analisis peliculas
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Universidad Científica del Sur
Facultad de Comunicación y Publicidad
Curso: Lenguaje Audiovisual
Profesor: Edgardo Guerra
Alumna: Ximena Gonzales
Ciclo: Tercero
Mayo de 2011
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Cine y Discriminación
La Teta Asustada
Se ambienta en un barrio periférico de Lima, donde los integrantes mezclan sus
tradiciones ancestrales con tintes de la globalización. Fausta mantiene una
estrecha relación con su madre indígena y es básicamente un personaje
desamparado. Por un lado, no tiene dónde enterrar a su madre, por otro, se ve
imposibilitada de conectar
emocionalmente con las personas de su
entorno, en especial con los hombres.
Crece en ella una fuerte melancolía de la
que sus parientes son testigos. Como
telón de fondo, el rumor del mal que la aqueja es vivido como estigma y es una
gran fuente de sufrimiento de hondo significado femenino.
Fausta canta para conjurar su mal. Para ello utiliza su lengua materna, el
quechua, que es el cordón que la ata a la teta de su madre. Una teta asustada
que ella padece y que configura su desdibujada alma. Como otras mujeres con
el mismo mal, Fausta introduce en su vagina
un tubérculo, con el que espera producir
rechazo en potenciales violadores, y se
plantea la misión de dar sepultura al cuerpo
de su madre, que guarda, como reliquia, en su propia habitación. Para ello se
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emplea como criada en la casa de una pianista -Aída- que ha perdido la
inspiración. La canción que la acompaña le es arrebatada por su patrona
-ocasión para que Llosa pinte el clasismo reinante en las clases pudientes de
Lima- quien se la roba, para su beneficio personal. Despojada del único
vestigio de identidad, Fausta consigue que su cuerpo expulse el miedo
contagiado por su madre y logre un equilibrio en el que tiene especial
importancia el amor callado de un hombre. El amor la redime.
Llama la atención el tratamiento costumbrista de los habitantes del barrio
limeño. Tenemos ocasión de ser testigos de modelos sociales propios de
Latinoamérica, poco reflejados en el cine que se difunde en Europa. En
ocasiones, la historia parece pintada por el realismo solamente el contraste
personas que buscar olvidar la violencia.
Aunque criticada por algunos sectores indigenistas peruanos, que acusan a
Llosa de demasiado generalista y de presentar la cultura indígena como
inferior, la película es sumamente valiosa por aspectos que van más allá de los
desdichados episodios históricos. Por una parte, muestra el resultado de la
violencia contra las mujeres como sinónimo de perder la vida. Por otra, expresa
la respuesta en una forma poética y desgarrada, en la que no pareciera dar
lugar a la esperanza. Doblemente despojada, Fausta sufre la violencia de los
hombres y de la burguesía, en un doble juego de exterminio.
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El final de la película es aparentemente esperanzador: la fuerza de Fausta se
impone al dolor. Ni la fuerza ni el logro de enterrar a su madre, ni el amor
paternal de ese hombre que la protege en silencio calman los sentimientos que
ya se han asentado en el corazón de los espectadores. No importa el
antagonismo indígena/blanco, quechua/castellano, pobre/rico. El tema de la
película es la violencia contra las mujeres que las deja sin alma y sin remedio.
Este tema está entroncado con enfermedades populares de Latinoamérica y
que están descritas en la medicina indo-latinoamericana. Se trata del
"síndrome del susto", que se da en situaciones incontrolables, tanto de orden
humano (violaciones, matanzas colectivas, mutilaciones) como de orden
natural (terremotos, inundaciones, incendios, aludes...).
Esta desgracia se muestra a través de la càmara, los diferentes movimientos
de camara para enfocar el rostro y las expresiones de Fausta, y no solo la
cámara, sino también se juega con las luces. Una luz un poco más oscura
connota tristeza o decepción, una luz más clara connota tranquilidad, felicidad,
etc.
Actualmente, hay centenares de casos de mujeres peruanas violadas que se
atrevieron a denunciar los crímenes de las que fueron víctimas, tanto por parte
de Sendero Luminoso como por los paramilitares. Generalmente pobres y
analfabetas, esperan una justicia que difícilmente llegue. Esta película las ha
hecho visibles.
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En esta película se pueden observar diversos paneos y travellings de la
cámara. Se usan paneos para mostrar las escenas que tienen connotación muy
importante como por ejemplo cuando Fausta corta las raíces de la papa que
lleva dentro, también se utiliza paneos para la escena del matrimonio, para
mostrar a todos los invitados celebrando, para dar connotación a que las
celebraciones son grandes.
Paloma de papel
El tema de la sangrienta lucha interna que vivió el Perú es tratado en este
debut del actor Fabrizio Aguilar. A diferencia de La boca del lobo (la película
más lograda en torno al tema) aquí se presenta el conflicto desde la
perspectiva de los pobladores, testigos y rápidamente partícipes de las
acciones. La compleja circunstancia del papel que cumplieron en los hechos ha
sido retratado por el cine peruano, tanto en documentales y en el campo de la
ficción (con cintas como Ni con dios ni con el diablo o La vida es una sola).
Dentro de ellas se encuentra Paloma de papel que tiene a su favor una mayor
distancia para poder reflexionar
sobre el fenómeno. La opción de
la cinta es crear un pequeño
drama que tiene como centro la
mirada de un niño, que ajeno a
las maldades e intereses se verá
envuelto en una guerra no declarada. La mirada dentro del género es la
solución que encuentra el director para transmitir la tragedia del Perú de los
más feroces años del terrorismo.
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La mirada infantil ante la dureza y crueldad del mundo en el que viven siempre
ha sido la perspectiva más inquietante. Ellos entran en conocimiento del orden
establecido solo para darse cuenta antes que otros que tal orden no existe
como se idealiza. El director Fabrizio Aguilar muestra el interés por una
narración clara en el completo sentido de la palabra (mucho de su trabajo con
Francisco Lombardi debe haber influido). Así que con una preocupación a todo
nivel arma su historia que se ensambla como un largo regreso al pasado. Ahí
vemos al pequeño Juan un niño alegre y juguetón (a pesar de su hogar en
conflicto) que con sus pequeños amigos será testigo del ingreso abrupto del
temor y la violencia a su pequeño pueblo. Son los más encarnizados años de la
escalada senderista de la cual tanto habrán oído hablar. Acaso una lejana
historia sobre la muerte de un padre o la misma carta de presentación en la
figura del alcalde ajusticiado. Mirada primaria
puesta en contacto indisoluble con la
malsana destrucción de la armonía.
Tras el aviso de llegada la vida del pequeño
Juan cambiará por completo. Colocado sin quererlo como parte de la lucha
armada como tantos otros moldeables compañeros a los cuales seguirán y de
los cuales aprenderá las doctrinas de la igualdad social (a su manera). El
sorprendido nuevo adoctrinado hasta respirará el respeto y el código cívico de
su nueva escuela, pero sin olvidar su ansia por la libertad. La moral y el orden
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de grupo enfrentados al deseo inherente del control de una persona sobre sí
mismo. La película se define a sí misma como una de aprendizaje, de transito
(de manera brutal) al crecimiento. Antonio Callirgos en este caso es una
revelación y acaso lo mejor de la cinta, su constante sorpresa y tristeza infantil
son la expresión misma del dolor por la pérdida no sólo de los seres queridos y
la libertad sino de algo más allá en el horizonte vital.
Aquí vemos la interrupción de su autentica línea de crecimiento (como la del
país). Lamento por la barbarie cometida que lloran a partes iguales víctimas y
victimarios (la secuencia culminante en la plaza). Con todo, lo discreto de la
cinta (tanto en el acabado formal como en su intención de melodrama total)
tendría que prestarle más atención a esta vertiente e intereses establecidos por
Aguilar que no es otr a que el acercamiento
de circunstancias excepcionales a partir del
oficio de narrar una pequeña historia. Una
de tantas que hemos escuchado
lejanamente o visto y que configuran
apenas la dimensión completa de la
barbarie. Barbarie que hasta ahora sigue causando llanto en los recuerdos o
las vivencias de los que recién llegan, como el pequeño Juan. Heridas o
cicatrices que forman parte perenne del Perú como las más antiguas
tradiciones y símbolos patrios. Hechos para no olvidar.
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Madeinusa
Madeinusa es una brillante película peruana sobre una niña de 14 años del
mismo nombre (Magali Solier) que se presenta a la elección para ser la
encarnación de la Virgen durante las fiestas
de su aldea durante la Semana Santa.
Manayaycuna, su pueblo, se convierte en un
microcosmos lleno de represión y
supercherías, salvando las distancias una
especie de Macondo donde parece que el tiempo no ha pasado, una sociedad
tercermundista anclada en su propio atraso económico y cultural. La religión
tiene un peso fundamental y en el pueblo todos se preparan para celebrar la
Semana Santa. En este perdido pueblo de la Cordillera del Perú tienen una
forma especial de celebrar la muerte de Jesús; para ellos es el Tiempo Santo, y
al estar muerto el hijo de Dios está permitido todo, incluso pecar. Pero sin que
nadie lo espere, un joven limeño llega al pueblo y tendrán que encerrar al
forastero para que no interfiera en las fiestas.
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Esta es la idea de la que parte esta brillante película que con una sólida puesta
en escena nos regala unas impactantes imágenes que al acabar la película
quedan en nuestra memoria. Tras las cámara está Claudia Llosa en su
magnífico debut cinematográfico, una directora peruana afincada en Barcelona
y que firma también el guión, premiado en el Festival de Nuevo Cine
Latinoamericano de la Habana, lo que le permitió poder iniciar el rodaje de esta
brillante ópera prima premiada en festivales tan importantes como el de
Sundance o el de Rótterdam.
El título Madeinusa es el reflejo de la
fascinación que siente Sudamérica por
Estados Unidos. El nombre es similar al de
Usanavy usado en muchos de estos países
como referencia al país al que les gustaría parecerse. El atraso en el que viven
este pueblo andino –y por ende otros muchos de sus característicos- es el que
también les ha permitido mantener una propia tradición de una riqueza
antropológica y cultural enorme. Aunque Manayaycuna y sus fiestas del
Tiempo Santo sean fantasías de Claudia Llosa no deja de ser una posibilidad
que podría darse perfectamente en otra aldea perdida de Sudamérica, con esa
mezcla tan original que existe en muchas culturas de cristianismo y tradiciones
ancestrales. Por otra parte, gracias a este mismo aislamiento se mantienen
elementos patrimonio no solo de estos pueblos indígenas, sino de toda la
Humanidad. Este caso sería el de la lengua quechua que hablan diversos
personajes del film. Su uso en la película proporciona escenas carcajadas de
emotividad como cuando Madeinusa le canta una canción en quechua a
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Salvador (Carlos de la Torre), el limeño. También sorprende la exuberancia de
la reconstrucción de las fiestas en las que se procesiona a Madeinusa ataviada
como una virgen. La llegada del limeño al pueblo tiene un efecto devastador
entre sus habitantes, ya que abrirá una nueva puerta a otra realidad que
desconocen en un lugar que no existe ni televisión ni Internet, provocando esa
idea de contraste entre una sociedad tradicional y otra que va perdiendo la
identidad frente a un mundo cada vez más globalizado. Pero Claudia Llosa no
es maniquea al tratar este tema, porque al retratar a estos aldeanos lo hace
con una mezcla ambigua de naif y de crueldad.
La principal virtud de la película descansa en un guión originalísimo lleno de
ideas visuales muy impactantes fotografiadas con gran clase por Raúl Pérez
Ureta, responsable también de la luz en películas como Suite Habana o La vida
es silbar, ambas de Fernando Pérez. El casting de actores andinos ha sido
también muy acertado, combinando durante el metraje el español con el
quechua lo que proporciona gran realismo a la película. En este aspecto es en
el que desentona Carlos de la Torre en el papel de Salvador, ya que sale
perdiendo frente a la naturalidad del resto del reparto.
Magaly Solier, la protagonista, debuta ante las
cámaras en esta película demostrando unas dotes
innatas y una gran fotogenia. También Liliana Chong
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en el rol de Chale, la hermana que intenta hacerle la vida imposible a
Madeinusa, y Juan Ubaldo Huamán en el papel de Don Cayo, el padre de
ambas y alcalde del pueblo, merecen una mención por el gran papel que
realizan, contribuyendo a esa personal mezcla entre documental antropológico
y película de fantasía que tiene como tono la película que nos ocupa.
En fin, una muestra más de la renovación y el poderío actual del nuevo cine
latinoamericano, capaz de innovar desde dentro de su propia tradición. Una
película pequeña pero propulsada por la buena acogida de la crítica y por la
repercusión causada en festivales internacionales de prestigio.
A la directora, Claudia Llosa, le encanta usar travellings en sus películas, le
gusta usar estos elementos para mostrarle al público o audiencia lo que está
ocurriendo, para profundizar en las escenas sobretodo cuando es una escena
triste o de suspenso, también de violencia y discriminación.
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