amqueretaro.com Miércoles 31 de julio de 2013 / Querétaro, Querétaro Coordinadora Alejandra Uhthoff tel 291-9900 Sección C

CINE

Michelangelo AntonioniLa historia y cinematografía del director italiano muestra su obra como la precursora del neorrealismo, ya que sus filmes retratan al proletariado de la posguerra.

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CONÉCTATE

ASÍ DE SENCILLO:

¿Nos definimos por la música que escuchamos o escogemos la música por quienes somos?

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ARTE›› La creatividad y sus paradigmas actuales han incluido a la ciencia

de la técnica como parte de su discurso

Revisa las Recomendación de libro, música y película para que incluyas la tuya!

ARTE MASIVO

Creatividaddel siglo XX

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LA CREACIÓN NO HA MUERTO

Exponentes contemporáneos

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Alan Estefan Torres a.estefan@siithinktank.org

El arte se ha caracterizado por ser un reflejo de la sociedad que la produce. Es ingenuo pensar que algo tan libre co-mo la creación tiene que estar atado a paradigmas que deja-ron de ser reales hace mucho tiempo.

Los ideales que existen en la actualidad no están relaciona-dos a los que se tuvieron hace

200 años. La inclusión de la tecnología en el arte responde una necesidad de los creado-res actuales para expandir la forma en que entregan sus mensajes; y aunque Marshall McLuhan se revuelque en su tumba, muchas veces el medio no tiene porque alterar el pro-ducto final.

En esta entrega de El Faro, se trata de hacer una reflexión acerca de las nuevas formas de expresión artística que van desde la música a la cinemato-grafía. Hay que recordar que en un mundo cambiante, el indivi-duo que permanece estancado está destinado al olvido.

›› Sin tradición, el arte es una manada de ovejas sin un pastor. Sin innovación, es un cadáver ‹‹

Winston Churchill , ex primer ministro inglés

DE

Y TECNOLOGÍAIDEALES

Alan Estefan Torres a.estefan@siithinktank.org

Ya mencionaba Zygmunt Bau-man en su libro los tiempos líquidos que vivimos en una sociedad que se encuentra en constante cambio, en la que ya no existen los absolutos; en la

que todo puede cambiar de un momento a otro.

En un mundo en donde el gobierno, la cultura, la econo-mía y Dios son cambiantes; el arte no tiene por qué quedarse atrás. Desde la ruptura de las vanguardias artísticas del si-glo XX, artistas como Marcel Duchamp trataron de romper las estructuras que definían al arte. Ya se vislumbraba que después de haber bautizado esa bacinica como “La Fuente”

(1917), el paradigma artístico y su devenir iban a cambiar por completo.

Desde principios de la década de los 60’ se instauraron gru-pos como EAT (Experimentos en arte y tecnología por sus siglas en inglés) que trataban de mezclar y adoptar la tecno-logía como parte de la creación artística. A la fecha existe to-davía un gran debate entre las nuevas formas de creación. En gran parte existen dificultades

con su comercialización y ex-hibición, ya que en la mayoría de los casos son piezas efíme-ras que requieren de un medio para poder reproducirse. No obstante, el valor de la creación artística no cambia y la aproxi-mación a él muchas veces es si-milar al de las bellas artes.

Para el crítico de arte Clement Greenberg, el arte puro es aquel que no podía existir más allá de su medio. Es por esto que a manera de ejercicio se decidió

mencionar a tres grandes artis-tas contemporáneos que han uti-lizado la tecnología como parte de su obra; que ayudan a gene-rar un diálogo para la reflexión acerca de las nuevas formas de creación y el acercamiento que se tiene con ellas.

amqueretaro.com / Miércoles 31 de julio de 2013 / AMC.2 ❱ EL FARO

VANGUARDIA

Escucha una canción del álbum Endless Summer justo ahoraescanea este códigoamqueretaro.com

Disfruta a de The Reflecting Pool ahoraescanea este códigoamqueretaro.com

Ve el video de 25 wood worms, wood, microphone, sound system en este momentoescanea este códigoamqueretaro.com

El arte no ha muerto ›› Muchos creen que el valor de lo artístico se ve reducido con latecnología, pero grandes artistas demuestran lo contrario

››Desde el siglo XX han existido creadores como Marcel Duchampque trataron de romper el paradigma que definía el arte

BILL VIOLA

CHRISTIAN FENNESZ

ZIMOUN

Nació en Nueva York en 1951. Es uno de los artistas más representativos del video arte a nivel mundial. Sus trabajos se caracterizan por construcciones temporales complejas y el extenso uso del simbolismo a través de la narrativa. Es considerado como uno de los creadores más famosos de nuestro tiempo y su trabajo ha sido expuesto a todo lo largo del mundo. La tecnología es de vital importancia en sus obras, ya que en su mayoría utiliza proyecciones, televisores, bocinas o video cámaras para la transmisión de sus mensajes.

Christian Fennesz es un músico nacido en Viena, Austria el 25 de Diciembre de 1962. Su obra se caracteriza por generar mezclas de sonido con múltiples capas que utilizan de glitches irregulares, ruido blanco e instrumentos convencionales como la guitarra eléctrica. La utilización de la tecnología es vital para la composición de Fennesz, ya que toda su obra está basada en la utilización de software como Max MSP para generar sus piezas. Es reconocido a nivel mundial como compositor de música electrónica y ha colaborado con artistas como Ryuchi Sakamoto en el álbum Cendre (2007).

Berna, Suiza 1977. Su arte se caracteriza por la realización de instalaciones, instalaciones sonoras e intervenciones arquitectónicas. En ellas utiliza materiales como el cartón, el metal, el plástico y el hilo los cuales son controlados (en gran parte de las ocasiones) por motores dc, aire, ventiladores que logran mover o hacer sonar a esos objetos. Su obra ha trascendido a pesar de nunca haber contado con educación artística formal. El trabajo de Zimoun además de utilizar la tecnología, genera una reflexión acerca de cómo ésta afecta nuestra vida diaria.

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1 The Reflecting Pool (1977 – 1979). 2 The Messenger (1996). 3 Emergence (2002)

4 25 wood worms, wood, microphone, sound system (2009). 5 361 prepared dc-motors, filler wire 1.0mm (2010).

6 30’000 plastic bags, 16 ventilators (2010).

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7 Endless Summer (2001). 8 Venice (2004). 9 Szampler (2010)

Javier González

La técnica constituye un complejo mosaico cuyo carác-ter eminentemente práctico ha repercutido de manera decisiva en el mundo contemporáneo. El arte no ha sido la excepción y en el transcurso del siglo XX hemos visto cómo la tecnología ha transformado la manera de hacer arte y los medios para acceder a éste. Disciplinas artísti-cas como el cine o la fotografía no hubieran sido posibles sin el pujante desarrollo tecnológico que se gestaba ya desde el siglo XIX en Europa. Asimismo podemos pen-sar en los medios de comunicación modernos, como la radio o la televisión, como plataforma para difundir el arte en sus múltiples manifestaciones.

Sin embargo, la tecnología trajo consigo otros cambios que pusieron en cuestión la legitimidad del arte mismo. Según el filósofo alemán Walter Benjamin (1892-1940), no fue sino con la aparición de la ciencia técnica y de su capa-cidad reproductible que la obra de arte se convierte en un objeto susceptible de ser explotado indefinidamente. De tal suerte que la difusión y la reproducción masiva del arte ter-mina por socavar su misma autenticidad. Paralelamente

a la pérdida de unicidad, debido al progreso de la téc-nica reproductiva, para Ben-jamin también desaparece el momento de afirmación individual del propio artis-ta. Si antes la realización de una determinada pieza recaía completamente en las manos del artista, el ar-te contemporáneo se ve en la necesidad de recurrir a muchos intermediarios para concretarse.

Para ejemplificar lo ante-rior podríamos mencionar el caso del artista plástico y cineasta estadounidense Andy Warhol (1928-1987). A través de la producción en masa de sus pinturas y de sus serigrafías, Warhol pone en entredicho la con-cepción clásica de la obra de arte como una pieza única e irrepetible. Warhol tenía que valerse de un séquito que lo ayudara a mantener la producción industrial de

su obra, delegando tareas y supervisando proyectos: el artista pierde un contacto directo con su obra, mientras que se enfoca en su explotación indefinida. Todo esto ha sido gracias a las posibilidades reproductibles de obra de arte a través de la tecnología.

Pero en lugar de contraponer a Benjamin y a Warhol podemos verlos como críticos de la cultura de consumo. De cierto modo podríamos pensar que Warhol retoma los postulados de Benjamin para ironizar respecto a la necesidad de descubrir y poseer cada misterio que guar-da la obra de arte. Tal como menciona el filósofo alemán en su corto, pero muy significativo trabajo titulado “La obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica” (Taurus, 1989): “Acercar espacial y humanamente las cosas es una aspiración de las masas actuales tan apa-sionada como su tendencia a superar la singularidad de cada dato acogiendo su reproducción. Cada día cobra una vigencia más irrecusable la necesidad de adueñarse de los objetos en la más próxima de las cercanías, en la imagen, más bien en la copia, en la reproducción”.

Empoderamiento de la audiencia›› La tecnología cinematográfica ha labrado un camino a través del cual la retransmisión ha transformado al espectador en generador de contenido

Rafael Denis

El lenguaje cinematográfico y el progreso del mismo ha estado permanentemente ligado a las innovaciones tecnológicas desa-rrolladas para crearlo y reprodu-cirlo, desde el cinematógrafo de los hermanos Lumier y el Kine-toscopio de Edison a finales del siglo XIX, las tecnologías cine-matográficas nunca han dejado de evolucionar: la variedad de formatos en celuloide (70mm, 35mm, 16mm, 8mm), la inclu-sión del sonido a finales de la década de los 20’s y el color más adelante,el desarrollo de lentes y ópticas especializadas como el cinemascope, el nacimiento del video en los 60 s, el sonido mul-ticanal (THX) en los 70’ s, los videojuegos en los 80’ s hasta las recientes tecnologías de video de alta definición con sus cámaras ultra compactas.

La pantalla cinematográfica o televisiva (aun la platónica en aquella mítica caverna) eran en principio instrumentos de so-porte, de retransmisión, donde el espectador tenía qué ver/reci-bir y a partir de las sombras pro-yectadas analizar y construir, tanto las imágenes presentadas y cómo éstas afectaban el mundo exterior y a él mismo. La distancia entre la producción y los consumi-dores era suficiente para asegurar audiencias gigantescas y creado-res de mensajes contados.

La evolución que ha sufrido la pantalla como entidad deja ver poco a poco cómo las audiencias, al igual que el medio cinemato-gráfico, se transforman con ella. La primera encarnación de la pantalla fue una tela blanca de varios metros de extensión so-bre la que se proyectaba a cien-tos de personas, esa pantalla de sombras de los Lumiere aún existe pero su audiencia, pasiva, no. La pantalla se convirtió en los 50’s en electrónica: un tubo catódico de algunas pulgadas al que se trasmitía a cada familia en su hogar, en los 80’s nace el compañero inseparable de la TV y la primera encarnación de la ‘elección’, el control remoto; el zapping de canales mata al cine puro, opina Peter Greenaway. El control en los noventas tomó la forma del teclado, de ratón, y la pantalla, por primera vez, hacía lo que el usuario le indicaba, ca-paz de crear y editar imágenes, sonidos y texto por sí misma. La encarnación más reciente es la pantalla de cristal líquido, de bolsillo, táctil e interconectada manipulada totalmente por su usuario.

Hoy las pantallas son la ven-tana, el lienzo, el espacio a tra-vés del cual las audiencias con-sumen, participan y crean los medios de comunicación. La pantalla, al igual que la audien-cia, pasó de la pasividad a la ac-tividad; los avances tecnológicos

han cambiado el paradigma: en la actualidad el espectador tiene nuevas capacidades.

RECONFIGURACIÓN DE AU-DIENCIAS A PARTIR DE LA SO-CIEDAD DEL CONOCIMIENTOLas transformaciones que en los últimos diez años han sufrido las audiencias, con respecto a los diferentes medios de comunica-ción e información, han sido sig-nificativas. El rol de la audiencia ha pasado de ser pasivo/recep-tivo a activo/generativo, este contraste causa innumerables fenómenos en diferentes medios desde la música y el cine, hasta la educación y la ciencia.

Mientras los investigadores sociales intentan hacer esta re-formulación teórica de la que habla Pineda, en el ciberespacio hay ejemplos factuales de la par-ticipación de las audiencias y de

cómo han asumido y practican día a día este cambio en el papel que juegan en la sociedad del co-nocimiento.

LA AUDIENCIA COMO CURADORAA diferencia del pasado donde la audiencia pasivamente recibía lo que era transmitido en la radio o la tv, en este mundo hiperme-diatizado la audiencia elige, son los usuarios los que hacen la bús-queda, seleccionan y comparten los contenidos que se ajustan a su gusto particular. Este clasifica-ción la ejercemos todos en la so-ciedad del conocimiento, de una manera u otra nuestro comporta-miento en las redes de informa-ción es libre, podemos parar los videos, cerrar las ventanas, agre-gar a nuestros favoritos o guardar en nuestro disco duro lo que nece-sitemos. El usuario en la sociedad

del conocimiento esta constante-mente seleccionando.

LA AUDIENCIA COMO CRÍTICALa crítica a partir de la audien-cia no necesariamente depende del conocimiento de un tema o forma artística en particular, depende más del peso que a la opinión le dan los seguidores de dicho usuario. La credibilidad aquí se puede ganar de muchas formas; sin embargo, el juicio que se hace sobre cuestiones políticas, sociales, artísticas etc. ya no necesariamente queda en ámbito individual, basta con hacer un ‘tweet’ sobre la situa-ción económica, o actualizar un estatus sobre el último capítulo de una serie de televisión para pasar de una opinión personal a un juicio público sobre cual-quier tema. El usuario ya no sólo selecciona, justifica sus seleccio-nes y ayuda a seleccionar a otros.

LA AUDIENCIA COMO PRODUCTORAUno de los cambios más atemori-zantes para la industria es el cam-bio de la audiencia como mero consumidor final de un producto terminado, a financiador de un producto en desarrollo, pues aquí la elección y participación es mu-cho más profunda. El ‘crowdfoun-ding’ o financiamiento de masas consiste en un grupo de creativos que presentan un proyecto en una plataforma en internet y una au-diencia elige donar dinero para su producción a cambio general-mente de recompensas plantea-das por los mismos creativos, que puede ir desde un agradecimiento en los créditos hasta el producto en cuestión. Aquí hay una profun-da ruptura con el paradigma co-mún de la audiencia, pues ahora la audiencia se convierte en pro-ductora de cosas que le interesan intensificando la idea de comu-nidad y construyendo un sistema alternativo a las instituciones de todo tipo.

CREACIÓN

❱ ❱ Basta con hacer un

‘tweet’ sobre la situación

económica, o actualizar

un estatus sobre el último

capítulo de una serie de

televisión para pasar de

una opinión personal a un

juicio público sobre cual-

quier tema.La audiencia se convierte en productora de cosas que le interesan intensificando la idea de comunidad y construyendo un sistema alternativo a las instituciones./foto: Especial

EL ARTE intervenido por la técnica

AUTENTICIDAD

Obra de Felipe Ruiz en la cual busca transmitir el pensamiento de Walter Benjanim./foto: Especial

El cambio más radical es el de la audiencia como creadora, este siempre ha existido, a excepción de los pioneros que crearon el lenguaje, Edison y los Lumiere en el cine por ejemplo; todos los creadores inician siendo audiencia, Goddard y Herzog primero vieron cine antes de hacer cine. Pero la distancia entre

estar en la butaca y atrás de la cámara era complicada para las audiencias antes de la so-ciedad del conocimiento.

Hoy las audiencias, gracias a la convergencia tecnológica en diferentes grados, se asu-men como generadores de contenido, desde álbumes fo-tográficos personales para las redes sociales o blogs en video,

hasta directores de películas o músicos electrónicos. Es gra-cias a la tecnología que esto es posible. Crear audio, video y texto nunca fue tan sen-cillo, pues a veces estas tres capacidades se encuentran en un solo aparato (el celular por ejemplo) y no se limitan a habilidad de captura sino también generan y editan.

La audiencia como creadora

❱ ❱ Yo creo que el futuro

del cine recae en

liberarlo de la costosa,

gigantesca maquinaria

tecno-administrativa ❰ ❰

AndreiTarkovsky en “Kultura”

1979 nr 51-52, p. 17

❱ ❱ Hoy las pantallas son la ventana, el lienzo, el espacio a través del cual las audiencias consumen, participan y crean los medios de comunicación. La pantalla y la audiencia pasaron de la pasividad a la actividad.

❱ ❱ Ganar las fuerzas de la embriaguez para el servi-cio de la revolución; en torno a esto gira el surrea-lismo, tanto en sus libros como en sus empresas ❰ ❰

Walter Benjamin

FRASES HISTÓRICAS

❱ ❱ En el futuro todo el mundo será famoso du-rante quince minutos. todo el mundo debería tener derecho a quince minutos de gloria❰ ❰

Andy Warhol

AM / Miércoles 31 de julio de 2013 / amqueretaro.com EL FARO ❱ C.3

El País

Thom Yorke, cantante de la ban-da inglesa Radiohead, ha retirado su música de Spotify. Desde aho-ra, quien quiera encontrar en es-ta plataforma musical su disco en solitario The Eraser o las cancio-nes de su proyecto experimental Atoms of Peace junto a Michael Peter Balzary, Flea, bajista de la banda californiana Red Hot Chili Peppers, se llevará un chasco. La medida es una protesta contra las tasas impuestas a los artistas por reproducir su música.

Según la versión de varios mú-sicos el porcentaje que estos se llevarían cada vez que alguien es-cucha una de sus canciones varía entre los 0,003 euros y los 0,008 euros por tema, las ganancias que generan son irrisorias en compa-ración con el número de personas que escuchan sus canciones. La

compañía aseguró en 2010 que repartió más de 100 millones de euros en todo el mundo.

Yorke y el productor Nigel Go-drich han usado Twitter para ex-presar sus quejas y anunciar su de-cisión: “Los números no cuadran ni para Spotify. Pero no es eso: es cuestión de establecer un sistema que sea más valioso”. Según Yorke, hay que encontrar un modelo que permita dar oportunidades a ar-tistas emergentes y no explotarlos.

El productor ha añadido que “si hubiera existido Spotify en 1973, no se habría grabado Dark Side of the Moon”. Ambos han asegurado que este tipo de negocios son “ma-los para la música”. El vocalista de Radiohead respaldó las declaracio-nes de Dodrich en Twitter y aña-dió: “Estos son los de siempre de la industria tratando de hacerse con el sistema de distribución”. Kieran Hebden, más conocido en el pano-rama musical como Four tet se ha sumado, junto a otros artistas, a las quejas del cantante inglés y ha ase-gurado que no quiere ser parte de este negocio.

amqueretaro.com / Miércoles 31 de julio de 2013 / AMC.4 ❱ EL FARO

Daniel Zubillaga

Michelangelo Antonioni, pin-tor, escritor, productor y direc-tor de cine italiano, inició su ca-rrera cinematográfica durante la segunda guerra mundial. El primer acercamiento al mundo de las imágenes se dio a través de un documental llamado Gente del Po. El ejercicio, que retrata la vida de un pescador pobre italiano, se realiza en 1943 pero debido a la guerra se edita hasta 1947.

El cine de Antonioni, en su etapa temprana, se distingue del de sus contemporáneos y precursores del neorrealismo italiano Vitorio de Sica y Fede-rico Fellini, ya que estos en sus filmes retratan la realidad del proletariado de la posguerra italiana, mientras Michelange-lo se enfoca en contar historias de la clase media alta y alta de su nación.

Posteriormente, en 1955 con su película “Las Amigas” co-mienza a experimentar con elementos narrativos que cla-ramente lo separan de la cons-trucción neorrealista. Tomas largas y la utilización de eventos sin un aparente hilo conductor lógico, son algunas muestras de ello.

Su primer éxito internacional lo obtiene con “La Aventura”, al que le siguió “La Noche” y “El Eclipse”. A estos tres filmes se les conoce como “La Trilo-gía”, famosa, entre otras cosas, por la utilización magistral de personajes que claramen-te se sienten desconectados del mundo en el que habitan. El siguiente trabajo del di-rector, “El Desierto Rosa”, es

su primera película a color. Blow UpLa primera película de Anto-nioni en idioma ingles, Blow Up, conocida en América La-tina como “Deseo de una ma-ñana de verano”, está basada en el relato corto del escritor argentino Julio Cortazar titu-lado “Las babas del diablo”. El filme cuenta la historia de un fotógrafo que cree haber sido testigo de un asesinato y, por casualidad, tener la prueba de éste en una fotografía. Inde-pendientemente de la trama, es la narrativa estética que in-vita a la doble lectura, y en ge-neral la fotografía ya legenda-ria de esta obra la que le otorgó fama internacional, además de múltiples nominaciones en Cannes.

Última EtapaSus dos películas inmediatas fracasaron en taquilla y no fueron bien recibidas por la crítica. La primera, “Zabriskie Point”, filmada en USA, cuen-ta con la participación en la banda sonora de Pink Floyd, The Rolling Stones, y Grateful Dead; la segunda, “El Pasaje-ro”, protagonizada por Jack Nicholson y Maria Schneider, aunque mejor recibida por la crítica, es también un descala-bro comercial.

L e s ig uen “E l m i s t er io Oberwald”, basado en una obra del poeta frances Jean Cocteau e “Identificación de una mujer”.

Ántonioni sufre una parálisis que lo inhabilita y le deja sin ha-bla, sin embargo, logra filmar, en colaboración con el famoso director aleman Win Wenders, su próxima cinta nombrada “Más allá de las nubes”.

La última pieza llevada al cine del legendario artista es un cor-

tometraje basado en el erotis-mo. El corto está incluido, jun-to con otros dos -uno de Wong Kar-Wai y el otro de Steven Soderberg- en una compilación titulada “Eros”.

Michelangelo Antonioni falle-ció a los 94 años, un 30 de Julio del 2007.

El artista italiano de la lente›› Desde sus obras maestras hasta sus fracasos rotundos,el cineasta dejó un legado imborrable en el mundo

Escena de Blow Up, su película más conocida y aclamada del director italiano./foto: Especial

CINE

La narrativa visual mostrada en algunas películas de Antonioni le otorgaron la etiqueta de maestro./foto: Especial

❱ ❱ El cine de Antonioni, en su etapa temprana, se distingue del de sus con-temporáneos y precur-sores del neorrealismo italiano Vitorio de Sica y Federico Fellini, ya que estos en sus filmes retra-tan la realidad del prole-tariado de la posguerra italiana, mientras Mi-chelangelo se enfoca en contar historias de la clase media alta y alta de su nación.

EN NÚMEROSALQUIMISTA

6Años hace que Michelangelo Antonioni murió con casi un siglo de vida.

Thom Yorke retira susu música de Spotify Redacción

Spotify es un software de repro-ducción de música en linea que cuenta con tres formas suscrip-ción. La gratuita, en donde pue-des escuchar música desde tu computadora, esta versión con-tiene publicidad; la limitada, también para tu computadora y con un costo de 4.99 dólares mensuales, con lo que obtienes acceso al mismo catálogo de canciones pero sin publicidad; la modalidad premium, des-cargable en dispositivos móvi-les, en televisores con acceso a internet y en tu ordenador, el precio de esta versión es de 9.99 dólares al mes.

La plataforma en todas sus versiones te permite seguir a otros usuarios y escuchar sus listas de reproducción al mis-mo tiempo, además de poder compartir tus listas o canciones en facebook, twitter o blogs.

Spotify cuenta también con la versión radio, en donde, de acuerdo a tus gustos musica-les, el software te va ofreciendo canciones nuevas que puedes ir almacenando, creando así nue-vas rutas.

Otra de las ventajas es su ma-nejo intuitivo, es decir, logras familiarizarte rápidamente con el software. Este además de los consejos personalizados, te ofrece también una barra de opciones en donde los editores de la web te dan varias y valio-sas recomendaciones.

Con su llegada a México en abril del presente año , el soft-ware sueco arriba en América Latina con el objetivo de incre-mentar sus internautas que en el mundo suman ya cerca de los 20 millones.

Lo nuevo en software

Thom Yorke, vocalista de Radiohead

NEGOCIO

SOFTWARE

Recomendaciones

de AlanAlan Estefan Torres,

(1989, Guadalajara,

México) Creador

Audiovisual y

Multimedia.

LIBRORANT (2007)

CHUCKPALANHIUIK (1962, EUA)

DISCO MELANCHOLIA (2003)

WILLIAM BASISNSKI (1958, EUA)

PELÍCULA KISSINGON THE MOUTH (2005)

JOE SWANBERG (1981, EUA)

En lo personal, es el mejor libro escrito por Chuck Palanhiuk. Me atrapó desde el principio. La narrativa se va formando a través de una serie de entrevistas en las que a diversos personajes se les pregunta acerca de Rant, el protagonista, quien es presentado como un ser incomprendido y enfermo en esta obra, que es una especie de biografía post mortem. La novela mezcla un realismo brutal con ciencia ficción que logró despertar profundos deseos de libertad y caos en mí.

Esté álbum es el soundtrack perfecto para mis noches de reflexión o escritura mientras bebo mi café acompañado de un buen cigarro. Es un disco que me hace anhelar, recordar y ponerme en un modo de melancolía, valga la redundancia. Cuando conocí a Basinski quedé maravillado por su música, caracterizada por la utilización de pequeños sam-ples que loopea a veces durante más de 15 minutos. Melancholia es el disco para introducirse en su obra.

He visto casi todas las películas de este direc-tor independiente. Elegí esta porque a pesar de ser su primer filme, se me ha-ce el más honesto. Explora la relación entre una ex pareja que sigue teniendo sexo, cómo el hombre ter-mina enamorándose nue-vamente y lo difícil que es sobrellevar una separación. Es cruda y difícil, pero me ayuda a reflexionar acerca de las relaciones que he te-nido en mi vida y el por qué muchas veces lo único que me ha mantenido en ellas es la parte física o la rutina.