el arte visual del rock progresivo (1era parte)
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1
El arte visual del rock progresivo (1era parte)
Por Juan Carlos Cortés Stefanoni
Maestro en Estética y Arte
Benemérita Universidad Autónoma de Puebla (BUAP)
carouac@yahoo.com
El rock progresivo fue resultado de una evolución de la música rock de los años 60, en
particular del rock británico y del rock psicodélico estadounidense, y se caracterizó por
poseer una mayor complejidad en lo musical, lo temático y lo visual.
En lo musical, se experimentó con nuevas y más complejas armonías, melodías,
técnicas vocales, métricas y timbres. Los pasajes instrumentales fueron cada vez más
largos y elaborados. Hubo un marcado énfasis en el virtuosismo, por lo que muchos de
los músicos de rock progresivo fueron verdaderos maestros de su instrumento. Así
mismo, fue muy común la incorporación de elementos tomados de otros géneros y
estilos musicales dentro de las piezas, lo cual dio como resultado una variada gama de
sub-estilos, entre los cuales podemos encontrar el symphonic-rock, el folk-rock, el jazz-
rock, o el indo/raga-rock, por citar algunos. Hubo también un intento deliberado por
expander las formas musicales más allá de los límites de las convenciones básicas de
versos y coros, por lo que pronto las piezas comenzaron a ser cada vez más complejas
en estructura y largas en duración, alcanzando los 15 o 20 minutos, y hubo incluso
ocasiones en que una sola pieza ocupaba una cara completa del disco o el disco entero.
De ahí que adquirieron enorme popularidad las piezas multi-partes, algo similar a las
suites barrocas (S. XVII-XVIII) o a la song-cycle romántica (S. XIX). En este sentido,
el concepto de “opera-rock” se volvió inmensamente popular. Por otro lado, la
inclusión de instrumentos inusuales dentro del rock como flautas, clarinetes, trompetas,
trombones, órganos, sintetizadores, mellotrón, clavecín, así como orquestas y coros
enteros fue recurrente. Se hizo uso de efectos de sonido y música concreta. Además, se
emplearon nuevas técnicas de grabación en el estudio, mismo que se convirtió en un
elemento indispensable para la creación de esta música.
En lo temático, las letras de las canciones comenzaron a ser más profundas y
elaboradas. Se abandonaron por completo los temas de amor y pasión adolescente para
comenzar a componer piezas con temáticas más elevadas, tomadas de la ciencia ficción,
la fantasía, la mitología, la religión, la literatura, la psicología, o la política. Fue debido
2
a esto que proliferaron los álbumes concepto, los cuales se convirtieron prácticamente
en una regla dentro del género.
En lo visual, el rock progresivo puso un mayor cuidado en el arte y presentación
de los discos, de ahí que las portadas comenzaron a ser cada vez más sofisticadas y
elaboradas en cuanto a su diseño, añadiendo nuevas dimensiones de significado a la
música misma. Además, los conciertos en vivo fueron un componente vital del
movimiento progresivo, por lo que se puso un mayor énfasis en la teatralidad y
majestuosidad de los mismos, se emplearon efectos de luces y de video, se diseñaron
escenarios novedosos y grandilocuentes, incluso se utilizaron disfraces y maquillajes.
Es precisamente este último aspecto, el visual, el que nos interesa analizar en el
presente trabajo. Como Edward Macan ha señalado, “no es inapropiado hablar de un
estilo visual que rige el género”.1 En este sentido, podemos afirmar que el rock
progresivo no fue solamente un estilo musical, sino que fue también un estilo artístico-
visual, el cual involucró no sólo músicos, sino también a una gran cantidad de artistas
plásticos, entre los cuales podemos encontrar fotógrafos, pintores, dibujantes,
caricaturistas, cartelistas, diseñadores e incluso cineastas. Aunque el rock progresivo
recibió cierta difusión a través de la radio y la televisión, éstas no fueron en absoluto los
medios privilegiados a través de los cuales esta música se propagó: “fue principalmente
a través de la adquisición de álbumes y a través de la experiencia del concierto en vivo
que las audiencias del rock progresivo pudieron experimentar la música de sus grupos
favoritos”.2 Ello nos lleva a dividir nuestro estudio en estas dos categorías. Ambas,
tanto el diseño de los álbumes como los conciertos en vivo, tuvieron una dimensión
artístico-visual muy fuerte, de la cual daremos cuenta en este apartado.
El arte en el diseño de los álbumes.
Como hemos señalado líneas arriba, los álbumes se convirtieron en “la forma artística”
por excelencia del rock progresivo. Éstos fueron el principal vehículo de difusión de la
música, y por lo tanto debían reflejar el sentido y profundidad de la misma. Si ésta era
cada vez más experimental, compleja y sofisticada, con letras más profundas y elevadas,
1 MACAN, Edward. (1997). Rocking the Classics: English Progressive Rock and the Counterculture.
New York: Oxford University Press. p. 57
2 Ídem, p. 57
3
eso debía verse reflejado también en el diseño de las portadas y demás accesorios del
álbum.
Como en muchos otros aspectos, los grandes innovadores en esta área fueron los
Beatles, quienes desde muy temprano en su carrera comenzaron a prestar mayor
atención en el diseño de las portadas de sus álbumes, las cuales debían, de alguna
manera, estar en concordancia con su estilo musical. Ejemplo de ello es la asociación
que tuvieron con el fotógrafo y diseñador Robert Freeman, quien fue responsable de las
fotografías y diseño visual de sus álbumes más tempranos: With the Beatles (1963), A
Hard Day‟s Night (1964), Beatles for Sale (1964), Help! (1965) y Rubber Soul (1965).
Cada una de ellas resultó muy innovadora para la época, y, en este sentido, dan muestra
de una cada vez mayor preocupación y énfasis en el diseño visual y artístico de los
álbumes.
Durante el período anterior a los años 60, el propósito principal de las portadas
había sido mostrar a los artistas. Sin embargo, es a partir de 1966 en adelante, con los
Beatles y otras bandas coetáneas que siguieron su ejemplo, que las portadas comenzaron
a cambiar significativamente de función. Su papel ya no sería simplemente mostrar a los
artistas, sino reflejar, sobre todo, la profundidad y sofisticación que las bandas estaban
consiguiendo tanto en lo musical como en lo temático, y en ese sentido reforzar el
concepto, agregando también nuevos y más ricos niveles de significación.
Nuevamente, son los Beatles quienes marcan el rumbo a seguir en este respecto,
con los originales e innovadores diseños visuales de sus obras Revolver (1966) y Sgt.
Pepper‟s Lonely Hearts Club Band (1967), las cuales marcan el punto de partida de una
tremenda revolución músico-cultural que dos años más tarde daría como resultado el
nacimiento de un nuevo tipo de rock: el progresivo. En palabras de Ramón Moreno,
“Revolver representa una extraordinaria conjunción entre letra y música, pero también
significó la entrada definitiva del arte visual en el mundo del rock”.3 Este álbum venía
acompañado de una extraordinaria portada en blanco y negro, idea del artista Klaus
Voorman –amigo del grupo desde sus días de Hamburgo–, y consistía en un collage de
dibujos y fotografías. Éstas últimas, obra de Robert Whitaker, quien acompañó a los
Beatles en sus giras por E.U.A. (1965) y Japón (1966), logrando fotografías que hoy por
hoy son consideradas clásicas.
3 MORENO, Ramón. (1998). Diccionario de los Beatles. Valencia, España: Editorial La Máscara. p. 166
4
Quizá sea importante detenernos unos instantes en la figura de Robert Whitaker,
pues fue él quien diseñó una de las portadas más controvertidas y polémicas de la
historia del rock. En 1966, Whitaker citó a los Beatles en su estudio para la realización
de lo que él llamó “una pieza de arte conceptual”, la cual llevaría por título “A
somnambulant adventure”. Resultado de aquella sesión fue una fotografía que mostraba
a los Beatles vestidos con batas de carnicero y cubiertos con pedazos de carne y
muñecas de plástico descuartizadas. Si bien esta fotografía no había sido pensada
originalmente para ser utilizada como portada de algún disco, fue a McCartney a quien
le pareció buena idea rescatarla para tal propósito cuando Capitol Records, subsidiaria
de EMI en E.U.A., decidió editar un álbum recopilatorio en ese país. McCartney
describió la imagen diciendo “es nuestro comentario acerca de la guerra”4, así mismo,
Lennon vio en ello una manera divertida de protestar “por los constantes
descuartizamientos que sufrían sus discos en Estados Unidos”5 tras la controversia
causada por sus comentarios acerca de Jesucristo. El primer tiraje del álbum, que llevó
por título Yesterday and Today, constó de cerca de 750,000 copias. La reacción no se
hizo esperar: pronto esta portada, la cual ha pasado a la historia con el nombre de “the
butcher cover”, causó escándalo e indignación entre la puritana sociedad
estadounidense, por lo cual fue inmediatamente censurada y Capitol tuvo que sacar del
mercado las copias que aún no se habían vendido. La controvertida portada fue entonces
reemplazada por una nueva imagen más convencional y discreta. Las copias que
4 GAFFNEY, Dennis (2008). "Antiques Roadshow | Follow the Stories | The Beatles' "Butcher" Cover".
En PBS.org. http://www.pbs.org/wgbh/roadshow/fts/jackpot_200302A14.html. (Última consulta:
09/11/2011).
5 MORENO, Ramón. (1998). Diccionario de los Beatles. Valencia, España: Editorial La Máscara. p. 215
Klaus Voorman / Robert Whitaker
The Beatles’ Revolver– portada
Collage: dibujo a lápiz y fotografías
1966
5
sobrevivieron, con la portada original, constituyen hoy uno de los principales objetos de
colección de los Beatles.
Aunque el grupo protestó por la censura de la portada, alegando que era “igual de
relevante que Vietnam”6, no logró impedir que ésta fuera sacada del mercado. Sin
embargo, “the butcher cover” enseñó una importantísima lección a los Beatles y a los
grupos de rock coetáneos: aprendieron que las portadas de los álbumes no eran, en
absoluto, un elemento secundario, pues las imágenes artístico-visuales podían
incrementar el alcance y repercusión de su música y letras, convirtiendo al álbum en un
poderoso vehículo de expresión.
Desde esta nueva perspectiva, en 1967 los Beatles dieron a luz uno de los álbumes
más importantes de la historia de la música rock –y de la música popular en general–,
un trabajo que mostraba, mejor que ningún otro, el nuevo rumbo que la música rock
estaba a punto de tomar. Sgt. Pepper‟s Lonely Hearts Club Band fue un proyecto
ambicioso, complejo, experimental y ecléctico, tanto en lo musical como en lo temático.
Fue el primer LP concebido como una unidad temática y espiritual. Desde luego, un
álbum de tales características ameritaba un diseño artístico-visual de iguales
proporciones. Para tal propósito, convocaron no a un solo artista, sino a todo un
contingente de artistas, el cual estaba conformado por el galerista y diseñador artístico
6 GAFFNEY, Dennis (2008). "Antiques Roadshow | Follow the Stories | The Beatles' "Butcher" Cover".
En PBS.org. http://www.pbs.org/wgbh/roadshow/fts/jackpot_200302A14.html. (Última consulta:
09/11/2011).
Robert Whitaker
The Beatles’ Yesterday And Today –portada original (izq.); segunda portada (der.)
Fotografía
1966
6
Robert Fraser, los renombrados artistas “pop” Peter Blake y Jann Haworth, el fotógrafo
Michael Cooper, el diseñador Manuel Cuevas, el artista de feria Joe Ephgrave, y otros
más. Los Beatles querían un diseño artístico-visual original e innovador, que encarnara
el concepto y espíritu de la música y letras de su nuevo álbum, y por ello pidieron a los
artistas que no escatimaran en gastos.7 Blake tuvo la idea de crear una escena que
mostrara a “la Banda del Sargento Pimienta” actuando en un parque, rodeada de un
largo grupo de personalidades destacadas. Entre todos, crearon una lista de más de 70
personajes famosos, entre los cuales hay escritores, músicos, estrellas de cine, y una
serie de gurús hindúes, todos ellos personajes que los Beatles admiraban. Haworth se
encargaría de pasar en madera prensada y a tamaño natural las fotografías en blanco y
negro de cada uno de estos personajes, para posteriormente pintarlas a mano. Así
mismo, los Beatles vestirían uniformes militares de vivos colores fluorescentes
diseñados por Manuel Cuevas. El diseño del bombo rotulado fue obra de Joe Ephgrave,
mientras que los artistas de la casa Madame Tussaud se encargaron de realizar las
figuras de cera de los “antiguos Beatles” que pueden verse en la portada del álbum.
El enorme collage a tamaño real fue montado por Blake y Haworth en el estudio
de Michael Cooper, quien finalmente tomó las fotografías del mismo el 30 de marzo de
1967, en una sesión que duró tres horas. Fue así como cobró vida la célebre portada del
Sgt. Pepper: “el resultado fue una inmensa obra de arte y un perfecto complemento
visual a la grandeza musical del disco”.8 Además, en el reverso del álbum se
imprimieron las letras de las canciones, lo cual resultó completamente innovador para la
época, pues era la primera vez en la historia que esto se hacía. Así mismo, el álbum
venía en formato gatefold, es decir, una especie de “estuche-portafolio” cuyas tapas se
podían abrir como si fuese un libro, lo cual permitió incluir fotografías en el interior, así
como una serie de aditamentos recortables –un bigote, unos galones de sargento y un
logotipo de la banda–, todo ello con la finalidad de que la integración del escucha en el
proyecto fuera completa. En total, el diseño artístico-visual del Sgt. Pepper tuvo un
costo de cerca de £2,868 5s 3d (equivalentes hoy a £38,823), una asombrosa suma de
dinero, 100 veces más el costo promedio del diseño artístico de un álbum en aquellos
días9, lo cual prueba la enorme importancia que los músicos de rock estaban
7 MORENO, Ramón. (1998). Diccionario de los Beatles. Valencia, España: Editorial La Máscara. p. 174
8 Ídem, p. 175
9 Tomado de http://www.culture24.org.uk/art362437 (Última consulta: 12/11/2011)
7
comenzando a concederle al diseño artístico-visual de los álbumes. Los demás grupos
de rock no harían sino seguir las mismas pautas marcadas por los Beatles.
Sgt. Pepper contribuyó a afianzar la idea de álbum concepto en la música rock.
Las bandas de rock comenzaron a concebir sus trabajos discográficos como una unidad
temática. Ello significó un cambio drástico en la manera cómo la música rock era
difundida: el álbum cobró mayor relevancia, por encima de los singles (sencillos) que
anteriormente habían sido lo más importante. En palabras de E. Macan, “los músicos de
rock de finales de los 60 y 70 usaron el término “concepto” exactamente en el mismo
sentido en que los compositores del siglo XIX utilizaron el término “programa”.”10
Es
decir, los músicos de rock progresivo concebían al álbum concepto como una “obra de
arte total”, en el sentido wagneriano del término: una Gesamtkunstwerk, en la cual la
música, las letras y el arte visual se combinaban para crear un “programa” artístico
completamente unificado. Es verdad que los grupos de rock no siempre hicieron
álbumes concepto, en dado caso, el diseño del álbum reflejaba la temática de la pieza
más larga o más significativa del mismo.
Para mediados de 1967 podemos distinguir ya un estilo artístico-visual propio de
la música rock, el cual estaba estrechamente vinculado con la revolución psicodélica.
Las razones de ello debemos buscarlas en la estrecha relación de la música rock con la
10
MACAN, Edward. (1997). Rocking the Classics: English Progressive Rock and the Counterculture.
New York: Oxford University Press, p. 58
Peter Blake / Jann Haworth / Michael Cooper
The Beatles’ Sgt. Pepper‟s Lonely Hearts Club Band
–portada (izq.); contraportada (der.)
Collage / Fotografía
1967
8
contracultura de los 60, particularmente con el movimiento hippie, motivo por el cual se
estaba convirtiendo en el equivalente musical de la experiencia alucinógena.11
Como
Richard Neville recuerda: “todos los sonidos relevantes parecían de alguna manera estar
asociados con el ácido y el amor universal. The Beatles, Donovan, Cream, Jefferson
Airplane, Quicksilver Messenger Service, The Grateful Dead, The Doors, Country Joe
& the Fish, todos celebraban la experiencia del ácido y revivivían nuestra fe en los
demás”.12
Los diseños artístico-visuales de los álbumes de este período, en especial
aquellos realizados entre 1967 y 1968 dan muestra de ello: diseños que constituyen “una
explosión de brillantes colores y líneas que se retuercen y se superponen en una infinita
variedad de patrones, reflejando la experiencia alucinógena en su nivel más
elemental”.13
Algunos ejemplos importantes de este estilo psicodélico son los álbumes
Disraeli Gears (1967) y Wheels of Fire (1968) de la banda Cream, ambos realizados por
el pintor “pop”, caricaturista, compositor y cineasta australiano Martin Sharp.
Sobre su diseño en Disraeli Gears, Sharp ha dicho:
“Encargué a mi ex-compañero de estudio, Robert Whitaker, que tomara algunas fotografías,
las cuales utilicé para un collage en la contraportada. Creo que la foto utilizada en la portada era
una foto publicitaria que obtuve de Eric Clapton. Yo estaba usando pinturas fluorescentes en ese
11
WHITELEY, Sheila. (1992). The Space Between the Notes: Rock and the Counter-Culture. New York:
Routledge. pp. 3-4
12 NEVILLE, Richard. (1971). Play Power. London: Paladin, p. 14
13 MACAN, Edward. (1997). Rocking the Classics: English Progressive Rock and the Counterculture.
New York: Oxford University Press. p. 58
Martin Sharp
Cream’s Disraeli Gears –portada (izq.); contraportada (der.)
Pintura / Collage
1967
9
momento. Era el momento cumbre de la psicodelia. Algunos de los ingredientes de la cubierta se
componen de grabados decorativos de la era Victoriana. La hice primero en blanco y negro y
después la pinté con colores fluorescentes. Traté de capturar la cálida alegría y vitalidad de las
canciones de Cream.”14
Los trabajos de The Moody Blues, Days of Future Passed (1967), In Search of the
Lost Chord (1968), In the Threshold of a Dream (1969), To Our Children‟s Children‟s
Children (1969), A Question of Balance (1970), Every Good Boy Deserves Favour
(1971) y Seventh Sojourn (1972) son, tanto en lo musical, lo temático y lo visual,
ejemplos clásicos de lo que algunos autores han denominado estilo proto-progresivo. El
primero de ellos, Days of Future Passed (1967), es un álbum conceptual cuya portada,
obra del artista David Anstey, da muestra del estilo psicodélico que imperaba en el
diseño artístico-visual de los álbumes de rock en ese momento. Por otro lado, el diseño
de los demás álbumes sería obra de Philip Travers, cuyo estilo apuntaba ya la tendencia
surrealista que más tarde sería común en el arte visual del progresivo de los años 70.
14
Tomado de: http://en.wikipedia.org/wiki/Martin_Sharp (Última consulta: 29/11/2011)
David Anstey
The Moody Blues’
Days of Future Passed
–portada
Pintura
1967
Philip Travers
The Moody Blues’ In Search of the Lost Chord (1968) (izq.); To Our Children‟s Children‟s
Children (1969) (centro); A Question of Balance (1970) (der.) –portadas –pintura
10
Otros trabajos, como la portada del álbum Axis: Bold as Love (1967) de The Jimi
Hendrix Experience, dan muestra de la profunda fascinación que flotaba en el aire de
los 60 por las religiones y prácticas orientales.
El álbum de King Crimson, In the Court of the Crimson King (1969), es señalado
por muchos autores como el primer álbum de rock progresivo en sentido estricto. El
diseño del mismo fue obra de Barry Godber. El líder de la banda, Robert Fripp, ha dicho
al respecto: “el rostro del exterior es “the Schizoid Man”, y en el interior está “the
Crimson King”, si a éste le cubres la sonrisa verás que los ojos revelan una increíble
tristeza. ¿Qué puede uno agregar? refleja la música.”15
15
Tomado de: http://www.elephant-talk.com/wiki/Interview_with_Robert_Fripp_in_Rock_and_Folk
(Última consulta: 27/11/2011)
Roger Law
The Jimi Hendrix
Experience’s Axis:
Bold as Love –portada
Pintura
1967
Barry Godber
King Crimson’s
In the Court of the
Crimson King –cubierta
(arriba); inteiror (abajo)
Pintura
1969
11
Como Macan ha señalado, “la inclinación de los hippies por los alucinógenos
fomentó el desarrollo de un estilo visual surrealista en el rock progresivo”.16
Para 1969
y 1970, período durante el cual el rock progresivo emergió como un estilo diferente, una
tendencia más sutil se hizo evidente tanto en las fotografías como en los diseños
pictóricos de muchas de las portadas del momento: comenzó a hacerse presente un tipo
de surrealismo que recordaba a los trabajos de Salvador Dalí, Man Ray o Magritte, así
como a las complejas perspectivas de M. C. Escher. Se puso “una atención realista muy
meticulosa en el detalle, el cual se utilizó para representar paisajes imposibles y
yuxtaponer objetos no relacionados en situaciones inesperadas. Gran parte de las
portadas de rock progresivo, desde 1970 en adelante, son surrealistas exactamente en
este sentido”.17
Ejemplo de ello son las pinturas que Paul Whitehead realizó para los álbumes
Trespass (1970), Nursery Cryme (1971) y Foxtrot (1972) de Genesis, y H to He, Who
Am the Only One (1970) y Pawn Hearts (1972) de Van Der Graaf Generator.
16
MACAN, Edward. (1997). Rocking the Classics: English Progressive Rock and the Counterculture.
New York: Oxford University Press. p. 57
17 Ídem, p. 59
Paul Whitehead
Genesis’ Trespass
–cubierta
Pintura
1970
Paul Whitehead
Genesis’ Nursery Cryme
–cubierta
Pintura
1971
12
Dos tipos de temática fueron ampliamente explotadas por las bandas de rock
progresivo: la fantasía/ciencia ficción y los temas mitológico-espirituales. Por supuesto,
éstas debían verse reflejadas en los diseños artístico-visuales de los álbumes. Algunos
ejemplos del primer tipo de temática son los álbumes Tarkus (1971) y Brain Salad
Surgery (1973) de Emerson, Lake & Palmer. En el primer caso, la cubierta del álbum,
obra de William Neal, gira en torno a la temática de la pieza que da título al trabajo, la
épica suite “Tarkus”, que ocupa todo el lado A del disco.
Paul Whitehead
Genesis’ Foxtrot
–cubierta
Pintura
1972
Paul Whitehead
Van Der Graaf Generator’s
Pawn Hearts
–cubierta
Pintura
1971
William Neal
ELP’s Tarkus
–cubierta
Pintura
1971
13
En ella se representa a una criatura fantástica mitad armadillo y mitad tanque de
guerra avanzando a través de un paisaje psicodélico vacío excepto por los huesos
destrozados de sus víctimas. Así mismo, la pintura del interior muestra las distintas
batallas que Tarkus libra contra otras criaturas cibernéticas antes de ser finalmente
derrotado por un Manticornio.
El diseño visual de Brain Salad Surgery es obra del renombrado surrealista suizo
H. R. Giger, quien años más tarde ganaría fama internacional por sus diseños para la
película Alien (1979). En este caso, el diseño refleja el conflicto entre las fuerzas de la
tecnología y la espiritualidad humana, que es el tema del álbum.
Por otro lado, la banda YES se caracterizaría por sus letras de corte espiritual y
mitológico, las cuales apelaban a un despertar de la conciencia, a una transformación
espiritual, dibujando con marcado entusiasmo mundos imaginarios, utópicos y
cósmicos. Esto se ve reflejado perfectamente en los diseños que Roger Dean realizó
William Neal
ELP’s Tarkus
–interior
Pintura
1971
H. R. Giger
ELP’s Brain Salad Surgery –portada (izq.); interior (der.)
Pintura
1973
14
para la banda. Este artista es quizá una de las figuras más importantes dentro del ámbito
del diseño artístico-visual del rock progresivo, razón por la cual es preciso detenernos
unos instantes en su figura. Roger Dean estudió primero en la Canterbury School of Art,
donde obtuvo un diploma en diseño. En 1968 se graduó de la Royal College of Art de
Londres e inmediatamente se puso a trabajar. Su primer encargo sería la cubierta del
álbum The Gun (1968) para la banda del mismo nombre. Entre 1968 y 1970 realizó
portadas para varios grupos de rock progresivo, entre los cuales podemos citar a Earth
& Fire, Nucleus, Lighthouse o Atomic Rooster, entre otros. Pero fue en 1971 cuando
Roger Dean llamó la atención con el diseño artístico-visual del álbum Osibisa (1971) de
la banda británico-africana del mismo nombre. La portada de este álbum mostraba ya el
inigualable estilo por el cual Roger Dean es hoy ampliamente reconocido.
Más tarde, en ese mismo año, Dean inició su sociedad con YES, por la cual fue
internacionalmente reconocido. En palabras de E. Macan, la sociedad Roger Dean-YES
muestra “la manera cómo artistas específicos son a menudo asociados con grupos
particulares”18
. Así, Roger Dean es hoy sinónimo de YES, y más aún, es sinónimo de
rock progresivo, ya que “para muchos, los míticos paisajes de Dean se convirtieron en el
símbolo visual del rock progresivo”.19
El primer diseño que realizó para YES fue el del
álbum Fragile (1971), el cual muestra a un pequeño planeta en el frente, mientras que
en la contraportada éste ha empezado a romperse y la población escapa en un planeador
espacial de madera, un concepto que más tarde serviría de inspiración para el álbum
Olias of Sunhillow (1976) de Jon Anderson, así como para la película Floating
Islands.20
Posteriormente, Dean continuaría esta especie de “relato” en el trabajo
18
Ídem, p. 59
19 Ídem, p. 59
20 Tomado de: http://en.wikipedia.org/wiki/Fragile_(Yes_album) (Última consulta: 30/11/2011)
Roger Dean
Osibisa’s Osibisa
–cubierta
Pintura
1971
15
artístico del álbum Yessongs (1973). Además, el LP venía acompañado de un folleto
promocional, en el cual se podían apreciar otros dos cuadros de Dean.
En 1972, Dean diseñó el álbum Close to the Edge, que mostraba, por primera vez,
el ahora ya clásico logotipo de la banda en forma de “burbuja”.
La suite “Close to the Edge”, que ocupa todo el lado A del álbum, está inspirada
en el libro Siddhartha, del escritor alemán Hermann Hesse, y tiene como tema la
búsqueda del individuo por la verdad espiritual. Esto está magníficamente representado
por el fantástico paisaje que Roger Dean realizó en el interior del álbum. E. Macan ha
descrito esta pintura en los siguientes términos:
“… el paisaje es el protagonista. Vemos este paisaje –el cual parece ser un mundo aparte del
nuestro– desde la cumbre de una montaña (¿en nuestro mundo?); un largo y estrecho puente, de
aspecto peligroso, se extiende sobre un abismo nebuloso hacia este “otro” mundo. El elemento
surrealista de este paisaje resulta del hecho de que, aunque aparentemente es una isla, está rodeada
por niebla, no por agua, y está delimitada en sus bordes exteriores no por tierra, sino por mar.
Aparte de su rareza, el aspecto más notable de este panorama es que, incluso desde una gran
distancia, desde nuestro punto de vista, es una tierra claramente prístina y virgen (…) Así, la
pintura de Dean parece reflejar el concepto de la pieza: la iluminación espiritual y la verdad
Roger Dean
YES’ Fragile –portada (izq.); contraportada (der.)
Pintura
1971
Roger Dean
YES’ Logo
Diferentes
versiones
Pintura
1972-2011
16
(simbolizada por el prístino paisaje) es extraordinariamente difícil de alcanzar (de ahí el estrecho y
peligroso puente), pero una vez obtenida, es fuente de paz y alegría”21
Además de los ya mencionados, Roger Dean realizó también las portadas de los
álbumes Tales From Topographic Oceans (1973), y Relayer (1974), que son algunos de
los trabajos más importantes de YES y del rock progresivo en general. Así mismo, Dean
colaboró con otras bandas importantes del momento, entre las cuales podemos
mencionar a Babe Ruth, Uriah Heep, Gentle Giant, Greenslade, Budgie y ASIA, entre
otras.
Por último, debemos mencionar a la firma Hipgnosis, la cual fue fundada por los
artistas y diseñadores gráficos Storm Thogerson y Aubrey Powell a finales de los años
60. Hipgnosis se caracterizó por poseer un estilo teatral y surrealista fuertemente
orientado hacia la fotografía, terreno en el que desarrollaron una amplia gama de
técnicas innovadoras para la época, tales como la decoloración mediante la exposición a
21
MACAN, Edward. (1997). Rocking the Classics: English Progressive Rock and the Counterculture.
New York: Oxford University Press. p. 60
Roger Dean
YES’ Close to the Edge
–portada (izq.); interior (abajo)
Pintura
1972
17
la luz natural y mediante el uso de químicos, los retoques pictóricos, diversos efectos
visuales, recorte y pegado mecánico (algo muy similar al photoshopping actual), etc.
Posteriormente, Thorgerson y Powell reclutaron a otros artistas, entre los cuales
podemos mencionar a Peter Christopherson, Richard Evans y George Hardie. La firma
trabajó para una gran cantidad de artistas y grupos durante los años 70, entre los cuales
estuvieron muchos de rock progresivo como Emerson, Lake & Palmer, Genesis, YES
(cuando su sociedad con Roger Dean fue interrumpida temporalmente), Caravan,
Renaissance, y sobre todo, Pink Floyd.
Hipgnosis
Pink Floyd’s
A Saucerful of Secrets –portada
Pintura / Fotografía
1968
Hipgnosis
Pink Floyd’s Dark Side of the Moon –cubierta (arriba); interior (pág. 18)
Pintura / Fotografía
1973
Hipgnosis
Pink Floyd’s
Wish You Were Here –portada
Fotografía
1975
18
Al igual que en el caso Roger Dean-YES, Hipgnosis y Pink Floyd se convirtieron
también en casi sinónimos, ya que la firma ha diseñado casi todos los álbumes de la
banda desde A Saucerful of Secrets (1968), pasando por los destacados trabajos de Dark
Side of the Moon (1973), Wish You Were Here (1975) y Animals (1977), entre otros.
Finalmente, debemos decir que, por razones de espacio, han quedado fuera de este
trabajo un gran número de artistas y grupos importantes, cuyas portadas son testimonio
de la enorme creatividad y esfuerzo que los músicos de rock progresivo invirtieron en el
diseño artístico-visual de sus álbumes. Para mayores detalles consúltese la bibliografía y
discografía anexas al final de este trabajo.
Hipgnosis
Pink Floyd’s Animals –cubierta
Fotografía
1977
19
BIBLIOGRAFÍA:
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Documental: Rockin' At the Red Dog: The Dawn of Psychedelic Rock DVD. (2005). Works,
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Documetal / Concierto: The Jimi Hendrix Experience Live At Monterey DVD. (2007). D. A.
Pennebaker (Director).
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