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Marco teórico:
Porque es importante la alfabetización digital? Poder crear productos audiovisuales
Facilitar el análisis de productos audiovisuales
Todo producto audiovisual es un mensaje comunicativo. El lenguaje
comunicativo del cine se ha ido formando a lo largo de más de 100 años. El
lenguaje cinematográfico surge de el esfuerzo por elaborar mensajes utilizando
los medios técnicos de captación y reproducción.
Evolución del cine• Llegada del cine sonoro (incorporación del sonido).
• Aparición del color.
• Acercamiento de la cámara a los personajes.
• Uso creciente de los movimientos de cámara
• Utilización de la profundidad de campo
• Aparición de los formatos panorámicos
• Utilización del sonido espectacular
• Aparición del la televisión y el video
• Alta definición
• Comunicación multimedia
Posibilidades y limitaciones de la cámaraLas posibilidades perceptivas de los sentidos humanos más las posibilidades y
las limitaciones de la cámara han alcanzado un alto grado de complementación
y desarrollo. Actualmente es posible comunicar cualquier acción o sentimiento
con mensajes audiovisuales. Para ello tenemos que utilizamos los códigos
adecuados con la seguridad que serán comprendidos por el espectador.
Convenciones del relato:
Analogía: Relación de parecido entre cosas deferentes.
Homología: correspondencia en funciones de el objeto y el objeto real
Continuidad: utilización de recursos conocidos en otros contextos que
hacen que la interpretación sea inmediata.
Diferencias entre el ojo y la cámara:Respecto a la captación:
Rapidez frente a situaciones criticas.
Dificultades para enfocar simultáneamente.
Encuadramiento limitado del espacio y ángulos de visión.
El ojo explora y procesa con rapidez, la cámara presenta, no distingue
entre señal y sonido.
La exploración de la cámara se registra en la edición.
La cámara ha de selecciona siempre el punto de atención. En la visión
real, es el cerebro el que procesa naturalmente.
Respecto a la interpretación:
Las imágenes de la cámara son interpretadas tal y como son
representadas.
La cámara presenta una visión de la realidad. Todo lo que se representa
ya esta previamente seleccionado y es significativo.
La cámara ha visto por nosotros y utiliza un lenguaje pactado para emitir
mensajes que puedan ser descodificados de manera común.
La invención del cineLa cámara oscura
La linterna mágica
Se basaba en el diseño de la cámara oscura, la cual recibía imágenes del
exterior haciéndolas visibles en el interior de la misma, invirtiendo este proceso,
y proyectando las imágenes hacia el exterior, como un proyector actual.
FantasmagoriasConsistían en dar movimiento a imágenes proyectadas por la linterna mágica
poniendo ruedas al soporte. De esta manera las imágenes se acercan o alejan.
Otros: panorama, diorama, persistencia retinaria, taumatropo, zootropo,
praxiscopio.La fotografía y la cronofotografía serán el último paso a la invención del cine.
Evolución: Cinetoscopio, cinematógrafo.
Si bien los hermanos Lumiere serán los inventores del cine, la transformación
de este en un espectáculo se dará gracias a George Méliès.
El cinematógrafoFue inventado por Louis Lumiere y resolvió los problemas de la proyección
utilizando un mecanismo muy similar al de la máquina de coser para mover la
tira de celuloide. Era el aparato más simple y perfecto de los construidos hasta
entonces. Servía para filmar, proyectar y hacer copias. Funcionaba con una
manivela que arrastraba la película a quince imágenes por segundo. Recién en
los años 1920 se llegaran a las 24 imágenes por segundo con la incorporación
de motores en las cámaras. El 18 de Diciembre de 1895 se realiza la primer
proyección de la película de los hermanos Lumiere en el subsuelo del Grand
Cafe, al número 14 del boulevard des Capucines. Se cobraba entrada. La
proyección duraba media hora y estaba compuesta por dos pequeñas películas
de un minuto y medio que reproducían la vida: la salida de los obreros de la
fábrica, el bebe que come sopa, el tren entrando a la estación de la ciudad, etc.
El cine como expectaculo: George MélièsGeorges Méliès convierte las vistas de los hermanos lumeiere en tableaus.
Estos reproducían escenas de teatro o de magia.
Méliès construyo unos estudios cinematográficos dentro de una galería de
vidrio para aprobechasr al máximo la luz. Inventa Star Films, una productora
que hacia películas de lenguaje fantástico y los primeros efectos especiales de
la historia del cine. Invento muchos trucos cinematográficos que después se
hicieron servir a lo largo de la historia del cine. Algunos trucos los consiguió por
azar, como la sustitución o truco por parada de la cámara. Tambien invento las
sobre impresiones utilizando creativamente la marcha atrás, las maquetas o
pequeños decorados a escala o el paso a paso. Su periodo máximo de
explandor fue entre los años 1902 y 1908 en los cuales realiza mas de 4000
peliculas.
La gran contribución de Méliès fue pensar que si se podían reproducir los
paisajes, objetos y personas que nos rodeaban, tambien se podía representar
aquello que imaginábamos. Estaba fundando las bases de un lenguaje
diferente al lenguaje escrito y verbal.
Evolución del lenguaje audiovisual
El tiempo y espacio cinematográfico ya no corresponden al teatralCon los cortes y sus combinaciones posteriores, no solo los films se hacen más
dinámicos y adquieren mas ritmo, sino que se comienza a desarrollar una
gramática nueva basada en el montaje de fragmentos.
El público del cine comienza a iniciarse en un nuevo lenguaje, aprende a
relacionar dos situaciones diferentes. Así pues aparece el montaje que se
transforma en la base del lenguaje fílmico.
HollywoodEn la primera fase, Edison encabeza la guerra de patentes y como respuesta a
este intento de monopolio se crea Hollywood, un espacio para los productores
independientes. El director más relevante de este periodo es David Wark
Griffith (1875-1948)
un autentico maestro de la técnica cinematográfica. Griffith es un cineasta
innovador en el aspecto formal y ultraconservador en los contenidos. En su
obra siempre tendrá presente la defensa de la virtud contra el mal.
Aportes:
Inicia el montaje alternativo (dos acciones que ocurren de manera
simultánea y que finalmente convergen)
Inicia la selección del tiempo y deja de lado los tiempos muertos.
Selecciona aquello que quiere mostrar al espectador: ira abandonando
los grandes planos y priorizara los primeros planos por su poder
expresivo, su carga psicológica y su capacidad emotiva.
Hará servir progresivamente los movimientos de cámara: panorámica y
travelling
Intentara utilizar la profundidad de campo.
Películas
El nacimiento de una nación (1915): consigue aumentar la maestría en
esta película épica de claro contenido racista.
Intolerancia (1916): reflexión sobre la falta de comprensión mutua entre
los seres humanos construida a partir de cuatro historias que sucedían
en lugares y momentos diferentes y que llegaban a culminar en su
desenlace. Intolerancia dejó la crítica desorientada y provocó un enorme
rechazo del público que no supo entender el desarrollo de tantas
acciones a la vez.
Serguéi Eisenstein (1898-1948)
Otro cineasta que contribuye a la fundación de este nuevo lenguaje.
De origen judío, proviene del mundo del teatro.
Su cine no es un cine de actores, incluso muchas veces utilizaba gente
normal en sus películas. Su narrativa rehuía la individualidad y se orientaba
a cuestiones más amplias de la sociedad, especialmente a conflictos de
clase.
Aportes:
Es un pionero y un innovador en la utilización del montaje y su
aportación influirá el resto de directores posteriores.
Para él, el montaje no era un método que simplemente servía para enlazar
escenas, sino que era sobre todo un medio para manipular las emociones
de su audiencia.
Peliculas:
La huelga (1924)
El acorazado Potemkin (1925)
Charles Chaplin (1889-1977)
La década de los años veinte es la mejor época de este entrañable poeta del
cine.
Maestro del melodrama, sus películas están cargadas de inquietud social y de
una voluntad de justicia social que recuerdan su dickensiana niñez por los
barrios de Londres.
Él no se caracteriza por sus innovaciones técnicas, sino para aprovechar al
máximo las enseñanzas de cineastas como Griffith.
A partir de 1917, expresará con intensidad sus vivencias con su primer
largometraje: The Kid (1921).
Películas:
Luces en la ciudad (1931)
Tiempos modernos (1936)
Buster Keaton (1895-1966)
Él será contrapunto del sentimental Chaplin desarrollando una crítica burlesca y
triste al mismo tiempo del automatismo de una sociedad cada vez más
deshumanizada. Entre sus películas, hay que destacar
Películas:
La ley de la hospitalidad (1923)
El navegante (1924)
El sonido en el cine Antes de la llegada del cine sonoro, ya existía el sonido en el cine. Pocas veces
se exhibían películas en silencio absoluto. Ya en 1897, los hermanos Lumière
contratar un cuarteto de saxofonistas para que acompañaran las proyecciones
en aquel local de París.
En el momento en que fue posible incluir una pista sonora en el celuloide, fue
posible ajustar el sonido a la imagen y hacer que el cine fuera sonoro. El cine
mudo había durado 35 años, pero cuando apareció el sonido, éste pasó a la
historia.
La primera película sonora de la historia del cine es The Jazz Singer de Alan
Crossland. Se estrena en Estados Unidos el 6 de octubre de 1927
Una gran crisis planeó sobre las grandes figuras del momento. Griffith, Keaton,
Chaplin y otros firmaron manifiestos donde denunciaban el nuevo cine. Algunos
de ellos quedaron para siempre fuera. Otros con el tiempo se adaptaron a la
nueva realidad como Chaplin y Eisenstein.
Consecuencias:
Crisis de algunos cineastas que habían desarrollado en el cine mudo.
En un primer momento, el cine perdió fluidez, creatividad y ritmo, pero
poco a poco vivió una transformación y un aumento impresionante de
público.
El montaje se hizo más complejo porque ahora en lugar de tener un
pedazo de película, había por lo menos dos (sonido e imagen)
La llegada del sonoro también transformó las películas cómicas. Varios
estilos de humor que hasta entonces habían dado buenos resultados se
adaptaron al cine. Uno de ellos era la farsa en la que una situación
ordinaria se llevaba al caos más absoluto. Y esta fue la especialidad de
unos hermanos irrepetibles: los hermanos Marx.
Teoricos del cinema
La expresión "lenguaje cinematográfico" la encontramos en los escritos de
los primeros teóricos del cine:
– Ricciotto Canudo
– Louis Delluc
– Formalistes russos
Ricciotto Canudo
Crítico de cine perteneciente al futurismo italiano. En 1911 publicó su ensayo
"Manifiesto de las Siete Artes". Es considerado el primer teórico del cine al que
consideraba como "arte plástica en movimiento".
Teoría:
El hombre tiene una necesidad de inmortalidad que consigue creando la
dimensión espacial (arquitectura) y temporal (música). De cada una de ellas
surgen dos más. La síntesis de las seis artes (los dos ritmos) origina el teatro
que es un arte más imperfecto por efímero. El cine logra la perpetuación física
y mantiene la exhibición en un gran número de personas.
Formalistas rusosDespués de la revolución rusa en octubre de 1917, el cine surgió en la Unión
Soviética de manera natural como forma de educar a las masas.
Rusia fue el primer país del mundo en el que el gobierno reconoció la función
del cine como medio de cultura de masas. Lenin en 1920 afirmó: "De todas las
artes, la más importante para Rusia es el cine". Y nacionalizó el cine y el teatro
En este periodo, que abarca de 1910 a 1930, se analizaron y se probaron
diversos conceptos que ayudaron al desarrollo del cine.
Por primera vez se teoriza sobre el cine como lenguaje.
Se incide mucho en la función del montaje y se sistematiza.
Estados franceses Para los estados franceses especialmente, se trataba de oponer el cine al
lenguaje verbal y lo definían como un nuevo medio de expresión.
Esta oposición entre cine y lenguaje verbal aparece el centro del manifiesto de
Abel Gance "La música de la luz".
El carácter esencial de este nuevo lenguaje es su universalidad. Permite llevar
a cabo el sueño de un "esperanto visual".
GramaticasLas gramáticas del cine propiamente dichas se desarrollan después de la
Liberación, cuando la promoción artística del cine empezaba a estar
globalmente reconocida (sobre todo en Francia e Italia).
El cine era un arte total dotado de un lenguaje propio. La proliferación pues de
libros didácticos hay que relacionarla con la expansión de los cineclubs y los
movimientos de educación popular, cuando el cine se convierte en el primer
arte verdaderamente popular por las dimensiones de su audiencia.
• Raymond J. Spottiswoode: Gramática del film (Londres, 1935)
• André Berthomieu: Essai de grammaire cinematográfica, 1946
• Robert Bataille: Grammaire cinegraphique, 1947
Robert Bataille"La gramática cinematográfica estudia las reglas que presiden el arte de
transmitir correctamente las ideas por una sucesión de imágenes animadas
que forman un film".
Estas gramáticas transmiten una estética análoga: la de la transparencia (la
mejor técnica es la que no se ve) y la del realismo (es necesario que la imagen
dé sensación de verdad).
CaracteristicasRoger Odin (profesor de ciencias de la información y la comunicación de la
Sorbona) ha demostrado que estas gramáticas se basan en el modelo de las
gramáticas normativas del lenguaje verbal de uso escolar.
Y de alguna manera simplifican el cine y lo reducen a la inteligibilidad y la
corrección cuando es mucho más.
Hay que decir que estas gramáticas han tenido su utilidad y que hay
enmarcarlas en su momento histórico determinado.
Marcel Martin
Escribe 1955 el libro El lenguaje cinematográfico que se puede tomar como
base lo que entendemos por concepción clásica del lenguaje cinematográfico.
Él une:
*La aparición del lenguaje cinematográfico
*Al descubrimiento progresivo de los procedimientos de expresión fílmica,
gracias a cineastas como DW Griffith y S.M. Eisenstein.
El lenguaje cinematográfico está pues doblemente determinado, primero por la
historia y luego por la narratividad.
GuionForma escrita de cualquier proyecto audiovisual. Historia escrita contada en
imágenes, diálogo y descripción en el contexto de una estructura dramática.
Un guion parte de una historia. Una historia es una cadena de
acontecimientos con una relación causa-efecto que le sucede a alguno o
algunos personajes en un espacio y un tiempo determinados y que se inicia, se
desarrolla y termina.
Una buena historia consta de *Verdad personal.
*expresión auténtica
*Conexión / identificación
Fuentes de historia*experiencia personal
*observación
*memoria
*Capacidad de escuchar la cadencia del discurso humano
*Instinto e intuición
*Coraje de contar historias
PersonajesLos personajes que son los que cargan el peso de la acción, los que hacen
avanzar la historia con su propia evolución: el QUIÉN.
Para que una historia funcione, es necesario que el personaje se mueva,
cambie, crezca o caiga
SUEÑO: como guionistas, debemos saber cuál es el sueño de nuestro
personaje.
DESEO Y NECESIDAD: a veces estos conceptos están enfrentados y pueden
generar mucho sufrimiento en el personaje.
ESPERANZA Y TEMOR: el espectador va construyendo en relación a nuestro
personaje una esperanza y un temor.
Tipos de personajesNo hay que desarrollar todos los personajes con la misma profundidad. En una
historia tenemos:
Personajes redondos: complejos, con matices y muchos detalles.
Personajes planos: personajes más arquetípicos que tienen su
funcionalidad dramática.
SinopsisLa concreción y la descripción de todo esto en papel supone elaborar la
sinopsis o argumento. La sinopsis es, pues, el reino del personaje. Nos
debemos a ellos para explicar la historia y este punto debemos tener muy claro
si no queremos que nuestro guión tambalee.
EstructuraEsta estructura o escaleta es la organización de la trama en secuencias.
Secuencia: Cada secuencia está formada por un grupo de escenas que
conducen a un acontecimiento dramático o bien que forman una unidad
dramática mayor.
Escena: La escena es la unidad dramática mínima: es un hecho que
sucede en un lugar y en un espacio determinado. Y como tal tiene su
propio planteamiento, nudo y desenlace. Cada unidad mínima debe
tener para que funcione su propia estructura interna. Las escenas
pueden ser esenciales o de transición / integración para ligar el resto de
elementos.
Trama: Damos un paso más. Las escenas conforman secuencias y las
secuencias a su vez conforman las tramas. El plot o trama es la parte
central de la acción dramática que queremos construir. Todos los
personajes están ligados a sus acciones por tramas y por eso decimos
que el plot es la parte central, la manera como se muestra la acción a
través de un personaje (personajes + acción + plot = acción dramática).
Puede implicar varias secuencias.
Tipos de trama: tramas principales, tramas secundarias.
Una historia también puede tener múltiples plots (multiplot): varias
tramas que están a un mismo nivel de importancia.
Tipos de estructuras
Tres actos o aristotélica:
La estructura más extendida. Una obra narrativa completa necesita como
mínimo tres cambios para llegar al final de todo:
*Las cosas iban mal, luego se arreglaron y ya está.
*Las cosas iban bien, luego muy mal y ya está.
*Las cosas iban mal, después aún peor y ya está.
*Las cosas iban bien, después estupendamente bien y ya está.
La regla de las tres unidades es sólo un fundamento, no una fórmula. Hay
películas que tienen cuatro, cinco, siete u ocho. Pero son la excepción. Una
historia en tres actos necesita cuatro escenas memorables:
*incidente provocador
*Clímax al final del primer
*Clímax al final del segundo
*Clímax al final del tercero: clímax narrativo final
Duración de los actos
Primer acte: 30 minuts
15 de presentació fins l’incident provocador
15 fins al final del clímax del primer acte
Segon acte: 40-60 minuts
Tercer acte: 30 minuts
Primer actoPresentación del personaje en su rutina (Planteamiento o set up) + Incidente
provocador (aparición del conflicto). La normalidad del protagonista se
desequilibra (crisis) e imagina un objeto de deseo para recuperar su armonía.
Esto es lo que perseguirá a partir de ahora y lo que se resolverá el clímax final.
Segundo actoLa acción crece a partir del hecho de que el personaje las cosas se le ponen
cada vez más difíciles hasta llegar a un grado de dificultad máxima. Al final del
segundo acto, tenemos dos opciones:
Parece que el personaje no se sale
Parece que el personaje se sale
(Es el momento del clímax narrativo que algunos autores lo sitúan en el inicio
del tercer acto)
Tercer actoEs la Resolución del conflicto positiva o negativa:
el personaje se sale (comedia)
el personaje fracasa (tragedia)
O, si se trata de una minitrama, la resolución de algunos conflictos y otros no.
En una antitrama, todo queda abierto.
Del plano a la secuenciaPlano ,mTira continua de película fotográfica creado a partir de una serie de fotogramas
que corre por un período ininterrumpido de tiempo.
Los planes se consiguen a través de las tomas y dependen de:
A. El espacio que encuadra y registra la cámara (la parte que recoge
muchas veces referida a la parte del sujeto que s'enquara)
Gran plano general: Encuadra un paisaje muy amplio de manera que el
escenario se erige como protagonista por encima de la figura humana.
Plano general: Presenta el sujeto de cuerpo entero en el escenario en el
que se desarrolla la acción. Tiene una función descriptiva y narrativa, de
ubicación y de mostrar acciones muy diversas. Priorizamos la
ambientación y el espectador se sitúa en una actitud impersonal e
imparcial. Se utiliza para mostrar diversas acciones que suceden a la
vez. Y también para iniciar algún bloque narrativo porque sitúa y
organiza el contexto dramático.
PLANO GENERAL LARGO
Este plan prioriza el escenario sobre el sujeto y destaca el movimiento o
la acción del personaje en relación con su ambiente.
PLANO GENERAL CORTO
Este plan muestra el escenario donde se desarrolla la acción, pero
centra su atención en el sujeto y permite hacer una descripción de la
acción corporal y de su expresión a grandes rasgos.
Plano americano: Encuadre que corta al sujeto por las rodillas o un poco
por debajo de éstos. Este plan delimita la frontera entre los planes que
llamamos descriptivos y expresivos. Nos sirve para mostrar acciones
físicas de los personajes, pero es lo suficientemente cercano para
permitir ver también las expresiones faciales: emociones y reacciones.
Plano medio: Encuadre que corta el sujeto por encima de las rodillas, las
caderas o el pecho. Es el plan que más se utiliza. Define un personaje
linealmente, sin enfatizar y permite mostrar acciones y al mismo tiempo
expresiones.
PLAN MEDIO LARGO: Como el encuadre se acerca más a las rodillas.
Permite observar el movimiento de manos y brazos.
PLAN MEDIO CORTO: Como el encuadre se acerca más al pecho.
Estos planes, los medios, permiten observar con mucha más claridad las
expresiones del personaje, aunque mantienen una distancia respetuosa.
Primer plano: Encuadre que corta el sujeto por los hombros, de manera
que sólo le vemos la cabeza y la cara. Por lo tanto, nos ubica como
espectadores a una distancia de intimidad respecto al personaje. Es el
plan expresivo por excelencia y nos permite acceder con gran eficacia
en el estado emotivo del personaje. Enfatiza el personaje y permite
transmitir emociones y sentimientos.
GRAN PRIMER PLANO: El encuadre se centra en los ojos y la boca del
personaje, las partes del cuerpo donde se concentra la expresión.
Primerísimo PRIMER PLANO: El encuadre se centra en un detalle de la
cara: los ojos, los labios ...
Plano detalle: Es el primer plano de un objeto o de la parte de un cuerpo
o de un objeto: una mano con un cigarrillo, una corbata, el pomo de una
puerta, un arma, un anillo, etc.
B. El ángulo desde el que encuadra
Cenital: La cámara se sitúa completamente encima del personaje, en un
ángulo perpendicular.
Plano picado: La cámara se sitúa por encima del objeto o el sujeto
registrado, de manera que éste se ve desde arriba. Los planes desde
arriba ofrecen al espectador un sentido de fuerza y superioridad,
tolerancia e incluso condescendencia respecto al personaje. Estas
tomas pueden destacar pues la inferioridad del personaje, su situación
de invalidez o de impotencia.
Plano contrapicado: La cámara se sitúa por debajo del objeto o el sujeto
registrado, de manera que éste se ve desde abajo. Desde este ángulo,
los sujetos parecen más fuertes, más imponentes, más poderosos, pero
también más extraños, siniestros, deformados o místicos.
Plano normal: El ángulo desde el que se sitúa la cámara es paralelo al
suelo. Expresa realidad y objetividad.
La cámara se sitúa completamente por debajo del personaje, en un
ángulo perpendicular al suelo.
C. otros criterios
Plano aéreo: Plano hecho con grúa o con helicóptero, utilizado para
mostrar grandes paisajes.
Sobre la espalda: Realizado situando la cámara encima del hombro de
manera que el plano retrata el personaje desde una misma altura.
Plano subjetivo: Plano realizado buscando el punto de vista del
personaje, como si viéramos la imagen desde sus ojos.
Invertido o contraplano: Es un plan que se realiza desde el ángulo
contrario al primero. Muy habitual en una conversación entre dos
personas.
Plano inserto: plano que se utiliza en edición para sustituir una imagen
por algún motivo manteniendo la continuidad del audio por debajo.
Plano secuencia: El plan que desarrolla una secuencia entera en una
sola toma. También se puede considerar un plano secuencia aquel
plano largo que engloba diversos encuadres aunque no correspondan a
una secuencia entera.
Duración de un planoLa utilización de planos largos evoca un desarrollo tranquilo y reposado de la
acción que se retrata. Los planos cortos generan una sensación de urgencia y
mayor rapidez.
Tamaño y formatoHay que decir que es importante tener en cuenta el tamaño y el formato de
proyección a través del cual podremos visionar el plan filmado. Tanto el tamaño
como el formato afectarán de manera determinante a veces en la recepción del
plan.
La tomaTambién se llama plano de registro. Define la captación de imágenes por un
medio técnico desde el momento que se pone en función de registro hasta que
deja de hacerlo. El tipo de toma depende del plano de encuadramiento inicial,
los movimientos de cámara y personajes y del plano de encuadramiento final.
Las tomas pueden ser mecánicas: si se trata de tomas de prueba en vídeo o
cine sin registro real. Aunque su finalidad es que sean efectivamente
registradas.
Una toma puede contener uno o más planos de encuadramiento. Las tomas o
partes de ellas pueden ser montadas, o sea, seleccionadas y combinadas
según la compaginación o edición. En la parte de la toma que se utiliza, o sea,
que se selecciona en la edición se le llama PLANO DE EDICIÓN.
EscenaParte del discurso visual que se desarrolla en un mismo momento y en una
misma localización (espacio, escenario). Por sí misma no tiene un sentido
dramático completo, aunque sí que hay que trabajar como un todo. Puede estar
compuesta por un solo plano de encuadre o por varios.
Secuencia
Parte del relato visual en la que se plantea, se desarrolla y se concluye una
determinada situación dramática. La secuencia puede convertirse en un tiempo
y un mismo momento (única escena), o bien puede desarrollarse en varios
lugares y momentos (varias escenas). También puede desarrollarse de
principio a fin, linealmente de manera ininterrumpida. O bien fragmentarse en
partes y mezclarse con otras escenas o secuencias. Muy a menudo la palabra
secuencia se utiliza como sinónimo de escena. Y también muchas veces se
utiliza para referirse a cualquier parte de la acción que deba representar y
registrar en un espacio determinado.
La continuidadHace referencia al mantenimiento o coherente transformación de los elementos
del campo según la lógica secuencial de los acontecimientos representados. Y
por lo tanto, tiene que ver con las condiciones de la recepción, con todo lo que
vemos y oímos y también con el sentido y la coherencia de lo que recibimos. no
sólo hace referencia a la relación que debe mantenerse entre una escena y las
posteriores, sino también a las complejas cadenas de relaciones que forman
las fibras y el tejido de un relato: desde los aspectos visuales y sonoros hasta
los narrativos.
Es un concepto global, todo lo que forma parte del relato audiovisual juega en
favor o en contra de la continuidad. También el ritmo de los planos, los
silencios, etc.
Salto de racord: un salto de raccord es un gran abanico de errores que hacen
que no se pueda mantener una coherencia entre una escena y otra
*Dos tomas hechas con luz diferente.
*Un personaje que "representa" una acción determinada, pero que ha sido
filmado en dos días diferentes puede presentar diferencias (de vestuario, de
peinado, de aspecto).
*Un salto de eje, de imagen, de distancias...
*Un sonido ambiente muy diferente.
Tipo de continuidad Tematica:
Aquella que tiene que ver con el contenido de lo que estamos contando y que
hace que la narración progrese de manera coherente y comprensible según
nuestro universo narrativo.
Formal:Es necesario que haya una relación de coherencia entre las formas que se
muestran. Tanto los espacios, como los objetos, como las personas.
PerceptivaEs necesaria una coherencia en la percepción de la realidad que nos ofrece el
producto.
- Relación de la cámara con el mundo que le rodea: tipo de encuadres,
velocidad del movimiento, tiempo de observación de las personas y los objetos,
los tipos de transiciones, etc. (ESTILO)
- Corrección en la filmación: movimientos bruscos de la cámara, mal registro
del sonido, utilización desmedida del zoom.
- Los recursos los tenemos que utilizar para mantener al espectador en un
continuo, en un viaje que fluye con nitidez.
La fragmentación del espacio en diferentes planos da mucha riqueza al
producto, sin embargo tiene un riesgo, la perdida de continuidad entre una
toma y otra
Relaciones a considerar: Relaciones entre una vista y la siguiente que pertenezcan a una misma
escena.
Relación de movimiento entre una toma y otra consecutiva.
Relación entre la imagen final de una escena y la primera imagen de la
siguiente.
Relación entre escena y escena, entre secuencias y de cada parte con
el todo.
Aspectos que ayudan a que se mantenga o se pierda la continuidad
Sonido:
Texto del narrador, diálogos, efectos musicales, silencio, sonido ambiente,
Efectos de sonido.
Tiempo y espacio:
Existen recursos para pasar de un lugar a otro, para hacer saltos en el tiempo y
en el espacio. La transición que mas dificulta el racord es el corte.
En directo:
La continuidad no tiene demasiadas dificultades para el espectador porque se
desarrolla en tiempo real. Sin embargo pueden surgir:
- Dificultad para mantener la coincidencia geográfica si varía el que está
en el campo
- Discontinuidad o salto de eje entre tomas
- Si las elipsis espaciales no respetan determinadas reglas de escala
Por eso, una cosa que se hace muchas veces en estas situaciones es registrar
con más de una cámara: dos, tres o más para obtener planes desde distancias
y ángulos diferentes.
Plano maestro:
Plan general del escenario donde transcurrirá la acción donde se aprecian
todas las relaciones espaciales y todos los elementos.
- Es recomendable que sea el primer plan que se muestre al espectador
- Es recomendable recurrir a este plan de vez en cuando para reubicar el
espectador.
- Con el plan master en la cabeza, el realizador podrá ir a planos más
cortos o planes conjuntos. El fuera de campo estará a la cabeza de los
espectadores.
- El plan máster también dará el pie para las escaleras, los encuadres y el
aire que habrá que dejar a los personajes.
Recursos para respetar el tiempo real y no vulnerar la continuidad:
- Utilizar planes de espera mientras la acción se desarrolla fuera de
campo, en off (ejemplo: una mujer está pariendo y mientras su marido
espera fumando).
- Acciones yuxtapuestas: acciones del fuera de campo de la acción
principal que se alternan con esta (ejemplo de un maestro que se tumba
para ir a la pizarra, intercalamos la acción de un niño que le pasa un
papelito a otro y cuando volvemos al profesor éste ya está escribiendo
en la pizarra).
- Otra posibilidad son las acciones paralelas a la acción principal o
convergentes.
Planos recurso:
En cualquier caso, muchas de estas situaciones resuelven problemas
diversos de continuidad gracias a grabar:
- Planes recursos del fuera de campo
- Planes recursos del campo donde sucede la acción.
Concentración del tiempo:
Para concentrar el tiempo utilizamos las elipsis. Todas las elipsis son
evidentes, pero hay más evidenciadas y de más suavizadas. Tanto unas
como otras mantienen en todo momento la continuidad.
Puesta en escenaLa puesta en escena es un concepto que el cine adoptó del teatro y que
progresivamente se ha ido adaptando a la expresión audiovisual. Entendemos
por puesta en escena la creación de un ambiente general que sirve para dar un
contexto creíble y coherente a una situación dramática. Podemos decir que
todos los elementos de la puesta en escena interactúan entre sí formando un
todo para dar énfasis a la narración. Por lo tanto la puesta en escena se
concibe como una acción totalizadora que es coordinada por el director o
realizador con la ayuda de: escenógrafo o director de arte, atrezzista, director
de fotografía, figurinista, maquillador, director / ayudante de dirección.
Dimensiones:Escenografía: El realizador puede manipular los escenarios y los decorados
de maneras muy diversas. Localizaciones (interiores / exteriores) reales y
recreadas. Escenario construido a medida (cuestiones formales, necesidades
técnicas). Escala y miniaturas.
Atrezzo: El atrezzo es el conjunto de objetos que operan de manera activa
dentro de la escena y por tanto de la acción. Con la combinación del decorado
y el atrezzo se va construyendo la ambientación. Muchas veces ambientar no
es tanto una cuestión de presupuesto (que también), sino una tarea minuciosa
de escoger objetos y símbolos y una gracia especial al ubicarlos dentro de la
escena.
Luz y color: La luz es una radiación electromagnética que la vista es capaz de
captar. Esta radiación tiene olas y estas ondas tienen varias longitudes. Según
la longitud de onda de la radiación, nuestro cerebro percibirá una sensación
variable que es lo que llamamos color.
El orden de colores que captamos en función de la longitud de onda es:
infrarrojo-rojo oscuro-rojo-Naranja-amarillo-verde-cian-azul-violeta-ultra
violeta.
Los colores se analizan en base al
- tono: la sensación del color en sí que nos permite llamarlo como rojo,
verde, cian
- luminosidad: en base a la cantidad de luz que el ojo es capaz de percibir
al observar un color determinado.
- saturación: el grado de pureza de un color y por lo tanto la cantidad de
luz blanca que contiene.
También debemos tener en cuenta que los colores tienen asociados
significados culturales y también emociones y sensaciones de manera natural.
Iluminación:Elemento básico para todas las técnicas visuales.
- Sugiere la sensación de tridimensionalidad de la que carecen los medios
de representación de la realidad sobre dos dimensiones.
- Marcar la importancia de las acciones o de los elemento dentro del
cuadro y por tanto la atención del espectador.
La repartición de las zonas claras u oscuras dentro del cuadro es básica para la
comprensión de la narración.
- Una zona iluminada subraya la acción
- Una zona poco iluminada puede crear misterio o miedo, puede ocultar
detalles importantes.
La luz incide en los estados de ánimo que el realizador quiere imprimir a una
escena determinada. Oscuridad: tristeza. Luz: alegría.
Funciones técnicas y formales:
Garantizar la mejor calidad posible de la imagen
Conseguir una uniformidad en el reparto de la luz.
Garantizar la posibilidad de registrar las escenas y también de la nitidez
de las imágenes y de la profundidad de campo.
Estar en armonía con la ambientación de los espacios y jugar a favor de
ella.
Ir a favor de la dirección de la atención del espectador.
Evitar problemas como las sombras en las caras de los actores, en el
escenario, los reflejos en la superficie, etc.
Recrear situaciones climatológicas determinadas en el caso de que no
existan realmente en ese momento.
La iluminación tiene dos planos que intervienen a la vez:
- El denotativo (expresando formalmente la imagen que se quiere transmitir)
- El connotativo (evocando contenidos para profundizar en el sentido último del
discurso)
Tipos de luz:
La luz natural: es muy utilizada, pero tiene varios problemas:
- Imprevisibilidad de su carácter
- Rápido cambio en su temperatura de color y dirección de la luz
- Mucha diferencia en su duración (verano e invierno)
- Diferente angulación del sol respecto a la tierra según las estaciones
- Imposibilidad de adaptarse totalmente a la fuente luminosa
- Necesidad de utilizar luces de apoyo
La luz artificial: es mucho más controlable y estable. Su máxima dificultad es
que:
- Requiere de un enorme potencial eléctrico, sobre todo cuando hay que
iluminar espacios muy amplios.
- Hay que tener conocimientos para gestionarla.
El sonidoLa sensación producida en el oído por las variaciones de presión generadas
por un movimiento vibratorio que se transmiten a través de medios elásticos.
- Cal dosificar la capacidad expresiva de cada dimensión. Y sobre todo no
abusar de la palabra en detrimento de la imagen.
- Modifica de forma determinante la percepción que realizamos de la
imagen.
Funciones:- Canalizar y conducir nuestra atención dentro de la imagen.
- Facilita la continuidad y la fluidez de la narración.
- Permite una gran economía de planos (información en off)
- Aporta valor dramático al silencio.
Atributos: Intensidad o nivel: Cantidad de energía acústica, se mide en decibelios y
permite clasificar los sonidos en fuertes y débiles.
-Está relacionada cuando la aplicamos al género audiovisual con la
distancia percibida.
-El concepto de plano sonoro está ligado a la gradación del nivel de
sonido. Primer plano sonoro, plano sonoro en segundo término.
Tono: permite la distinción entre agudos y graves y está determinado por
la frecuencia.
-La mayoría de sonidos son tonos complejos compuestos por varias
frecuencias (diapasón).
-Gracias al tono podemos diferenciar los diferentes elementos de una
banda sonora: música, ruidos sonoros ambientales y palabra.
Timbre: Característica del sonido que hace que una misma nota
interpretada por varios instrumentos musicales produzca una impresión
diferente en el oído.
-Está determinado por el número y la intensidad de armónicos que
acompañan a un sonido determinado.
-Es indispensable para reconocer la textura o el "tacto" de un sonido
determinado
En función de cómo se relacionan con los demás aspectos del film Ritmo: duración temporal. tiene que ver con la existencia de un compás
rítmico que marque acentos más fuertes y otros más débiles. La música
es el sonido más claro en este sentido, pero también los diálogos y los
efectos sonoros. Los usos rítmicos del sonido son inseparables del
propio ritmo del montaje. Lo ideal es una estrecha cooperación entre los
movimientos en el interior de las imágenes y el ritmo del sonido.
Fidelidad: relación con la fuente. Un sonido es fiel si la fuente que nos
sugiere es la misma que la fuente que nos muestra. El cine de
animación y el cine cómico exprimen la capacidad sugerente y cómica
que puede generar la infidelidad del sonido
Condiciones espaciales: en relación al espacio. El sonido siempre
proviene de una fuente y por tanto posee una dimensión espacial en sí
mismo. Si la fuente del sonido es un personaje o un objeto que
pertenece al espacio de la historia de la película lo llamamos sonido diegético. Si por el contrario el sonido de la película películas procede
de una fuente externa a la historia, es añadida por el realizador o por el
montador para subrayar la acción o la expresividad del relato este
sonido lo llamaremos no diegético. Dimensión temporal: en relación al tiempo de la acción. Sincronizado o
sincrónico: aquel que ocurre al mismo tiempo que vemos la fuente
sonora que lo produce. Asincrónico: aquel que sentimos en un
momento diferente del que la fuente lo produce. Puede ser asincrónico
por motivos narrativos (un personaje recuerda las palabras que le dijo
alguien en el pasado) o por un error en la proyección o en el montaje.
Componentes de la banda sonora música
Efectos sonoros y ambientales
Silencio
Palabra: En forma de:
- Voces o de diálogos sincronizados.
- Letras de canciones
- Comentarios (voz en off): Expresión verbal que explica lo que la imagen no
puede aclarar por sí misma el espectador. Puede diagetico o no diagetico.
Recurso muy utilizado en el género documental. Hay que vigilar siempre
que la palabra no sea redundante. El texto de la voz en off debe ser hablado
y no escrito (será escuchado y no leído).
Características del dialogo:- Deben escribirse y construirse de forma que completen el perfil del
personaje.
- Deben completar la visualización de lo que no se aprecia bien o
directamente no se ve en la acción.
- Deben supeditarse siempre a la imagen.
- Deben añadirse información diferente a la que aporta la acción.
- Deben ser siempre esenciales.
- Deben ajustarse al máximo a la acción.
- Deben ser sugerentes y no dar toda la información al espectador.
- Deben ser cinematográficos y no literarios: los personajes deben hablar
como hablan, no como piensan ni como escriben.
- Los diálogos y las voces deben mantener un perfecto sincronismo labial:
correspondencia entre el movimiento de los labios del personaje que
habla y la duración de su discurso.
El sonido directo: garantiza la sincronía. Pero tiene otros problemas: los
ruidos del ambiente, la imposibilidad de graduar los volúmenes, la colocación
de los micrófonos que a veces obstaculizan la acción y el movimiento.
Sonido doblado o sincronizado: resta espontaneidad en la dicción, pero
aumenta el margen de creatividad y de perfección técnica. Existe la posibilidad
de la corrección hasta la obtención del resultado esperado. Una de las grandes
dificultades es conseguir el perfecto sincronismo labial.
Efectos sonoros o ambientales - Dotan el relato audiovisual de un gran realismo de la misma manera que
lo hace la voz humana.
- Subrayan la acción
- describen espacios
- evocan imágenes
- Poseen un valor expresivo diferente al de la imagen y la palabra.
- Hay que tener en cuenta que si reprodujéramos todos los sonidos reales
de un ambiente determinado, extrañamente la sensación tampoco sería
de realismo.
La mezclaUna vez realizado el montaje de sonido y listas las tres bandas de sonido, se
puede proceder a realizar el proceso de la mezcla, tarea que se lleva a cabo en
un estudio de grabación y que consiste en combinar las diversas bandas en
una sola que será la definitiva que incorporará el film o programa.
No debemos considerar por separado los diversos elementos de la banda
sonora, sino que ésta la tenemos que contemplar como un todo, como una
corriente continua de información auditiva.
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