DOSSIER DE PRENSA

PROGRAMA OTOÑO 2011

OCTUBRE - NOVIEMBRE - DICIEMBRE

PROGRAMA OTOÑO 2011 1 de octubre a las 20:00h. TEATRO Programa TEATRO AMATEUR LUNA LLENA / Bilbao “Habéis visto mi grito” 2 de octubre a las 19:00h. TEATRO Programa TEATRO AMATEUR HEGAITZ / Getxo “Exiliadas” 8 de octubre a las 20:00h. TEATRO Programa TEATRO AMATEUR TOTUM TEATRO / Bilbao “De 16:00… a 18:00” 9 de octubre a las 19:00h. TEATRO Programa TEATRO AMATEUR BURBUJAS / Bilbao “Nunca nos regalaron flores”

15 de octubre a las 20:00h. 16 de octubre a las 19:00h. DANZA Programa II CIRCUITO IBEROAMERICANO DE LA RED DE TEATROS ALTERNATIVOS Estreno en Euskadi CAMERINO 4 / Méjico “Anima”

Miercoles 26 a las 19:00h FESTIVAL BAD 2011 / DANZA / ENTRADA LIBRE RESIDENCIA de Bilboeszena ROBERTO MARTINEZ - Sevilla “ENDLESS NOISE (título provisional)

27 de octubre a las 17:00:00h. VIDEO-DOCUMENTAL / ENTRADA LIBRE Programa B.A.D. Estreno en Euskadi BEA FERNANDEZ / Barcelona “Los que se ven entre sí”

28 de octubre a las 19:00h. DANZA Programa B.A.D. Estreno en Euskadi BEA FERNANDEZ / Barcelona “Tres personas, todos los cuerpos”

29 - 30 de octubre las 19:00h. TEATRO Programa B.A.D. Estreno en Euskadi MARCO CANALE / Guatemala “La puta y el gigante” 31 de octubre y 1 de noviembre a las 19:00h. DANZA + VIDEO DANZA

Programa B.A.D. Estreno en Euskadi HENRIK KAALUND / Copenhague – Berlín “DreaMe”

3 de noviembre a las 19:00h. DANZA Programa B.A.D. Estreno Absoluto LEIRE ITUARTE / Bilbao “@leph”

5-6 de noviembre a las 19:00h. DANZA Programa B.A.D. Estreno en Euskadi ARKADI ZAIDES / Tel Aviv “Quiet”

11-12 de noviembre a las 20:00h. 13 de noviembre a las 19:00h. DANZA Estreno en Euskadi IKER GOMEZ / Barcelona “La danza del cisne –el ballet en miniatura-”

17 de Noviembre a las 19:00h. / ENTRADA LIBRE Encuentro In-formal con los Chévere antes de ver su Citizen en La Fundición 18-19 de noviembre a las 19:00h. 20 de noviembre a las 18:00h. TEATRO Programa CIRCUITO RED DE TEATROS ALTERNATIVOS Estreno en Euskadi CHEVERE / Santiago de Compostela “Citizen I” “Citizen II” “Citizen III” 25-26 de noviembre a las 20:00h. 27 de noviembre a las 19:00h. TEATRO-DANZA Programa CIRCUITO RED DE TEATROS ALTERNATIVOS Estreno en Euskadi AGRUPACION SEÑOR SERRANO / Barcelona “Memo”

10 de diciembre a las 20:00h. 11 de diciembre a las 19:00h. TEATRO Programa II CIRCUITO IBEROAMERICANO DE LA RED DE TEATROS ALTERNATIVOS Estreno en Euskadi GRÁFICA GÉNESIS / Costa Rica “Homotextual” 16-17 de diciembre a las 20:00h. 18 de diciembre a las 19:00h. TEATRO FAMILIAR Estreno en Euskadi ONIRICA MECANICA / Murcia “Circo Submarino”

Francesc Macià 1-3 48014 BILBAO Tf.: 944 753 327 Fax: 944 759 115

Dirección / Zuzendaritza : Laura Etxebarria Programación / Egitaraua : Luque Tagua Prensa y difusión / Prentsa eta komunikazioa : Marian Etxebarria Administración / Administrazioa : Bikoa Jefe de sala / Areto arduraduna : Gabo Punzo Diseño gráfico / Diseinu grafikoa : Ytantos Traducción / Itzulpena: Kalega ENTRADA 10€

20% descuento con carnet Estudiante / Parado / Jubilado / BBK 26 / Carnet Joven / Fnac / EAB / ADDE / Kultura 18. Reservas y venta de entradas: En cajeros multiservicio BBK, Tel 94 475 33 27, Internet o en taquilla el día del espectáculo

50% DE DESCUENTO En la compra de entradas para 5 espectaculos del trimestre. (Oferta válida sólo en la taquilla del teatro) Accesos: Bilbobus lineas 01 10,13,71. Metro linea 1 parada Deusto. Euskotren parada Universidad de Deusto. Euskotran parada pte. de Deusto

PROGRAMA: TEATRO AMATEUR - AMATEUR ANTZERKI PROGRAMA

Teatro aficionado con esencia de mujer Creaciones en femenino, basadas en el bagaje de experiencias que habita en los cuerpos, en la voz y en la palabra de mujeres adultas….Ellas, pilar silencioso de la sociedad que hacen teatro para saber de qué se compone la magia

Sábado 1 de Octubre a las 20:00 h

Cía de teatro LUNA LLENA / Bilbao “Habéis visto mi grito”

Domingo 2 de Octubre a las 19:00 h Cía de teatro HEZGAITZ / Getxo

“Exiliadas”

Sábado 8 de Octubre a las 20:00h. TOTUM teatro

"De 16:00... a 18:00h."

Domingo 9 de Octubre a las 19:00h. Compañía de Teatro BURBUJAS “Nunca nos regalaron flores”

Emakume arimadun antzerki amateurra Emakumeen sorkuntza, gorputzetan mamitzen diren esperientzietan eta emakume helduen ahots-hitzetan oinarritua… Emakumeak, gizartearen euskarri isil horiek, antzerkia egiten dutenak magia zertan datzan jakiteko.

Teatro Amateur Sábado 1 de Octubre a las 20:00 h

Cía de teatro LUNA LLENA / Bilbao “Habéis visto mi grito”

La Real Academia de la Lengua define la palabra GRITO como "Manifestación vehemente de un sentimiento general". Cuántos gritos acallados...cuántos gritos ignorados... cuántos gritos perdidos... Debemos reconocer nuestros sentimientos como sociedad: enfrentarnos con las cosas que no nos gustan de nosotros mismos, plantarnos ante injusticias de las que somos testigos, negarnos a aceptar maneras de vivir que no nos hacen felices, romper con ideas impuestas... Tenemos que salir del letargo en el que vivimos, hacer oír nuestra voz para que nos tengan en cuenta o por lo menos, molestar. ¡DEBEMOS GRITAR! La Caché: Mª Luz González La Mimí: Visi Martínez La Shoni: Yolanda Gartiz La Dori: Marina Merino La Rebe: Inés Gómez La Clá: Rosa Quintana Dirección: Mª Luz Díaz Díaz Sonido: Mercedes Galdeano Voz en off: David Díaz Diseño gráfico: Borja Sobas Transporte: Avelino Pérez Decorados y atrezzo: Luna LLena Lugar de ensayo: C. P. Zurbaranbarri

Teatro Amateur

Domingo 2 de Octubre a las 19:00 h Cía de teatro HEZGAITZ / Getxo

“Exiliadas”

Las Mujeres del Siglo atraviesan el Lago del Olvido, el Lago de la Memoria. En la otra orilla les esperan las Barqueras que no les dejan cruzar la puerta, que les niegan el descanso eterno. Para traspasar la puerta han de olvidar todo lo sucedido. Han de recordar para luego ahogar sus recuerdos. ¿Ahogar? ¿Olvidar? ¿O mantener vivos los recuerdos, sin el dolor, para no cometer los mismos errores?

DANAIDES: Begoña Salaverri, Mª Ángeles Rodríguez, Marisol Bartolomé, Txus Romano, Diana Mendez

BARQUERAS: Maribel Tejado, Lurdes Azkona Texto: Borja Ortiz de Gondra Vestuario y Escenografía: Hezgaitz Diseño iluminación: Aitor Pérez Iluminación: Amaia Yurrebaso Dirección: Javier Liñera Producción: Escuela de Teatro de Getxo, Getxoko Antzerki Eskola Espectáculo dedicado especialmente a Inés Tijero. Y a todas las mujeres del siglo XX.

Teatro Amateur Sábdo 8 de Octubre a las 20:00 h

TOTUM teatro / Bilbao "De 16:00... a 18:00"

“Organizar una revolución nunca fue fácil. Y además, según dice un dicho muy sabio: “no intentes cambiar el mundo, intenta que el mundo no te cambie a ti”. Las cinco mujeres que veremos en escena opinan lo mismo. Ya no tienen el ímpetu de alzarse en armas y convencer a las masas para poner patas arriba el orden mundial, pero sí conservan la energía para sacar el tiempo necesario para hacer su pequeña revolución; con constancia, dos días por semana, de cuatro a seis.

Esta representación funciona a modo de mirilla por la cual el espectador se cuela en la rutina teatral de un grupo que se junta para crear y expresar su criterio artístico, aunque no siempre resulte sencillo.” Actrices: Elisa Marañón, Luz Mundiñano, Mª Carmen Martínez, Mª Carmen Villegas y Pepi Martín Guión: TOTUM y Maria Urcelay Dirección: Maria Urcelay Producción: TOTUM teatro Agradecimientos: Alex Gerediaga, Mª Carmen Pérez

Teatro Amateur

Domingo 9 de Octubre a las 19:00 h Compañía de Teatro BURBUJAS / Bilbao

“Nunca nos regalaron flores”

Cuando la vida pasa delante de ti sin regalarte más que lo justo para seguir viviendo… Te encuentras de repente en un lugar más aterrador que todos los anteriores… pero habitado por seres tan parecidos a ti, que te llenan de lo que nunca tuviste, es ahí cuando no quieres creer en la muerte. Una parada de tren y cinco mujeres que esperan, todas vestidas de negro, todas con algo que recordar, todas con frío. Interpretación: Salva Alonso, Mentxu del Cid, Begoña Hernández Vevi Mateos, Josune Martinez Idea original: La Calvario Dirección: Arrate Etxeberria Espacio escénico y vestuario: Burbujas – La Calvario Diseño de luces: Jaime Espeso Textos: Burbujas - La Calvario - Kirmen Uribe - Nuria Amat

Programa: II CIRCUITO IBEROAMERICANO DE LA RED DE TEATROS ALTERNATIVOS

Sábado 15 de Octubre a las 20:00h. Domingo 16 de Octubre a las 19:00h / DANZA

Cía. CAMERINO 4 / Méjico “Ánima”

El alma es una dimensión del cuerpo. ANIMA es una reflexión coreográfica física y teórica acerca del alma. En cada presentación recibe nuevas ideas acerca de ella, dado que diferentes grupos de personas estarán participando en un CHAT en línea que se proyecta durante la función. Por eso es una pieza donde intervienen intérpretes reales e intérpretes virtuales. Los personajes virtuales que participan del chat van cambiando en cada función, proceden de diferentes disciplinas creando enfoques muy diversos en torno al alma que van alimentando la obra, presentación tras presentación. A nivel coreográfico, la pieza narra el encuentro de un hombre con su parte femenina y su parte masculina generando así un estado donde conecta con su alma.

Dirección y Coreografía: Magdalena Brezzo Intérpretes: Flor Garfias, Francisco Córdova, Tlathui Maza* Coordinadora del chat: Haydé Lachino Diseño sonoro: Eduardo Flores Diseño de iluminación: Magdalena Brezzo Diseño de vestuario: C4 Entrenamiento: Beto Pérez Producción: C4 y Coordinación Nacional de Danza, INBA. Manager: Tristana Silvart Dirección de la Compañía C4: Magdalena Brezzo * Becario FONCA Programa Creadores Escénicos Emisión 2010 - 2011 Festejando sus 10 años de trayectoria, Camerino 4 logra ocupar una posición destacada dentro de la danza contemporánea en México. Desde el 2007, la compañía comienza a proyectarse internacionalmente siendo invitada entre otros, al Sziget Festival (Hungría), a la Bienal de Danza del Caribe (Cuba), al Festival Cádiz en Danza (España), al Fórum Internacional de Dança de Sao Paulo (Brasil) y al Chase Latino Festival (Nueva York), donde le comisionan la obra "Acrílico". Hasta la fecha ha recibido en cuatro ocasiones y con diferentes obras el Premio Nacional de Danza INBA-UAM, el premio a la composición coreográfica más destacado del país, obteniéndolo la última vez en noviembre 2009 con la obra Lola. Sus ejecutantes también se adjudicaron diversos premios y reconocimientos. A pesar de ser una compañía independiente, durante toda su trayectoria ha sido apoyada por instituciones y organismos gubernamentales para nuevas producciones y con becas económicas para sus integrantes.

ENTRADA LIBRE FESTIVAL BAD 2011 / DANZA RESIDENCIA de Bilboeszena

Miercoles 26 a las19:00h ROBERTO MARTINEZ - Sevilla

“Endless noise” (título provisional”

Un Proyecto en Proceso, de Roberto Martínez, codirigido junto a Abraham Hurtado, con música en directo de Pablo Peña y vestuario / decorado de Alberto “sinpatron”. Con este trabajo exploramos el estado físico que se genera a través de acciones continuas, buscando el límite del impulso que ha producido la propia accion. Esta experiencia nos coloca en un punto en el que nos dejamos llevar por un viaje a paisajes ficticios donde el acto litúrgico se convierte en algo cotidiano, ofreciéndonos la posibilidad de poder acercarnos a la persona que hay detrás de la acción. La excitación, Kandinsky escritor, el folklore, el aquí y el ahora, la extenuación o Blade Runner fueron algunos de los primeros motores de investigación de este ejercicio de percepción, deconstrucción y reflexion sobre el significado de "estar presente" donde el movimiento y la música actúan como nuevos motores para propulsar el viaje.

ENTRADA LIBRE FESTIVAL B.A.D. 2011 / Vídeo Documental

Jueves 27 de Octubre a las 17:00h BEA FERNÁNDEZ / Barcelona “Los que se ven entre sí”

A partir de las conversaciones con 16 intérpretes de diferentes ámbitos de la creación actual, se ha producido un documento que relaciona estas diferentes perspectivas sobre la figura del intérprete (sobre su relación con la creación, con el autor, sobre el significado actual de las huellas que quedan de los diferentes trabajos y la utilización de éstas y otras influencias, sobre su relación con la escena y con el público). Un documento que puede acercarnos a través de un recorrido a esa otra mirada (más interna?), y que recoge diferentes experiencias y cuestiones sobre la creación y el hecho escénico. Entrevistados: Africa Navarro, Natali Labiano, Carme Torrent, Gema Díaz, Mercè Recacha, Mònica Muntaner, Sílvia Sant Funk, Jordi Casanovas, Norberto Llopis, Mauricio González, Jesús Barranco, Raquel Sánchez, Amalia Fernández, Lola Giménez, Monse Penela, Sofía Asencio. Idea y dirección: Bea Fernández Cámara edición: Elena Albert Realización: Bea Fernández y Elena Albert Producción ejecutiva: Paloma Gueilburt Una producción de: Las Santas Apoyos a la creación y residencias: El Hueco, Encuentros en Magalia, Cèl·lula Pontós, La Porta - espacio cómodo'08

FESTIVAL BAD 2011 DANZA

Viernes 28 de Octubre a las 19:00h. BEA FERNÁNDEZ / Barcelona

“Tres personas, todos los cuerpos”

Tres personas, todos los cuerpos (pieza escénica) El proyecto que presenta Bea Fernández surge de un interés por compartir su experiencia como intérprete con otros intérpretes, de un interés en profundizar sobre ciertos temas, que a la hora de hablar de la creación, quedan en un segundo lugar o en una capa oculta. El proyecto contiene dos vías de comunicación y exploración que se presentan paralelamente: la pieza escénica (Tres personas, todos los cuerpos) y la instalación (Los que se ven entre sí). Tres personas somos Monse Penela, Mauricio González y Bea Fernández, más todos los cuerpos que hemos revisado del pasado para versionarlos en el presente desde diferentes perspectivas. Somos muchos cuerpos, tantos como hemos bailado. Somos trocitos y cuerpos de otros, somos los restos de esos cuerpos que se nos han quedado pegados y sus versiones futuras, su memoria transformada. LA MEMORIA DEL CUERPO DEL BAILARÍN La pieza se construye en la suma de tres intervenciones solitarias sobre la base de la memoria del cuerpo del bailarín como archivo vivo de datos y recuerdos transitados a lo largo de su trayectoria profesional, y la identificación de cada uno con esas materias desde el presente. Creamos un mosaico de restos de cuerpos del pasado, un espacio de tiempo real donde se insertan los espacios de memoria, cuerpos vividos en otras piezas pasadas o restos de trabajos que nunca se enseñaron.

EL INTÉRPRETE COMO SUJETO PROCESUAL Me interesa el rol del intérprete como materia de la escena, como vivencia, por eso esta pieza tiene una dirección y tres autorías, cada intervención tiene sus propias reglas creadas desde dentro, desde ese lugar del intérprete que acciona y compone en tiempo real en las sesiones de trabajo. Entramos en la trastienda de lo visible, en esa parte del pensamiento del intérprete que el público normalmente no ve. Reinventarse como proyección futura implica una renovación. El proyecto que un interés por compartir su experiencia de hablar de la creación,ne dos vías de

Idea y dirección: Bea Fernández Creación e interpretación: Bea Fernández, Mauricio González y Montse Penela Iluminación: Jeroen Smits Producción ejecutiva: Paloma Gueilburt Una producción de: Las Santas

Proyecto subvencionado por: EADC, Generalitat de Catalunya; ICUB, Ajuntament de Barcelona. Producido por Las Santas y La Porta – Espacios cómodos 2009 (Barcelona). Coproducido por: Programa de residencias DAT / ETC (Las Palmas) Con la colaboración de: La Caldera, Cel·lula Pontós, L’animal a l’esquena, l’Estruch de l’Ajuntament de Sabadell, Las Fernández, Institut Ramon Llull y Canarias CRE

FESTIVAL BAD 2011 TEATRO Sábado 29 - Domingo 30 de Octubre a las 19:00 h

MARCO CANALE / Guatemala “La puta y el gigante”

En 2009 el autor y director Marco Canale acude a un taller impartido por Angélica Liddell en Guatemala. Se plantea entonces abordar una escritura en la que la ficción queda relegada por lo autobiográfico y lo real. Ese mismo año viaja al sur de Colombia y escribe La puta y el gigante. Unos meses más tarde decide representarla él mismo, poniendo su cuerpo y su voz sobre el escenario. “La obra nace de la acción de buscar una y otra vez artículos de El País en Internet, siguiendo los nombres de las diferentes masacres perpetradas en Colombia por paramilitares durante el gobierno de Álvaro Uribe, sin encontrar prácticamente ninguna. Y pensar que son demasiados cuerpos torturados y asesinados como para que se trate de un descuido. Leer las palabras de los periodistas que hablan de democracia, de ayuda al desarrollo y de terrorismo, y que nunca nombran la dimensión económica de las masacres: los negocios del narcotráfico, los terratenientes y la construcción de hidroeléctricas o las perforaciones petrolíferas hechas por las empresas trasnacionales. La economía y sus muertos. Y el silencio. La obra nace de un viaje por el sur de Colombia que se abre adentro de mí. Un río rodeado de miles de hectáreas de palma aceitera muerta -un desastre ecológico que partió del deseo de vender «energía limpia» a Europa-, un entierro en el que ancianas cantaron hasta la madrugada alabaos y sentir como una sombra el suicidio que me acompañó desde mi adolescencia. Recordar a una mujer que decidió permanecer resistiendo en su pequeña parcela de tierra después del asesinato de su marido y ser más que nunca consciente de mi incapacidad para correr los mismos riesgos. Por eso esta obra nace también de la vergüenza. Y de una necesidad. Escribir esta obra con nombre y apellidos. Tratando de no olvidar ninguno. Pararme en el escenario y sostener la palabra. Al menos eso. Texto, interpretación y dirección: Marco Canale Ayudante de dirección e interpretación: Patricia Orantes Iluminación: Fernando Renjifo Producción: Marco Canale y Escena Contemporánea Con el apoyo de Iberescena Obra publicada en la colección Artezblai Agradecimientos: Yosú y PCN (Proceso de Comunidades Negras), Pepe Henríquez, Laura Corcuera, Alberto Nuñez y Equipo Escena Contemporánea, Charo Francés, Sara Rosenberg,

Iberscena, Mark James Maughan, Hanna Cuenca, Andrés Asturias, Ian Ingelmo, Ruben Ávila, Carlos Gil, Elena Ros, Lucas Vermal, Celina Tolosa y Agustina Ramos Mejías. Marco Canale / Bio Marco Canale (Buenos Aires, 1977) reside desde 2001 en Madrid y desde 2008 entre Guatemala y España. Se licenció en Dramaturgia en la RESAD y ha estrenado o publicado sus obras en España, Argentina, Marruecos, Francia y Guatemala. Lo político y lo autobiográfico atraviesan su obra, compuesta por títulos como La bala en el vientre, centrada en el conflicto vasco (V Premio Madrid Sur de Textos Teatrales); Evita Montonera, sobre la lucha armada en Argentina (Finalista del Premio Born); Piel de rinoceronte, escrita junto a Alberto Conejero y Julio Salvatierra, centrada en la decisión personal y política de migrar (estrenada en el Festival Thas Arts de Marruecos, 2008); El duelo, estrenada en la Muestra de las Autonomías del Círculo de Bellas Artes; y La alambrada, (accésit del XVI Premio SGAE, estrenada en el Teatro Beckett de Buenos Aires y presentada en el XXIII Festival Iberoamericano de Cádiz). Desde el año 2007 colabora como dramaturgo y director en procesos colectivos con actrices no profesionales y grupos políticos, donde ahonda en la relación entre la biografía y lo político. Colabora a su vez con grupos indígenas mayas mam de resistencia contra la Mina Marlin (de la minera canadiense Goldcorp), con la Red de mujeres mayas ixiles y con el grupo de jóvenes teatreros de la comunidad kaqchikel de Santa María de Jesús (Guatemala).

FESTIVAL BAD 2011 / DANZA

Lunes 31 Octubre - Martes 1 de Noviembre a las 19:00 h HENRIK KAALUND / COPENHAGUE-BERLÍN

“DreaMe”

DreaMe trata de la interacción entre la realidad y la realidad deseada. Presta especial atención a los ideales del éxito y de la belleza, tal y como nos los dictan los medios de comunicación. ¿Cómo hacer frente a esta presión creciente? Y, ¿cómo de grande es el margen dentro del cual me puedo mover, sin dejar de ser fiel a mí mismo?

En la superficie de proyección de la parte posterior del escenario, aparecen dobles del artista, como identidades-fantasma. Los dobles representan los ideales, valores y metas de la mujer real creados artificialmente, por un lado, y las necesidades de su subconsciente por el otro. Su problema es diferenciar entre su identidad verdadera y la artificial. Y eso no es tarea fácil, porque incluso si algo de lo que representan los dobles puede resultar falso, parte de lo que son se deriva de las necesidades básicas y deseos de la persona real, que no está en contacto con ellos y mucho menos capaz de controlarlos. Naturalmente, esto lleva a conflictos, visibles en esta configuración como la lucha entre la persona en el escenario y sus apariciones vídeo. Durante el curso de la pieza, llegamos a conocer a tres vídeo-identidades o personajes principales, algunos más fuertes que otros. Después de un tiempo estos personajes son capaces de traspasar el mundo del vídeo y presentarse en vivo en el escenario, en el cuerpo del intérprete.

La obra hace uso de una configuración técnica que permite la sincronización exacta entre el video, sonido y iluminación. De esta manera se puede utilizar técnicas similares a las utilizadas en el cine y la televisión para introducir cortes marcados en las imágenes presentadas en vivo en el escenario y en la pantalla de proyección. Esto presenta un reto para el intérprete en escena: tiene que cambiar de personaje en un instante, “saltando” de su papel a la imagen de vídeo, aprovechando un “oscuro” durante un momento, o entrar detrás de la pantalla en el momento exacto en que su vídeo-imagen aparece...

Los elementos escénicos, el video y el sonido juegan un papel tan importante como el movimiento. Cada uno de ellos crea una serie de acontecimientos, a veces independientes de los otros medios. Para la intérprete, sin embargo, son rivales ante su intento de posicionarse.

Idea, coreografía, video, texto: Henrik Kaalund Interpretación: Catherine Jodoin Creación sonora: Michael Haves Henrik Kaalund, bailarín y coreógrafo danés que vive ahora en Berlín.

Su formación profesional se completó en la John Cranko School, Stuttgart and David Howards School of dance, New York, y con le Cleveland ballet, Ballet Arizona, Basel Ballet, Dormunt Ballet, donde trabajó con Rui Horta, Amanda Miller, Mei Homg Lin y Jean Renshaw entre otros.

Ha bailado con las compañías de Conny Jansen Danst-Rotterdam, Jan Pusch-Hamburgo, Felix Landerer-Hannover, Pieter de Ruiter-Amsterdam, entre otras. Ha creado coreografías para el Dormunt Ballet, Ballet Hildesheim, Ballet Greifswald en varias ocasiones y ha ganado varios premios como coreógrafo y bailarin en Hannover, Leipzig, Burgos, Atenas

FESTIVAL BAD 2011 - DANZA Jueves 3 de Noviembre a las 19 :00 h

Cia. LEIRE ITUARTE / Bilbao “@leph”

El @leph, una minúscula esfera de apenas dos o tres centímetros de diámetro brinda al espectador la posibilidad de contemplar, sin disminución de tamaño, el espacio cósmico en su totalidad. La fantasía panóptica de una aventura proporcional a su posibilidad para imaginar y explorar otros mundos y otros planetas. Un viaje virtual y solitario de posibilidades, una simulación de individuos, encuentros, realidades, laberintos y espejos que se reduplican. Hasta que el viajero extenuado comprueba, desconcertado frente a la realidad del simulacro, que en el @leph también él está siendo observado. Concepto & Dirección: Leire Ituarte Interpretación: Gustavo Gorosito, Nélida Ranedo Coreografía: Leire Ituarte, Gustavo Gorosito, Nélida Ranedo Iluminación: Gabo Punzo Concepción vídeo: Leire Ituarte, Adrián Hernández Videocreación: Adrián Hernández Espacio Sonoro: Edu Zallio Arreglos sonoros: Ahoztar Larrea Construcción escenográfica: Gabo Punzo Vestuario & Estilismo: KataKlismo Fotografía: Adrián Hernández Texto: Jorge Luis Borges Locución: Gabi Ocina Producción: Flakos’ Producciones Creativas Elkartea Colaboran: La Fundición, Dpto de Cultura del Gobierno Vasco Agradecimientos: U.P.V (Facultad de Ciencias Sociales y de la Comunicación) Esta creación ha participado en el Programa de Residencias Artísticas de La Fundición @leph rinde tributo a los laberintos de Borges y el “Panóptico” de Michel Foucault como metáforas visionarias de la expansión de la red cibernética, entendida no sólo como utopía virtual de un viaje inmóvil a través de realidades múltiples, simultaneidad de tiempos, espacios y posibilidades sino como dispositivo disciplinario de vigilancia y control de las nuevas tecnologías del poder en la cultura del simulacro.

También reflexiona sobre los efectos que ese imaginario virtual de mundos posibles ha ejercido sobre el concepto mismo de “realidad” que heredamos de la época moderna. La simulación digital de la realidad, tras alcanzar cotas de perfección hasta ahora inimaginables, es responsable de que en la era del simulacro lo “real” –reducido a utopía, objeto perdido- y lo “virtual” –en tanto que ilusión o simulacro de lo “real”- se hayan convertido en categorías intercambiables. La confusión entre lo real y lo virtual, el original y la copia, el mapa y el territorio ha penetrado en las narrativas posmodernas como ansiedad colectiva y leitmotiv recurrente del desvanecimiento de “lo real” mismo y sus efectos colaterales en el “debilitamiento” de las viejas coordenadas identitarias del sujeto moderno. @leph también se pregunta, por tanto, sobre la nueva condición del sujeto posmoderno atrapado en el laberinto cibernético a partir de un trabajo de exploración en torno a la manipulación tecnológica de los cuerpos y la confusión y los límites, cada vez más difusos, entre el cuerpo virtual y el cuerpo real, el cuerpo artificial y el cuerpo natural, el cuerpo mecánico y el cuerpo biológico; una reflexión, en última instancia, sobre el desvanecimiento del cuerpo mismo o sobre la cada vez más apremiante concepción de éste como simulación generada y manipulada por control remoto.

FESTIVAL BAD 2011 DANZA

Sábado 5 – Domingo 6 de Noviembre a las 19:00h. Cia. ARKADI ZAIDES/ Israel

“Quiet”

Este espectáculo nace de un verdadero sentimiento de urgencia, en vista de la creciente violencia y la desconfianza entre las diferentes comunidades en Israel. Constantemente sometidas a estados de choque, no se da el espacio necesario para una reflexión que permita el cambio. En este entorno, era acuciante crear una plataforma que permitiera una comunicación abierta y honesta, un espacio donde estar a salvo para dejar salir los demonios, un espacio donde se examinara la irracionalidad de las reacciones y se exploran las emociones con valentía; un espacio donde se buscara abrir perspectivas y horizontes y se volviera continuamente a reconstruir una relación de confianza. Palestinos e Israelíes, actores y bailarines, el proceso creativo se ha inspirado y alimentado de las diferencias entre las realidades sociales y la formación artística de los intérpretes participantes. Los cuatro personajes de la obra desvelan un paisaje de agresión, compasión, confusión y anhelo. En medio de esta intensidad, se busca constantemente un lugar capaz de contener todas las capas en conflicto – un lugar tranquilo. Coreografía y dirección: Arkadi Zaides Colaboración artística: Joanna Lesnierowska Intérpretes: Muhammed Mugrabi, Rabie Khoury/Ehud Darash, Ofir Yudilevitch, Arkadi Zaides Música original: Tom Tlalim Grabaciones adicionales: Ziv Jacob, Domenico Ferrari, Ran Slavin Espacio escénico: Klone Iluminación: Firas Roby Vestuario: Salim Schada Producción: Yoav Levi Co-producción: Arts Station Foundation, Poznan, Poland Colaboradores: Israeli Ministry of Culture and Sport - Dance Department, Teva - Pharmaceutical Industries, the Israel Lottery Foundation, the abinovitch foundation, Rabeah Morkus Studio for Dance and Movement, the Polish Institute - Tel Aviv.

Danza - Teatro

Viernes 11 - Sábado 12 a las 20:00 h, Domingo 13 de Noviembre a las 19:00 h

Cia. IKER GÓMEZ / Barcelona “La Danza del Cisne” el ballet en miniatura

En esta pieza escénica, el coreógrafo y vídeo-realizador Iker Gómez reinterpreta en un código contemporáneo al ave más preciada del ballet: el manido cisne. Tres intérpretes, arquitectura e integración del video en la acción escénica, danza contemporánea, teatro físico, música en directo, texto, activismo existencial y una inevitable dosis de humor para desarrollar todo un ballet en miniatura: La Danza del Cisne. “Una calculada progresión del espectáculo que va ganando en interés y en fuerza, la manera sutil pero decidida en que va evolucionando el papel que juega la intérprete que le acompaña y el fantástico e ingenioso entorno audiovisual de gran riqueza y expresividad a partir de elementos tan simples como una manada de cisnes de origami, además de un gran acierto que engancha al espectador, nos desvela a un coreógrafo contemporáneo con las claves fundamentales para unir la eficacia y la emotividad del conjunto de una obra”.

Kyriaki Cristoforidi / crítica e historiadora de artes escénicas Dirección/ Video/ Coreografía: Iker Gómez Música: Nerea Alberdi. Libre interpretación de “El Lago de los Cisnes” de Tchaikovsky Intérpretes en escena: Iker Gómez/ Nerea Alberdi Video intérprete: Pili Abaurrea. Diseño de luces: Daniel Caballero Coproducción: CAET - Fábrica TNT/ AREAtangent Soporte: Centro Coreográfico Galego/ La Casa Encendida/ Aula de Danza de Alcalá de Henares Agradecimientos: Ana Belén/ Cristina/ Raquel/ Pepe/ Carolina/ Maral/ Laura/ Manu/ Agu/ Pili El coreógrafo/ CV Comienza sus estudios en el País Vasco dividiendo su tiempo entre la Universidad de Bellas Artes y el Estudio de Danza. Completa su formación con un postgraduado en el Institut del Teatre de la Diputació de Barcelona donde pasa a formar parte de la compañía del Institut-ITDansa. Durante cinco años, desarrolla su carrera como bailarín profesional en teatros europeos como el Ballet Nacional de Suiza o el Regensurg Tanztheater, teniendo oportunidad de trabajar con coreógrafos internacionales de diferentes estilos como Jiry kilyam, Stjin Cellis, Rui Horta, Wim Vandekeybus o Jo Stromgrem, entre otros. Motivado por la inquietud de conocer nuevas tendencias y estilos coreográficos, abandona la estructura de los grandes teatros para saltar al mercado europeo de las compañías freelance.

En este nuevo marco comienza a trabajar estrechamente con los coreógrafos y directores, enfocando su carrera hacia la dirección escénica, la coreografía y las artes audiovisuales. En este periodo, centra su trabajo en investigar y profundizar la doble perspectiva que le aporta el movimiento de la cámara, desarrollando posibilidades cinematográficas, que aplicadas a la composición coreográfica, le permiten enmarcar la danza, el teatro y la acción en escena en un nuevo espacio y contexto.

ENTRADA LIBRE

Jueves 17 a las19:00h

Encuentro In-formal con los Chévere antes de ver su Citizen en La Fundición

CHÉVERE/ Santiago de Compostela

“CITIZEN”

CUANDO DAMOS LA CARA NOS VA DE CULO, PERO ES QUE NO TENEMOS BUEN

PERFIL Encuentro In-formal con los Chévere antes de ver su Citizen en La Fundición. Los Chévere llevamos casi 25 años tratando de encontrar nuestro mejor perfil, pero al final siempre acabamos dando la cara. Y cuanto más damos la cara más nos va de culo. Cuando tocaba subirse al carro de las grandes celebraciones socialistas abrimos una sala alternativa a la que llamamos la Nasa. Cuando nos hubiese correspondido acceder a lo contemporáneo nos inclinamos por lo cómico e hicimos una de vaqueros. Cuando aún no estaban de moda los musicales montamos una opereta pop. Cuando ya sólo funcionaban las comedias con famosetes nos empezamos a poner serios. Cuando ayudamos a jubilar a Don Manuel no aprovechamos las circunstacias bipartitas. Cuando volvieron los del PP y resistimos nos acusaron de terroristas. Y cuando tuvimos que cerrar la sala se enteraron los de la CNT y nos llamaron explotadores. Ahora teníamos que montar uno de esos espectáculos muy progres y muy bien hechos que tanto gustan en Madrid o en Barcelona, aprovechando la crisis para ponernos del lado de los buenos con un par de reflexiones ingeniosas, y nos ha salido un bio-pic un poco minimalista del tipo este que se forró con lo de Zara, una cosa entre graciosa, documental y emotiva, pero invendible porque dura más de tres horas e intraducible porque por mucho que hablemos en español, esto sigue sonando a gallego cerrado.

CIRCUITO DE LA RED DE TEATROS ALTERNATIVOS Viernes 18, Sábado 19 de Noviembre a las19:00h Domingo 20 de Noviembre a las 18:00h / TEATRO

CHÉVERE/ Santiago de Compostela “CITIZEN”

CITIZEN I - CITIZEN II - CITIZEN III Versión completa e íntegra de Citizen, un espectáculo de 3 horas y 15 minutos de duración con 2 intermedios. El Proyecto Después del trabajo realizado con Testosterona sobre identidad y construcción de género, el nuevo proyecto de creación escénica de Chévere para 2011 es CITIZEN. Se trata de poner en práctica nuevos procesos de trabajo y producción, combi-nando la apuesta por la investigación con la necesidad de obtener unos resultados de cara al público. El proyecto completo de Citizen está estructurado en tres partes, en tres espectáculos autónomos de pequeño y mediano formato, que se fueron haciendo y estrenando a lo largo de la temporada 2010-2011 como si se tratase de una obra de teatro por episodios. Cada uno de ellos es la continuación y la consecuencia del anterior. Y, al final, la suma de los tres supondrá un nuevo espectáculo de mayor formato. Citizen se inspira en el Citizen Kane de Orson Welles. Esta película cuenta la historia de Charles Foster Kane, un empresario norteamericano de la comunicación que llegó a ser una de las personas más ricas y poderosas del mundo en el primer tercio del siglo XX. Nuestra obra cuenta la historia de A.O., un empresario gallego del textil que se convierte en una de las personas más ricas del mundo en el último tercio del siglo XX. DE QUÉ HABLA CITIZEN? Citizen habla de la construcción de un imperio económico desde la periferia. Habla de cómo utilizar lo que nos ofrece la historia en beneficio propio, de cómo se construye la realidad como si se tratase de un culebrón. Citizen es la biografía no autorizada e inventada de un personaje real llamado Amancio Ortega, dueño de Inditex, más conocida como Zara. De esta manera, Citizen se convierte en una buena disculpa para hablar, ironizar y cuestionar los efectos de la globalización en relación con nuestras identidades individuales y colectivas. CITIZEN I (Mayorías silenciosas) (75 min) Nos sitúa en ese momento iniciático que tiene toda gran aventura. Cuando es difícil separar la realidad de los sueños. La verdad, de la invención. El teatro, de la vida. Pero también es una historia de la Transición, contra la Transición. Estamos en 1975. Franco ha muerto. Todo tendría que cambiar. Ella está exactamente donde hay que estar. Él no tiene posición.

Ella es de un lugar del que viene hu-yendo. Él no sabe ni de dónde viene, pero sabe exactamente a dónde quiere llegar… Citizen I es un trabajo hecho con la palabra y el texto, pero también opera con cámaras en directo y proyecciones para mostrar la construcción de realidades paralelas y contradictorias. Citizen I se estrenó en la Sala Nasa de Santiago de Compostela el 6 de octubre de 2010. CITIZEN II (Made in Galiza) (65 min) Es una obra hecha desde el cuerpo de cuatro actrices para contar, con muy pocas palabras, lo que fue el trabajo de miles de mujeres anónimas en talleres semiclandestinos durante los años 80 y 90. Esa parte de la historia que nadie cuenta y que permitió el crecimiento y la expansión inicial de Zara. Citizen II se estrenó el 24 de noviembre de 2010 en la Sala Nasa. CITIZEN III (Wii economía) (65 min) Es un ejercicio de economía-ficción. Trabajar con la más pura actualidad para llevar lo real al escenario de la ficción teatral. Habla de la crisis económica, de las consecuencias que no tuvo, del colapso del capitalismo y del fin de la globalización. Citizen III se estrenó el 3 de febrero de 2011 en la Sala Nasa. En marzo de 2011, en la Sala Nasa se puso en escena la versión completa e íntegra de Citizen, un espectáculo de 3 horas y 15 minutos de duración con 2 intermedios. Una creación: Chévere, compañía residente en la Sala NASA. En escena: Patricia de Lorenzo, Manuel Cortés, Miguel de Lira, Mónica García, Arantza Villar, Nekane Fernández, Iván Marcos Dramaturgia y dirección: Xron Movimiento escénico: Rut Balbís Guión: MCortés Arreglos sonoros: Xacobe Martínez Antelo Vídeos: Oroboro Films, Quadra producións Sonido/proyecciones: Xacobo Castro Iluminación: Dr. Cabaleiro Locutores informativo: Monti Castiñeiras, Iria Pinheiro Producción: Juancho Gianzo Comunicación: Xana García Diseño gráfico: Fausto Isorna Economistas colaboradores: Xosé Manuel Beiras, Xavier Vence, Lidia Senra, Fernando García Tobío Con el apoyo de: AGADIC, Concello de Santiago de Compostela, INAEM Nuestro agradecimiento a Óscar, Paco Bixou, Lola, Dominga, Amalia, Estrella, a las cooperativistas de Harmonía y Millenium, al Padre Jorge, a Belén, a Fátima.

CIRCUITO RED DE TEATROS ALTERNATIVOS

Viernes 25 - Sábado 26 a las 20:00 h Domingo 27 de Noviembre a las 19:00h AGRUPACION Sr. SERRANO/ Barcelona

“Memo”

Interpretada por tres performers, diez magnetófonos, un vídeo VHS, una sandwichera eléctrica y decenas de globos hinchables, MEMO explora los mecanismos de construcción de la memoria a través de una puesta en escena apoyada en la danza, la creación sonora y el vídeo en directo. Una determinada experiencia pone en marcha nuestro cerebro y de golpe queda fijada como recuerdo en nuestra memoria. En un primer momento parece que el recuerdo es fijo, pero las imágenes que atesoramos con voluntad inmutable cambian constantemente: son contaminadas por nuevas experiencias, alteradas por elementos de otros recuerdos parecidos y peinadas por el tiempo. MEMO sucede en la Sección de Cumpleaños Singulares de la Memoria de una persona cualquiera, donde tres individuos esperan pacientemente la entrada de las experiencias de esta persona y se encargan de construir, mantener y transmitir sus recuerdos, en una lucha constante para conservarlos inmutables. Y es que, seguramente, esta lucha contra la inexorable caducidad de los recuerdos, a pesar de saberla estéril y abocada al fracaso, está en el núcleo de aquello que nos define como seres. Formalización Como es habitual en las producciones de la Agrupación Señor Serrano, MEMO se formaliza a través de la mezcla de lenguajes y disciplinas. Un grupo de tres bailarines-performers conforma el cuerpo físico de la pieza, a través de la coreografía y, sobre todo, de partituras de movimiento y acción. Son ellos los que soportan el peso principal de la dramaturgia a partir de la ejecución de las diferentes escenas, basadas en la manipulación de objetos, coreografías, elementos multimedia y otros recursos físicos y visuales. Como ha sido recurrente en nuestra trayectoria, la captura de vídeo en vivo y la aplicación de efectos de imagen en tiempo real es una de las herramientas más destacables de la pieza, aumentando, fraccionando, multiplicando o deformando aquello que sucede en escena para añadir significado a la acción. El resultado final de MEMO es el de una pieza de teatro visual/danza con predominio de la composición plástica, sonora y gestual.

Dirección: Àlex Serrano Dramaturgia: Pau Palacios y Àlex Serrano Performers - Colaboradores en la creación: Diego Anido, Susana Gómez y Claudia SolWat Aplicación interactiva de vídeo: Martí Sánchez Fibla Coreografía: Claudia SolWat Espacio sonoro y música: Sebastián García Ferro Diseño de iluminación - Vestuario: Isabel Franco Ayudante de dirección - Producción: Barbara Bloin y Pablo Rosal Creación de vídeos: Josep Maria Marimon Asesor del proyecto: Víctor Molina Agradecimientos: Pau Bachero, Sol Picó Cia de Dansa, Heroínas de la cultura, Color Impar y Anna Díaz Laudo Una producción de Agrupación Señor Serrano y Centre d'Arts Escèniques de Terrassa (CAET) Con el apoyo del CoNCA (Consell Nacional de la Cultura i les Arts - Generalitat de Catalunya) y el INAEM-Ministerio de Cultura Proyecto ganador del Premio a Proyecto de Escenificación 2010 del Institut del Teatre de Barcelona La Agrupación Señor Serrano es compañía residente del centro para el desarrollo de las artes L'Estruch de Sabadell

Programa: II CIRCUITO IBEROAMERICANO DE LA RED DE TEATROS ALTERNATIVOS

Sábado 10 a las 20:00 – Domingo 11 de Diciembre a las 19:00h. GRÁFICA GÉNESIS/ Costa Rica

“Homotextual”

“Siempre hubiese querido…desenterrar todas las penas enterradas…hubiera querido romper el alma. Me hubiera gustado rasgar con una voz áspera la superficie lisa de nuestras buenas intenciones. Me hubiera gustado no morir, pero si he de morir, moriré con las botas puestas.” Homotextual es una pieza unipersonal en un solo acto, que expone el tema de la humanidad como parte de un sistema que encasilla a hombres y mujeres a cumplir con procesos ya definidos, determinándoles a roles, estereotipos, condicio-nes sociales, tradiciones, costumbres, idiosincrasias establecidas y sistematizadas que forman parte de una (sociedad normal). Creado por el autor con el fin de generar un matiz psicológico de acercamiento con el público, manipulando positivamente puntos semióticos característicos en los aspectos homotextuales: Búsqueda de la identidad, alteración del temperamento, puntos de referencia parecidos a la personalidad del intérprete e identificación con algún punto de referencia llamado público, entre otros. Este es un proyecto con perspectiva social de género, basado en la danza-teatro, que expone la condición masculina y femenina estereotipada en la sociedad civil, que limita al ser humano y le restringe su elección de ser, traspasa la línea de búsqueda de identidad como personas y expone la necesidad de confirmación como seres auténticos. Dirección y Coreografía: Francisco Centeno Intérprete: Adrián Figueroa R. Asesoría en dramaturgia: Ofir León Composición Musical Original y Edición: José Duarte Voz en Off: Alfonso Solano Creación Audiovisual: Anthony Sharpe Diseño de Vestuario: Francisco Centeno y Adrián Figueroa R. Creación de Vestuario: Rosaura Meza Diseño de Espacio Escénico: Francisco Centeno Diseño de Imagen: Gráfica Génesis Diseño Gráfico: Gráfica Génesis, Rigoberto Gutiérrez Fotografía de Afiche: José Moya Exhibición de Fotos: David Fernández Diseño de Luces: Francisco Centeno y Nereo Salazar Luminotecnia: Gráfica Génesis Producción General: Gráfica Génesis, Ricardo Alfieri Comunicación y Difusión: Sylvia Sossa y José Martínez

Teatro Familiar Viernes 16 - Sábado 17 a las 20.00h

Domingo 18 de Diciembre a las 19:00 h ONIRICA TEATRO / Madrid

“CIRCO SUBMARINO”

Público familiar a partir de 7 años. 50 min Circo submarino es un sorprendente, divertido y reflexivo circo contemporáneo de objetos, marionetas y autómatas para un presentador con agallas y un manipulador marino. ¡Cojan aire porque nuestro espectáculo comienza a 200 metros de profundidad! Señoras y señores, bienvenidos al gran Circo Submarino. Un circo con: Malabaristas de palabras, Ladrones de Aire, Hombres payaso, magos capaces de hacer desaparecer bosques, fieras humanas…, Un catálogo de seres extraños: El hombre que todo lo sabe, la mujer de Hielo… Seres que algún día poblaron la Tierra. Niños y niñas, bienvenidos al mejor espectáculo de fracasos del mundo submarino, al circo de los olvidados… Pasen y vean todas las miserias de la última especie extinguida. El Ser Humano. ¿Por qué el mundo del Circo? Por su sentido del RIESGO Y el EQUILIBRIO… Hombre sin agallas: Jesús Nieto Manipulador Humano: Sergio García/ Nico García Técnico marino: Paloma Parra/Sergio García Diseño de iluminación: Paloma Parra Construcción circo: Ferroluar Producción: Onírica Mecánica Un espectáculo creado por: Jesús Nieto Espectáculo realizado con el apoyo de: Ayudas a la creación Matadero Madrid Jesús Nieto artista residente en: AVAM Proyecto becado para su creación y desarrollo: Comunidad de Madrid, Desarrollado en Residencia en el Teatro Pradillo. Proyecto finalista 11ª premios de proyectos de Artes Escénicas Lleida 2010. Proyecto pre-seleccionado Beca incubadora. OLOT. PNRM 2010.

La FuNdicIO A R E T O A

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