el barroco y sus consecuencias en las manifestaciones artísticas en europa
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GRUPO ALPHASeminario de Literatura
2011
Seminario de LiteraturaProf. Yolanda Ayala
Alumnos
Jabornisky Pilar
1 | P á g i n a
Barroco
El
GRUPO ALPHASeminario de Literatura
2011
Lencinas Gabriela
Orcellet Emilio
Piacenza Florencia
Quintana Fátima
LETRAS 2011
En el presente trabajo se expondrá todo lo investigado acerca de uno de los
movimientos más revolucionarios de la Historia del Arte: el Barroco. Para esto hemos
realizado una ardua investigación, en la cual recurrimos a material bibliográfico como ser
libros, diccionarios, enciclopedias y páginas web; extrajimos la información necesaria y la
condensamos en este informe.
A continuación encontraremos una breve reseña acerca del surgimiento del Barroco y
algunas de sus características más representativas. Seguidamente de describirán todas las
artes que fueron afectadas y los cambios introducidos por este movimiento que, como
veremos más adelante, repercute exclusivamente en el ámbito artístico. Por último
quisiéramos agregar que se realizará un análisis más profundo en lo que respecta al campo de
la Literatura en el Barroco.
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BarrocoEL ARTE DE LA CONTRAREFORMA
A fines del Renacimiento, por el siglo XVI, surge una corriente manierista, que fue, ante
todo, un fenómeno de una época turbulenta que surgió con los primeros brotes de la crisis
religiosa europea, cuando los sueños de la universalidad cristiana comenzaron a
resquebrajarse ante el avance de la Reforma de la Iglesia Luterana. No obstante, la Iglesia
tomó conciencia de su situación, y entonces promovió la Contrarreforma: movimiento que
encontró en el arte el mejor medio para la divulgación de su doctrina e ideales, nuevos y
purificados. Estos fueron expresados, primeramente, en el arte manierista, y alcanzaron su
madurez durante el Barroco. Se considera al Manierismo entonces como un movimiento de
transición. Hacia finales de éste se privilegió la monumentalidad de la figura humana, la que se
observa en esculturas de gran volumen. De esta representación del hombre se sirvió la Iglesia
para defender su fe y sus ideales. En el siglo XVII, entre el Renacimiento y el Neoclásico, nace
un arte grandioso, que buscaba deslumbrar y convencer: el arte Barroco.
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El término etimológico <<Barroco>> se encuentra sujeto a controversias: Algunos
tratadistas dan un sentido despectivo a la palabra y opinan que deriva de la voz latina
<<verruca>> que significa verruga; otros consideran que su origen es el termino <<baros>>
que significa peso, en alusión a lo recargado del estilo; y otros, en fin, defendiendo la
interpretación que parece más verosímil, se refieren al antiguo vocablo portugués
<<barroco>>, con el que se designaba las perlas de forma irregular y gran tamaño, muy
empleadas en orfebrería en los siglos XV y XVI.
El rasgo que suele definir, en forma más acertada, al movimiento Barroco, es la lucha
de contrarios: la oposición de elementos genera una tensión en la obra que la aleja totalmente
de la armonía y del equilibrio renacentista. No es casual que el juego de opuestos constituya
un rasgo casi definitorio, pues refleja las inquietudes existenciales por las que atravesaba el
hombre del siglo XVII. Los contrastes más utilizados en las obras son: vida-muerte; humano-
divino; sueño-realidad; ilusión-desengaño; luz-sombra (en términos pictóricos); verdad-
mentira; eternidad-temporalidad.
El Barroco es también el arte de lo artificial, pues coloca las ideas del arte por encima
de la naturaleza que trata de embellecer, contrariamente a la simple imitación renacentista.
Este efecto se logra por medio de la estilización, gracias al uso de recursos, como el
hipérbaton, las metáforas, el color, las luces y la abundancia de figuras mitológicas.
No obstante, así como, por un lado, se embellece la naturaleza; por otro, el arte
representa también lo feo y lo grotesco (introducidos ya con el Manierismo), aspectos
relacionados con la visión realista de la vida, en la que conviven lo bello y lo monstruoso.
En este estilo, en el que la pureza clásica renacentista se vio desplazada por la
complejidad, la tensión de las formas y el dinamismo de las composiciones, no existió una
ruptura repentina si no una paulatina y dificultosa transformación de los ideales estéticos,
que no se desarrollaron de forma simultánea en todo el ámbito europeo.
Los críticos neoclásicos utilizaron el término barroco como sinónimo de extravagante
y absurdo; no obstante, a finales del siglo XIX se aceptó la denominación de barroco para
definir el gran período artístico que sucedió al Renacimiento, y que se extendió
aproximadamente hasta 1750. Esta apreciación del Barroco como ámbito estilístico general,
se debe a estudiosos del arte que vivieron en los últimos siglos, entre los que cabe mencionar
al alemán Heinrich Wölfflin y al español Eugenio d’ Ors. Estos tratadistas, entre otros,
exaltaron la magnificencia de la amplitud de líneas y de la complejidad de formas
características del Barroco. Por consiguiente, lo que hasta entonces se había considerado
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como “extravagante y decadente” pasó a convertirse en objeto de admiración: La crítica de
arte se mostró fascinada por la disolución de las formas lineales y la profundidad espacial que
caracterizó a las artes visuales.
Al principio, el término Barroco no se utilizó más que para las artes pláticas; es en los
años 1920 cuando se empieza a hablar del Barroco en la literatura y en la música, aunque su
período de influencia se ubica en el siglo XVII, dando la idea de que el movimiento no sólo
afecto a la forma y a la plástica, sino también a las formas literarias y musicales.
A continuación haremos mención de todas las artes en las que influyó el movimiento
Barroco y explicaremos cuáles fueron sus cambios e innovaciones más notables.
LA ARQUITECTURA BARROCA
La arquitectura barroca se caracteriza por sus contornos curvos, entrantes y salientes,
líneas cóncavas y convexas, de planos quebrados y abundantes que producen una sensación
de movimientos y una ostentosa decoración.
Este estilo fue tomado por Italia, España, Alemania e Inglaterra; y en América por
Estados Unidos, México, y parte de Perú y Ecuador. En cada lugar se tomaba este estilo con
algunas adaptaciones que buscaban originalidad. Se le daba mucha importancia a la bóveda,
como a las torres, muros y columnas; los materiales que se empleaban eran maderas, distintos
tipos de piedras y mármol.
Las construcciones más sobresalientes eran las de Palacios y de Iglesias, esta última
con más predominancia, con razón de ser la expresión estética de la Contrareforma.
En Europa, donde fue mayor el desarrollo de este movimiento, se encuentran estos
rasgos de la arquitectura y sus representantes. En Italia, el máximo exponente fue Francesco
Borromini, con el edificio de San Carlos de las Cuatro Fuentes. En Francia, con Jaques le Mecier
y su obra la Iglesia de la Sorbona, de Paris, y el Palacio de Louvre, de Claude Perrault.
En España, que no solo significaba decorar las fachadas de los edificios sino que
también se cubría el interior con un ornamento abundante. Sus exponentes fueron Alonso
Cano, con la fachada de la Catedral de Granada, y también José Benito de Churriguera, autor
del Retablo de San Esteban.
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Ya refiriéndonos al Barroco Americano, donde más se distingue el estilo es en México,
Perú y Ecuador. Se caracterizaban por el perfil alargado de las fachadas, flanqueadas por dos
grandes torres y dándole mayor importancia a la cúpula. En México, se encuentra la Capilla del
Sagrario en la Catedral y la Iglesia de la Santísima Trinidad, obras del arquitecto Lorenzo
Rodríguez. En Perú, los conventos de San Francisco, de Santo Domingo y de La Merced son los
ejemplos de esta arquitectura; y en Ecuador los conventos de San Francisco, San Agustín y de
La Merced. Después de éste, se conoce otro estilo que es una forma de Barroco extremo, el
Rococó.
La Basílica de San Pedro es la principal Iglesia Pontificia, al celebrarse en ella la mayoría de
las ceremonias papales, debido a su tamaño, a su proximidad a la residencia papal, y a su
ubicación dentro de la Ciudad del Vaticano.
El primer proyecto de este impresionante monumento lo presentó Bramante: consistía en un
edificio con planta de cruz griega inscrita1 en un cuadrado y cubierta por cinco cúpulas, la
central de mayor tamaño, y apoyada en cuatro grandes pilares. Después de la muerte de éste,
en el año 1514, Rafael, Sangallo y Peruzzi prosiguieron los trabajos. En 1547, el papa Pablo III
encargó la continuación de
la obra a un Miguel Ángel
que contaba ya con 72 años
de edad y que siguió el
diseño original del primer
arquitecto. Bajo la dirección
de Miguel Ángel se alzaron
los muros del ábside2, de
una imponente
monumentalidad.
No obstante, la más
importante aportación del
genio fue la gran cúpula que
se encuentra justo sobre el altar mayor y el sitio donde la tradición indica que se localiza la
1 Ángulo inscrito: Figura geométrica formada en una superficie por dos líneas que parten de un mismo punto; o también la formada en el espacio por dos superficies que parten de una misma línea.2 Parte del templo, abovedada y comúnmente semicircular, que sobresale en la fachada posterior, y donde se instalaban el altar y el presbiterio.
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tumba del apóstol San Pedro. Es una estructura que, a pesar de su peso, parece flotar en el
aire. En el friso interior de la cúpula se puede leer un fragmento extraído del evangelio según
San Mateo: "Tu cs Petrus et super hanc petram aedifica ecclesiam meam et tibi dabo claves
regnicaelorums" (Tú eres Pedro, y sobre esta piedra yo edificaré mi Iglesia y te daré las llaves
del Reino de los Cielos).
En la tradición católica, la basílica es el lugar de enterramiento de San Pedro, que fue
uno de los doce apóstoles de Jesús de Nazaret; once de éstos (exceptuando a Judas Iscariote),
se ven recreados por el artista Gian Lorenzo Bernini, encima de la fachada de la basílica, y en
el centro, Cristo. Bernini fue también el responsable de acometer los diseños y planos para las
torres campanario que debían completar la fachada dejada por Carlo Maderno, quien dio por
concluida la obra en 1626.
LA ESCULTURA BARROCA
La escultura barroca se desarrolla a través de las creaciones arquitectónicas, sobre
todo en estatuas, y también en la ornamentación de ciudades: en plazas, jardines o fuentes, en
imágenes religiosas y en la llamada imaginería3 con la que se esperaba despertar la fe del
pueblo.
Como características principales, la escultura del Barroco se destaca por la ruptura de
los cánones clásicos del Renacimiento así como también por la predominación de los temas
religiosos, la tendencia a la representación de la figura humana con una objetividad perfecta
en todos sus aspectos (tanto en los más sublimes como los más vulgares: los rostros sufren, se
esfuerzan, apretando los labios o abriéndolos para gemir; los músculos se encuentran en
tensión y las venas parecen latir bajo la piel, incluso cabellos y barbas, despeinados, plasman
un estado de ánimo) y la representación del desnudo en su estado puro, como una acción
congelada, conseguido con el influjo de la composición asimétrica, donde predominan las
diagonales, los cuerpos sesgados4 y oblicuos, la técnica del escorzo5 y los contornos difusos e
intermitentes, que dirigen la obra hacia el espectador con un gran expresionismo.
Otro de los rasgos esenciales de este amplio período artístico es que durante su
apogeo las artes plásticas lograron una integración total: la arquitectura es monumental, con
3 Talla o pintura de imágenes sagradas.4 Desviado, tendencioso.5 Restregar contra algún objeto duro.
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fachadas pletóricas6 de mármoles y estucos7, caracterizadas por la proyección tridimensional
de planos cóncavos y convexos, que sirvieron de marco teatral ideal a las apoteósicas pinturas
y a las dramáticas esculturas de mármol blanco que decoraban sus exteriores e interiores,
llegando a ser excesiva la decoración. Las obras decoran retablos, sillerías de coro y los
famosos pasos de Semana Santa, y eran realizados con madera o mármol preferentemente.
Al igual que en el ámbito arquitectónico, el impulso inicial de la escultura
correspondió a los artistas italianos, entre los que destacó de sobremanera la figura de
Bernini Gian Lorenzo, quien se caracterizó por marcar profundamente el espíritu de Italia y
por ser un gran iniciador del Barroco. De naturaleza devota y sensual a la vez, el autor
aspiraba a difundir la fe católica y penetrar en el mundo espiritual por medio de unos
elementos humanos perceptibles.
Muestra de su majestuosa concepción del arte y de su gran pericia técnica fue el grupo
escultórico del <<Éxtasis de Santa Teresa>>, obra más importante del autor, que representa el
instante en el que la Santa entra en comunicación con Dios y se desvanece de felicidad.
Ésta escultura muestra características propias
del movimiento: los gestos extremos en las expresiones
faciales, la utilización de diferentes mármoles, los
pliegues y ondulación de las telas y el movimiento del
cuerpo con frecuentes contorsiones dan una sensación
de realidad. Es una típica <<representación
naturalista>> que simboliza una sensación de realidad
a través de los detalles. Ésta escultura se conserva en la
capilla Carnero de Santa María della Vittoria en Roma,
considerada casi unánimemente la obra maestra de
éste gran artífice del Barroco.
6 Gran abundancia de algo.7 Masa de yeso blanco y agua de cola con la cual se hacen y preparan muchos objetos que después se decoran o pintan// Pasta de
cal apagada y mármol pulverizado, con que se da llana a las alcobas y otras habitaciones, que se barnizan después con aguarrás y cera.
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Otra de las obras famosas de Bernini es <<Apolo y Dafne>>, realizada entre los años
1622 y 1625. Se trata de una estatua a tamaño real de
mármol, expuesta en la Galería Borghese en Roma.
Bernini captura la transformación de Dafne con
intensa emoción, retratando las diferentes etapas de sus
cambios. Al igual que sucede en otra de sus obras, el
Rapto de Proserpina, esta obra nos pide que
interactuemos con ella: vista desde la espalda de Apolo,
la figura de Dafne queda oculta, mostrándonos sólo el
árbol en que se transforma, de modo que girando
alrededor de la estatua tenemos una visión en el tiempo
de la metamorfosis de la ninfa. La contraposición de los
elementos y el uso del claroscuro reflejan la fuente de la escultura helenística de la que bebe
Bernini.
Otros nombres notables fueron también los del italiano Alessandro Algardi, el alemán
Andrea Schlüter y los franceses Francois Girardon y Antoine Coysevox, que se encargaron de
la decoración con fuentes y estatuas de los jardines de Versalles, en un estilo acorde a la
delicada brillantez cortesana del clasicismo del su país.
En España, la escultura barroca se expresó con gran originalidad a través de los
abigarrados retablos que decoraban fastuosamente los altares mayores y las capillas y, en
especial, por medio de la obra de los imagineros. Estos artistas se dedicaban a la escultura
<<pasos>>, conjuntos de tamaño natural realizados en madera policromada y los que
representaban escenas de la pasión de Cristo o de las vidas de los santos y que se convertían
en objeto de culto y admiración durante los desfiles procesionales.
El naturalismo exacerbado constituía la característica fundamental de estas
composiciones, en cuya realización destacaron, entre otros, Gregorio Fernández, Francisco
Salzillo y Juan Martín Montañés. La concepción escultórica de este último se transmitió por
medio de sus discípulos a Iberoamérica, donde la imaginería alcanzó notable auge, gracias
sobre todo al Brasileño Aleijandinho.
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LA MÚSICA BARROCA
Como ya se mencionó anteriormente, el término <<barroco>> proviene del portugués
y significa perla irregular y deforme. Este fue empleado por el siglo XVII y hasta el siglo XIX
para describir de manera peyorativa las formas artísticas demasiado cargadas. Hoy en día ya
no es así; aunque se sigue utilizando cuando se considera que algo es excesivamente complejo
o recargado.
El Barroco fue una época en la que se produjeron grandes avances científicos y
descubrimientos que cambiaron la percepción que las personas tenían del mundo. Durante
este tiempo se incrementó la ornamentación en todas las artes hasta llegar al exceso. La
música, por su parte, experimentó un enorme desarrollo.
Se trata de una de las épocas musicales más largas, fecundas y revolucionarias de la
música occidental, así como la más influyente. Su característica más notoria es probablemente
el uso del bajo continuo y el desarrollo de la armonía tonal, a diferencia de la anterior, modal.
Durante el Barroco los músicos siguen cultivando texturas heredadas del
Renacimiento, pero las voces de dichas obras no son iguales o similares, sino que se destaca la
voz superior reduciéndose la escritura de las demás al llamado bajo continuo; esta textura se
llama monodía acompañada.
A diferencia de épocas anteriores, la música sacra y la música profana conviven
armoniosamente, formando parte de la profesión musical. La mayor permisividad estética
lleva a que la interpretación musical tienda a enriquecer las partes mediante una profusión de
ornamentos y recursos expresivos. Se buscó en un principio desechar las complicadas líneas
melódicas de la polifonía renacentista para dar lugar a la homofonía, dando de esta manera
más fortaleza y protagonismo al texto, pues la música giraba en torno a una sola melodía bien
formada y acompañada por acordes (bajo continuo), para que fuera "entendible" el texto. Esto
fue debido, en gran parte, a la corriente humanista, donde ahora la música seguiría al texto ya
que este último se consideraba como una expresión del hombre. Esto se logró con la presencia
de una sola voz con acompañamientos que no la opacaban. El bajo continuo fue, junto con la
tonalidad, una de las formas más innovadoras y revolucionarias para la época y para la
historia de la música.
La música instrumental, que en la época anterior dio el primer asomo en la música
académica, tiene un auge sin precedentes es los siglos XVII y mediados del XVIII; por primera
vez en la historia, la música vocal e instrumental están en plena igualdad. Sin embargo, en los
géneros del Barroco ya se percata una clara división en géneros instrumentales y géneros
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vocales. Como ya mencionamos, en esta época los géneros instrumentales alcanzan su
madurez y se crean formas como la sonata, el concierto grosso y solista y finalmente la suite, de
gran trascendencia posterior.
En el ámbito vocal, junto con formas antiguas del motete y la misa, se crean tres
importantes géneros que supondrán una época dorada en este campo: El Motete, la Cantata y
la Ópera, siendo ésta última el género vocal nuevo más importante del Barroco.
Los géneros vocales
o El motete. El motete es una forma musical ya marginal en el Barroco. La
denominación se reserva para ciertas composiciones religiosas corales escritas a
varias voces iguales, frecuentemente en un estilo obsoleto.
o La cantata. Obra de uso litúrgico que intercalaba sinfonías instrumentales, recitativas,
arias y coros. Se escribieron también cantatas profanas de cámara, como la muy
conocida Cantata del café de Bach.
o La ópera. Las corrientes humanistas buscaban una renovación del antiguo teatro
griego. Les interesaba sobre todo la antigua monodía helénica con acompañamiento
de khitara. Entre las primeras óperas conservadas se cuentan Dafne de Jacopo Peri,
cuyo tema fue tomado de Las metamorfosis de Ovidio.
Los géneros instrumentales
o La sonata. Obra instrumental de cámara escrita para uno o dos instrumentos
melódicos (violín, flauta travesera, oboe y a mediados del siglo XVIII la palabra
designa también obras para tecla) y bajo continuo. Entre los más célebres autores de
sonatas están Corelli, Vivaldi y Bach.
o La suite. Conjunto de movimientos o piezas de danza agrupados. La suite
habitualmente tenía seis partes: Allemande, Courante, Sarabanda, Giga, Minué, Rondó.
La música de las suites suele ser aristocrática, vigorosamente rítmica y melódicamente
rica, uniendo la variedad y decoro italianos a la gravedad alemana.
o El concerto grosso. Consta de tres movimientos, alternándose los rápidos con los
lentos, como sucede en la sonata.
o El concerto solista. Parecido al concerto grosso pero aquí solo hay un instrumento
solista, lo cual permite un mas alto grado de virtuosismo.
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Durante el Barroco se crearon una gran cantidad
de instrumentos musicales. Algunos medievales o
renacentistas que fueron mejorados o suplantados, como
el Rabel (Instrumento Medieval, muy utilizado durante el
renacimiento, suplantado por el Violín). También se
hicieron cambios y mejoras en instrumentos como las
flautas, oboes y laúdes.
Sin duda alguna, el instrumento principal durante
el Barroco fue el Clave (Clavecín en Francés, Clavicémbalo
en Italiano, Harpsichord en Inglés). Es un instrumento de cuerda que se lo ejecuta a través de
un Teclado. Se lo considera uno de los antepasados del Piano.
El Clave fue el instrumento más utilizado durante el Renacimiento y el Barroco. Se lo
usaba para acompañar voces o instrumentos, eran el soporte armónico de toda melodía. Así
Jean Phillipe Rameau, Georg Friedrich Händel y Johann Sebastian Bach entre otros músicos
compusieron centenas de obras dedicadas al Clave. El sonido cristalino de este instrumento
fue rápidamente desatendido con la aparición del Piano en el Clasicismo. Sin embargo,
muchos compositores Clásicos como Hydn y Mozart escribieron obras para el Clave.
La Viola da Gamba y su familia fue muy popular
en el Barroco, suplantadas hoy por la familia actual
de cuerdas (Violín, Viola, Violonchelo y Contrabajo).
Los italianos ya la habrían abandonado a principios
del Barroco por el Violonchelo, perduró muchas
décadas más en Francia y Alemania.
El Laúd fue otro instrumento
trascendente del Barroco. Uno de los preferidos del Italiano Antonio Vivaldi, que
escribió obras y conciertos solistas para el instrumento aunque era más bien un
soporte armónico, tenía la función similar a la del Clave en las orquestas. Sus
orígenes vienen desde el Medioevo, fue muy popular durante el Renacimiento y
principios del Barroco. Sufrió muchas modificaciones y cayó en desuso a finales
del Barroco.
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En esta época, el compositor y/o músico no es considerado un artista como más
adelante se le vería, sino que su imagen yace al nivel de un
artesano o siervo. Este no gozaba de tanta libertad creativa, sino
que su obra estaba adherida a la necesidad de satisfacer a un
noble o mecenas. Ya para finales del Barroco, la producción
musical comienza a innovarse y a proponer nuevas formas.
Algunos de los compositores más sobresalientes de la época
fueron Claudio Monteverdi, Arcangelo Corelli, Alessandro Scarlatti
y Antonio Vivaldi en Italia; Dietrich Buxtehude, Johann Sebastian
Bach y Georg Philipp Telemann en Alemania; Henry Purcell y Georg Friedrich Händel en
Inglaterra; Jean-Philippe Rameau en Francia; Gaspar Sanz, y Antonio de Literes, en España.
LA PINTURA BARROCA
La existencia de importante arte barroco en países no absolutistas y protestantes por
toda Europa Occidental evidencian su amplia popularidad. La pintura adquirió un papel
prioritario dentro de las manifestaciones artísticas, y llegó a ser la expresión más
característica del peso de la religión en los países católicos y del gusto burgués en los países
protestantes.
El arte barroco se caracteriza por el realismo, los colores ricos e intensos, y fuertes
luces y sombras. En oposición al arte renacentista, que normalmente mostraba el momento
anterior a ocurrir cualquier acontecimiento, los artistas barrocos elegían el punto más
dramático, el momento en que la acción estaba ocurriendo: Miguel Ángel, que trabajó durante
el Alto Renacimiento, muestra a su David compuesto y quieto antes de luchar contra Goliat;
el David barroco de Bernini es captado en el acto de lanzar la piedra contra el gigante. El arte
barroco pretendía evocar la emoción y la pasión en lugar de la tranquila racionalidad que
había sido apreciada durante el Renacimiento.
La pintura barroca a menudo dramatiza las escenas usando los efectos lumínicos
del claroscuro8. Existe una tendencia y una búsqueda del realismo que se conjuga con lo
teatral y lo efectista.9 El color, la luz y el movimiento, son los elementos que definen la forma
pictórica.
8 Distribución muy acusada de la luz y de las sombras en un cuadro.9 Que busca ante todo producir fuerte efecto o impresión en el ánimo.
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El color predomina sobre la línea. Incluso, los efectos de profundidad, perspectiva y
volumen se consiguen más con los contrastes de luz y de tonalidades del color que con las
líneas nítidas y definidas del dibujo. La luz se convierte en un elemento fundamental en la
pintura barroca, ésta dibuja o difumina los contornos, define también el ambiente, la
atmósfera del cuadro, y matiza los colores. La utilización de la técnica del claroscuro llega a la
perfección gracias a muchos pintores del Barroco.
Se pretende transmitir sensación de movimiento. Las composiciones se complican, se
adoptan perspectivas insólitas y los volúmenes se distribuyen de manera asimétrica. Mientras
que la dinámica del espacio, la visión de las escenas en profundidad, la estructuración de las
composiciones mediante diagonales y la distribución de manchas de luz y de color, configuran
el espacio como algo dinámico, donde contornos se diluyen y las figuras pierden relevancia
frente a la unidad de la escena.
Se produce en esta época un dominio absoluto de la técnica pictórica, tanto en
la pintura al óleo sobre lienzo como en la pintura al fresco. Ello permite alcanzar un
gran realismo en la representación.
La pintura en Italia trata de romper con las formas del Manierismo, ya mal vistas. Los
encargados fueron dos bandos bien diferenciados; por un lado el pintor Caravaggio, y por el
otro lado los hermanos Carracci (Ludovico, Agostino y Annibale).
El naturalismo, del que Caravaggio es el mejor representante, trata temas de la vida
cotidiana, con imágenes tétricas usando efectos de luz. Los claroscuros procuran dar
intensidad y viveza. Se rehúyen de los ideales de belleza, mostrando la realidad tal como es,
sin artificios. Una buena parte de los pintores de la época cultivaron el Caravaggismo.
Por otra parte, los Carracci forman el llamado Clasicismo. Los temas a plasmar son
inspirados de la cultura greco-latina, con seres mitológicos. Los autores del siglo XVI,
como Rafael y Miguel Ángel, son fuertes influencias. El color es suave, al igual que la luz, y se
pintan frescos en techos.
En Francia la pintura es clasicista y se usa para decorar palacios con un estilo sobrio y
equilibrado. Se pintan retratos y se tratan temas mitológicos. Su autor más destacado
es Nicolás Poussin, quien estuvo claramente influenciado por las corrientes italianas, tras su
visita a Roma. Buscó la inspiración en las culturas grecorromanas. Otros artistas
fueron Georges de La Tour y Philippe de Champaigne. No obstante, el barroco en Francia fue
algo más que una influencia, transformándose después en el rococó.
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En España, el barroco supone el momento culminante de la actividad pictórica,
destacando sobre un magnífico plantel de pintores, la genialidad y maestría de Diego
Velázquez, Ribera, Bartolomé y Esteban Murillo o Francisco de Zurbarán. El período fue
conocido como Siglo de Oro, como muestra de la gran cantidad de importantes figuras que
trabajaron a pesar de la crisis económica que sufría el país. Las principales escuelas del arte
barroco serán las de Madrid, Sevilla y Valencia. El realismo de las obras se usará para
transmitir al fiel la idea religiosa, por lo que el Barroco fue un arma para la iglesia.
Caravaggio, maestro del claroscuro.
Su arte refleja la personalidad atormentada del pintor. Este joven de origen modesto,
un tanto huraño, pasó la mitad de su vida pintando, y la otra en prisión o huyendo, perseguido
por bandidos de grupos adversarios. De hecho, casi todas sus pinturas muestran escenas
violentas, sanguinarias, con entornos sucios y desagradables, pero donde una intensa luz
rompe la oscuridad e ilumina de golpe las formas. Este estilo se denominó Claroscuro.
El público de Roma se sintió atraído y turbado por sus obras. Con su franqueza y sus
ambientes miserables, fue capaz de llamar la atención de las personas. Por lo mismo, el artista
recibió numerosos encargos de los sectores religiosos. Después de su muerte en 1610, la el
“caravaggismo” y la pintura en claroscuro se expandió rápidamente a España, Francia, así
como a Europa del Norte.
Medusa, 1597. Florencia (Italia). <La cabeza de Medusa> es un cuadro de Caravaggio,
de 1597. Es una tela transportada sobre tabla en forma
de tondo10. Recrea la figura de Medusa, bestia mitológica
transformada en escoria por ofender a la
divinidad Atenea. Para la época del pintor, su rostro era
utilizado como escudo en las peleas de aquellos
tiempos. Caravaggio no le dio este uso, sino que entregó
la obra a uno de sus
clientes. El cuadro
muestra a una cabeza
de mujer con los pelos erizados, sangre brotando del cuello.
10 Adorno circular rehundido en un toldo.
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Petrus Paulus Rubens. Las pinturas de Petrus
Paulus Rubens (1577-1640) se basan en una
impresión de vértigo. Éste fue un pintor barroco de
la escuela flamenca. Su estilo exuberante enfatizaba
el movimiento, el color y la sensualidad.
<<El descenso de la Cruz>>, 1612. Óleo
sobre tela. Catedral de Amberes (Bélgica). En esta
pintura Rubens expresa la fuerza de la fe cristiana
con un simple torbellino de vivos colores que
elevan al cielo.
El cuadro refleja el momento en el que Cristo fue bajado de la Cruz, ya muerto. Se
puede apreciar la utilización de recursos como ser los pliegues en las ropas de los personajes,
queriendo trasmitir sensación de movimiento; también vemos la representación de lo
denominado “naturaleza muerta”, a través de objetos inanimados, como ser la escalera por la
cual algunos de los personajes suben para bajar al Mesías. Los colores son intensos y las
expresiones en los rostros expresan el sufrimiento con crudo realismo.
Diego Velázquez. Considerado como uno de los máximos exponentes de la pintura española y
maestro de la pintura universal. Pasó sus primeros años en Sevilla, donde desarrolló un
estilo naturalista de iluminación tenebrista11, por influencia de Caravaggio y sus seguidores.
Las Meninas, como se conoce el cuadro desde el siglo XIX, o La familia de Felipe IV,
según se describe en el inventario de 1734, se considera la obra maestra del pintor del Siglo
de Oro Español.
El autor atribuye el nombre de la obra a causa de que dos damitas acompañan a la
Infanta; llamadas “meninas”.
La palabra menina es de origen portugués. Llamaban así a las hijas de personajes de la
nobleza que entraban en Palacio como doncellas de honor de las Infantas y las acompañaban
11 Tenebrismo: Tendencia pictórica que opone con fuerte contraste de luz y sombra, haciendo que las partes iluminadas
destaquen violentamente sobre las que no lo están.
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en su séquito a todas horas.
El tema central es el retrato de la infanta Margarita de Austria, colocada en primer
plano, rodeada por sus sirvientes, «las meninas», aunque la pintura representa también otros
personajes. En el lado izquierdo se observa parte de un gran lienzo, y detrás de éste el propio
Velázquez se autorretrata trabajando en él. El artista resolvió con gran habilidad todos los
problemas de composición del espacio, gracias al dominio que tenía del color y a la gran
facilidad para caracterizar a los personajes. El punto de fuga de la composición se encuentra
cerca del personaje que aparece al fondo abriendo una puerta, donde la colocación de un foco
de luz demuestra, de nuevo, la maestría del pintor, que consigue hacer recorrer la vista de los
espectadores por toda su representación. Un espejo colocado al fondo refleja las imágenes del
rey Felipe IV y su esposa Mariana de Austria, medio del que se valió el pintor para dar a
conocer ingeniosamente lo que estaba pintando. Aunque algunos historiadores han
interpretado que se trataría del reflejo de los propios reyes entrando a la sesión de pintura o,
según otros, posando para ser retratados por Velázquez, siendo en este caso la infanta
Margarita y sus acompañantes quienes visitan al pintor en su taller.
Las figuras de primer término están resueltas mediante pinceladas sueltas y largas con
pequeños toques de luz. La falta de definición aumenta hacia el fondo, siendo la ejecución más
somera hasta dejar las figuras en penumbra. Esta misma técnica se emplea para crear la
atmósfera nebulosa de la parte alta del cuadro, que habitualmente ha sido destacada como la
parte más lograda de la composición. El espacio arquitectónico es más complejo que en otros
cuadros del pintor, siendo el único donde aparece el techo de la habitación. La profundidad
del ambiente está acentuada por la alternancia de las jambas12 de las ventanas y los marcos de
los cuadros colgados en la pared derecha; así como la secuencia en perspectiva de los ganchos
de araña del techo. Este escenario en penumbra resalta el grupo fuertemente iluminado de la
infanta.
EL TEATRO BARROCO
Entre las características del Barroco se encuentra la teatralidad, y es
precisamente, el teatro, el género más popular de esa época. Estaba destinado para
12 Cada una de las dos piezas labradas que, puestas verticalmente en los dos lados de las puertas o ventanas, sostienen el dintel o el arco de ellas.
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todos los estratos sociales, con el fin de que estos disfruten de un gran espectáculo
que incluía actos previos e intermedios con música, canciones y farsas.
Las obras se escribían para ser representadas y recién se imprimían cuando
habían llegado a su cumbre sobre el escenario. Las más representadas eran las
comedias que, según los autores de esa época, eran obras teatrales en las que se
mezclaba lo trágico con lo cómico. Las temáticas más tratadas eran:
α El honor, como sentimiento muy arraigado en la sociedad española del
siglo XVII. Cuando este quedaba manchado por una ofensa, debía ser
lavado incluso con la sangre. Este honor no era sólo patrimonio de la
nobleza, sino que también los villanos luchaban por mantenerlo intacto.
α La religión, tema muy tratado por los dramaturgos barrocos. Se
cuestionan temas teológicos, siendo el más frecuente el de la Eucaristía,
que dio origen a los Autos Sacramentales. Son obras de un solo acto en
verso, con personajes alegóricos como el vicio, la mentira, el pecado.
α La tradición nacional es otro de los temas llevados a escena: canciones
populares que sirven de inspiración para crear comedias; temas de
historia de España.
α Asuntos caballerescos, pastoriles y mitológicos.
Los personajes tipos eran: El Galán y la Dama, siendo el primero un hombre
apuesto y valeroso, portador de valores nobles como la valentía, hidalguía, audacia; y
la segunda de una singular belleza, noble y con altos sentimientos amorosos; el
Gracioso y la Criada, siendo el primero criado del Galán, consejero de su amo y amante
del buen comer; el Poderoso, el Rey o los Nobles de la más alta jerarquía y el Viejo,
función paterna, prudente y grave.
Dicho movimiento vivió en general una época de esplendor en los principales
países de Europa. Shakespeare y Marlowe compiten por el favor del público en
Inglaterra. Racine y Moliére lo hacen en Francia, mientras Lope de Vega y Calderón de
la Barca hacen lo propio en España. Esta última desarrolla un espacio particular para
la representación teatral, llamado “corrales”, los cuales se caracterizaban por ser
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teatros armados en los patios entre edificios vecinos; las funciones se hacían de día,
porque no contaban con luz artificial para iluminar todo el corral.
Dado el carácter masivo del público, el poeta se veía obligado a escribir para
contentar a todas las clases sociales. Tenía que mantener a todos atentos y a gusto,
pues un público aburrido o disgustado podía arruinar la representación. También se
representaba en los palacios reales o de los nobles importantes. Aquí el público era
más homogéneo, formado exclusivamente por reyes, nobles y cortesanos, a causa de
ello, la representación solía ser más suntuosa.
Como mencionamos anteriormente, Lope de Vega y Pedro Calderón de la Barca
fueron dos dramaturgos, que vivieron durante el Siglo de Oro Español, y se destacaron
por la innovación de sus ideas y la peculiaridad de sus obras.
Lope de Vega sentó las bases y pautas del teatro clásico español con el ejemplo
de sus numerosas obras y con el Arte nuevo de hacer comedias en ese tiempo. En sus
obras dramáticas refleja los anhelos, los problemas y los ideales de las gentes de su
pueblo.
Algunas de sus principales reformas fueron:
α Dejar de lado a los preceptistas y seguir el gusto del público. El teatro
debía acomodarse a los tiempos que corren, tanto en su temática como
en su forma, buscando siempre inmovilizar al espectador.
α Mezclar lo trágico con lo cómico, imitando la variedad de la naturaleza.
De esta manera, los personajes de estilo alto pueden convivir con los de
estilo bajo, pero siempre se debe mantener el lenguaje apropiado para
cada uno.
α Impuso el verso como la norma para el teatro, con variedad de formas
métricas y estróficas.
α Dividió la obra en tres actos, en lugar de los cinco clásicos.
α Ruptura de unidad de espacio y tiempo.
Entre sus producciones más importantes se reconocen como obras maestras, si bien
en toda obra de Lope siempre hay alguna escena que delata su genialidad, entre las
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que se encuentran: Fuenteovejuna (1612-1614), La dama boba(1613), Amar sin saber a
quién (1620-1622), El mejor alcalde, el rey (1620-1623), El caballero de Olmedo (1620-
1625), El castigo sin venganza (1631) y Peribáñez y el comendador de Ocaña (1610).
Esta última es una es una tragicomedia desarrollada en 1406, en Toledo: Peribáñez
comprende que el Comendador de Ocaña le ha colmado de honores para acosar a su
mujer. Tras matarlo gana el perdón real.
Calderón de la Barca, considerado como el padre de los autos sacramentales13,
adopta todas las innovaciones de Lope de Vega, estilizando su realismo costumbrista14
y volviéndolo más cortesano. En ellas aparece una rica galería de personajes
representativos de su tiempo y de su condición social, todos los cuales tienen en
común los tres temas del teatro barroco español: el amor, la religión y el honor.
Es muy importante en su técnica teatral el desarrollo que adquiere la
escenografía. El lenguaje se complica y enriquece con elementos culteranos. El
resultado es un teatro puramente barroco.
Entre sus obras capitales se destacan: La vida es sueño; El médico de su honra;
La devoción de la cruz y El mágico prodigioso, entre muchas otras.
La vida es sueño (1635), es un drama filosófico que presenta a Segismundo, hijo
del rey de Polonia, encadenado en una torre, por los fatídicos pronósticos de los
astrólogos reales. Mientras, Rosaura reclama en la Corte su honor robado por el duque
Astolfo. Éste corteja a Estrella para ser rey. La agresividad de Segismundo estalla al
liberarlo de su torre, adonde vuelve, encadenado, creyendo haber soñado su
experiencia de libertad. Cuando un motín lo rescata otra vez, su albedrío vence las
predicciones: domina su condición, casa a Rosaura con Astolfo y acepta la mano de
Estrella. El orden queda establecido. De esta manera queda
vencido el destino y se proclama el triunfo de la libertad
que permite al hombre elegir entre el bien y el mal.
13 Un auto sacramental es una pieza teatral religiosa alegórica de uno o varios actos y de tema preferentemente eucarístico. 14 En las obras literarias y pictóricas, el costumbrismo consiste en la atención que se presta al retrato de las costumbres típicas
de un país o región.
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El tema de la vida como un sueño, por su parte, tiene en esta obra un sentido
profundamente religioso con la mira puesta en la trascendencia. La idea que se maneja aquí
supone que la vida puede considerarse un sueño, porque es sólo el camino hacia otra vida
“más verdadera”.
LA LITERATURA BARROCA
Debido a la crisis sufrida durante este período, el hombre adopta una actitud
escéptica, desconfiada y pesimista. Se tiene una visión muy negativa del mundo. La realidad de
las artes o la literatura es muy complicada. Está recargada, llena de contrastes, de
contradicciones y de dinamismo. El hombre barroco ve el mundo como un lugar caótico y está
obsesionado con la brevedad de la vida y con el paso del tiempo; piensa que vivir es “un ir
muriendo cada día”.
En la literatura, para expresar el distanciamiento de la realidad se recurre a la
exageración y a la decoración. Con esto se pretende distorsionar la realidad para marcar los
contrastes, es decir, las cosas no se describen como son, sino como se ven a través de los ojos
del escritor. Éste último busca la originalidad para provocar en el público la admiración y la
sorpresa, y no se someten a ningún modelo ni a ninguna regla (a diferencia de los autores
renacentistas). La lengua literaria del siglo XVII se destaca por la complicación en la forma o el
contenido para que resulte difícil de entender. La dificultad formal es sinónimo de belleza
artística, se trata de una creación de reflexión intelectual y no de emoción natural.
La Literatura del siglo XVI se expresaba en un estilo sereno y de equilibrio; el Barroco
del XVII viene a desestabilizar esa serenidad y diversas fuerzas entran en conflicto. Estas
características se dan en toda Europa y en cada país toman un nombre diferente: Eufuismo le
llaman los poetas ingleses, Preciosismo en Francia y Marinismo en Italia.
Durante el Barroco existieron diversas escuelas en los distintos países de Europa; las
más importantes fueron el Culteranismo15 y el Conceptismo16. El primero surgió con Luis de
Góngora, con una tendencia por un arte poético refinado, rico en imágenes, metáforas,
cultismos y alusiones mitológicas. El Conceptismo surgió en la misma época con Francisco de
15 Estilo literario desarrollado en España, desde finales del siglo XVI y a lo largo del siglo XVII; caracterizado, entre otros, por la riqueza abusiva de metáforas sorprendentes, el uso exagerado de cultismos y la complejidad sintáctica.16 Corriente de la literatura española del Barroco que se basa en la asociación ingeniosa entre palabras e ideas.
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Quevedo y Villegas, con la tendencia a una utilización de conceptos más profundos,
alambicados17 y oscuridad en la prosa.
Durante esta época en las distintas artes se buscan otros enfoques y otros recursos
(complicación, dificultad, exageración) para expresar los mismos temas del Renacimiento.
Abundan los temas morales y religiosos (la fugacidad de las cosas y de la vida, la muerte)
debido al desengaño que siente el hombre. Son frecuentes, también, los temas filosóficos,
doctrinales y políticos (la naturaleza humana, el honor, entre otros).
Entre los géneros literarios que sufrieron cambios durante el Barroco, se destacaron:
la poesía, la prosa y el teatro. Éste último fue anteriormente descripto, por lo cual nos
concentraremos en los dos primeros.
POESÍA BARROCA
El interés principal de la poesía del Barroco es maravillar al lector: causarle asombro y
sorpresa es tan importante como deleitarlo. Entre las maneras de lograr ese objetivo, ocupa
un lugar importante la distorsión de los postulados y las formas de la tradición poética
anterior, mediante la introducción de rasgos novedosos que transmiten los nuevos valores o
preocupaciones del hombre barroco, o mediante la parodia de los modelos anteriores.
La complejidad en la forma y en la expresión caracteriza esta poesía y ella consiste en
aludir indirectamente a aquello que se quiera representar mediante complicados juegos
verbales y significados figurados. La base del artificio literario barroco es la búsqueda de
relaciones ingeniosas entre realidades distantes. Este recurso se llama “agudeza conceptista”.
Los poetas barrocos por excelencia son: Félix Lope de Vega y Carpio, Luis de Góngora y
Argote, y Francisco de Quevedo y Villegas.
Lope de Vega se caracterizó por convertir los hechos más cotidianos en arte. Su poesía
estaba teñida de vitalidad y de sensibilidad. Lope no dejo nunca de fictivizar su vida y de
hacerla pública por medio de su obra, usando distintas máscaras para sí y para las numerosas
mujeres que jalonaron su biografía amorosa. Esto se produjo en textos profundamente
afectivos y personales (algo muy contrario a la sobriedad e idealización renacentistas).
Frente a la claridad, y a pesar de las diferencias que los separaban, Góngora y Quevedo
consideraban que la lectura de poesía debía implicar un cierto esfuerzo y trabajo, tenía una
idea elitista; en efecto, según estos escritores, la poesía no era para todos, sino solo para
17 Complicado, rebuscado.
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quienes realmente estuvieron capacitados para entenderla. En ellos se observa una verdadera
voluntad de crear una lengua poética que fuera sustancialmente diferente del lenguaje común.
Las innovaciones iniciadas por Góngora a partir de 1613 con sus grandes poemas, La
fábula del Polifemo y Galatea, y las Soledades produjeron en la época un gran revuelo por el
uso de palabras procedentes del latín (cultismos), la sintaxis extraña que copiaba la latina y
las metáforas de metáforas. Quevedo, gran enemigo de Góngora y de sus seguidores, criticó
junto con otros poetas la oscuridad y complejidad “insustancial” de esa poesía. Porque, si bien
ambos poetas estimaban la dificultad, Góngora la llevaba hasta el extremo en la expresión
(hasta hacerla oscura) y Quevedo, en cambio, prefería ser ingenioso y no oscuro.
Para comprender mejor los poemas de los autores ya nombrados, conviene considerar una
serie de recursos expresivos como ser:
α La metáfora. Consiste en una comparación en la cual la partícula comparativa (como
o cual) está elidid o, directamente, uno de los elementos es sustituido por otro. Así, se
producen los mayores juegos conceptistas. Por ejemplo: “… antes que lo que fue en tu
edad dorada, oro, lilio, clavel, cristal luciente, no solo en plata o vïola troncada se
vuelva, más tú y ello juntamente…”. Éste fragmento pertenece al poema Mientras por
competir por tu cabello de Luis de Góngora. Es una metáfora mediante la cual se
equipara la plata con las canas que trae la vejez.
α El paralelismo. Es la repetición, en dos o más versos sucesivos, de pensamientos o
estructuras equivalentes. Por Ejemplo: “… hacer vos con mi amor que ya no sienta,
que yo haré con mi pluma que no escriba…” Este fragmento pertenece al poema Pase
la mar cuando creyó mi engaño de Lope de Vega.
α La Antítesis. Es la contraposición de dos palabras o frases de significación contraria.
Por Ejemplo “… ir y quedarse, y con quedar partirse…” Este fragmento pertenece al
poema Ir y quedarse y con quedar partirse de Lope de Vega
α La dilogía. Uso de una palabra con dos significados distintos dentro del mismo
enunciado. Por Ejemplo: “… mas debajo del lecho mal cumplido, todo su bulto
esconde. […]” En este caso bulto quiere decir tanto“rostro” como “masa informe”. El
fragmento pertenece a el poema Desnuda a la mujer de la mayor parte ajena que la
compone de Francisco de Quevedo
α La hipérbaton. Es la transposición o el cambio del orden natural de la oración. Por
Ejemplo: “…Hero somos y Leandro…” El orden normal de la frase sería “somos Hero y
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Leandro”. Éste fragmento pertenece al poema Romance de Hero y Leandro de Luis de
Góngora.
PROSA BARROCA
La situación social y política de España durante esta época predispone a los escritores
a imbuirse de lleno en este movimiento: el hambre, la peste, la desigualdad social, los
mendigos, las miserias, los sueños de grandeza, etc. Todos estos temas son llevados a la
literatura; es una situación apropiada para que nazca esa literatura cuyos cimientos están en
la decepción, en el desengaño, en lo poco que valen las grandezas humanas.
Durante el siglo XVII se publican numerosas novelas picarescas, que en una medida u
otra siguen el modelo del Lazarillo de Tormes. Destacan “El Guzmán” de Alfarache, y “El
Buscón” de Francisco de Quevedo. Junto a ellas, la prosa de ficción desarrolla otros géneros,
como la novela corta y los relatos lucianescos18 y costumbristas.
Florece también en esta época la prosa didáctica y moralizante, con obras como “El
Criticón” de Baltasar Gracián, en la que se refleja el tono de desconfianza propio del barroco.
En la literatura, la idea de desorden y desequilibrio propia de las artes plásticas se
presenta mediante el alma de los personajes. Así, don Quijote, por ejemplo, tan pronto es loco
como inmediatamente vuelve a la cordura, y vive en una tensión permanente entre su fantasía
y la realidad que trata de cambiar.
Los personajes de la obra conllevan la unión de contrarios, lo que los hace vacilar al
fluctuar entre una característica de su personalidad y su opuesta: la oposición provoca una
tensión dramática en sus conciencias. Ésta dualidad barroca tan característica podemos
encontrarla claramente encarnada por el personaje que nos inventa Cervantes: don Quijote de
la Mancha.
Éste “claroscuro literario” que se representa en el protagonista se acrecienta en el
tránsito de la primera parte a la segunda. En el Quijote de 1605, el personaje no duda de lo
que perciben sus sentidos y es autosuficiente. En
cambio, el de 1615, no está de acuerdo con lo que ven
sus ojos y empieza a desconfiar de sí mismo. Esta
constante búsqueda de la verdad le revela su fracaso,
representado en un duelo que pierde frente al caballero
18 Perteneciente o relativo a Luciano Samósata o a su obra.
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de la blanca luna. La recuperación de su cordura, ante la derrota de su ideal (encarnado en el
amor hacia Dulcinea), lo conduce a la muerte.
La dualidad también se presenta en el vínculo entre don Quijote y Sancho. La
inevitable tensión que allí se observa, solo describe lo variables que pueden ser las relaciones
humanas. Don Quijote quiere a su escudero, pero marca las diferencias que existen entre
ambos y también lo corrige y se enoja debido a los errores lingüísticos de Sancho y a su
seguidilla insensata de refranes.
Sancho, por su parte, ama a su señor, pero esta junto a él porque lo mueve la ambición
de gobernar la isla que aquel le ha prometido y aún, muchas veces, también ha querido dejarlo
solo y regresar a su casa.
El contraste también se realza bastante en las descripciones muy delineadas de los
personajes: Don Quijote representa la valentía, mientras que Sancho no oculta su cobardía; si
el héroe vela, el escudero ronca; si uno ayuna, el otro come ávidamente.
El ingenioso hidalgo don Quijote de la Mancha transita entre el ideal caballeresco que
defiende su protagonista y la realidad que se impone; es decir, entre el idealismo manierista y
el realismo barroco. Así, la novela de Cervantes ofrece un cuadro vivo de la sociedad del siglo
XVII de España, entre sorprendentes contrastes. Sin embargo, la pintura del autor no es
gratuita; tiene un propósito que se aclara en el prólogo de la primer parte: “…esta vuestra
escritura no mira a más que deshacer la autoridad y cabida que en el mundo y en el vulgo 19
tienen los libros de caballerías…”. Así, Cervantes ha creado una obra literaria para referirse,
con ánimos combativos, a otras obras literarias, esto es, para desprestigiar los libros de
caballerías por su falta de verdad, su inverosimilitud, tan contraria a los ideales barrocos de la
Contrarreforma.
La crítica de Cervantes a los libros de caballerías se realiza desde la misma
construcción del texto. Este se compone de una yuxtaposición de episodios, cada uno de los
cuales se desvía hacia otro nuevo. Las numerosas aventuras son presentadas en diversos
planos, que otorgan a la composición una profundidad semejante a la de un cuadro barroco.
En un primer plano, Cervantes introduce un autor ficticio del Quijote, un historiador
árabe llamado Cide Hamete Benengeli. Así, parodia otro recurso muy usado por los libros de
caballerías en los que se presentaba a un misterioso autor, que había hallado un manuscrito
de la obra en un lugar lejano y en circunstancias maravillosas.
19 El común de la gente popular.
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La primera parte del Quijote fue escrita en 1605. La acción principal de la obra se
conforma en primer lugar, por las malparadas aventuras de don Quijote y en segundo orden, a
partir del séptimo capítulo, por las de la famosa pareja del caballero rústico escudero. Unidas
al eje principal, se encuentran las historias secundarias en dos niveles: Aquellas cuyos
personajes participan, de alguna manera, del nivel de realidad de la historia principal, la de
don Quijote, y que son las cuatro historias amorosas (la de Cardenio y Luscinda; Fernando y
Dorotea, El Capitan Cautivo y Zoraida y doña Clara y don Luis), unidas por las relación que
mantienen entre sí los personajes, que se convierten en narradores de sus propias historias, y
los relatos pastoriles, cuyo principal exponente es la desgraciada historia de Marcela y
Grisóstomo; la historia del “Curioso impertinente”, presentada como una ficción dentro de la
ficción del Quijote, ya que se trata de una novela hallada en la ventana donde se encuentran
todos los personajes. Estos personajes del “Curioso impertinente” no se relacionan con los de
la historia principal, puesto que están presentados como una creación literaria que, de
omitirse, no alteraría el relato central.
El plan narrativo que Cervantes trazó para la segunda parte de su novela, que escribió
en 1615, cambió por varios motivos. Por un lado, pasaron diez años después de la aparición
de la primera parte y, en consecuencia, se observa una mayor duración narrativa, influida por
las críticas, favorables y no tanto, acerca de la obra anterior. Por otra parte, la aparición de un
Quijote apócrifo20, de otro autor, Avellaneda, presentado como una continuación de la primera
parte de la novela cervantina, modificó el plan textual que Cervantes había prefigurado en su
anterior creación.
Las historias que se intercalan aquí, a diferencia de la primera parte, son más breves y
están más relacionadas con la acción principal de los personajes que intervienen en ellas, lo
que indica una mayor maduración de estos. En la parte anterior, esta es una supuesta creación
de Cite Hamete, pero con la diferencia de que los protagonistas, en este caso, saben que se
encuentran dentro de una historia famosa, lo que realza el realismo de las nuevas aventuras.
La estructura de este segundo Quijote tiene otra característica destacable. En un
momento, durante la estadía en el palacio de los duques, las historias de Sancho y de don
Quijote se bifurcan, ambos personajes se separan. Por un lado, Sancho debe encargarse del
gobierno de la ínsula de Barataria. De este modo, cumple un sueño que constituyó el principal
motivo de la relación con su amo. Por otro lado, don Quijote permanece junto a los duques,
asumiendo la defensa de la hija de la dueña Rodríguez. Luego, de un modo simbólico, la
20 Fabuloso, supuesto o fingido.
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historia del caballero y de su fiel escudero vuelve a unirlos para reemprender el camino de sus
aventuras.
El Quijote no es sólo la parodia del género caballeresco. De haber sido tan sólo esto, no
habría transcendido. La importancia de la obra reside en el hecho de que Don Quijote vive y
muere por un ideal de justicia y de amor que lo llevan a resucitar la caballería andante.
El personaje es, por lo tanto, un loco, pero con un alto ideal para respetar; es, en boca
de su escudero, “un hombre bueno que nunca ha hecho daño a nadie”. Con este contraste del
que complace el Barroco, se vuelve grande en sus propósitos de esfuerzo y de lealtad, pero
falla al pretender llevarlos a cabo, porque las circunstancias inadecuadas no se lo permiten.
Así, la locura del héroe se convierte en noble locura, lo que lo transforma en un personaje
“amargo tragicómico”. Su heroicidad consiste, justamente, en el enorme esfuerzo de mantener
su ideal bajo más allá el peso de la vulgar e incomprensiva realidad.
Algunos de los recursos estilísticos utilizados por Cervantes en el Quijote de la Mancha
son los siguientes:
α Hipérbole. Capítulo XXV: Don Quijote que exagera sobre la majestuosidad de una
historia.
<<... que es una de las mejores y más bien presentadas historias que de muchos años a este parte
en este reino se han visto>>. Capítulo XXV - 2ª parte; líneas 193-195.
α Metáforas.
<<Las compuertas de los ojos>>. (Refiriéndose a los párpados de los ojos). Capítulo XII - 2ª parte; línea 91.
<<El ferido de punta de ausencia y el llagado de las telas del corazón>>. Capítulo XXV.
α Antítesis
<<Los negros de los blancos>>. Capítulo XXV; línea 143.
<<Rurlinado siempre a hacer bien a todos, y mal a ninguno>> Capítulo XXV; líneas 283-284.
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<< ¡Oh bella ingrata, amada enemiga mía! (...) >>. Capítulo XXV.
BIBLIOGRAFÍA
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