstellar, Sinsajo: Parte 1, Exodus: Dioses y Reyes, Big Hero 6 o El Hobbit: La
batalla de los cinco ejércitos, que sin duda lo alterarán.
Pero en España la tendencia es bien distinta. En primer lugar, este año hay que nombrar
al fenómeno 8 apellidos vascos, de Emilio Martínez-Lázaro, que cuenta la historia de
amor entre un sevillano (Dani Rovira), y una vasca (Clara Lago), y le arrebata a Lo
Imposible el título de película española más taquillera de la historia en nuestro país,
recaudando 55 millones de euros y casi 9 millones de espectadores. La película de
Telecinco Cinema batió incluso un récord histórico al convertirse en la producción con
más días de permanencia en el ranking de películas más vistas, superando los registros
de Avatar y Titanic. Lamentablemente, llena de referencias locales, el éxito de esta
producción no se ha podido extrapolar a la taquilla mundial, y The Spanish Affair (así se
ha titulado en inglés) con sus 77,5 millones de dólares, está muy lejos de los 209
millones recaudados internacionalmente por Los Otros, o los 180 millones de Lo
Imposible.
En segundo lugar, y sin salir de la producción patria, 16,4 millones de euros y 3
millones de espectadores, son suficientes para que El niño se haga con la medalla de
plata. Telecinco Cinema vuelve a apostar por caballo ganador, y el thriller de Daniel
Monzón protagonizado por Luis Tosar y Jesús Castro, recaudó 2,9 millones de euros en
su primer fin de semana de exhibición, lo que la convirtió en el estreno más taquillero
de nuestro país, hasta la llegada de Torrente 5.
Maléfica, El Lobo de Wall Street, o El amanecer del Planeta de los Simios, son las
siguientes películas elegidas por los españoles a la hora de ir al cine, relegando a éxitos
mundiales como las anteriormente nombradas, Transformers, Guardianes de la
Galaxia, o X-Men Días del Futuro pasado, y Capitán América: El soldado de Invierno.
Si nos regimos por la producción nacional, un tercer puesto sería para el que nunca
falla. Santiago Segura, que durante estos años ha salvado en parte la factura nacional,
nos brinda Torrente 5: Operación Eurovegas, donde en menos de un mes ha superado la
barrera de los siete dígitos con 10,3 millones de espectadores, convirtiéndose en su
primer fin de semana, en el mejor estreno del año, con 3,7 millones de euros de
recaudación y 574.000 espectadores.
En un tono muy diferente a Torrente tenemos a su perseguidora en el ranking, La Isla
Mínima, de Alberto Rodríguez. El thriller ambientado en las marismas del Guadalquivil
sobrepasa en recaudación los 5,5 millones de euros, algo muy difícil para una cinta
española. Para concluir, otras de las películas dignas de mención que han superado los
dos millones son la familiar Pancho, el perro millonario, Perdona si te llamo amor, y
Carmina o Amén. Sin lugar a dudas este ha sido un gran año para nuestro cine, logrando
que los espectadores se interesen por la producción nacional, rompiendo tópicos y
tabús.
‘ST.Vincent’
SINOPSIS
Maggie (Melissa McCarthy) es una madre separada que se muda a Brooklyn
con su hijo de doce años, Oliver (Jaeden Lieberher). Al tener que trabajar
muchas horas, no le queda más opción que dejar a Oliver al cargo de su
nuevo vecino, Vincent (Bill Murray), un jubilado cascarrabias aficionado al
alcohol y a las apuestas. Pronto, una peculiar amistad florece entre esta
improbable pareja. Junto a una stripper embarazada llamada Daka (Naomi
Watts), Vincent conduce a Oliver por todas las paradas que conforman su
rutina diaria: las carreras de caballos, el club de striptease, y su bar
habitual. Pero mientras Vincent cree que ayuda a Oliver a hacerse un
hombre, Oliver comienza a ver en Vincent algo que nadie más ve: Un hombre
incomprendido de buen corazón.
HAZ TUS DEBERES: EL ORIGEN DE ST. VINCENT
Los orígenes de la historia de ST. VINCENT se remontan a un momento que
cambió la propia vida del guionista, director y productor Ted Melfi. Hace
siete años, cuando su hermano mayor falleció a la edad de 38, asistió a su
funeral y se dio cuenta de que su sobrina de once años no tenía adónde ir.
Melfi y su mujer decidieron rápidamente adoptarla y la trasladaron de un
pueblecito rural de Tennessee al lugar en el que vivían ellos, en Sherman
Oaks, California.
Una vez inscrita en el instituto Notre Dame de Sherman Oaks, la sobrina de
Melfi llegó un día de clase con el siguiente encargo como deberes: Busca al
santo católico que más te inspire y busca alguien en tu vida real que posea
cualidades similares a las de ese santo. Escogió a San Guillermo de
Rochester, santo patrón de los niños adoptados, y eligió a Melfi como la
persona comparable a él. Un emocionadísimo Melfi se dio cuenta de que era
una idea perfecta para una película. Pero en vez de personajes como él
mismo y su sobrina, quería usar a un viejo cascarrabias que ha perdido las
ganas de vivir y a un chico. Bill Murray parecía la elección perfecta para el
papel. El realizador recuerda: “Esa es la génesis de la historia: ese chico que
se muda al lado de un viejo alcohólico gruñón interpretado por Bill Murray, y
se hacen grandes amigos. Ese niño adoptado de once años convierte a Bill
Murray en el santo de sus deberes, y ambos se cambian mutuamente la vida.
Así es como surgió todo este proyecto, a partir de unos deberes del
colegio”.
LA SELECCIÓN (Y PERSECUCIÓN) DEL REPARTO DE ST. VINCENT
Aunque Melfi tenía a Murray en mente para el papel principal, desear contar
con Murray para un papel y conseguir localizarlo para convencerlo son dos
cosas muy distintas. No es una tarea para alguien que se rinda fácilmente.
Melfi explica: “Bill no tiene agente ni representante. Solamente tiene un
número de teléfono 900 gratuito, así que te puedes pasar bastante tiempo
dejando mensajes en ese número 900, esperando que sea realmente el suyo.
Dejas mensaje tras mensaje y empiezas a tener una relación con un
contestador automático, parecida a la de la película ‘Swingers’”. Pero Melfi
no dejó de intentarlo.
Después de seis meses intercambiando llamadas, Melfi consiguió por fin
reunirse un día con Murray en LAX (el aeropuerto de Los Ángeles) a las 9 de
la mañana, durante el fin de semana en que se celebraba la festividad del
Día de los caídos en guerra. A lo largo de las ocho horas que duró la reunión
en la parte trasera de la limusina de Murray, durante la que hicieron una
parada en la hamburguesería In N Out Burger, hablaron del guión y se
consolidó el interés del actor por el proyecto. Murray comenta: “El guión era
diferente. Tenía un ritmo diferente al que tiene la mayoría de las cosas y la
historia era muy emotiva. Ted tenía una forma bastante buena de escribirla,
que tenía potencial para evitar por completo el sentimentalismo, que es
como a mí me gusta que se transmitan las emociones: sin sentimentalismo
alguno. Sientes las cosas sin necesidad de trucos. No te machacan con ello.
Simplemente, lo entiendes. Lo captas, y lo haces como resultado natural del
desarrollo de la trama”.
Melfi no sólo estaba dispuesto a recibir los comentarios de Murray, sino que
veía la oportunidad de colaborar con él como una de esas experiencias que
te cambian la vida. “He aprendido muchísimo trabajando con Bill sobre
dirigir, sobre escribir y sobre la vida. Me repetía a menudo: ‘No dejes que
te domine el estrés. El estrés mata el arte y la comedia’. Me decía: ‘No
dejes que la escena se convierta en lo que no es. No te quedes pillado en lo
que tú consideres gracioso. Confía en el material y confía en el guión’.
Aporta lo que tiene que aportar, pero, aparte de eso, no se mete en medio,
lo que es estupendo. Y me ha enseñado a no meterme yo en medio, a saber
cuándo está funcionando, ver cuándo está funcionando y dejarlo en paz. No
se me ocurre nadie mejor del que aprender cualquier cosa cómica y
artísticamente que Bill Murray. Tiene que ser la persona más alucinante del
mundo”.
Con el importante fichaje que suponía conseguir a Bill Murray para hacer de
Vincent, Melfi tuvo que afrontar entonces otro reto: encontrar a un chico
capaz de aguantar el tipo compartiendo escena con él. La historia se ve en
gran parte desde el punto de vista de Oliver, y Melfi tenía una idea muy
concreta sobre la clase de niño que quería para el papel: “Con los actores
infantiles, lo que de verdad te interesa es alguien que sea primero un niño y
luego un actor. Puedes sacar interpretaciones a mucha gente, sobre todo a
niños, porque son muy abiertos y están dispuestos a todo, pero no puedes
hacer que un actor sea un niño”. El equipo responsable de la película realizó
audiciones a unos 1500 candidatos a lo largo de seis meses, con la presión de
tener que encontrar a alguien que pudiera aguantar el agotador calendario
de trabajo que supone el rodaje de una película y no se sintiera demasiado
intimidado por tener que trabajar con Bill Murray, Naomi Watts y Melissa
McCarthy. Quienquiera que encontraran, tenía que ser capaz de dar la talla
y llevar el peso de una película. Melfi comenta: “Vincent es el protagonista
principal, evidentemente, pero el personaje de Oliver es el que da cohesión
al guión. Es quien se encarga de mantenerlo todo unido para todos los demás
personajes, que están perdiendo el control. Es mucho pedir para cualquier
actor, máxime para un niño”.
El equipo de la película encontró en el joven actor Jaeden Lieberher un
talento extraordinario, con una confianza y serenidad que encajaban a la
perfección con lo que buscaban. Jaeden posee un aplomo prodigioso, tanto si
se encuentra ante las cámaras como si no, es un jovencito sabio e
inteligente, que supo llevar con gracia su primer papel cinematográfico.
Melfi aporta entusiasmado: “Jaeden es sencillamente un ser humano
excepcional. Para mí, se parece mucho a Bill Murray en su humanidad.
Entiende a la gente, entiende cómo reaccionar, entiende cómo no actuar, no
lo intenta, está completamente presente en todo momento, y es tranquilo.
Es calmado... y esa calma y tranquilidad son irreemplazables. Jaeden es una
presencia que se encuentra allí en todo momento, con una calma y
tranquilidad que afecta a todos los demás personajes. Es como si tuviera 90
años, pero cuando sonríe y se ríe, te rompe el corazón. Va a tener una vida
extraordinaria. No sé si esa vida estará en el mundo de la interpretación.
Espero que sí, por él, porque posee un gran talento, pero, en cualquier caso,
su fuerza interior me abruma”.
Murray reconoce que trabajar con niños no siempre está especialmente
bien, pero, a sus diez años, Jaeden lo dejó realmente impresionado.
“Normalmente, los actores infantiles no me acaban de convencer, pero él es
muy bueno”, asegura Murray. “Cada día me gustaba más. Hubo un día en que
estuvo magnífico, a la par con cualquier otro al que haya visto hacer un buen
trabajo en una escena. Estuvo sensacional. Se mostró implacable e
imparable... consigue realmente brillar”.
El productor ejecutivo G. Mac Brown afirma convencido que encontraron al
joven adecuado para el papel: “Jaeden era la elección más obvia, y estuvo
increíblemente bien. Es todo un hallazgo. Ya tiene su próximo papel”. De
hecho, hacia el final del rodaje de ST. VINCENT, ofrecieron a Jaeden un
papel en una película de Cameron Crowe, que sería su segundo trabajo
cinematográfico. Murray, al haber tenido una gran experiencia con su joven
coestrella, no tardaría en seguir a Jaeden para incorporarse también al
proyecto de Crowe.
Más allá de la pareja central de Vincent y Oliver, otros personajes clave que
completan su círculo de personas más allegadas son Melissa McCarthy como
Maggie, la agobiada madre soltera de Oliver, y Naomi Watts como Daka, la
amiga de Vincent tremendamente sincera e involuntariamente
desternillante, una “dama que trabaja de noche”, en palabras de Oliver.
Estas dos alabadas actrices disfrutaron de la oportunidad de interpretar
papeles más bien atípicos para ellas en esta película, al encarnar personajes
bastante distintos de los que los espectadores acostumbran a ver de ambas.
Como bromea Murray: “Casi podría decirse que aquí han intercambiado
papeles. Melissa es la seria y Naomi la graciosa. Y ambas consiguen que
quede bien”.
La sugerencia de elegir a Watts para el papel de Daka provino del productor
ejecutivo Harvey Weinstein, que tuvo que convencer a Melfi de que era
adecuada para el papel. Al final, el director quedó igualmente entusiasmado
con la vis cómica de la alabada actriz dramática. “El personaje de Naomi
aporta básicamente el humor de la historia. Es una prostituta rusa con
mucho carácter, que no se anda con tonterías. Hay mucho más de lo que
conocemos, de lo que el público conoce, e incluso de lo que el mundo del cine
conoce de Naomi Watts. Naomi Watts es graciosísima. Desde un punto de
vista cómico, es tan sólida, tan firme, tan fresca, tan única, tan original y
tan espontánea como cualquier otro actor presente en el rodaje”.
El reparto se completa con Chris O’Dowd (“La boda de mi mejor amiga”),
como un profesor ingenioso y moderno de la escuela católica, Terrence
Howard (“Hustle & Flow”), como el malo local al que Vincent debe dinero,
Scott Adsit (“Rockefeller Plaza (30 Rock)”), como el exmarido de Maggie, el
joven Dario Barosso como némesis de Oliver en el colegio, Kimberly Quinn
como una comprensiva enfermera y Greta Lee (“Girls”) como una cajera de
banco poco comprensiva.
Otro miembro clave del reparto fue el gato de Vincent. Por desgracia,
Murray es alérgico a los gatos, pero, en otra muestra de entrega al
proyecto, soportó a su felino compañero de reparto. “No me sientan muy
bien los gatos, pero a ese gato lo limpiaban, lavaban y secaban muy bien, así
que no soltaba nada”, bromea Murray. “No creo que tuviera siquiera el pelo
aceitoso, de lo limpio que estaba. Era un gato muy profesional”.
LAS ALUCINANTES AVENTURAS DE BILL Y TED: CÓMO SE HIZO ST.
VINCENT
Con una fe ciega en que el enigmático Bill Murray se presentara el primer
día, el rodaje de ST. VINCENT comenzó en mitad de una abrasadora ola de
calor en la ciudad de Nueva York en julio de 2013.
El veterano productor delegado de Nueva York Mac Brown tenía una
confianza absoluta en la ópera prima de Melfi como guionista y director.
Melfi había ido puliendo sus habilidades dirigiendo muchos anuncios y
algunos cortometrajes, pero esta era su primera película. A Brown le gustó
tanto el guión que se atrevió incluso a respaldar a Melfi aceptando trabajar
en el proyecto antes siquiera de reunirse con él.
Brown no escatima elogios en cuanto a la pericia de Melfi, invocando el
nombre de una de las mayores leyendas del cine de Nueva York. “Ted es
como Sidney Lumet”, asegura. “Hace mucho tiempo que tiene esta película
en la cabeza. Por su experiencia publicitaria, y por la clase de realizador que
es, lo tiene todo en storyboards, así que se sabe todos los planos. A medida
que encuentra localizaciones, las adapta y las cambia. No se obsesiona con lo
que hace, pero al mismo tiempo conoce con total exactitud la película que
quiere hacer antes de tiempo, igual que le pasaba a Sidney Lumet. Sidney
rodaba sus películas en 32 o 33 días, así que son muy similares. Ted no le
tiene nada que envidiar a nadie”.
Señala sobre el estilo de Melfi como realizador: “El trabajo de dirigir y
escribir consiste en saber lo que es importante conservar y lo que no es
importante conservar”.
ST. VINCENT se rodó fundamentalmente en Brooklyn, pero no el Brooklyn
de moda que se ha vuelto tan popular y que atrae a hordas de turistas en
busca de parajes alucinantes. Para contar la historia de Vincent McKenna,
hacía falta el Brooklyn de la vieja escuela, que todavía existe, si se sabe
dónde buscar. Por suerte, Melfi procede de allí y recuerda cómo era el
auténtico Brooklyn antes de que lo tomaran los hípsters:
“Me crié en Brooklyn. No creo que haya ningún otro lugar comparable en el
mundo. Cuando vivía en Williamsburg, en la calle 6 Norte, la zona estaba
llena de almacenes de productos cárnicos, bandas y prostitutas por toda
Kent Avenue. Ahora vas allí y ha cambiado por completo. Pero Brooklyn no ha
perdido su esencia ni su espíritu. Cualquier día, en cualquier momento,
puedes encontrar cualquier cosa que puedas querer en Brooklyn: todas las
culturas, todas las razas y todas las religiones. Poder rodar la película en los
barrios en los que me crié – Sheepshead Bay, Williamsburg, Greenpoint,
Park Slope – es seguramente el aspecto que más me llenó de todo el
proyecto. Filmamos allí el 90% del filme. Es el mejor plató exterior del
mundo”.
Mac Brown agrega: “A medida que localizábamos exteriores, resultó
interesante ver cómo los fundamentos de Brooklyn se convertían en los
fundamentos de la película. Acabó convirtiéndose en una película real sobre
un lugar real”.
Para el proceso de reflejar en la pantalla el mundo de ST. VINCENT
contaron con la inestimable ayuda de la joven y emergente diseñadora de
producción Inbal Weinberg, que ha logrado labrarse una importante
reputación en unos pocos años, desde que se licenciara por la Escuela de
Cine de NYU (Universidad de Nueva York). Entre sus trabajos anteriores de
diseño figuran alabadas cintas independientes como “Frozen River (Río
Helado)”, “Blue Valentine”, “Half Nelson” y el próximo proyecto de Cary
Fukunaga, “Beasts of No Nation”.
Aunque la película está ambientada en el presente, ST. VINCENT tiene un
aspecto atemporal que recuerda a la ciudad de Nueva York y al cine de la
década de 1970, así como a la actualidad. Weinberg admite: “Fue maravilloso
diseñar para el personaje de Vincent, porque en cierto modo representaba
una generación anterior, que probablemente encajaba mejor en los 70 que
en el siglo XXI”. Weinberg vio muchas películas de los 70 para plasmar
correctamente los colores y los detalles, pero también contaba con las
casas, restaurantes, cafeterías y tiendas de Nueva York como excelente
recurso al que recurrir.
El equipo de la película recorrió muchos de los distintos barrios de los
alrededores de Nueva York, pero se decidieron bastante rápido por
Sheepshead Bay, en Brooklyn, como escenario para el barrio de Vincent y
Maggie. Weinberg recuerda: “A Ted le gustó desde el primer momento,
puesto que poseía esa combinación que buscábamos, un poco de zona
residencial mezclado con algo de urbanismo de Nueva York. Podías
encontrarte una manzana de casas perfectas, con sus entradas y césped
perfectamente cuidados, y luego a la vuelta de la esquina, vías de metro
elevadas y zonas urbanas muy deterioradas. Además, es un barrio con una
gran variedad, con toda clase de etnias y religiones, lo que lo hacía más
interesante y animado”.
El equipo de rodaje se instaló durante varias semanas en Sheepshead Bay
para filmar una serie de escenas exteriores en las casas de Vincent y
Maggie. Los interiores se recrearon en Steiner Studios, en Brooklyn, con
sumo cuidado para que encajaran a la perfección con esos exteriores.
Encontraron el bar favorito de Vincent en Greenpoint, el club de striptease
de Daka en la zona de Hunt’s Point del Bronx y la mayor parte del colegio de
Oliver en Bay Ridge, Brooklyn. Utilizaron el hipódromo de Belmont, en Long
Island, para las escenas en las que Vincent y Oliver van a apostar, una
situación que demostró ser algo peliaguda, porque no es realmente posible
(ni económicamente viable) cerrar un hipódromo completo. El equipo de
rodaje tuvo que moverse entre el público en general para poder grabar esas
escenas clave.
Weinberg tuvo el detalle de consultar con su actor principal sobre cómo
decorar mejor su entorno: “Mantuvimos muchas conversaciones con Bill
sobre su personaje, lo que le gustaba hacer, comer, qué aficiones tenía,
cómo era su familia... y esos detalles nos guiaron mientras compramos el
material para decorar los sets. También pensamos mucho sobre cómo sería
la vida de Vin antes de que se fuera su mujer. Queríamos que pudiera verse
todo en las paredes de la casa”.
Otro elemento característico de Vincent era su coche. La jefa de atrezo,
Courtney Schmidt, buscó por todas partes dos coches retro poco
convencionales iguales, y consiguió encontrar por fin no uno, sino dos,
LeBaron con revestimiento exterior de madera.
Al productor ejecutivo Mac Brown, acostumbrado a trabajar en grandes
superproducciones que necesitan meses de rodaje, le encantó brindar su
apoyo a un nuevo cineasta de talento como Melfi en un rodaje de 35 días.
Agradeció la simplicidad racionalizada de la filmación, en comparación con
las películas de enorme presupuesto, en las que puede hace falta contar con
la opinión de una docena de personas para poder llegar a una decisión final.
Brown dijo que eso hizo del rodaje de ST. VINCENT un verdadero placer:
“Es un poco como un grupo de ancianos veteranos que ya lo han hecho todo
antes una y otra y otra vez, junto con Ted, que es el chico nuevo, pero está
perfectamente preparado y tiene una visión. Todo el mundo tenía que ser
capaz de colaborar bien juntos para conseguir una gran película”.
También está el hecho de que hacer una película con Murray como actor
principal es una experiencia cinematográfica sin igual, por la energía tan
sumamente particular que aporta al trabajo y el hecho de que consiga que no
parezca un trabajo, sino una fiesta. Brown señala: “Bill quería hacer una gran
película, y quería hacer la película de Ted. Aportó mucho entusiasmo y un
gran esfuerzo. Pero, al mismo tiempo, mantuvimos un ambiente relajado y
divertido. Bill es un tipo que vive para divertirse cada día. Cada momento es
una experiencia divertida, así que intentamos mantenerlo así”.
Melfi concuerda en que el efecto Murray se extiende más allá del reparto y
el equipo del rodaje y alcanza incluso al gran público, vaya donde vaya:
“Tener ocasión de trabajar con Bill en esta película me ha servido para
darme cuenta de que Bill es un santo. Creo que es la persona más generosa
que he conocido jamás. Se para a hablar con cualquiera en cualquier
momento. Pasaba horas hablando con la gente en la calle y sacándose fotos.
Es una persona de lo más generosa. Bill Murray está presente en todo
momento. Verlo resulta toda una inspiración. Ha resultado una experiencia
reveladora para mí como persona”.
Para Jaeden, a sus diez años de edad, ha sido toda una iniciación al mundo
del cine: “Ha sido asombroso trabajar con Bill, Naomi, Melissa y Ted. Se
portaron estupendamente. Me han enseñado mucho. Resulta agradable
aprender de leyendas. Cuando vivía en Filadelfia, solía ver ‘Los
cazafantasmas’ a menudo. Nunca me imaginé que acabaría en una película con
Bill Murray, pero así ha sido. Mola un montón”.
ACERCA DEL EQUIPO
TED MELFI (GUIONISTA/DIRECTOR/PRODUCTOR)
Ted Melfi es el guionista y director de ST. VINCENT, protagonizada por
Bill Murray, Melissa McCarthy, Naomi Watts y Chris O’Dowd, y producida
por Peter Chernin, Fred Roos y Jenno Topping, que se estrena en nuestro
país de la mano de eOne Films Spain el próximo 12 de diciembre. La película,
basada en una idea de la hija adoptiva de Melfi, trata sobre la insólita
amistad que se crea entre un niño y un viejo cascarrabias e incomprendido
de buen corazón.
Melfi es un director publicitario de día, que ha dirigido más de un centenar
de anuncios, entre ellos el famoso spot de MTV, “Pizza Guy”, protagonizado
por la leyenda del porno Ron Jeremy. El anuncio (junto con el de Budweiser
“Oh My G-d”, otro de sus primeros trabajos) contribuyó a que el director
recibiera el reconocimiento de los premios Clio como uno de los “15
principales nuevos talentos de la dirección” de la revista SHOOT. Su
anuncio para el Festival de Cine de Los Ángeles titulado “Playground” recibió
el Premio de Plata de los Premios Internacionales de Diseño y Publicidad de
Londres, y Melfi fue candidato al galardón al “mejor director joven” de
Cannes.
A través de su sello, Goldenlight Films, Melfi escribió, produjo y dirigió la
película “Winding Roads”, con Kimberly Quinn, Adam Scott y Rachel Hunter,
que se estrenó directamente en la televisión por cable, en el canal Showtime
y en el Independent Film Channel. Sus cortometrajes han recibido
galardones en festivales de cine de todo el mundo. “The Beneficiary”, un
corto thriller sobre un erro de identidad, se ha proyectado en más de 50
festivales de cine y fue elegido “mejor corto” del Festival de Cine de
Carolina, “mejor thriller” del Festival de Cine de Vine, “mejor corto” del
Festival de Cine de Jersey Shore y recibió el premio “Big Kahuna” del
Festival de Cine de Honolulu. Su corto cómico, “Roshambo”, un falso
documental sobre el deporte de piedra, papel y tijera, fue nombrado “mejor
comedia” del Festival Internacional de Cine de Malibú.
En el terreno televisivo, Melfi se encuentra preparando un piloto para la
cadena NBC con el alabado director Jon Favreau. La serie, llamada “The
Mancinis”, es un proyecto personal sobre la particular educación del
director en Brooklyn. El padre de Melfi estaba en la mafia, mientras que su
madre era monja.
Como guionista, Melfi ha escrito recientemente el remake del clásico de
Martin Brest “Going in Style (Adquiriendo estilo)”, para New Line Cinema,
que se encuentra en preproducción con el productor de Warner Brothers
Donald DeLine. Entre los restantes trabajos de Melfi se encuentra el guión
de la Hit List de 2010, “I Am Rose Fatou”, la historia de dos amantes
zascandiles que se conocen a través de un timo de phishing. Más
recientemente, Melfi adaptó las memorias superventas del New York Times:
“The Tender Bar” (de J.R. Moehringer) para Sony/Columbia, con Peter
Chernin y Jenno Topping como productores.
PETER CHERNIN (PRODUCTOR)
Peter Chernin es el presidente y consejero delegado de The Chernin Group
(TCG).
A través de Chernin Entertainment, la compañía de producción de
entretenimiento de TCG, Chernin ejerce de productor ejecutivo de la
telecomedia de gran éxito de Fox “New Girl”. Sus créditos anteriores como
productor ejecutivo incluyen las series de Fox “Ben and Kate” y “Touch”.
La primera película de Chernin Entertainment, “El origen del planeta de los
simios”, se estrenó en 2011 con elogios generalizados de la crítica y sirvió
para relanzar la franquicia para una nueva generación. Desde entonces,
Chernin ha producido varios grandes éxitos de taquilla, como “El amanecer
del planeta de los simios”, la taquillera secuela de “El origen del planeta de
los simios”, “Oblivion”, “Abuelos al poder”, “Cuerpos especiales”, la comedia
de gran éxito de 2013 protagonizada por Sandra Bullock y Melissa
McCarthy, así como el reciente estreno “La entrega (The Drop)”, un drama
de cine negro con Tom Hardy, Noomi Rapace y James Gandolfini, en su
última aparición en la gran pantalla. Chernin también ha producido la
comedia dramática ST. VINCENT, con Bill Murray, Naomi Watts y Melissa
McCarthy, y la épica cinta bíblica “Exodus: Dioses y Reyes”, de Ridley Scott,
con Christian Bale, de inminente estreno en nuestro país.
Los activos de TCG también incluyen una serie de inversiones estratégicas
en diversas compañías de medios digitales y medios de comunicación, como
CA Media, Crunchyroll, Pandora, Fullscreen, Tumblr, Flipboard, Scopely,
Base79 y MiTú.
Antes de poner en marcha TCG, Chernin ejerció de presidente y director de
operaciones de News Corporation. Chernin forma parte de las juntas
directivas de American Express, Pandora, Twitter y es uno de los asesores
jefe de Providence Equity Partners. Está en la junta directiva de Friends of
the Global Fight Against AIDS, Tuberculosis and Malaria y es presidente de
la junta y cofundador de Malaria No More.
JENNO TOPPING (PRODUCTORA)
Jenno Topping es la presidenta de cine de Chernin Entertainment, donde
recientemente ha producido y supervisado el desarrollo de “Exodus: Dioses
y Reyes”, dirigida por Ridley Scott y protagonizada por Christian Bale (cuyo
estreno está previsto para diciembre de 2014), ST. VINCENT, con Bill
Murray, Naomi Watts y Melissa McCarthy (cuyo estreno está previsto para
el 12 de diciembre de 2014), “La entrega (The Drop)”, con James Gandolfini
y Tom Hardy (estrenada el pasado 26 de septiembre de 2014), “Spy”,
dirigida por Paul Feig y protagonizada por Melissa McCarthy (que se
encuentra en posproducción) y “Cuerpos especiales”, con Sandra Bullock y
Melissa McCarthy, que fue la comedia más taquillera de 2013.
Los restantes créditos de Topping incluyen “Country Strong”, con Gwyneth
Paltrow y Tim McGraw, “Las vueltas de la vida”, escrita y dirigida por
Susannah Grant y protagonizada por Jennifer Garner, las películas de “Los
ángeles de Charlie”, “28 días” (con Sandra Bullock), “Dr. Dolittle” (con Eddie
Murphy), la comedia de adolescentes “Ya no puedo esperar” y “La tribu de
los Brady”, dirigida por Betty Thomas, con quien estuvo asociada entre 1998
y 2004.
Topping trabajó anteriormente como ejecutiva de HBO Films, donde
supervisó los telefilmes ganadores del Emmy y el Globo de Oro “Los reyes
de la noche” (con Kathy Bates) y “Rasputín, su verdadera historia” (con Ian
McKellen y Alan Rickman), en 1995.
FRED ROOS (PRODUCTOR)
El productor ganador del Óscar Fred Roos ha trabajado, en diversas
facetas, en muchos de los films más importantes e influyentes de los
últimos 50 años, con un plan de producción de proyectos actuales y futuros
que sigue manteniendo su tradición de hacer grandes películas y descubrir a
grandes estrellas. Entre los títulos legendarios que ha ayudado a crear se
encuentran la trilogía de “El padrino”, “La guerra de las galaxias” y sus
sucesoras, “El corcel negro”, “Lost in Translation” y “La conversación”,
mientras que las futuras estrellas descubiertas en un primer momento por
su aguda vista y que obtuvieron papeles estelares gracias a su visión para los
castings incluyen nombres como Harrison Ford, Jack Nicholson, Nicolas
Cage, Al Pacino y Richard Dreyfuss.
Primero como director de casting, una habilidad que no tardaría en hacerlo
legendario, y luego como productor, Fred Roos ha trabajado con muchos de
los actores y realizadores de más talento del mundo del cine. Su larga
colaboración con Francis Ford Coppola le ha valido un Óscar, por producir la
cinta ganadora de la estatuilla a la “mejor película” “El padrino. Parte II”.
También con Coppola, volvió a ser candidato por producir “Apocalypse Now”,
coprodujo otras dos candidatas a “mejor película”, “El padrino. Parte III” y
“La conversación”, la cual recibió la Palma de Oro del Festival Internacional
de Cine de Cannes, y fue productor ejecutivo de otra candidata al Óscar a la
“mejor película”, “Lost in Translation”, de Sofia Coppola.
Entre las restantes películas dirigidas por Francis Coppola en las que Roos
ha sido productor se encuentran “Corazonada”, “Rebeldes”, “La ley de la
calle”, “Cotton Club”, “Jardines de piedra”, “Tucker, un hombre y su sueño”,
el segmento “Vida sin Zoe” de “Historias de Nueva York”, “El hombre sin
edad”, y la reciente “Tetro”. Los créditos como productor de Roos también
incluyen “Drive, He Said”, de Jack Nicholson, “El corcel negro”, de Carroll
Ballard, “El hombre de Chinatown”, de Wim Wenders, “El borracho”, de
Barbet Schroeder, “El jardín secreto” (1993), de Agnieszka Holland,
“Asesinatos en la radio”, de Mel Smith, y con la directora Sofia Coppola “Las
vírgenes suicidas”, como coproductor, así como productor ejecutivo en
“María Antonieta”, “Somewhere” y “The Bling Ring”. Recibió el premio
CableACE, además de ser candidato a un Emmy, como productor ejecutivo
del documental “Corazones en Tinieblas”.
En la actualidad, Roos tiene a punto de estrenarse ST. VINCENT, con Bill
Murray, Melissa McCarthy, Naomi Watts y Chris O’Dowd.
Antes de empezar a producir películas, Roos gozó de una distinguida carrera
como director de casting, en películas como “Petulia”, de Richard Lester,
“Zabriskie Point”, de Michelangelo Antonioni, “Viajes con mi tía”, de George
Cukor, “Fat City, ciudad dorada”, de John Huston, “Mi vida es mi vida” y “El
rey de Marvin Gardens”, ambas de Bob Rafelson, “El padrino”, de Francis
Ford Coppola, y las cintas de George Lucas “American Graffiti” y “La guerra
de las galaxias”, en esta última como asesor de casting; cada uno de estos
títulos serviría para catapultar a media docena de estrellas a la lista de
talentos más solicitados de Hollywood.
ACERCA DEL REPARTO
BILL MURRAY (VINCENT)
La interpretación que realizó Bill Murray de ‘Herman Blume’ en la cinta de
Wes Anderson “Academia Rushmore” le permitiría hacerse con el premio al
“mejor actor de reparto” de los Independent Spirit, el New York Film
Critics Circle (Círculo de la Crítica Cinematográfica de Nueva York), la
National Society of Film Critics (Sociedad Nacional de Críticos
Cinematográficos) y la Los Angeles Film Critics Association (Asociación de
Críticos Cinematográficos de Los Ángeles). Ha intervenido en todas las
películas posteriores de Wes Anderson, como “Los Tenenbaums: Una familia
de genios”, “Life Aquatic”, “Viaje a Darjeeling”, “Fantastic Mr. Fox” (en la
que aportó su voz) y “Moonrise Kingdom” (otro estreno de Focus Features).
Murray nació en Chicago e inició allí su carrera como actor, con la compañía
teatral de improvisación Second City. Se incorporó al reparto del programa
de la cadena “Saturday Night Live” en su segunda temporada y, poco
después, recibió un Emmy como uno de los guionistas del mismo. Más tarde
escribiría el libro “Cinderella Story: My Life in Golf”.
Tras debutar en la gran pantalla con la comedia de Ivan Reitman “Los
incorregibles albóndigas”, Murray volvería a colaborar con el director en “El
pelotón chiflado” y las películas de “Los cazafantasmas”. Sus créditos
cinematográficos también incluyen las comedias de Harold Ramis “El club de
los chalados” y “Atrapado en el tiempo”, “Where the Buffalo Roam”, de Art
Linson, “Tootsie”, de Sydney Pollack, “El filo de la navaja” (1984), de John
Byrum, “Los fantasmas atacan al jefe”, de Richard Donner, “¿Qué pasa con
Bob?”, de Frank Oz, “La chica del gángster” y “Juegos Salvajes”, ambas de
John McNaughton, “Ed Wood”, de Tim Burton, “Vaya par de idiotas”, de
Peter y Bobby Farrelly, “El hombre que no sabía nada”, de Jon Amiel, “Abajo
el telón”, de Tim Robbins, “Hamlet (2000)”, de Michael Almereyda, “City of
Ember: En busca de la luz”, de Gil Kenan, “El último gran día”, de Aaron
Schneider, por la que fue candidato a los premios Independent Spirit y
Satellite, “Passion Play”, de Mitch Glazer, y “A Glimpse Inside the Mind of
Charles Swan III”, de Roman Coppola.
Por su interpretación de ‘Bob Harris’ en “Lost in Translation”, de Sofia
Coppola (otro estreno de Focus), Murray fue elegido “mejor actor” en los
premios Globo de Oro, BAFTA, Independent Spirit, y los de la crítica
cinematográfica de Nueva York, Los Ángeles y Chicago, entre otros.
También fue candidato al Óscar y al premio del Sindicato de Actores (SAG).
Con el director Jim Jarmusch, intervino en el segmento “Delirium” de
“Coffee and Cigarettes”, en “Flores rotas” (otro estreno de Focus), por el
que fue candidato a un premio Satellite al “mejor actor”, y en “Los límites
del control” (otro estreno de Focus).
MELISSA MCCARTHY (MAGGIE)
La candidata al Óscar Melissa McCarthy protagoniza en la actualidad la
telecomedia de la cadena CBS “Mike y Molly”. McCarthy cosechó en 2011 un
gran éxito mundial con la taquillera comedia “La boda de mi mejor amiga”, en
la que interpretaba a ‘Megan’, una hermana del novio muy segura de sí
misma, frente a Kristen Wiig, bajo la dirección de Paul Feig y con la
producción de Judd Apatow. Este papel le permitiría ser candidata a
múltiples premios, como un Óscar, un BAFTA, un Critics’ Choice y un premio
del Sindicato de Actores (SAG), además de recibir el Premio de Cine MTV
de 2012 a la “interpretación cómica del año”. McCarthy ganó un Emmy y fue
candidata en una segunda ocasión por su papel de ‘Molly’ en “Mike y Molly”.
También ha aspirado a otros dos premios Emmy como presentadora invitada
de “Saturday Night Live”.
Este pasado verano de 2014, McCarthy pasó por la cartelera americana
como protagonista principal de “Tammy”, que también coescribió con su
marido, el actor y guionista Ben Falcone, quien se encargó además de dirigir
el filme. Entre sus restantes trabajos recientes figuran “Cuerpos
especiales”, del director Paul Feig, que protagonizó frente a Sandra Bullock
para Fox, la comedia de Universal “Por la cara”, junto a Jason Bateman, “Si
fuera fácil”, también de Universal, para el director Judd Apatow, y
“R3sacón”, de Todd Phillips. McCarthy está a punto de estrenar la
producción de The Weinstein Company ST. VINCENT. Entre sus próximos
estrenos también se encuentran “Spy”, del director Paul Feig (previsto para
2015) y la comedia de animación de Dreamworks “B.O.O.: Bureau of
Otherworldly Operations”, frente a Seth Rogen (también para 2015).
Sus trabajos anteriores para la gran pantalla incluyen “El plan B”, junto a
Jennifer Lopez y Alex O’Loughlin, “Como la vida misma”, con Katherine
Heigl, “Pretty Ugly People”, con Josh Hopkins, Missi Pyle y Allison Janney,
“Just Add Water”, con Danny DeVito, la cinta de misterio y ciencia ficción
del director John August “The Nines”, con Ryan Reynolds y Hope Davis, “La
flor del mal”, con Michelle Pfeiffer y Robin Wright, “Pumpkin”, con Christina
Ricci y “Viviendo sin límites”, dirigido por Doug Liman. Además, intervino en
el cortometraje de John August “God”, como una joven que mantiene una
conversación telefónica llena de cotilleos y una efímera discusión con el
Todopoderoso, así como en el drama “La vida de David Gale”, con Kevin
Spacey, Kate Winslet y Laura Linney.
En televisión, interpretó anteriormente a la torpe genio culinaria ‘Sookie St.
James’ en “Las chicas Gilmore” y a ‘Dena’ en la telecomedia “Samantha,
¿qué?”.
McCarthy empezó dándose a conocer sobre los escenarios del circuito de
comedia, con monólogos en clubs de Nueva York como The Improv y Stand
Up New York. Al mismo tiempo, recibió formación dramática en el Actors
Studio de Nueva York y participó en diversas producciones teatrales por
toda la ciudad. En Los Ángeles, McCarthy pasó nueve años como miembro
principal de la famosa compañía teatral de sketches e improvisación The
Groundlings.
McCarthy vendió su primer piloto, “Marbles”, al canal VH1, en el que
interpretaba el papel principal. McCarthy también está diseñando su
primera línea de ropa.
McCarthy reside en Los Ángeles.
NAOMI WATTS (DAKA)
Naomi Watts fue candidata al Óscar en 2013 a la “mejor actriz” por su
interpretación en la cita del director Juan Antonio Bayona “Lo imposible”,
que protagonizaba junto a Ewan McGregor. Por su papel de valiente esposa y
madre que lucha por sobrevivir tras el paso de un tsunami, también fue
candidata a la “mejor actriz” en los Globos de Oro, los premios del Sindicato
de Actores (SAG) y los premios de los Broadcast Film Critics, además de
recibir el premio “Desert Palm Achievement Actress” del Festival
Internacional de Cine de Palm Springs. También fue candidata al Óscar a la
“mejor actriz” por su papel en “21 gramos”, de Alejandro González Iñárritu,
que protagonizó junto a Sean Penn y Benicio Del Toro. Este trabajo también
le valdría otras candidaturas como “mejor actriz” de los premios del
Sindicato de Actores (SAG), los premios BAFTA, los premios Broadcast
Film Critics y los Golden Satellites, además de ser elegida “mejor actriz”
por numerosas asociaciones de críticos. En el estreno del filme en el
Festival Internacional de Cine de Venecia de 2003, recibió el Premio del
Público (“León del público”) a la “mejor actriz”. La propia película recibió una
“Distinción Especial” de los premios Independent Spirit.
Watts tiene actualmente en posproducción “Insurgente”, segunda entrega
de la franquicia de éxito iniciada con “Divergente”, basada en las populares
novelas superventas escritas por Veronica Roth, así como “The Sea of
Trees”, de Gus Van Sant, en la que interviene junto a Matthew
McConaughey.
En diciembre de 2013, fue posible verla en el biopic “Diana”, en el que
encarnaba a la icónica princesa de Gales; unos meses más tarde, volvió a
nuestra cartelera con “Dos madres perfectas”, con Robin Wright, que se
había estrenado en el Festival de Cine de Sundance de 2013. Próximamente,
volverá a las salas comerciales con ST. VINCENT, con Bill Murray y Melissa
McCarthy, así como con “Birdman (o la inesperada virtud de la ignorancia)”,
de Alejandro González Iñárritu, junto a Emma Stone y Michael Keaton.
También estrenará próximamente “While We’re Young”, de Noah Baumbach,
con Ben Stiller y Amanda Seyfried.
Ha intervenido en muchas otras películas en los últimos años, como la
alabada “J. Edgar”, de Clint Eastwood, frente a Leonardo DiCaprio, “Caza a
la espía (Fair Game)”, de Doug Liman, frente a Sean Penn, “Conocerás al
hombre de tus sueños”, de Woody Allen, donde formaba parte de un gran
reparto estelar, que incluía a Josh Brolin, Anthony Hopkins, Freida Pinto y
Antonio Banderas, “Madres & hijas”, de Rodrigo García, por la que fue
candidata a un premio Independent Spirit a la “mejor actriz de reparto”, y
“The International: dinero en la sombra”, de Tom Twyker, con Clive Owen.
Watts ha acumulado una impresionante lista de títulos desde su alabado
trabajo en el controvertido drama de David Lynch “Mulholland Drive”, por el
que fue elegida “mejor actriz” por una serie de organizaciones de críticos,
como la National Board of Review y la National Society of Film Critics.
Además de protagonizar el épico remake de Peter Jackson de “King Kong”,
sus créditos incluyen “Ya no somos dos” (que produjo además de
protagonizar), “El asesinato de Richard Nixon”, frente a Sean Penn y Don
Cheadle, “Extrañas coincidencias”, de David O. Russell, con Jude Law y
Dustin Hoffman, “Tránsito (Stay)”, de Marc Forster, frente a Ewan
McGregor y Ryan Gosling, “La señal (The Ring)”, de Gore Verbinski, y su
secuela, “The Ring 2 (La señal 2)”, la producción de Merchant-Ivory “Le
Divorce”, junto a Kate Hudson, Glenn Close y Stockard Channing, “El velo
pintado”, de John Curran, frente a Edward Norton, basado en la novela de
W. Somerset Maugham, el thriller dramático de David Cronenberg
“Promesas del este”, frente a Viggo Mortensen, y el thriller de Michael
Haneke “Funny Games”.
Watts nació en Inglaterra, pero se trasladó a Australia a los 14 años y
empezó a estudiar interpretación. Su primer papel cinematográfico
importante llegaría en “La primera experiencia (Flirting)”, de John Duigan.
Produjo e intervino en el cortometraje “Ellie Parker”, que se proyectó en
competición en el Festival de Cine de Sundance de 2001. En 2005, se
estrenó en Sundance una versión de larga duración del corto.
Entre sus numerosos galardones y reconocimientos, Watts recibió el premio
Montecito del Festival de Cine de Santa Bárbara en 2006 por su papel en
“King Kong”, recibió un premio del Festival de Cine de Palm Springs en 2003
por “21 gramos” y, en 2002, fue elegida “estrella femenina del mañana” en
ShoWest, además de recibir el premio al “intérprete revelación” del
Festival de Cine de Hollywood, ambos por su labor en “Mulholland Drive”.
También recibió un reconocimiento a toda su carrera en la edición de 2011
del Festival de Cine de Deauville.
Watts reside en Los Ángeles y New York con su pareja y sus dos hijos.
CHRIS O’DOWD (HERMANO GERAGHTY)
Chris O’Dowd es conocido por sus guiones e interpretaciones en múltiples
medios del mundo del entretenimiento, lo que incluye tanto los escenarios
como la pequeña y la gran pantalla. En la actualidad, es posible verlo en
Broadway en su papel de ‘Lennie’, candidato al premio Tony, en “De ratones y
hombres”, frente a James Franco. Próximamente, pasará por la gran
pantalla en ST. VINCENT, con Bill Murray, Melissa McCarthy y Naomi
Watts. También tiene pendiente de estreno “Icon”, de Working Title,
dirigida por Stephen Frears, en la que Chris interpreta al periodista
deportivo real ‘David Walsh’, frente a Ben Foster como ‘Lance Armstong’.
Chris apareció recientemente en “Calvary”, de John Michael McDonagh,
frente a Kelly Reilly y Brendan Gleeson, así como en “Cuban Fury”, de James
Griffiths, frente a Rashida Jones e Ian McShane. Anteriormente,
protagonizó “The Sapphires”, de Wayne Blair, en la que interpretaba a
‘Dave’, representante de cuatro chicas aborígenes australianas llenas de
talento, mientras aprenden cosas sobre el amor, la amistad y la guerra
cuando su grupo musical “The Sapphires” entretiene a las tropas
estadounidenses en Vietnam. La película batió récords de taquilla en
Australia, le valió a Chris el premio AACTA (Academia Australiana de las
Artes Cinematográficas y Televisivas) al “mejor actor principal”, mientras
que el propio filme se hizo con el premio a la “mejor película”. La cinta se
proyectó en distintos festivales de cine de todo el mundo y consiguió
numerosos galardones y candidaturas a la “mejor película”.
Chris es especialmente conocido por su papel en “La boda de mi mejor
amiga”, frente a Kristen Wiig y Maya Rudolph. Chris fue candidato por este
papel a un premio BAFTA a la “estrella emergente”, a un premio del
Sindicato de Actores (SAG) a la “mejor interpretación de un reparto en una
película” y recibió el premio al “mejor actor de reparto en una película” de
los Premios Irlandeses de Cine y Televisión. “La boda de mi mejor amiga”,
dirigida por Paul Feig y producida por Judd Apatow, fue candidata a dos
Óscar, un Globo de Oro a la “mejor película – Musical o comedia”, y fue
reconocida por el AFI como “película del año”. También consiguió un premio
Critics’ Choice a la “mejor película de comedia”, un premio People’s Choice a
la “comedia favorita” y obtuvo galardones al “mejor reparto” de diversos
grupos de críticos de Estados Unidos. “La boda de mi mejor amiga” consiguió
además un gran éxito de taquilla, que recaudó casi 300 millones de dólares
en todo el mundo.
Entre sus restantes créditos cinematográficos figuran “Si fuera fácil”, de
Judd Apatow, “Thor: El mundo oscuro”, frente a Chris Hemsworth y Natalie
Portman, la película de animación de Chris Wedge “Epic: El mundo secreto”,
frente a Jason Sudeikis, Amanda Seyfried y Aziz Ansari, “Un plan perfecto
(Amigos con hijos)”, de Jennifer Westfeldt, frente a Jon Hamm, Adam
Scott, Kristen Wiig y Maya Rudolph, “La cena de los idiotas”, de Jay Roach,
frente a Paul Rudd y Steve Carell, “Los viajes de Gulliver”, de Rob
Letterman, con Jack Black, Jason Segel y Emily Blunt, “Radio encubierta”,
de Richard Curtis, con Phillip Seymour Hoffman, y “Preguntas frecuentes
sobre viajes en el tiempo”, de Gareth Carrivick, con Anna Faris. Chris
también intervino en “Festival”, que fue candidata a dos premios BAFTA,
entre ellos el de “mejor película británica”, y ganó un premio de BAFTA
Escocia al “mejor actor en una película escocesa”.
En la pequeña pantalla, Chris escribe y produce una serie de televisión
basada en su propia infancia llamada “Moone Boy”. La serie gira en torno a
un niño que depende de la ayuda de su amigo imaginario para afrontar los
dilemas de la vida en una extravagante familia irlandesa de pueblo en la
década de 1980. La serie fue elegida “mejor programa de entretenimiento”
de los Premios Irlandeses de Cine y Televisión y el propio Chris fue
candidato a “mejor actor de reparto de televisión” y “mejor drama”.
Además, la serie fue candidata a “mejor comedia nueva” de los Premios
Británicos de la Comedia. “Moone Boy” se estrenó en Sky One en Reino
Unido, está disponible en Estados Unidos a través de Hulu desde el año
pasado, y ha sido renovada para una tercera temporada. Chris se encargará
no sólo de escribir y producir los próximos episodios, sino también de
dirigirlos. En la actualidad se encuentra adaptando el formato para el
mercado estadounidense.
Los restantes trabajos de Chris para televisión incluyen la serie de
HBO/BBC “Family Tree”, creada por Christopher Guest y Jim Piddock.
También ha aparecido en la serie de HBO de Lena Dunham “Girls”. Chris
protagonizó la telecomedia de culto “Los informáticos” para Channel 4
Television, y la alabada miniserie “Pétalo carmesí, flor blanca”, adaptación
en cuatro capítulos de la novela superventas de Michael Faber, dirigida por
Marc Munden para la BBC. Es muy conocido en Irlanda por haber
protagonizado el popular drama de RTÉ 1 “The Clinic”, por el que fue
candidato a los Premios Irlandeses de Cine y Televisión en 2003.
Sus créditos teatrales incluyen la alabada producción de gran éxito de
crítica y público de Druid de “The Playboy of the Western World”, dirigida
por Garry Hynes, y la producción de Royal Court de “Under the Blue Sky”.
TERRENCE HOWARD (ZUCKO)
Terrence Howard es especialmente conocido por su trabajo candidato al
Óscar y al Globo de Oro en “Hustle & Flow”, así como por su papel de
reparto en “Crash (Colisión)”, por el que recibió un premio de la National
Board of Review a la “mejor interpretación revelación”.
Howard, nacido en Chicago, Illinois, empezó su carrera como intérprete con
el papel de ‘Jackie Jackson’ en la miniserie de la cadena ABC “Los Jackson”,
tras la que no tardarían en llegar otras apariciones televisivas notables, en
series como “Living Single” y “Policías de Nueva York”. Debutó en el cine en
1992 con la comedia “Who’s the Man?”, tras la que vendría su papel de
‘Cowboy’ en la saga de época “Dinero para quemar”. En 1995, Howard llamó la
atención por su papel de atleta de instituto en “Profesor Holland” y poco
después le ofrecerían un papel protagonista en la serie de televisión de la
desaparecida cadena UPN “Sparks”. En 1999, Howard recibió el premio
NAACP Image al “mejor actor de reparto”, una candidatura a un premio
Independent Spirit y otra al premio de la Asociación de la Crítica
Cinematográfica de Chicago por su interpretación de ‘Quentin’ en la película
“El mejor amigo del novio”. También recibió un premio NAACP Image en
2011 como “mejor actor de reparto en una serie dramática” por “Ley y
Orden: Los Ángeles (Los Ángeles: Distrito Criminal)”.
Ha sido posible ver recientemente a Howard en “El reencuentro”, secuela
del gran éxito “El mejor amigo del novio”, en el que también intervino,
“Prisioneros”, con Hugh Jackman, y en “El mayordomo”, “Dead Man Down (La
venganza del hombre muerto)”, “Pacto de silencio”, de Robert Redford, y
“On the road (En la carretera)”. Próximamente, habrá ocasión de verlo en la
serie del canal FX “Wayward Pines”, así como en la serie de Fox “Empire”.
Howard también encarnó a ‘Nelson Mandela’, frente a Jennifer Hudson, en
la película “Winnie”. Intervino junto a Cuba Gooding Jr. y Bryan Cranston en
la producción de George Lucas “Red Tails”. Sus restantes créditos
cinematográficos incluyen “Valerie Flake”, “Un plan perfecto”, la candidata
al Óscar “Ray”, “Pride”, “La extraña que hay en ti”, “August Rush: el triunfo
de un sueño” y “Iron Man”. En 2008, debutó sobre los escenarios de
Broadway en un montaje enteramente afroamericano de la obra de
Tennessee Williams “La gata sobre el tejado de zinc caliente”. Howard es un
músico autodidacta, que sabe tocar tanto el piano como la guitarra, y pudo
exhibir sus talentos musicales en “Ray”, en el papel del guitarrista de Ray
Charles, ‘Gossie McKee’, así como en “Hustle & Flow” como el rapero ‘Djay’.
Howard interpretó todos los temas de su personaje en la película, incluido
“It’s Hard Out Here For A Pimp”, que ganó el Óscar a la “mejor canción
original”.
JAEDEN LIEBERHER (OLIVER)
Jaeden Lieberher nació y se crió en Filadelfia, Pensilvania. Nunca pensó que,
cuando se trasladó al otro extremo del país, hasta Los Ángeles, su vida lo
llevaría hasta la interpretación. Hace dos años, poco después de realizar ese
viaje, consiguió su primer anuncio con Hot Wheels. Los directores de
casting, directores y productores se dieron cuenta enseguida de que Jaeden
era una joven estrella muy prometedora. Entre sus restantes trabajos
publicitarios figuran marcas como Google, Money Supermarket (para
Europa), Liberty Mutual, Hyundai (anuncio de la Super Bowl de 2013) y
Verizon Fios (como un Iron Man de 10 años). Jaeden debutó en la gran
pantalla interpretando a Chris Evans de joven en “A Many Splintered Thing”.
Recientemente, ha coprotagonizado a las órdenes del director Theodore
Melfi ST. VINCENT (The Weinstein Company, Chernin Entertainment),
frente a Billy Murray, Melissa McCarthy y Naomi Watts. La película cuenta
la historia de un chico (Lieberher) que se muda con su madre soltera
(McCarthy) junto a un viejo solitario y cascarrabias (Murray). En un
momento de desesperación por ambas partes, Murray acepta cuidar al chico
después del colegio. Por el accidentado camino, ambos aprenderán cosas
sobre sí mismos gracias al otro y entre ellos se creará una insospechada
amistad. A finales de 2013, Jaeden voló a Hawái para filmar el nuevo
proyecto de Cameron Crowe, frente a Bradley Cooper, Emma Stone y Rachel
McAdams. Poco después de terminar con ese título, se trasladó a Nueva
Orleans a rodar “Midnight Special”, bajo la dirección de Jeff Nichols, con
Michael Shannon y Kirsten Dunst.
Además de actuar, Jaeden disfruta animando a sus equipos locales, los
Phillies y los Eagles, leyendo y creando cómics, así como haciendo y viendo
películas (la mayoría de ellas nada adecuadas para un niño de su edad).
Espera verse algún día tras las cámaras como director.
ESPECIAL: ‘EL DÍA DE LA BESTIA’
Jaque al hipócrita espíritu navideño
Es habitual escuchar eso de “para ser española, es buena”, frase tan típica
que da pie a dos conclusiones muy importantes: que el público español no
sabe apreciar su propia cinematografía, o no la conoce directamente, y que
hay tienen muy poca memoria cinéfila. Porque ahí están Berlanga, Buñuel,
Almodóvar, Trueba, Gómez Pereira, Martínez Lázaro,… No falta talento,
pero sí quizá ayuda por parte de los que mandan.
Pero apologías políticas aparte, hay un nombre que es sinónimo de éxito en
nuestro país, y muy habitualmente de calidad, esa calidad que algunos
buscan en el cine español para parecerse lo máximo posible al cine
extranjero, y especialmente americano. Hablamos de Álex de la Iglesia, un
cineasta surgido de una generación que ha parido genios como Daniel
Monzón, Alejandro Amenábar o Jaume Balagueró. Una generación
preocupada por satisfacer al público en primera instancia, mucho más que en
ser autocomplacientes. Y hablar del realizador vasco es hablar,
inevitablemente, de la que a día de hoy sigue siendo su obra más redonda
pese a haber quedado anticuada en sus medios, que no en su discurso: “El día
de la bestia”.
No era la primera vez que de la Iglesia irrumpía en nuestras salas con su
humor siniestro, oscuro, y a veces absurdo, en el que los marginados son los
protagonistas. Ya dos años antes dio el campanazo con “Acción mutante”,
producida por el clan Almodóvar, un film mucho menos cómico e
indescriptiblemente más cyberpunk y macabro que el que nos ocupa. Una
película no demasiado exitosa a nivel de público pero convertida en clásico
de culto en la actualidad que serviría de carta de presentación para un
director con un estilo personal muy característico.
Elegir “El día de la bestia” en estas fechas navideñas tan consumistas e
hipócritamente felices no es casualidad. Los que la hayan visto sabrán que
estamos ante una de las comedias anti-navideñas más lúcidas de la historia,
un sarcástico relato sobre tres reyes magos embarcados en una misión a
medio camino entre la realidad y los efectos secundarios de sustancias
alucinógenas, una variación diabólica del nacimiento de Jesús que combina el
mejor humor negro y disparatado con el terror y la acción. Todo en una
demoníaca Nochebuena de finales del siglo XX en una urbe egoísta y oscura
como Madrid redescubierta a partir de sus suburbios, el escenario
cinematográfico perfecto para la llegada del Anticristo.
Tres reyes magos contra el demonio
El padre Ángel Berriatúa, catedrático de Teología y sacerdote vasco, cree
haber encontrado un mensaje oculto tras el Apocalipsis de San Juan. Según
el cura, el mensaje contiene la fecha exacta del nacimiento del Anticristo,
que no será otra que en Nochebuena, justo cuando comience el día de
Navidad de 1995. Y está convencido además de que será en Madrid, cuna de
una ola de violencia y delincuencia perpetrada por un grupo radical que actúa
bajo el nombre de “Limpia Madrid”, encargados de barrer de las calles a
inmigrantes, indigentes, homosexuales… en definitiva, a todos aquellos que
no entran dentro de lo que ellos consideran el bien social. Y es que, para
alguien que no ha abandonado nunca el convento, ese ambiente al que el
resto de los mortales ya estamos acostumbrados puede resultarle
tremendamente apocalíptico. Convencido de semejante locura, el padre
Ángel viajará hasta esta Sodoma moderna dispuesto a hacer el mal, para así
ganarse la confianza del maligno y poder estar presente en el nacimiento de
su hijo, con el objetivo de matar al niño.
Semejante despropósito de trama –denunciada por un escritor madrileño
por plagio de su novela, demanda que el autor perdió; esta historia se recoge
en el documental “El lado oscuro del clan Almodóvar”- podría haber dado pie
a un guión repleto de lagunas, pero de la Iglesia, junto a su inseparable y
amigo de la infancia Jorge Guerricaechevarría –gran amante de las historias
de género y uno de nuestros mejores guionistas, además de colaborador
habitual de otro grande, Daniel Monzón-, firmaron un guión prácticamente
redondo en el que no sobra ni falta nada, y el director imprimió a la cinta un
ritmo frenético sin descanso que va in crescendo. No es casualidad además
que el protagonista sea un sacerdote. De la Iglesia dio a su historia un
carácter personal, marcado por su infancia en los Jesuítas y su paso por la
Universidad de Deusto, de la que nuestro protagonista es catedrático.
Una cantidad de aciertos convirtió a “El día de la bestia” en un éxito
rotundo para el cine español, transformándola en un taquillazo (casi 5
millones de euros en taquilla solo en España, a lo que hay que sumar el éxito
en países extranjeros como Italia) y en un título alabado por la crítica (sus
seis Goya a director, actor revelación para Segura, dirección artística,
maquillaje, sonido y efecos visuales así lo atestiguan, así como el
reconocimientos en los premios Ondas y en Bruselas). Gracias al productor
Andrés Vicente Gómez, el único que se atrevió a llevarla a buen puerto, el
presupuesto inicial de 60 millones de pesetas (360.000 euros), financiado
por el propio director, ascendió a 300 millones (1,8 millones de euros),
necesarios para generar los efectos especiales punteros en aquella época
aunque algo anticuados actualmente, el maquillaje de los personajes y de la
bestia de la escena final, las escenas de acción rodadas en pleno Madrid de
noche y en grandes decorados fabricados en estudios,…
Del primer apartado técnico, efectos especiales, se ocupó un clásico de
nuestro cine, Reyes Abades, junto a Gabe Ibáñez y Rafa Solorzano,
mientras que el maquillaje corrió a cargo de José Quetglás, y la fotografía
fue obra de Flavio Martínez Lázaro, encargado de la costosa tarea de
iluminar una ciudad en penumbras y procurar que lo rodado en estudios y en
escenarios reales tuviera la misma continuidad de luz y color. Todos ellos
hicieron posible ese demonio con aspecto de cabra y montado sobre
plataformas, ayudado por cables, que llevaba una persona sin piernas; esa
histórica secuencia con el trío protagonista colgado del cartel de
Schweppes, una réplica exacta de la original de la Gran Vía, construida para
la ocasión; la paliza en el pasillo entre Rosario, madre de Jose María y
nuestro protagonista; o la persecución por Preciados en plena Nochebuena,
con el sacrificio posterior de los tres reyes magos. Y esto solo por
mencionar unas pocas.
Pero el gran acierto de este film son su guión y sus personajes,
caracterizados por un plantel de actores que no podían estar más perfectos
en sus interpretaciones. Álex Angulo, Santiago Segura y Armando de Razza
componen esos tres reyes magos obsesionados por matar al hijo del diablo.
Al Quijote del grupo, Angulo, ya lo conocía de la Iglesia. Fue protagonista de
su exitoso corto “Mirindas asesinas” en 1991, y fue uno de los mutantes de
su debut en el largo. Un actor secundario de nuestro cine para el que este
sería su primer papel protagonista, y el gran salto a la fama. Como también
supuso el trampolín al estrellato del formidable Jose María de Santiago
Segura, un heavy adicto a los tripis que confiará ciegamente desde el
principio en el padre Ángel por ser, como dice él, “satánico, y de
Carabanchel”. Tampoco era la primera colaboración entre Segura y el
director, pues también estuvo en su debut y años antes se conocieron en el
festival de cine de Valencia y más tarde trabajaron como historietistas en
“La Comictiva”, dirigida y fundada por Torbe. El dúo de Sancho Panzas lo
completa el italiano Armando de Razza, cantante y actor italiano muy
conocido en su país para el cual ésta era su segunda incursión en el cine
español tras la alabada “¡Ay, Carmela!”. Interpreta al escéptico profesor
Cavan, un farsante que usa el ocultismo y la parapsicología para ganar dinero
por televisión, teniendo contenidos en su programa que ni él mismo cree.
Precisamente por salir en la tele, el padre Ángel se fijará en él para
secuestrarle y pedirle ayuda.
El resto del reparto lo conforman: Terele Pávez como Rosario, la madre de
Jose María y dueña del hostal en que se hospeda el padre Berriatúa, una
mujer de firmes creencias de derechas a la que la veterana actriz,
recuperada por de la Iglesia y desde entonces habitual en algunos de sus
trabajos, imprimió su temple y enorme presencia en pantalla; Nathalie
Seseña, reputadísima secundaria de los 90 que interpreta a Mina, empleada
en el hostal de Rosario y la virgen cuya sangre pretende extraer el padre
Berriatúa para el rito de convocar al demonio, en una clara referencia al
“Drácula de Stoker”; y Maria Grazia Cucinotta, actriz italiana que da vida a
la exuberante y malograda novia de Cavan y que un año antes triunfara con
“El cartero (y Pablo Neruda)”. Además, realizan cameos otros actores que
más adelante alcanzarían la fama como Antonio de la Torre, el fallecido Paco
Maestre, Enrique Villén, Antonio Dechent, Jaime Blanch, el gran Wyoming,
Manuel Tallafé, Juan y Medio, Jimmy Barnatán o Saturnino García, que abre
la película junto a Álex Angulo y que ya había trabajado con él en “Mirindas
asesinas”. Muchos de ellos repetirían posteriormente con de la Iglesia.
Y, cómo no, la música de Def Con Dos, que ya pusieran banda sonora a
“Acción Mutante”, y que actúan en el film encarnando al ficticio grupo
Satánica. Porque la otra gran protagonista de “El día de la bestia” es la
banda sonora, una diabólica selección de temas musicales, algunos
expresamente compuestos para la ocasión, interpretados por grupos como
Soziedad Alkoholica, Extremoduro (con Albert Pla), Eskorbuto, Sugar Ray o
Siniestro Total, entre otros. Una muy recomendable banda sonora que
resultó todo un éxito de ventas debido al boom que supuso la película.
El mal a la vuelta de la esquina
Su banda sonora contiene temas musicales que van desde los anti-navideños
a los anti-religiosos, a los satánicos, yendo de la mano con el propio espíritu
de la película. Porque en “El día de la bestia” se hace una crítica cargada de
cinismo a la sociedad del consumo, a la hipocresía típica de las fechas
navideñas, a las doctrinas de la iglesia católica, y se suceden continuamente
los mensajes subliminales apocalípticos.
Las familias, como bien explica públicamente en televisión el profesor Cavan,
celebran felices la Navidad mientras fuera, en los suburbios de Madrid, ha
comenzado el reino del Anticristo. Cegados por los valores que transmite la
televisión, la población vive ajena a lo que ocurre fuera, inconscientes de que
el mal habita a la vuelta de la esquina.
Este contraste de valores está presente a lo largo de todo el metraje. Una
de las secuencias más icónicas se produce cuando el profesor Cavan entra en
un 24 horas llevado por inmigrantes del que acaban de salir cuatro hombres
muy bien vestidos con palos en las manos. Por el camino hacia la nevera del
establecimiento, Cavan se encuentra con varios cadáveres, y actúa como si
nada. Coge lo que quiere y deja el dinero en el mostrador. Un ejemplo de esa
sociedad cegada y deshumanizada a la que quiere criticar el bilbaíno.
La iglesia o la propia sociedad no son los únicos objetivos del director. El
mismo grupo “Limpia Madrid” supone una crítica al mal cotidiano, y de la
Iglesia se permite jugar con el espectadores invirtiendo los estereotipos
habituales. Desde el principio somos testigos de cómo una familia gitana
intenta ganarse la vida en la calle haciendo bailar a una cabra, símbolo
satánico por excelencia en la película, sobre una butaca. Posteriormente
vemos signos satánicos en los sectores más marginales de la ciudad. Y más
adelante se nos asegura que el Anticristo imitará el nacimiento de
Jesucristo, ocurriendo discretamente y no de manera pública como muchos
creen. Cuando el padre Berriatúa encuentra la marca del diablo en forma de
Torres Kio, entiende que ahí será el alumbramiento. Este pensamiento se ve
reforzado por la presencia de una estrella entre ambos edificios, una
representación demoníaca del mismísimo portal de Belén. En su interior se
oye al bebé de la familia gitana del comienzo, y automáticamente, tras
tantas pistas intencionalmente erróneas, el grupo “Limpia Madrid” irrumpe y
mata a la familia gitana y agrede a los protagonistas. El propio grupo
fascista es la encarnación del demonio, y el mismo cura ve en uno de ellos al
diablo, si bien no queda claro si es fruto de su propia paranoia o de la
realidad. Sea como fuere, la maldad tiene la forma de personas adineradas,
de clase social alta, transmitiendo así el film una sensación de falsa
seguridad. El mal habita en cualquier sitio, y de la Iglesia ha jugado con
nuestros estereotipos preconcebidos (fealdad, pobreza…) y los ha
subvertido para asestar un duro golpe contra los estratos sociales más
favorecidos. El padre Berriatúa buscaba en el sitio equivocado, y ahora
entiende que en lo cercano, en lo cotidiano, se encuentra el verdadero
diablo.
Esta combinación de humor macabro y cínica sátira sobre la sociedad de
consumo, sobre la pobreza del alma humana más cercana, sobre la
manipulación de los medios o la posición hegemónica y dictatorial, casi
alienante, de la religión católica, sería explotada posteriormente por el
director en títulos como “Crimen Ferpecto”, “Muertos de risa”, “La
comunidad” o la reciente “Balada triste de trompeta”, entre otras. Alcanzó
tanto la cumbre con este trabajo que constantemente se comparan sus
películas con esta, algo realmente injusto en la carrera de uno de nuestros
mejores y más imaginativos realizadores.
La última escena nos muestra una nueva inversión entre lo marginal y el
centro de la sociedad. Ángel y Cavan aparecen como vagabundos en el
Retiro. El clérigo que fue el que comenzó convencido parece haber perdido
la fe. Sin embargo, Cavan que antes fue un predicador farsante, se ha
convertido en un creyente convencido y orgulloso de haber salvado al mundo.
Aquí es donde el cineasta deja un final visual que dice más que las palabras:
mientras ambos se alejan por el parque, la cámara se eleva para mostrar a
los desgraciados protagonistas caminando bajo la mirada del monumento al
Ángel Caído del parque Retiro: la figura del demonio sigue presente y por
encima de ellos, pero lo más curioso es que está en el centro de Madrid. No
en los márgenes sociales, sino en el corazón de la sociedad de finales del
siglo XX. Y de la actual. Felices fiestas y feliz año nuevo.
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