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Universidad Iberoamericana Torreón

65 MUESTRA INTERNACIONAL DE CINE

En territorio amigable (B15) (Warwick Thornton, Australia, 1929) Viernes 22 de marzo Pájaros de verano (B15) (Cristina Gallego y Ciro Guerra. Colombia-Dinamarca-México, 2018) Sábado 23 de marzo Un asunto de familia (B) (Manbiki kazoku, Japón, 2018) Domingo 24 de marzo El infiltrado del KKKlan (B15) (BlacKkKlansman, Estados Unidos, 2018) Lunes 25 de marzo Tres rostros (B) (Se rokh, Irán, 2018) Martes 26 de marzo Hannah (B) (Andrea Pallaoro, Italia-Francia-Bélgica, 2017) Miércoles 27 de marzo Guerra fría (B15) (Cold War, Polonia-Francia, 2018) Jueves 28 de marzo



En territorio amigable

Australia, 2017, 113 min.

Dirección: Warwick Thornton

Guión: David Tranter y Steven McGregor

Fotografía: Warwick Thornton y Dylan River

Edición: Nick Meyers

Con: Bryan Brown (sargento Fletcher), Hamilton Morris (Sam

Kelly), Thomas M. Wright (Mick Kennedy), Ewen Leslie (Harry

March), Matt Day (juez Taylor), Sam Neill (Fred Smith),

Natassia Gorey-Furber (Lizzie)

CP: Bunya Productions, Sweet Country Films

Prod: Greer Simpkin y David Jowsey

PC: Cineteca Nacional

Cuando Sam, un viejo aborigen, mata en defensa propia a un veterano de guerra blanco,

él y su esposa emprenden la huida a través del espléndido pero áspero desierto. Para

encontrarlos se forma una cuadrilla de ley blanca liderada por el sargento Fletcher, pero

cuando comienzan a conocerse los detalles del asesinato, la comunidad se cuestiona si

realmente se está haciendo justicia. Empleando los códigos del western, En territorio

amigable reflexiona sobre la herida que el racismo y la violencia han dejado sobre la

historia del país oceánico, desentrañando las formas en que los colonizadores

destruyeron las vidas, las tradiciones centenarias y la otrora tierra fértil de los aborígenes.

Premios y festivales

2017 Premio Especial del Jurado. Muestra Internacional del Arte Cinematográfico de

Venecia. Italia. | Premio Platform. Festival Internacional de Cine de Toronto. Canadá. |

Premio del Público a Mejor Película. Festival de Cine de Adelaida. Australia. | Premio a

Mejor Película. Premios de Cine de Asia Pacífico. Brisbane, Australia. | Selección Oficial.

Festival Internacional de Cine del Arte de la Cinematografía Camerimage. Bydgoszcz,

Polonia.



2018 Premio de la Crítica. Festival de Cine de la Ciudad de Luxemburgo. | Selección

Oficial de la Competencia Internacional. Festival de Cine de Gotemburgo. Suecia

Warwick Thornton

Alice Springs, Australia, 1970

Después de estudiar cinematografía en la Escuela Australiana de Cine, Televisión y

Radio, llamó la atención con sus primeros cortometrajes sobre comunidades aborígenes

de Australia, las cuales continúa abordando en sus largometrajes. Su primer largometraje,

Samson and Delilah (2009), ganó la Cámara de Oro en Cannes.

Crítica

En un cuarto a oscuras en el que se acaban de cerrar puertas y ventanas sucede una de

las escenas más cruentas de En territorio amigable, un acto de abusiva violencia

amparado bajo la supremacía racial (y patriarcal). La ausencia de luz niega al espectador

la posibilidad de ver, sustituyendo su mirada por un sinfín de certezas que se consolidan a

través del sonido. Warwick Thornton se sumerge en las zonas en penumbra de la

sociedad colonialista de la Australia de principios del siglo XX, adoptando las nuevas

formas del western clásico: una denuncia de la explotación, los prejuicios e injusticias

sociales donde tomarse la justicia por su mano es sentenciar a muerte a la naturaleza

humana.

La persecución de Sam y su esposa Lizzie, aborígenes del lugar, comienza mucho antes

de que inicien la huida forzada tras hacer uso de su instinto de supervivencia y terminar

con el sádico (blanco) que intenta matarles. Sobre tres hombres se erige este relato de

desconexión personal, cada uno encarnando valores distintos (la devoción cristiana, la

esclavitud del colonizado y la brutalidad imperialista), tres rasgos de una misma nación

que tienen su equivalente en la disposición geográfica del espacio. Separados los ranchos

que aparecen en el film, no se llega a explicitar la ubicación exacta, una desorientación

espacial que mantiene a los individuos desconectados y, sobre todo, a distancia.



Acompaña a esta desconexión un sentimiento de violencia extrema que atraviesa todo el

relato, y que se dilata en el tiempo al intercalarse en la narración episodios de salvajismo

y cuyo origen no se acierta a distinguir a priori (¿son flashbacks? ¿flashforwards?).

La cinta se cierra con una dureza desgarradora y explicitando lo que lleva

cuestionándose todo el tiempo: “¿Qué será de este país?” De fondo, la génesis de unas

estructuras sociales auspiciadas en dos fuertes instituciones (la ley y la Iglesia),

constructos que vienen de la mano del hombre (a golpe de una sierra y martillo cuyo

sonido se cuela dentro del plano con fuerza) y que tan sólo sirven, según En territorio

amigable, para lapidar a sus individuos.

Cristina Aparicio

Caimán Cuadernos de Cine, núm. 72

Madrid, junio de 2018



Pájaros de verano

Colombia-Dinamarca-México, 2018, 125 min.

Dirección: Cristina Gallego y Ciro Guerra.

Guión: María Camila Arias y Jacques Toulemonde Vidal, sobre

una idea original de Cristina Gallego

Fotografía: David Gallego

Música: Leonardo Heiblum.

Edición: Miguel Schverdfinger.

Con: Natalia Reyes (Zaida), Carmiña Martínez (Úrsula), José

Acosta (Rapayet), Jhon Narváez, Greider Meza, José Vicente

Cote, Juan Bautista Martínez

CP: Ciudad Lunar Producciones, Caracol Cine, Blond Indian Films, Pimenta Films,

Snowglobe, Films Boutique

Prod: Cristina Gallego y Katrin Pors.

Dist: Interior XIII.

Tomando como base los hechos sucedidos durante la “Bonanza Marimbera” a finales de

la década de los setenta y principios de los ochenta, el cuarto largometraje de Ciro Guerra

y el primero de Cristina Gallego, es un filme que se instala en la Guajira colombiana,

donde la milenaria comunidad wayúu se ve cautivada por la fructífera ganancia que nace

de la venta de marihuana a manos estadounidenses. El vehículo para contar esta épica

es la relación entre Zaida y Rapayet, cuya unión marital es lo que da inicio al primer

intercambio ilícito de droga en su pueblo, haciendo de éste una víctima más del ruin

capitalismo que terminará por manchar con sangre las tradiciones y costumbres de los

wayúu.




2018 Función inaugural de la Quincena de Realizadores y Premio Écrans Juniors. Festival

de Cannes. Francia. | Nominada al Premio Variety Piazza Grande. Festival Internacional

de Cine de Locarno. Suiza. | Selección oficial. Festival Internacional de Cine de Los

Cabos. México. | Nominada a mejor largometraje de ficción, mejor dirección y mejor guion.

Premio iberoamericano de cine Fénix. Asociación Cinema 23. México.

Cristina Gallego (Bogotá, Colombia, 1978) Ciro Guerra (Río de Oro, Colombia, 1981)

Ambos participaron en la realización de El abrazo de la serpiente (2015), ella como

productora y él como director. Juntos crearon la productora Ciudad Lunar con la que han

producido los primeros tres largometrajes de Ciro Guerra y su primera obra como

directores conjuntos: Pájaros de verano.

Crítica

Al principio quien importa es Zaida y su baile ancestral, que desde el inicio se asemeja a

la danza de un ave roja, volcánica, imponente: es por ella que todo sucede, es la semilla

que despierta la masacre que vendrá después. A la distancia está Rapayet, la observa y

la desafía. Cuando es momento de que entre al círculo donde Zaida zapatea, el

magnetismo se clarifica: estarán unidos para siempre.

Pájaros de verano es más que una historia épica narrada en tres actos, es una

pintoresca mezcla de géneros que va desde el cine de gánsteres hasta el etnográfico. La

cinta, que se centra en la comunidad wayúu en Colombia, está dirigida por la dupla

Cristina Gallego y Ciro Guerra (El abrazo de la serpiente, 2015).



Aquellos que llegaron desde Norteamérica como voluntarios, se quedaron en

Colombia por la marihuana. Este suceso y la unión entre Zaida y Rapayet tienen

significativos vasos comunicantes: como parte de la tradición wayúu, aquel que pretenda

casarse con la hija de una familia poderosa deberá obsequiar una ofrenda a cambio. De

ahí nace el primer contacto de Rapayet con la droga que aniquilará a la familia Pushaina:

en un intento por conseguir la ofrenda, acude con el clan Uliana para comprar marihuana

y revenderla a los gringos.

Así es como nace el conflicto en Pájaros de verano, un relato que circunda en la

década de los setenta y se basa en la llamada “Bonanza Marimbera”, un periodo donde la

droga hechizó a los habitantes de la Guajira colombiana y el negocio en torno a ella

destruyó los ritos ancestrales de la comunidad wayúu, donde no existía la codicia ni la

traición ni los asesinatos: la sed de capitalismo manchó con sangre las bellas tradiciones

del pueblo

Al ritmo del vallenato, Pájaros de verano nos transporta al desierto colombiano, nos

introduce en la comunidad, en sus bailes, en sus rituales en torno a la muerte, en sus

disputas familiares, en las tragedias irreparables y en el dolor de la pérdida de las raíces

que nos anclan a un pasado ancestral, que, aunque no se pueda ver, pesa como un

destino insoslayable.

Astrid García Oseguera

Cineteca Nacional

Ciudad de México, 23 de octubre de 2018



Un asunto de familia

Manbiki kazoku, Japón, 2018, 121 min.

Dirección, Guión y Edición: Hirokazu Kore-eda.

Fotografía: Ryûto Kondô.

Música: Haruomi Hosono.

Con: Lily Franky (Osamu), Sakura Andō (Nobuyo), Mayu

Matsuoka (Aki), Kilin Kiki (Hatsue), Jyo Kairi (Shota), Miyu

Sasaki (Juri Hojo).

CP: Aoi Promotion Inc., Fuji Television Network, GAGA Corporation.

Prod: Kaoru Matsuzaki, Akihiko Yose e Hijiri Taguchi.

Dist: Nueva Era Films.

Al regresar de un robo, Osamu y su hijo encuentran en la calle a una pequeña niña. La

esposa de Osamu acepta ocuparse de ella al darse cuenta de que sus padres la

maltratan. Pese a la pobreza en la que viven y los hurtos que cometen para sobrevivir, los

miembros de esta familia son felices hasta que un incidente revela sus más terribles

secretos. El más reciente filme de Hirokazu Kore-eda es una visión desgarradora sobre

aquellos que luchan por mantenerse a flote frente a la necesidad económica, un sector a

menudo invisible en la sociedad japonesa. Un asunto de familia retoma la tesis que Kore-

eda ha desarrollado a lo largo de su obra: el amor, y no la sangre, es lo que define los

lazos familiares.


2018 Palma de Oro y Premio del Jurado de la Sociedad Cinéfila Internacional (ICS).

Festival de Cannes. Francia. | Premio ARRI/OSRAM a la mejor película internacional.

Festival de Cine de Múnich. Alemania. | Proyección especial de la sección Premio

Donostia. Festival Internacional de Cine de Donostia-San Sebastián. España. |

Presentación especial. Festival Internacional de Cine de Toronto. Canadá. | Selección



Oficial de la sección Main Slate. Festival Internacional de Cine de Nueva York. Estados

Unidos.

Hirokazu Kore-eda

Tokio, Japón, 1962

Desde 1995, su obra fílmica se ha volcado a examinar las relaciones familiares con una

mirada que también retrata las aristas de la sociedad japonesa. Nuestra pequeña

hermana (2015) y Tras la tormenta (2016), dos de sus más recientes trabajos, formaron

parte de la 59 y 62 Muestra Internacional de Cine.

Crítica

Con la madurez, el cine de Hirokazu Kore-eda parece replegarse sobre un territorio en el

que sin duda el realizador japonés se siente cómodo, y de ahí que ahora regrese, con

este nuevo largometraje que le ha valido la Palma de Oro en el Festival de Cannes, al

ámbito en el que se movía la ya lejana Nadie sabe (Dare mo shiranai, 2004), uno de los

mayores logros de su filmografía. Kore-eda vuelve a radiografiar las entrañas de una

familia disfuncional que se mantiene unida no por vínculos de sangre, sino por los delitos,

ilegalidades y necesidades económicas que han ido reuniendo a sus integrantes en torno

a una convivencia precaria, situada en los márgenes de la exclusión social, pero viviendo

y comportándose, en todos los roles, como si verdaderamente formaran parte de una

familia biológica.

La mirada limpia, transparente y empática del cineasta (el más reconocible trazo de su

escritura fílmica y de su manera de contemplar el mundo) se manifiesta aquí con plena

armonía incluso cuando, a partir de un accidente imprevisto, comienzan a manifestarse –

ante el asombro y la intervención fría de las instituciones estatales y sociales– la

verdadera naturaleza de las relaciones que mantenían unidos a los protagonistas en su

armoniosa vida familiar.



De nuevo, se trata esencialmente de una mirada: la de un cineasta que contempla a sus

personajes con paciencia, dándoles tiempo para que desvelen lo que llevan dentro, más

para entenderlos que para juzgarlos. Y esa perspectiva es la que permite a Kore-eda

sugerir, sin pretensión ni ningún subrayado discursivo, que el concepto y los lazos

emocionales sobre los que puede llegar a sustentarse una familia son mucho más amplios

y heterogéneos que los propios del modelo patriarcal tradicional. En paralelo, se abre

paso una subterránea pero no menos hermosa historia de iniciación infantil y de acceso a

la madurez. Grandes conquistas de una película que parece pequeña, pero que lleva

dentro muchos quilates de buen cine.

Carlos F. Heredero

Caimán Cuadernos de Cine, núm. 72 (123)

Madrid, junio de 2018



El infiltrado del KKKlan

BlacKkKlansman, Estados Unidos, 2018, 135 min.

Dirección: Spike Lee.

Guión: Charlie Wachtel, David Rabinowitz, Kevin Willmott y

Spike Lee, basados en la novela Black Klansman de Ron

Stallworth.

Fotografía y B/N: Chayse Irvin.

Música: Terence Blanchard.

Edición: Barry Alexander Brown.

Con: John David Washington (Ron Stallworth), Adam Driver (Flip Zimmerman), Topher

Grace (David Duke), Corey Hawkins (Kwame Ture), Laura Harrier (Patrice Dumas), Ryan

Eggold (Walter Breachway).

CP: 40 Acres and a Mule Filmworks, QC Entertainment, Blumhouse Productions,

Monkeypaw Productions.

Prod: Sean McKittrick, Jason Blum, Raymond Mansfield, Jordan Peele, Spike Lee y

Shaun Redick.

Dist: Universal Pictures.

En los Estados Unidos de los años 70, Ron Stallworth se convierte en el primer detective

afroamericano del departamento de policía de una ciudad en Colorado. Cuando una

misión lo lleva a infiltrarse en el Ku Klux Klan, será ayudado por Flip, uno de sus colegas,

quien se hace pasar por él en las reuniones de la organización. Con el hilarante y

fustigador estilo que ha caracterizado su obra, el más reciente largometraje del veterano

cineasta Spike Lee ofrece un inquebrantable examen a la realidad de las relaciones

raciales en su país. Basada en una historia real, la película resulta una fábula que hila

drama policiaco, comedia, sarcasmo y un manifiesto político contra el racismo en la

actualidad.




2018 Gran Premio del Jurado y Mención Especial del Jurado Ecuménico. Festival de

Cannes. Francia. | Premio del Público.

Festival Internacional de Cine de Locarno. Suiza. | Selección Oficial de la sección Perlas.

Festival Internacional de Cine de Donostia-San Sebastián. España | Selección Oficial de

la sección Horizons. Festival Internacional de Cine de Karlovy Vary. República Checa.

Spike Lee

Atlanta, Estados Unidos, 1957

Con treinta años de carrera, ha forjado una amplia trayectoria que incluye ficciones,

documentales, videoclips y anuncios publicitarios. Su obra, que va desde la hilaridad

hasta la denuncia, pone el acento en los conflictos y la discriminación racial que sufre la

comunidad afroamericana en Estados Unidos.

Crítica

La astucia estilística de La hora 25 (2002) y el controvertido potencial de Bamboozled

(2000), se entrelazan en la más reciente película de Spike Lee, una increíble historia

(basada en hechos reales) en torno a un policía afroamericano que se infiltra en el Ku

Klux Klan a principios de los años 70. El filme se desliza desde el humor al borde del

absurdo hasta el horror realista, combinando la sátira sociopolítica de época con una

llamada de atención sobre el racismo actual.

Con tomas largas, capturadas en 35mm por el cinefotógrafo Chayse Irvin, la película

evoca con elegancia el cine de la época (Lee ha citado Contacto en Francia [1971] y

Tarde de perros [1975] entre sus referentes). La escasa puntuación musical de Terence

Blanchard combina el funk de la guitarra y la batería con las cuerdas clásicas de

suspenso. Sin embargo, no hay nada nostálgico en esta evocación, ya que yuxtapone el

odio racial histórico con imágenes de los sucesos de Charlottesville en 2017 y la

respuesta de Trump a los ataques neonazis. Como en el uso de las imágenes de Rodney



King en Malcolm X (1992), Lee combina las luchas del pasado y el presente en un

poderoso manifiesto cinematográfico.

Junto a sus típicos movimientos de cámara (el uso del dolly), los fanáticos de las cintas de

Spike Lee encontrarán hilos que los llevarán directamente al cortometraje The Answer

(1980), una respuesta mordaz a El nacimiento de una nación (1915), el cual casi echó al

director de la escuela de cine. En El infiltrado del KKKlan, Lee regresa a la epopeya de

David W. Griffith, usándola como telón de fondo para una soberbia lección sobre el poder

de las películas para moldear actitudes, desde las heroicas banderas confederadas de Lo

que el viento se llevó (1939) hasta los estereotipos raciales de los seriales de Tarzán. Lee

cree en el poder del cine para cambiar actitudes, lo que le otorga un toque apasionado y

proselitista a su último filme. Es genial ver a un cineasta admirablemente ingobernable en

el apogeo de sus poderes provocativos.

Fragmentos de un texto de Mark Kermode

The Guardian (theguardian.com)

Londres, 26 de agosto de 2018

Traducción: Edgar Aldape Morales



Tres rostros

Se rokh, Irán, 2018, 100 min.

Dirección y Producción: Jafar Panahi.

Guión: Jafar Panahi y Nader Saeivar.

Fotografía: Amin Jafari.

Edición: Mastaneh Mohajer y Jafar Panahi.

Con: Behnaz Jafari, Jafar Panahi, Marziyeh Rezaei, Maedeh

Erteghaei, Narges Delaram.

CP: Jafar Panahi Film Productions.

Dist: Alfhaville Cinema.

La actriz Behnaz Jafari recibe un mensaje de auxilio desde un pequeño pueblo iraní:

Marziyeh, adolescente oprimida por su conservadora familia, no puede cumplir su anhelo

de estudiar actuación, ante lo que ha decidido quitarse la vida. Acompañada por el

director Jafar Panahi, Behnaz decide tomar la carretera para descubrir lo que hay detrás

de aquel llamado. La más reciente obra de Panahi, quien aún es víctima de un decreto del

gobierno de su país que le prohíbe hacer películas y salir al extranjero, representa una

cálida inmersión en la periferia de Irán, al tiempo que lleva a cabo una reflexión sobre la

opresión social, el quehacer artístico y la generosidad de los sencillos habitantes de ese

país.


2018 Premio al Mejor Guion (ex aequo). Festival de Cannes. Francia. │Selección Oficial

del Premio a la Mejor Película Política. Festival de Cine de Hamburgo. Alemania. │Premio

del Jurado. World Cinema Amsterdam. Países Bajos. │Selección Oficial. Festival

Internacional de Cine de Toronto. Canadá. │Premio a la Mejor Película. Festival

Internacional de Cine de Antalya. Turquía.



Jafar Panahi

Mianeh, Irán, 1960

Considerado uno de los autores más influyentes del cine iraní, ha ganado premios

internacionales como el León de Oro en el festival de Venecia y el Oso de Plata en la

Berlinale. A partir de 2010, cuando fue condenado por el gobierno iraní a no filmar y no

salir de su país, dedicó a realizar películas que juegan con el concepto de lo

cinematográfico.

Crítica:

El gobierno de Irán prohibió a Jafar Panahi filmar, pero ese decreto sólo provocó que el

cineasta dirigiera películas de una manera diferente. Comenzando con el metadocumental

Esto no es una película, de 2011, las frustraciones creativas de Panahi tomaron el papel

central de su obra. En Pardeh (2013) [sin exhibición en México] el relato alegórico de unos

ladrones huyendo conduce a un lamento sobre el quehacer artístico, y en la aclamada

Taxi Teherán (2015) la cámara se sitúa exclusivamente en los confines de aquel auto,

conducido por el director iraní a través de las calles de la capital.

La cuarta entrega de este periodo de innovación, Tres rostros, muestra a Panahi

actuando en otra historia aparentemente salida de sus experiencias reales –aunque aquí

su rol es más el de un personaje secundario al interior de una exploración sobre la

opresión social en su país. La película comienza con una llamada de auxilio: la

adolescente Marziyeh graba un video con su celular y lo envía a la famosa actriz Behnaz

Jafari, a quien dice haber estado intentando contactar sin éxito. Originaria de una

pequeña y religiosa comunidad cercana a la frontera [de Irán] con Turquía, la chica está

desesperada por buscar una carrera en el mundo de la actuación, pero sus padres no la

escuchan. Creyendo que sólo Jafari puede ayudarla, aparentemente ha decidido

ahorcarse dentro de una cueva.

Lo que en un principio se inclina hacia un pensativo viaje en auto, con Jafari y Panahi

intentando llegar al pueblo de Marziyeh para descubrir qué ha sucedido, pronto se



convierte en una inmersión al interior de la pequeña comunidad. Si las tres últimas

películas del cineasta iraní fueron solipsistas declaraciones de principios, en este caso, el

director decide extender sus fijaciones hacia una región como un todo. Así, Tres rostros

podría verse como un boceto de larga duración, un ejercicio lleno de instantáneas de

personajes diseñados para abrir las lentes a las imágenes de un país que se empeña en

cerrarlas.

Fragmentos de un texto de Eric Kohn

IndieWire (indiewire.com)

Cannes, 13 de mayo de 2018

Traducción: Gustavo E. Ramírez



Hannah

Italia-Francia-Bélgica, 2017, 93 min.

Dirección: Andrea Pallaoro.

Guión: Andrea Pallaoro y Orlando Tirado.

Fotografía: Chayse Irvin.

Música: Michelino Bisceglia.

Edición: Paola Freddi.

Con: Charlotte Rampling (Hannah), André Wilms (esposo de

Hannah), Stéphanie Van Vyve (Elaine), Simon Bisschop

(Nicholas), Jean-Michel Balthazar (Chris), Luca Avallone (Albert), Julien Vargas (Michael),

Gaspard Savini (Charlie).

CP: Partner Media Investment, Left Field Ventures, Good Fortune Films.

Prod: Clément Duboin, John Engel y Andrea Stucovitz.

PC: Cineteca Nacional.

Hannah tiende a depender de todo el mundo mientras vive sus días bajo una rutina

monótona. Cuando su esposo ingresa a prisión, se verá obligada a luchar contra su propio

ser. La soberbia interpretación de la actriz Charlotte Rampling guía el segundo

largometraje del italiano Andrea Pallaoro, el cual se define como un retrato íntimo sobre la

pérdida de identidad de una mujer que oscila entre la negación y la realidad. A través de

una narrativa contemplativa que explora la personalidad fracturada y la pérdida de

autocontrol de Hannah, la película reflexiona sobre la alienación social y las líneas

divisorias que rigen las relaciones personales y el paso del tiempo.


2017 Copa Volpi a la mejor actriz (Charlotte Rampling). Muestra Internacional del Arte

Cinematográfico de Venecia. Italia. | Placa de Plata a la mejor fotografía. Festival

Internacional de Cine de Chicago. Estados Unidos.



2018 Selección Oficial de la sección Voices. Festival Internacional de Cine de Róterdam.

Países Bajos. | Selección Oficial de la sección Transicions. Festival de Cine de Autor de

Barcelona. España.

Andrea Pallaoro

Trento, Italia, 1982

Debutó como realizador en 2008 con el cortometraje Wunderkammer. Cinco años

después hizo Medeas, su primer largometraje. Con tintes humanistas, su corta filmografía

se ha definido por relatos contemplativos conducidos por intérpretes femeninas capaces

de condensar toda una gama de sentimientos.

Crítica

Los modos de narración del italiano Andrea Pallaoro en los primeros minutos, casi media

hora, de Hannah son implacables. Elipsis en las partes del relato supuestamente más

interesantes, eliminación casi total de los diálogos y una visualización minuciosa de los

tiempos aparentemente muertos: trayectos en metro o en coche, comidas en silencio,

chapuzones en una piscina pública, desganados deseos de buenas noches en una pareja

de ancianos, en la cama, con el sonido burocrático de la obligación, del que ya nada tiene

que decirse. Son modos implacables, y también rigurosos, exactos y excitantes, en una

película de digestión complicada, pero de frutos maduros, jugosos y trascendentes.

Hay alguien en la cárcel. Al principio no se sabe bien quién ni por qué. Hasta el minuto 25

llega la primera pista en el guion, sutil pero definitiva en la narración, porque a partir de

ese instante se abre un panorama nuevo y terrible, descorazonador e implacable, por ser

irresoluble. Con planos hermosos (aunque nada grandilocuentes) y con la espectacular

guía del rostro felizmente marchito de Charlotte Rampling, naturalísimo, tan bello como

siempre, la película de Pallaoro es una muestra más del género en el que se ha

convertido la actriz británica durante la última fase de su carrera: un retrato de la

dramática fuerza de una mujer en lucha con una sociedad que la ningunea, la desprecia o

la rechaza.



Como lo hace la película hasta ya bien entrado el metraje, no se puede ofrecer indicios de

hacia dónde se dirige el relato de Pallaoro y su coguionista Orlando Tirado, pero podemos

decir que tiene mucho que ver con temas candentes, con el papel que juega la mujer en

una sociedad que acaba juzgando tanto o más que los profesionales de las leyes, y en

cómo se encaran desde el núcleo familiar las contaminantes desgracias y malevolencias

de cualquiera de sus miembros. Hannah es el retrato atroz de lo fuertes y largos que

pueden ser los tentáculos de un monstruo llamado sospecha.

Fragmentos de un texto de Javier Ocaña

El País (elpais.com)

Madrid, 20 de mayo de 2018



Guerra fría

Cold War, Polonia-Francia, 2018, 90 min.

Dirección: Paweł Pawlikowski.

Guión: Paweł Pawlikowski y Janusz Głowacki, con la

colaboración de Piotr Borkowski.

Fotografía: Łukasz Żal.

Música: Marcin Masecki [arreglos y dirección].

Edición: Jarosław Kamiński.

Con: Joanna Kulig (Zula), Tomasz Kot (Wiktor), Borys Szyc

(Kaczmarek), Agata Kulesza (Irena), Cédric Kahn (Michel), Jeanne Balibar (Juliette).

CP: Opus Film, Apocalypso Pictures, MK Productions, Protagonist Pictures, Polish Film

Institute, MK2 Films, Film4, BFI.

Prod: Tanya Seghatchian y Ewa Puszczyńska.

Dist: Caníbal.

La Guerra Fría sirve como telón de fondo del más reciente filme de Paweł Pawlikowski, el

cual retrata el romance entre una cantante y un músico, dos seres de diferente origen y

temperamento que son totalmente incompatibles, pero cuyo destino los condena a estar

juntos. Transitando entre Polonia, Yugoslavia, París y Berlín, la pareja se conduce a

través de los cambios políticos de la posguerra, los defectos de sus personalidades y los

giros desafortunados de la vida. Con una radiante fotografía en blanco y negro e inspirado

en las propias vivencias de sus padres, el director de la multipremiada Ida (2013)

configura una melancólica historia de amor imposible en medio de tiempos convulsos.


2018 Premio a la Mejor Dirección. Festival de Cannes. Francia. | Premio Leones de Oro a

la mejor película, Premio al Mejor Sonido y a la Mejor Edición. Festival de Cine de Polonia

[celebrado en Gdynia]. | Selección Oficial de la sección Perlas. Festival Internacional de

Cine de Donostia-San Sebastián.



España. | Presentación Especial. Festival Internacional de Cine de Toronto. Canadá.

Paweł Pawlikowski

Varsovia, Polonia, 1957

Inició su carrera realizando documentales para televisión. Después de vivir y trabajar

durante mucho tiempo en Reino Unido, regresó a Polonia, donde filmó Ida (2013), que le

supuso la consagración internacional al obtener el Goya a mejor película europea y el

Óscar a mejor película de habla no inglesa.

Crítica

Probablemente Paweł Pawlikowski no lo sepa, pero su segunda película realizada en

Polonia (después de Ida en 2013, también rodada en blanco y negro) es una sombra

virtual de Platform (2000) de Jia Zhangke: un filme sobre relaciones románticas que,

alrededor de tropas que interpretan canciones y bailes, se ven afectadas por el cambio

político. Ambientada en la década de 1980, la cinta de Zhangke muestra a sus músicos

abandonando el repertorio comunista a medida que China pasa del maoísmo de línea

dura al capitalismo controlado por el Estado. La historia episódica de Pawlikowski muestra

lo opuesto: va desde la imposición lenta pero segura de los métodos comunistas hasta la

imposibilidad de vivir en la Polonia inmersa en el comunismo de línea dura. Ambos

trabajos están arraigados en el amor y la música, y ambos terminan tristes; son

pesimistas al reflejar a un estado autoritario capaz de entorpecer las relaciones

personales.

Wiktor y Zula, los protagonistas de Guerra fría, sufren el síndrome de “no poder vivir

juntos / no poder vivir separados”, divididos por temperamentos opuestos, ambiciones

incompatibles y diferentes respuestas al régimen comunista en Polonia. El título sugiere

un impulso político, pero esta es una película en la que lo político es personal: lo que

separa a Wiktor y Zula no es el telón de acero, sino una intrincada guerra fría del corazón.

Pawlikowski vuelve a demostrar ser un director austero: para un realizador que insiste en



comenzar sus proyectos en caos, él tiene una idea muy clara de lo mucho o poco que se

necesita para llevar los hilos emotivos de las escenas individuales, y de cuán fragmentada

debe ser la narración para crear un relato emocionalmente creíble. La música a cargo de

Marcin Masecki y la hermosa fotografía de Łukasz Żal (elegantes tomas circulares,

interiores filmados en claroscuro) se prestan al servicio de un filme que capta episodios

clave a lo largo de quince años, confiando en que el espectador lea las señales y pistas

que llenan los huecos.

Fragmentos de un texto de Tony Rayns

Sight & Sound (bfi.org.uk)

Londres, 6 de septiembre de 2018

Traducción: Edgar Aldape Morales

65 muestra internacional de cineitzel.lag.uia.mx/publico/pdf/sinopsis-mic-prim2019.pdfestructuras...

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