2.la escultura griega del periodo clásico

Tema 2: LA ESCULTURA GRIEGA DEL PERIODO CLÁSICO

GUIÓN:

1.- Características generales de la escultura griega.

2.- Desarrollo histórico: Etapas.

2.1 Los inicios: el periodo arcaico.

2.2 La transición al clasicismo y el estilo severo

2.3 El clasicismo

a) El siglo V a.c Mirón, Policleto y Fidias

b) El siglo IV a.c. Praxiteles, Scopas y Lisipo

2.4 El Helenismo (S. IV-III a.c.)

Historia del Arte.2º Curso de Bachillerato. Tema 2: La escultura griega del periodo clásico. © Juan Antonio García Rex

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1.- Características generales de la escultura griega.

Las características generales de la escultura griega (teniendo en cuenta que algunas de

ellas varían en función de los distintos periodos) son:

a) El culto al hombre (que se convierte en el eje de la obra escultórica). Se trata de una

escultura realizada a tamaño “humano” aunque representen a dioses o a personajes

importantes.

b) La preocupación por plasmar la belleza física y el equilibrio espiritual (lo que los

filósofos griegos llamaban “sofrosine”). La belleza se define como la armonía entre

las partes, y es por tanto una belleza idealizada (sobre todo en el periodo clásico).

c) La búsqueda de la expresividad del rostro que es un logro perseguido desde el

principio (periodo arcaico) y conseguido plenamente en el periodo clásico.

d) La representación del movimiento, también resultado de una larga evolución que

llega a su culminación durante el periodo helenístico (Los relieves del Altar de Pérgamo y

el grupo Laooconte y sus hijos son dos claros ejemplos)

e) Preocupación por el volumen y aparición del punto de vista múltiple (escultura de

bulto redondo o exenta)

f) Utilización del color en la decoración escultórica. Los relieves y esculturas de bulto

redondo, ya fueran en piedra, bronce o mármol, recibían vivas policromías de las

que sólo quedan restos muy escasos. Los trajes, labios, ojos, pelo e incluso la carne,

tenían un colorido especial para dar realismo a la figura

g) Utilización del bronce (fundición o vaciado) como material más frecuente. Sin

embargo la mayoría de las obras que conocemos son copias en mármol de los

originales en bronce. Solían incrustar vidrios coloreados en los ojos y pintar los

labios de rojo. Utilizaban en las grandes ocasiones la técnica criselefantina (oro y marfil

como materiales).

h) Los escultores no se limitaron a reproducir sus modelos de la manera más

naturalista y fiel posible sino que buscaban prototipos ideales de la belleza y para

conseguirlo realizaron cálculos numéricos y geométricos muy sutiles, para llegar a

las proporciones perfectas (Ej.: el Canon de Policleto) sobre todo en el periodo

clásico.


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2.- Desarrollo histórico: Etapas.

2.1 Los inicios: el periodo arcaico.

Durante los S. IX-VIII a. C., los griegos intentan elaborar un lenguaje propio a través de los

primeros exvotos de marfil, bronce o tierra cocida en bulto redondo, y realizan los primeros

relieves. De esta época apenas quedan restos.

En el S. VII a. C. Consiguen cierto expresionismo con los xoana (imágenes religiosas de

madera), que recuerdan a los troncos de árbol con un ligero estrechamiento en la cintura.

Tenían un aspecto muy hierático (rígido) como consecuencia de la influencia de Oriente.

Los conocemos por testimonios literarios y a través de esculturas posteriores en piedra (Dama

de Auxerre, Hera de Samos).

De esta etapa inicial de la escultura griega, que fue una fase de aprendizaje, el conjunto de

obras más importante son las estatuas de atletas o Kuroi (singular Kuros) y las representaciones

femeninas vestidas o Korai (singular Koré)

Los Kuroi fueron considerados durante mucho tiempo como representaciones del

dios Apolo pero en realidad deben su existencia a la costumbre que existía entre los griegos

de levantar estatuas en honor de los vencedores en las competiciones deportivas. Son por

tanto estatuas de atletas griegos y tienen las siguientes características:

• No son verdaderos retratos sino que sus facciones se repiten (ojos prominentes, orejas

poco naturales, el pelo es una masa compacta, surcada por líneas geométricas y cae

sobre la espalda con un flequillo de bucles en la frente, la boca se representa o con

una línea recta o doblándose hacia arriba en una especie de sonrisa (sonrisa arcaica),

• Obedecen a la ley de la frontalidad, tienen los brazos rígidos unidos al cuerpo, los

hombros elevados y horizontales y están en actitud de marcha, con la pierna izquierda

adelantada.

• El cuerpo aparece desnudo.

Entre los Kuroi más conocidos podemos citar:

1. El grupo Cleobis y Bitón fechado hacia el año 600 a.c. que se encuentra en el

Museo de Delfos y que se caracteriza por la solidez de las figuras,

2. el Kuros de Anavyssos que representa a un joven atleta llamado Kroisos y supone

un claro avance hacia el naturalismo.


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3. El Apolo del Piombino que dobla sus brazos rompiendo la frontalidad

4. El Efebo de Critios.

5. En ocasiones los kuroi portan sobre los hombros un carnero para el sacrificio

(Moscoforo).

Las Korai son representaciones femeninas (probablemente de sacerdotisas) que

aparecen vestidas envueltas o en una larga túnica sobre la que se colocan un ancho manto o

cubiertas con un chal. El vestido aparece formando pliegues muy geométricos

Se las representa sonrientes, con sonrisa estereotipada (llamada también sonrisa arcaica) y con el

cabello recogido en la nuca. Son de tamaño variado. Su evolución hacia el naturalismo se

manifiesta sobre todo en la cada vez más perfecta organización de los pliegues de las

vestiduras y de los cabellos, en el abultamiento del pecho y en el estrechamiento de las

caderas. Estaban policromadas

Entre las korai más conocidas y mejor conservadas podemos citar:

1. La Dama de Auxerre,

2. la Hera de Samos ,

3. la Kore del Peplo

4. la Kore 675

Todas ellas con abundantes restos de policromía

2.2 La transición al clasicismo y el estilo severo

En la última fase del periodo arcaico se avanza hacia un mayor naturalismo y se

presenta a la figura humana en movimiento para adaptar las composiciones a la forma

triangular de los frontones. El más interesante es el Frontón del templo de Afaia en Egina. Se trata

de un conjunto de fines del periodo arcaico: está fechado el año 490 a.c. Se encuentra en

Munich. Representa las luchas, presididas por Palas Atenea, de los eginetas dirigidos por Ayax

contra los troyanos. Es un ejemplo de escultura dinámica, llena de movimiento y de estudio

de la musculatura y conocimiento de la anatomía. Sin embargo los rostros siguen siendo poco

expresivos (sonrisa estereotipada o arcaica). Aquí los dos frontones ordenan sus escenas de lucha

en torno a la figura central de Atenea.

A esta fase de transición hacia el clasicismo corresponden las esculturas del primer tercio del

S.V a.c. pertenecientes al conocido como estilo severo, que ya anuncia el mundo clásico. Las


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obras más representativas de este momento final de transición hacia el clasicismo son El

Auriga de Delfos, el Trono Ludovisi Y el Jinete Rampin

El Auriga de Delfos (Selectividad)

Identificación:

Nombre: El auriga de Delfos

Autor: Pitágoras de Samos.

Cronología: 1ª mitad del siglo V a.c.

Localización: procede del Santuario de Apolo en Delfos

Estilo: arte griego, periodo severo

Materiales: bronce

Dimensiones: Tiene 180 cm.de altura

Tema: Retrato individual. Representa al conductor de una cuadriga victoriosa

Análisis

Es un ejemplo muy representativo del estilo severo. Su autor fue probablemente Pitágoras de

Samos. Realizada en bronce es la única figura que se conserva de un grupo escultórico más

complejo. Representa al conductor de una cuadriga victoriosa. De gran elegancia y belleza,

mantiene aún cierta rigidez arcaica (frontalidad) y el cabello plano. Lo mejor de la escultura es

el estudio de la cabeza que anuncia la del Discóbolo. El tratamiento de la túnica es arcaico y

sus pliegues recuerdan las estrías de las columnas dóricas. Los materiales utilizados son

bronce, ojos de vidrio y restos de plata en la diadema. Tiene 180 cm. Altura y procede del

Santuario de Apolo en Delfos.

El Trono Ludovisi

Obra de transición al clasicismo. Se trata de un tríptico de mármol del primer tercio del

siglo V a.c. Está en Roma (Museo de las Termas) La placa central representa el nacimiento

de Afrodita que sale del mar ayudada por dos doncellas y anuncia ya la técnica de los paños

mojados, que deja transparentar las formas anatómicas de Afrodita, y de las dos doncellas que

la sujetan .Esta técnica fue llevada a la perfección por Fidias en los relieves del Partenón

Las dos placas laterales muestran dos figuras femeninas símbolos del amor sacro y del

amor profano en posturas semejantes, una desnuda tocando la doble flauta y la otra vestida y

quemando incienso.


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El Jinete Rampin (o el Caballero Rampin)

Como ejemplo final de esta etapa de transición hacia el clasicismo citaremos uno de los

escasos retratos ecuestres de la escultura griega: se trata del Jinete Rampín que representa con

rasgos arcaicos a un personaje importante (corona de laurel, barba muy cuidada y bigote).

Estaba policromado y es de aprox. el año 560 a.c.

2.3 El clasicismo: (Siglos V y IV a.c.)

a) El siglo V a.c Mirón, Policleto y Fidias

La producción artística del periodo clásico se caracteriza por la idealización (tipo humano

ideal, según las ideas de Platón), el equilibrio (no interesa la violencia sino la serenidad), y la

dignidad en el tratamiento de las divinidades aspectos que resumen los ideales de la escultura

del S. V. Se busca el canon de belleza. (Es decir, la belleza ideal).

Los tres grandes escultores de este periodo son Mirón, Policleto y Fidias cuya

producción coincide con el control de Pericles sobre la polis ateniense. Atenas fue el principal

(aunque no el único) centro artístico de Grecia.

MIRÓN

Es cronológicamente el primer escultor del clasicismo por eso su obra tiene aun cierto

tono arcaico. Mirón era broncista y trabajó en la primera mitad del S. V. Le interesó sobre

todo el estudio del cuerpo humano en movimiento, por lo que no dudó en situar a las figuras

en posturas violentas, como en el Grupo de “Atenea y Marsias” y especialmente en su obra más

conocida y copiada:

El Discóbolo (Selectividad)

Identificación:

Nombre: Discóbolo

Autor: Mirón

Cronología: siglo V a.c. (460-450 a.c.)

Localización: Museo Nacional Romano de las Termas

Estilo: Arte griego del periodo clásico

Materiales: Original en bronce (técnica: vaciado). Copias en mármol

Dimensiones: 1,55 cms de altura


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Tema: retrato de bulto redondo (escultura exenta) de un atleta lanzador de disco.

Análisis: Representa a un atleta en el momento previo al lanzamiento del disco, inclinado

hacia delante, en un equilibrio inestable y apoyado sólo en la planta del pie derecho y los

dedos del pie izquierdo. Sin embargo a pesar de lo innovador que resulta la composición,

(Mirón dedicó por primera vez una atención prioritaria al estudio de la tensión de las diversas

formas geométricas que configuran el cuerpo con el objetivo de conseguir plasmar el

movimiento) el tratamiento de la anatomía no está plenamente conseguido: sus músculos aún

son planos su rostro es inexpresivo y la cabellera es arcaica en su tratamiento.

2.-POLICLETO

Policleto era natural de Argos en el Peloponeso donde existía una escuela de broncistas

muy prestigiosa. Fue contemporáneo de Fidias y se interesó por los fundamentos teóricos de

la escultura: para él, el cuerpo humano es cálculo y proporción. Cada parte del cuerpo debía

tener las dimensiones adecuadas, en relación con las demás. Escribió un Tratado en el que

explicaba el Canon, o sistema de proporciones que había desarrollado en sus esculturas:

instauró el canon de siete cabezas, en el que la proporción del cuerpo humano debía contener

siete veces la de la cabeza.

La obra en la que puso en práctica sus ideas estéticas es

El Doríforo (Selectividad)

Identificación:

Nombre: El Doríforo

Autor: Policleto de Argos (El Viejo)

Cronología: 450-440 a.c.

Localización: Museo Arqueológico Nacional de Nápoles

Estilo: Escultura griega clásica

Materiales: Era de bronce fundido aunque sólo se conservan copias en mármol.

Dimensiones: 2,12 ms

Tema: Retrato de bulto redondo (escultura exenta). Representa a un atleta que porta una lanza.


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Análisis:

Realizada aproximadamente hacia el 450-440 a.c., mide 2’12 ms de altura y representa

a un joven en marcha, con movimiento armonioso

La actitud del atleta se rige por el equilibrio entre miembros tensos y miembros

distendidos: el brazo derecho cuelga relajado mientras la misma pierna, tensa sostiene el peso

del cuerpo. En la parte izquierda sucede lo contrario: el brazo está rígido, sosteniendo la lanza

y la pierna flexionada, relajada. Esta novedad en el modo de mover la figura con un

contrabalanceo es el contrapposto.

El bronce facilita que la figura se apoye en un solo pié. El brazo izquierdo está doblado,

y así la figura gana en profundidad. El brazo derecho (en oposición) cae verticalmente.

Adelanta la pierna izquierda y la figura se apoya en la derecha. La cabeza se desvía hacia la

izquierda del espectador.

La otra gran obra por la que es reconocido Policleto como una de la cimas del

clasicismo es El Diadumenos que representa a un atleta ciñéndose la cinta del triunfo (aunque

se ha llegado a decir que es una representación del dios Apolo). Es de 440-430 a.C. Su torso

se curva más que en el Doríforo, sus piernas son más cortas y la expresión de su rostro es

más dulce. Expresa también aquí el ideal de belleza griego tanto en la anatomía como en la

proporción.

3.- FIDIAS

Es el escultor más importante del clasicismo griego. Su obra culmina los intentos

anteriores de conseguir el equilibrio ideal tanto anatómico como expresivo

Atenas había venido compartiendo el liderazgo cultural y artístico con la Magna Grecia,

Sicilia y el Peloponeso, pero acabó imponiéndose sobre éstos gracias al florecimiento

económico alcanzado con la victoria de Salamina frente a los Persas. El papel director del arte

ático está en relación con la figura del genial Fidias, cuya influencia va a marcar el arte griego

durante un largo periodo.

Fidias ejerció con maestría todas las ramas del arte. Su obra representó un gran avance,

ya que resolvió la manera de decorar los vértices bajos de los frontones e hizo girar los

cuerpos de tal manera que el movimiento fuera observable desde diferentes puntos de vista.

Pero fue en el tratamiento de los ropajes donde Fidias reveló la fecundidad y exquisitez de su


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imaginación plástica. Los abundantes y sinuosos pliegues de las telas que se pegan al cuerpo

como paños mojados no impidieron hacer al artista un estudio de la anatomía; en realidad son

una excusa de la que se vale para conseguir un efecto de mayor naturalidad en el tratamiento

del cuerpo humano.

. Pericles (495-429 a.C.) encargó a Fidias la dirección los trabajos del Partenón así como

varias esculturas de bulto redondo para la Acrópolis, donde se encuentran sus obras

fundamentales. Realizó varias esculturas exentas de la diosa Atenea, de las que sólo conocemos

copias:

• Atenea Prómacos, diosa de la guerra, con casco y lanza. Era colosal (15 m. altura),

realizada en bronce para colocarla delante del Partenón.

• Atenea Lemnia, en bronce, en figura de doncella ateniense ataviada con un simple peplo.

• Atenea Partenos destinada al interior del Partenón, que era una escultura crisoelefantina

de grandes proporciones. En ella se representa a Atenea en pié, victoriosa, dando una

ligera impresión de movimiento. Sus atributos (escudo, lanza y casco coronado por

esfinges y caballos alados) llevan una decoración de relieves y pinturas. Al parecer se

acusó a Fidias de haberse quedado con oro y marfil destinado a esta escultura y haber

osado retratarse en el escudo.

Sin embargo su obra escultórica mejor conservada es el conjunto de relieves que realizó para

decorar el Partenón y que podemos agrupar de la siguiente forma:

a) Los dos frontones: donde aparecen representadas Las Parcas ejemplo de adaptación al

marco y de la técnica de paños mojados

b) El friso exterior de la naos o cella. (160 ms. De longitud, 1,06 ms de altura y 5 cms de fondo)

c) Las metopas del exterior del templo

Vamos a analizar algunas de las obras más significativas de este gran conjunto:

Procesión de las Panateneas (Selectividad)

Identificación:

Nombre: Procesión de la Panateneas o Friso de las Panateneas

Autor: Fidias

Cronología: Siglo V a.c. (Atenas de Pericles)

Localización: Original: friso exterior de la naos del Partenón en la Acrópolis de Atenas.


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Actual: Museo del Louvre en Paris, British Museum de Londres y Museo de la

Acrópolis de Atenas.

Estilo: Escultura griega del periodo clásico

Materiales: mármol (técnica:tallado)

Dimensiones: fragmento de una composición de 160 ms de longitud, 1,06 ms de altura y 5 cms

de fondo

Tema: es un bajo relieve de tema histórico: representa la procesión de las Panateneas

Análisis

Forma parte del friso exterior de la cella de Atenea en el Partenón. Se trata de una

escena, realizada, como todo el friso en bajorrelieve, La procesión de las Panateneas

representa a las doncellas atenienses, hijas de las mejores familias, que ofrecen un peplo, tejido

por ellas, a la diosa Atenea El ideal de la belleza, el sereno equilibrio, y el tratamiento de los

pliegues es perfecto.

Este fragmento, que se halla en el Museo del Louvre, presenta también a los arcontes que

marcan el ritmo que las doncellas siguen por parejas, con paso menudo y gesto recatado.

Todo el ideal de belleza ideal se refleja en estas muchachas atenienses. La escena se inicia en

el vértice de los muros occidental y meridional y de allí parte en dos direcciones que confluyen

en la fachada oriental, donde la Asamblea de Dioses del Olimpo contempla la escena.

Hay que destacar además la perfección anatómica y la maestría en la técnica de “paños

mojados”, así como la variedad de escenas que impiden que el friso sea monótono a pesar de

sus dimensiones (Ej. mezcla de escenas de escenas cotidianas y anecdóticas).

Al mismo conjunto (friso exterior) pertenece la

Escena de los Dioses del Olimpo:

Se trata de una escena situada en la fachada oriental del friso. Nos hemos referido a esa

escena al tratar de la procesión de las Panateneas: Los dioses del Olimpo contemplan la

procesión en el momento de la ofrenda ante la diosa del peplo o túnica sagrada. La corte de

Zeus –invisible para los ojos de los mortales- sigue la escena y se reparte en dos grupos de seis

dioses a cada uno de los lados. A la derecha quedan Atenea, Hefestos, Poseidón, Apolo,

Artemisa y Afrodita, con su hijo Eros; y a mano izquierda se sitúan Zeus, Deméter, Dionisos


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y Hermes. Junto a los dioses se encuentra un grupo de hombres en pié, que podrían ser

héroes, con aspecto noble

Fidias parece haber abierto sin esfuerzo las puertas del Olimpo al convocarlos en la

ciudadela sagrada, pero su respeto hacia los olímpicos, le ha hecho detenerse aquí. Las

posturas de los dioses son apáticas, indolentes. En el detalle del friso que representa a Apolo,

Poseidón y Artemisa (Museo de la Acrópolis), los dos primeros conversan lánguidamente,

mientras Artemisa, envuelta en su fino peplo, dirige su plácida mirada hacia otra parte.

c) Las metopas del exterior del templo.

Se realizaron relieves en las 92 metopas. Se agrupan en cuatro series La Centauromaquia, la

Guerra de Troya, la Amazonomaquia. y la Gigantomaquia.

En la metopa mejor conservada aparece un lapita, atacado por un Centauro, que lo

coge por la nuca con actitud de atacar con la espada. En ella aparece un hombre viejo con

energía de Titán, que podría ser Fidias. La composición está dentro de las líneas clásicas. El

relieve es muy voluminoso y son realmente esculturas de bulto redondo, que tocan el plano

del fondo.

Además de los relieves del Partenón también se atribuye a Fidias o a su escuela la

decoración del friso del Templo de Atenea Niké en la actualidad en el Museo de la Acrópolis

de Atenas. El templo fue construido en el 421 a. C. y de entre sus relieves destaca una

representación de Atenea desatándose una sandalia. Es uno de los relieves clásicos más famosos.

Probablemente su autor fue el escultor, Kallimachos discípulo de Fidias.

Magníficamente representadas sus vestiduras, nos transmite el movimiento agitado de

las mismas y es otro ejemplo de la técnica de paños mojados.

b) El siglo IV a.c.

La guerra del Peloponeso supuso el hundimiento político de Atenas. Ésta se había

enfrentado a Esparta y a sus aliados. Los cambios sociales y políticos transformaron el

sentimiento religioso y el pensamiento filosófico.

Todo esto repercutió en el arte, que abordó los temas de modo distinto. Idealización,

serenidad y equilibrio, constantes en el S. V. a.c, dieron paso a la búsqueda de la naturalidad y

al interés por mostrar los sentimientos y estados de ánimo de los retratados. Una mayor


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expresividad y la acentuación del movimiento son asimismo características de la escultura de

esta etapa

Aparece en este momento el retrato de tipo realista en contraposición al idealizado del S.V

a.c..Frente a la unidad estilística del siglo anterior, se da una mayor diversidad de escuelas.

Los principales escultores de este periodo son Praxiteles, Scopas y Lisipo cuyas obras más

importantes vamos a analizar.

1.PRAXITELES

Ateniense. Modela sus figuras en mármol y bronce, componiendo formas blandas,

suavizando las líneas con curvas delicadamente bellas. Su relación con la cortesana Finé,

modelo y compañera del artista, hace que éste sea el escultor de Afrodita, la diosa del amor y

de la belleza.

Los dioses de Praxiteles adoptan actitudes indolentes, describiendo suaves y

prolongadas curvas que se conocen como praxitelianas; se recrea en el modelado

contribuyendo a dar a sus figuras una expresión vaga y soñadora. Praxiteles se preocupó por

influir aliento psicológico a sus obras. Prefirió los cuerpos de adolescentes modelados con

suma delicadeza con una técnica que contribuye a dar esa sensación de laxitud(blandura) tan

característica en él

Una de sus obras más significativas es

Hermes con Dionisos niño. (Selectividad)

Identificación:

Nombre: Hermes con Dionisos niño.

Autor: Praxiteles

Cronología: Siglo IV a.c

Localización: Museo Arqueológico de Olimpia

Estilo: escultura griega post-clásica

Materiales: mármol

Dimensiones: 2,13 ms de altura

Tema: mitológico


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Análisis:

Este grupo escultórico fue descubierto en las excavaciones de Olimpia en el S. XIX. Algunos

piensan que es el original y otros dicen es una copia romana.

Totalmente desnudo y con una ligera flexión que arquea su cadera formando la suave

curva praxiteliana muestra un racimo de uvas que tenía en su mano derecha a Dionisos niño,

que desea cogerlo.

La pieza de tela que recubre el tronco donde se apoya Hermes, contribuye, con su

calidad y sus pliegues verticales, a realzar el valor del modelado de su cuerpo.

Otras obras de Praxiteles

También destaca en su producción una obra curiosa: se trata del Apolo Sauróctono

que representa a un Apolo juvenil, dios de la luz, vencedor de la noche y que se dispone a

lanzar una flecha sobre un lagarto (símbolo de la noche), situado en el tronco de un árbol

sobre el que se apoya el propio Apolo. Praxiteles da aquí una solución muy característica del

escultor: separa tanto las piernas de la figura que si no se apoyasen en un fuerte soporte, la

figura caería. Está presente la curva praxiteliana. El original era de bronce. Las copias que se

conservan son de mármol (Louvre y Vaticano) y de bronce (Villa Albani).

Su representación femenina más importante es la Afrodita o Venus de Cnido. En la

Antigüedad se la consideró la estatua más bella del mundo. Es la primera vez que se

representa a una divinidad femenina desnuda. Para hacerlo buscó el pretexto de que la diosa

está saliendo del baño, un acto plenamente humano.

El naturalismo justifica la desnudez. Con un movimiento suave toma el paño del

ánfora situada a su izquierda, que es un recurso que garantiza la estabilidad de la figura. Es la

expresión perfecta de la belleza femenina. La obra estaba policromada y tenía cabello rubio.

Se conocen medio centenar de copias. Por primera vez en la historia de la gran

escultura se nos revela la naturaleza humana de la diosa del amor, que Praxiteles muestra sin

pudor: los senos plenamente desarrollados, amplias las caderas, las piernas torneadas y

finamente articulados los tobillos. Todo en ella anuncia el amor. Pero en el rostro no hay el

menor atisbo de erotismo.Es una obra “púdica”: el brazo derecho tapa el sexo y el izquierdo

coge el paño para secarse.


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2.SCOPAS

Scopas es otro de los grandes escultores del S. IV a. C. Nació en la isla de Paros. Pertenece a

la escuela de Atenas como Praxiteles del que fue contemporáneo aunque tiene más capacidad

que él para mostrar los sentimientos más exaltados como el amor, la sensualidad, la

desesperación, la nostalgia, la inquietud, el deseo, en definitiva lo que los griegos llamaban el

Pathos .Sentía predilección por las expresiones patéticas, con bocas entreabiertas y

angustiosas, rictus amargos, acentuados con la valoración del claroscuro, que se origina en

torno a los ojos al resaltar el arco superciliar.

La Ménade su obra más conocida es una copia de algo más de medio metro que está

en el Museo de Dresde.

Representa a la sacerdotisa de Dionisos (El Baco de los romanos) en pleno delirio religioso,

agitada por violentos movimientos convulsivos, con la cabellera suelta y dejando al

descubierto buena parte de su cuerpo.

En una mano lleva el cuchillo con el que debe abrir en canal al cabrito que tenía en la otra.

Con esta obra se inicia un expresionismo delirante denominado, que tanto influyó en el

Helenismo, el Renacimiento y el Barroco.

3.LISIPO

Lisipo pertenece a la segunda mitad del S. IV a.C. y en él es muy clara la influencia de

Scopas y Praxiteles. Fue un extraordinario broncista y es el escultor preferido por Alejandro

Magno, de quien fue retratista oficial.

Aportó la elegancia y la flexibilidad en la representación de los atletas (era su tema

preferido). Repitió el tipo del atleta maduro en el momento de transición del movimiento a la

quietud (ej. su “Hércules Farnesio”)

Modificó el Canon adoptado por Policleto, estableciendo uno más esbelto (9 cabezas),

que alcanzó gran éxito. Su obra más conocida es el Apoxiomenos

El Apoxiomenos (Selectividad)

Identificación:

Nombre: Apoxiomenos

Autor: Lisipo


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Cronología: siglo IV a.c.

Localización: Museos Vaticanos

Estilo: Escultura griega periodo post-clásico

Materiales: Original de bronce (vaciado) copias de mármol (tallado)

Dimensiones: 2.05 ms

Tema: Retrato de un atleta. Escultura exenta o de bulto redondo

Análisis:

Es su obra más conocida representa a un atleta en una situación poco heroica quitándose el

polvo y el aceite, que cubren su cuerpo con un rascador después de haber acabado su

competición.

Se realizó en bronce en 330 a. C. aunque la copia que conservamos es de mármol.

Mide 2’05 y es de proporciones esbeltas; la cabeza es más bien pequeña y el cuerpo flexible,

con el brazo extendido; su figura se ve mejor lateralmente que de frente.

La composición varía por completo, a medida que giramos en torno a ella. Su rostro es

de formas llenas, la boca y los ojos pequeños no reflejan ni el apasionamiento de Scopas ni el

ensueño de Praxiteles.

Comparado con el Doríforo, ofrece un cuerpo lleno de movilidad de músculos

vibrantes. El movimiento es más sugerido que real, más interno que externo

c) El Helenismo (S. IV-III a.c.)

Las conquistas llevadas a cabo por Alejandro Magno y sus sucesores supusieron la

difusión de la cultura griega por una amplia zona. La evolución artística continuó después de

la muerte de Alejandro Magno, e incluso tras la conquista de Corinto por los romanos.

A fines del S. IV a. c se produjo un cambio brusco: el arte griego que había perseguido

en sus obras equilibrio entre realidad y belleza ideal, comenzó a abandonar esos ideales. La

escultura se desprendió del espíritu clásico de los siglos V y IV a. C., y adoptó otras

características:

• 1-Tendencia a la orientalización. (influencia del arte oriental)

• 2-Sincretismo (mezcla de influencias diversas).

• 3-Acentuación del movimiento, del patetismo y de la tensión. Ej. galo Moribundo que

se caracteriza por su gran expresividad.


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• 4-Especial predilección por los temas fantásticos.

• 5-Introducción de escenas de la vida diaria. Ej. El Niño de la Espina (d)

• 6-Desarrollo de los retratos de tono realista, que se recrean en los defectos físicos, en

lo feo, en la vejez. Ej. Demóstenes, Diógenes, Séneca.

• 7-Dispersión de los centros escultóricos. Hay cuatro escuelas escultóricas: Pérgamo,

Rodas, Tralles y Alejandría.

De entre las obras más importantes del periodo helenístico vamos a destacar y a analizar las

siguientes:

1. La Victoria de Samotracia.

Pertenece a la Escuela de Rodas. Se cree que data de principios del S. II (190 a.C.) y

que formaba parte del mascarón de proa de un barco; de ahí que sus ropas vayan hacia atrás

como azotadas por el viento. Está en el Museo del Louvre. Su cuerpo está envuelto en un

fino manto sacudido por el viento. Hasta hoy se ha considerado estatua conmemorativa de la

victoria en una batalla naval que tuvo lugar en el 305 a.c.

2. Friso oriental del Altar de Zeus en Pérgamo.

Este Altar dedicado a Zeus se construyó en la primera mitad del S.II a.c cuando

Pérgamo alcanzó su mayor expansión y riqueza.Está decorado con grandes relieves de 2’30 m.

de altura que lo rodeaban por tres de sus lados formando un friso de 112 m. longitud.

Se conservan en el Museo de Berlín y representan la lucha entre los dioses y los

gigantes, hijos de Gea. Zeus y Atenea combaten a sus respectivos adversarios formando un

conjunto de figuras comparables a la furia de los elementos desencadenados.

. Hay una fantástica combinación de hombres viejos y jóvenes. El fondo del relieve

desaparece tras la maraña de cuerpos humanos, ropajes flotantes, armas, carros y animales.

La técnica escultórica revela la influencia del estilo de Scopas en esas caras de mirada

visionaria y de boca anhelante.

3.Laocoonte y sus hijos.

La copia más conocida se encuentra en el Museo Vaticano, en Roma (siglo I d.c. en

mármol). Es obra de Agesandro de Rodas y sus hijos Polidoro y Atanadoro (el original era un

bronce siglo III a.c)


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. Representa uno de los momentos más dramáticos de la mitología griega, cuando dos

serpientes se enroscan al cuerpo de Laocoonte y sus hijos. Es el castigo que Poseidón manda

a este sacerdote troyano por recelar del caballo de Troya que los griegos querían introducir en

la ciudad. Es una obra muy realista en la que se ha querido hacer una representación del dolor

sobrehumano. El dolor del sacerdote es físico y moral al ver sufrir a sus hijos inocentes.

Hay unidad psicológica y plástica en esta composición. Cuando fue descubierto al

grupo le faltaban los brazos derechos de Laocoonte y de uno de sus hijos. Los reconstruyó un

autor renacentista que los dirigió hacia el cielo. Es la máxima representación del barroquismo

en la escultura griega y su influencia sobre el escultor renacentista Miguel Ángel (Ver su

Moisés) es más que evidente.


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IMÁGENES DE ESCULTURA GRIEGA

Periodo arcaico: diversos ejemplos de Kuroi

Apolo del Piombino Diversos ejemplos de Korai(periodo arcaico) Auriga de Delfos

Caballero Rampin Trono Ludovisi______________


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Discóbolo (Selectividad) Canon Doríforo(Selectividad) y Diadumeno

Atenea Lemnia Atenea Partenos Las Tres Parcas (Frontón del Partenon)

Friso del Partenón:

1. Procesión 2. Asamblea de los dioses (Select.)


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Metopas del Partenón: Centauromaquia

Praxiteles: Hermes y Dionisos, Venus de Cnido (2) Apolo sauróctono

Scopas: Ménade Lisipo: Hercules Farnesio y Apoxiomenos (Select.)


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Helenismo: Victoria de Samotracia, Altar de Pérgamo

Laooconte y sus hijos Moisés (Miguel Ángel)

2.la escultura griega del periodo clásico

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