17.- arte barroco
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Arte y Arquitectura/Barroco
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BARROCO
a palabra barroco se usó para designar despectivamente a las manifestaciones artísticas
posteriores al Renacimiento.
Al principio fue un vocablo despectivo y desdeñoso, barrueco, que significa en
portugués perla de forma irregular, sinónimo de raro, extravagante. Se traduce como el desprecio de
las reglas; como una búsqueda de originalidad, en la que predominan las líneas curvas sobre las
rectas; la fantasía sobre la realidad. Es una tendencia que gusta de temas complicados; ubicada
entre el 1600 y 1750, entre el Renacimiento y el Neoclasicismo y naturalmente, opuesto al
Renacimiento.
AMBIENTE HISTÓRICO
Tres momentos históricos importantes definen la manifestación artística del barroco:
La Reforma Luterana.- A raíz del comercio con las indulgencias, Lutero, un monje dominico se
rebela contra Roma y quema públicamente la bula papal de excomunión, dando lugar al segundo
gran cisma de la Iglesia Católica al crear el protestantismo, religión de origen cristiano, que no
acepta algunos dogmas de la Iglesia y basa su proceso de fe en las enseñanzas estrictas de la
Biblia.
Esta religión fue difundida por Calvino y Swinglio, dando origen a una serie de Ramas
protestantes como los Hugonotes, los Anglicanos, los Presbiterianos. Este cisma provocó una
sangrienta lucha religiosa que se propagó por toda Europa.
La Contrarreforma.- En respuesta a este movimiento la Iglesia convoca a un concilio en el que
se establecen algunas reformas. Es el histórico Concilio de Trento a raíz del cual varias órdenes
se reforman en la búsqueda por el verdadero camino de la santidad. Así surgen personajes
extraordinarios como Santa Teresa de Ávila y San Juan de la Cruz, reformadores del Monte
Carmelo por un lado, y por otro, San Ignacio de Loyola, fundador de la Compañía de Jesús,
cuyos adeptos fueron rigurosamente entrenados para el debate intelectual ante los tiempos
críticos que vivía la iglesia sobre todo en el campo de la interpretación de la fe.
El Absolutismo Monárquico.- Cansada la sociedad de tantas luchas y destrucción, optaron por
un régimen monárquico, como la única salida al orden y la paz. Esto propició la unificación de
los estados. Soberanía encarnada en una sola persona, el rey. Nacionalismo y patriotismo
derivado de las enseñanzas de Maquiavelo, limitado por la ley divina, como el caso de Enrique
VIII.
Estos tres acontecimientos serán determinantes en la manifestación artística según la región
pues algunos lo harán desde el punto de vista de la corte, otros desde el punto de vista religioso
contrarreformista y otros de carácter reformista como se verá más adelante.
Característico de esta época es la introducción del Racionalismo de Descartes que desde la
óptica filosófica dará sentido a la expresión artística. El Racionalismo surge en oposición al
realismo, léase entre líneas Renacimiento versus Barroco. Lo natural es dudoso que exista tal cual;
lo único real es la conciencia... “pienso, luego existo”... por consiguiente, las cosas no tienen un
orden prefijado sino el orden que les da el sujeto que las ve. La cosa no se presenta como es, sino
como la ve el artista. Esto dará como resultado un arte muy subjetivo que se expresará a través de la
línea curva y del movimiento.
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Con el racionalismo se desarrolla la ciencia sobresaliendo grandes personajes como los ya
mencionados Copérnico, Galileo y los grandes hombres de ciencia como Torricelli, Newton,
Farenheit, Bayle.
Aliado indispensable de esta época es lo complicado y oscuro. Así, la literatura produce
grandes genios como W Shakespeare, Pascal, Cervantes, Tirso de Molina, Góngora, Quevedo cuyos
escritos se caracterizan por el oscurecimiento tanto del lenguaje como de las ideas.
ARQUITECTURA
Casi siempre, al finalizar una época. se producen formas caprichosas, retorcidas o
exageradamente ornamentadas. Quizás sea por la tendencia por romper el equilibrio y la unidad de
un estilo establecido a través del dinamismo y el movimiento, que a su vez, son la expresión de
momentos históricos caracterizados par la crisis.
Así, puede considerarse barroco el helenismo respecto al clasicismo, al gótico respecto al
románico; a esto se le llama, la ley del cansancio.
El barroco, surge como producto de una gran fatiga dada por el renacimiento, no sólo
diferente sino opuesto, ya que por ejemplo, sus plantas son en el fondo nuevas, anti-clásicas, anti-
renacentistas..
Su fuerza y vitalidad se debe al cambio espiritual y político que se viene gestando. La
Reforma protestante, la Contrarreforma y el Absolutismo Monárquico son factores importantes en
el desarrollo del barroco, acontecimientos que desembocarán en la Revolución Francesa.
Por otra parte, se desarrolla el concepto de periferia opuesto al de centro en relación con el
hombre, quien se evade de su perfecta envoltura clásica y se dispone a buscar lo ilimitado en todos
sus aspectos..
Este movimiento se expresa en arte, en formas ampulosas, ricas y ondulantes, lenguaje
florido, nuevas expresiones plásticas y musicales.
En arquitectura se rompe la estabilidad clásica, se curvan los muros, se exagera el relieve,
se superponen columnas y frontones, se interrumpen molduras retorciéndose en volutas y sobresale
el adorno curvo, abundante violentado ondulante espumoso.
La arquitectura se viste de gala, se vuelve esplendorosa, glamorosa y plasma el triunfo de la
Iglesia en la Contrarreforma, siendo así el vínculo universal entre la iglesia y el hombre. Glorias,
altares magníficos, y portadas, se suceden en cierta forma como si fuera un a especie de gótico pero
en sentido horizontal.
La forma pierde valor ante el fondo. Es una forma de escritura, no importa que los
caracteres sean bellos o feos en sí, mientras la idea que expresen sea importante.
E l a r t e c l á s i c o e s e l a r t e d e l s e r
E l a r t e b a r r o c o e s e l a r t e d e l d e v e n i r.
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ITALIA
Arquitectura.-
l barroco nace en Italia y nace como arquitectura de la escultura, fundiendo la estructura en el
modelado. Se inicia con la construcción del templo de
la Compañía de Jesús, cuya planta fue diseñada por
Vignola, que armoniza la composición central
bizantina con ábside y cortos brazos transversales y la nave
longitudinal latina. Cúpula del crucero sobre tambor con
ventanas, suspendida por amplias pechinas. Al exterior
se expresa la nave y las capillas laterales por medio
de un cuerpo inferior que abarca todo el ancho de la
iglesia y de un cuerpo superior central coronado por
un frontón circular. Un severo juego de pilastras se
superponen para alcanzar el frontón y unifican el
conjunto.
La transición se resuelve con un elemento
decorativo; dos muretes como aletas recortadas en
curva y que ligan con gracia ambos cuerpos . Su forma es
de grandes eses invertidas que llenan con sus volutas lo
ángulos sirviendo al mismo tiempo de soportes laterales.
La fachada es obra de Giacomo della Porta
Otro personaje importante es Bernini quien proyecta la Plaza de San Pedro con el fin de
darle a la fachada el efecto de grandiosidad. Está compuesta
por un inmenso óvalo de entrada y una avenida central que
comienza a cerrarse al llegar a las gradas de la Iglesia., la
que queda enmarcada como un amplio fondo de perspectiva.
La plaza está rodeada por
la columnata, o sea, por un severo
pórtico adintelado de orden
toscano cuyo cerrado ritmo parece
conducir al espectador hacia el
templo.
Francesco Borromini es el auténtico creador de las formas
barrocas.
En San Carlos a las cuatro Fuentes presenta una planta ovalada
irregular a base de curvas y contracurvas sucesivas que dan a los muros
un continuo movimiento.
Pintura
Partiendo del concepto cartesiano de la realidad, el movimiento pictórico en Italia vuelca su
producción a la interpretación subjetiva de la misma refugiándose en el tenebrismo y la oscuridad
como aliado fiel del pintor.
Miguel Angel Caravaggio es quien introduce este nuevo planteamiento en la pintura.
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En su “Vocación de San Mateo” narra el preciso momento en que Jesús se aparece en la escena y
llama a Mateo a seguirlo. La escena se desenvuelve en un ambiente de misterio en el que la luz
juega un papel muy importante, la cual proviene de la derecha a manera de reflector ( luz artificial )
que a su vez es el factor que envuelve y relaciona a
todos los personajes en la escena. Ese mismo
movimiento se acentúa por el diálogo que se da a
través de las manos tanto de Jesús como de San
Pedro y San Mateo que siguen una misma
dirección pero expresando situaciones diferentes.
La contraposición de los personajes se logra con
las figuras de los jóvenes sentados al extremo de
la mesa.
- “San Mateo escribiendo el Evangelio”.- En esta
pintura la composición parte de una ese que le
imprime un total movimiento a la escena.
Combinación de tonos oscuros y marrones en el fondo que hacen destacar los tonos brillantes
rojizos del manto de San Mateo y claro del ángel. Escena que se transforma en un ambiente cálido..
- “Muerte de la Virgen”.- La Virgen aparece ahogada en la
composición. El momento es dramático,
subrayado por lo hinchado del cuerpo y lo
cadavérico del rostro de la Virgen. La luz
escenográfica proviene de un ángulo
superior e ilumina la escena cuyos
personajes, se vuelcan sobre la Virgen en
diferentes actitudes de dolor..
- “Baco Joven”.- Mitología vista
por un barroco. El tratamiento de las frutas
merece especial atención. Los tonos
marrones aparentan lo pasado de las frutas,
al tiempo que el pintor se recrea en la
morbidez del personaje.
Otro pintor importante de esta etapa es Guido Reni.- En su “Matanza de Inocentes” resiente la
influencia de Caravaggio en sus composiciones
dramáticas y geométricas en medio de un paisaje
claro y .luminoso. En “Hipómene y Atlanta”,
resaltan las figuras en un fondo oscuro con
esculturales figuras humanas en un
movimiento tenso. La luz escénica ilumina el objeto
a la manera de las cuadros de Caravaggio.
Otros autores son: Luis Carraci autor de las
escenas en la galería del Palacio Farnesio entre las
que destacan: “Hércules entre la Virtud y el Vicio”
Giovanni Francesco Barbieri, el
Guercino pinta “La Aurora” en el Casino Ludovici en roma.
Antonio Canal, conocido como Canaleto pinta paisajes y escenas que representan el mundo
rico y fastuoso de Venecia.
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Escultura
La escultura barroca trata de buscar impresiones multilaterales y táctiles de las figuras. Es una
escultura movida y en lucha desenfrenada. El movimiento como característica común del barroco.
No es independiente y se encuentra encuadrada en un marco arquitectónico de suerte que la
arquitectura está en función de la escultura..
El escultor que destaca en este ramo es nuevamente Bernini. Su
“David” es creado con un cuerpo hermoso con los músculos en tensión
en el momento de arrojar la piedra. Es un hombre
menos impresionante que el David de Miguel
Ángel, más humano, lanzado a una aventura con
firmeza, reflejada en el rostro, a pesar de la textura
delicada del mármol.
En “Apolo y Dafne” consigue gran calidad
de carne y madera. El mármol se resquebraja y
cruje a punto de romperse.
En 1644 crea una de sus obras más
importantes.: El “Éxtasis de Santa Teresa”. Las
telas y las nubes en continuo movimiento se
mezclan en acabado marmóreo en el que destaca la expresión de abandono de la Santa.
En fin, el barroco en Italia representa el rompimiento con las formas renacentistas
integrándose de lleno a los ideales de la Contrarreforma sentando las bases del barroco en sus
plantas y fachadas movidas y en su tenebrismo pictórico.
BARROCO EN FRANCIA.
esde el gótico se dedicó a la imitación de italianos y flamencos sin aportar soluciones. Aceptan
la moda italiana
El marco histórico en el que se desenvuelve es el siglo XVII el siglo de los monarcas
absolutos con la dinastía de los Luises; Luis XIII, Luis XIV, Richelieu, Mazzarino y Colbert. Se
negocia con el burgués y se le extienden títulos de nobleza. Esta se bifurca en dos clases distintas.
La hereditaria y la que recientemente adquirió cargos.
Resultado de todas estas situaciones fue la continua realización de fiestas reales, veladas
aristocráticas que a la larga desembocarán en el Rococó, arte inútil, pequeño y sin ambiciones.
El monarca es árbitro de gustos e impone modas en todos los campos, desde el vestido hasta
el arte. Se desarrolla un gusto cultivado, sometido a reglas, desarrollando así un arte barroco
cortesano, palaciego, que terminará en lo clásico que pretende formas de validez universal. No se da
la inspiración individual.
Arquitectura
En arquitectura, como es natural, predominan los palacios. Entre ellos destaca el palacio del
“Louvre”, que resultó demasiado clásico, muy poco apropiado para el gusto francés que con el paso
del tiempo se iba refinando cada vez más construido por Claude Perrault.
Su fachada exterior esta cubierta con una monumental galería de columnas. La planta baja
hace de podium a las otras dos, surcada por columnas.
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Luis XIV concibe como su gran proyecto el
“Palacio de Versalles”, cuya fachada se debe a
Louis Ardouin Mansart con una gran variedad
de elementos decorativos y movimiento
logrado en molduras, balaustradas cornisas,
ventanales, roleos y fachadas diferentes en cada
uno de sus tres cuerpos.
Parte importante de este edificio es la
sala de los espejos de Charles le Brun en la que
la línea y el arabesco se requiebran dotando a la
sala de un inusitado lujo y fastuosidad
sorprendentes.
El parque, lugar de recreo y escenario de la fiestas palaciegas, fue diseñado por André le Notre,
quien convierte el bosque en una arquitectura de
planos geométricos con bellos jardines, bello
escenario de la fiestas cortesanas.
Francois Mansart, construye la Iglesia de Val
de Grace.
Ardouin Mansart construye también la Iglesia
de los Inválidos, de planta de cruz griega con un
santuario de planta ovalada al estilo de Borromini.
Fachada clásica y cúpula estilo Bruneleschi.
Escultura
El escultor francés que más destaca es Antoyne Coisevox, escultor favorito de la corte, que
desarrolla el retrato. De él es la “Diana Cazadora”..
También podemos mencionar a Pierre Puget con su obra “Milón de Crotona” de corte clásico.
Pintura
Resienten la influencia de los italianos y se expresan, al igual que ellos como tenebristas de
composición enfatizando el uso del claroscuro.
Autores principales son:
Georges la Tour.- cuyas obras se ven envueltas en una misteriosa atmósfera
de fuertes contrastes de luces y de sombras..
Obra. “La Magdalena y San Sebastián”.
Louis le Nain.- Adopta como Tema la vida campesina, humildes con un
tratamiento original de la luz con una tendencia claramente tenebrista.
Obras.- “Familia campesina”, “Interior con Campesinos”.
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BARROCO EN ESPAÑA
n España predomina la Monarquía absoluta de los Austrias y la Contrarreforma, que dieron
como resultado un arte cortesano y religioso por excelencia, debido al auge de la Iglesia.
No gustan de lo teatral y sensual o heroico propio del barroco sino de la sensibilidad
religiosa. El arte barroco en España coincide con el descubrimiento de América y con lo Reyes
Católicos, Fernando e Isabel. Carlos V, hereda España, Nápoles, Sicilia, Hispania y Norte de África
por parte de Juana la Loca, su madre: y Austria, Alemania y Países Bajos por parte de su Padre
Felipe el Hermoso.. Se intensifica la migración hacia América. En menos de 90 años se pierde el
imperio.
El barroco expresa el desengaño de un imperio real que se derrumba provocado por la crisis
de vivir al mismo tiempo la plenitud y la decadencia..
Arquitectura.-
España atraviesa por tres etapas en el campo de la arquitectura: la etapa purista, la churrigueresca y
la Italo-francesa.
En la primera etapa destacan:
Juan Gómez de Mora.- “Clerecía de Salamanca”. En esta obra aparecen ya los elementos
estrictamente barrocos en pilastras y cornisas. Construye también la “Plaza Mayor de Madrid”.
Juan Bautista Crescenzi.- “Panteón de los Reyes en el Escorial”; “Palacio del buen retiro”..
Alonso Cano.- Planos de la fachada de la “Catedral de Granada” formada por tres arcos de
medio punto.
Francisco Herrera .- Planos de la basílica del Pilar de Zaragoza de planta rectangular con
una majestuosa cúpula central.
En el segundo período destacan:
La familia Churriguerra cuyo representante más importante fue José Benito que más que como
arquitecto destacó como retablista. A él se debe el retablo del altar mayor de la Catedral de
Salamanca donde usa la columna salomónica, claro antecedente del barroco estípite mexicano.
Pedro de Ribera.- “Fachada del Hospicio”, “Iglesia de Monserrat”, “Puente de Toledo”.
Lleva más allá de Churriguerra la esencia decorativa de sus retablos, con estípites, molduras
asimétricas con la característica de monumentalidad escenográfica propia del barroco.
Narciso Tomé.- Transparente de la Catedral de Toledo; Retablo de la Catedral de León.-
Lleva a sus últimas consecuencias el estilo de Churriguerra.
En la última etapa en donde resiente la influencia de Italia y Francia, destaca Teodoro
Ardemans.- “Torres del Ayuntamiento Madrileño”.- de un barroco claro y sencillo de claros
contornos que más bien recuerdan a una obra neoclásica, dado que él era matemático
Otros autores de esta tendencia fueron : Juan B. Sachetti, Santiago Bonavia, Francisco Carlier.
Pintura
La pintura barroca hispana al igual que la arquitectura y escultura, se ve influenciada por dos
vertientes históricas muy importantes. La Monarquía absoluta de los Austrias y el movimiento
contrarreformista de carácter netamente religioso. Como ya se venía comentando, el arte va a
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reflejar en su expresión la influencia de estos acontecimientos, por lo que se origina un arte
cortesano por un lado, y religioso por otro dado el auge alcanzado por la Iglesia española de la
época.
La pintura hispana a diferencia de la italiana no es teatral o sensual o heroica sino religiosa
y realista. Técnicamente predominará el color sobre la línea y el dibujo; la luz se vuelve real a
diferencia de la luz escénica de Caravaggio o la luz misteriosa de Rembrandt. Se le da más
importancia a la perspectiva, sobre todo a la perspectiva aérea. Pinturas de composición sencilla
incluso deficiente. Naturalismo y por supuesto el tenebrismo como aliado fundamental del barroco
pictórico..
Surgen tres escuelas:
La Valenciana que abarca la primera mitad del siglo XVII con figuras como Ribera y Zurbarán
bajo el trono de Felipe IV.
José de Ribera es un pintor esencialmente
tenebrista y realista. Su pintura se caracteriza por la
aplicación espesa y abundante de pasta de color con
pincel corto y de cerda gruesa dando la sensación de
presentar figuras escultóricas. Entre sus obras se
pueden mencionar: “San Andrés”, “La Bella
Inmaculada”, “El Sueño de Jacob”, “El Patizambo”.
Por su parte, Francisco de Zurbarán se va a
identificar como un pintor de monjes cuya pintura presenta caracteres de extremado realismo y
tenebrismo. De él podemos mencionar: “San Hugo en el Refectorio”, “Bodegón”.
La segunda mitad del mismo siglo coincidente con el reinado de Carlos II la llena Diego de Silva
y Velázquez quien eclipsó a todos los anteriores. Su pintura lo coloca como un innovador en el
campo de la luz, como un claro antecedente del impresionismo del siglo XIX, pintando a base de
toques de pincel que van siguiendo las formas sin una definición plena. Capta perfectamente los
efectos de la atmósfera y de la profundidad, como un
verdadero maestro de la Perspectiva aérea, ese aire
circundante que envuelve las figuras y las
transforma con la lejanía.. De entre sus
obras importantes podemos mencionar: “Cristo
en la Cruz”, “Las Lanzas” y “Las Meninas”.
Esta última, por su trascendencia merece un
análisis más detallado, pues la obra plantea el principio
de que la imagen debe salir del cuadro.
Desde el punto de vista de la composición se
observa la tendencia a componer en aspa. En el
centro de la escena se encuentra la Infanta
Margarita con sus damas de compañía en una postura
de atención hacia el frente. A un lado se encuentra
Velázquez viendo hacia el frente como si observara un
objetivo, y teniendo frente a su mano levantada un gran
lienzo lo que hace pensar que pinta la escena que tiene al lado, al mismo tiempo que la escena que
observa hacia el frente.
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Por atrás de los personajes en la pared del fondo se aprecia un espejo, que refleja las figuras
que Velázquez pinta en el lienzo y que parecen ser los padres de la Infanta Margarita los cuales se
encuentran fuera del cuadro pero al mismo tiempo adentro..
Detrás de las Meninas se abre, al final de la escena, una
puerta por donde penetra un haz de luz y en la que se distingue
un personaje como deteniendo la luz pero al mismo tiempo
definiendo la perspectiva espacial que se prolonga en la
atmósfera del cuadro ( perspectiva aérea ) inundando la escena
de una suave penumbra.
En esta obra desaparece el dibujo como base fundamental
de la obra pictórica y en su lugar se aplica la paleta directa de
colores produciendo sensaciones de objetos que de cerca no se
distinguen lo que son, pero que de lejos, por el trazo del pincel,
parecen representar lo que en verdad expresan. Sella el cuadro en
primer plano, el perro cuya representación realista y natural es
intachable.
Lo importante de esta obra, es que permite que el
espectador forme parte del cuadro al verse reflejado, junto con
los padres de la Infanta Margarita en el espejo de la pared posterior.
Finalmente la Sevillana cuyo máximo representante fue Bartolomé Esteban Murillo. Pintor al
estilo de Donatello que como él gusta de expresar temáticamente en sus pinturas a los niños. Sus
obras así lo reflejan como la dulzura y belleza del rostro de su Inmaculada Concepción, rodeada
de una mística atmósfera de gloria; o los Niños comiendo Fruta, en donde refleja de alguna
manera sus épocas de infancia..
FLANDES Y HOLANDA
olanda pertenece, junto con Alemania al bando protestante. En Holanda se dan varios barrocos
dado que la forma viene dada por los supuestos socioeconómicos de la época.
El catolicismo plantea la idea de la monarquía como un derecho divino; mientras que
el protestantismo rechaza el autoritarismo relacionando al hombre directamente con Dios. No hay
intermediarios, por lo que el gobierno debe ser elegido por los ciudadanos.
Ambos países, Flandes y Holanda son dominados por la Burguesía y ambos dependen de la corona
española. Por lo que, bajo el concepto protestante de autoridad y el comercial de la burguesía se
sublevan de España, aunque con consecuencias diferentes:
En Flandes, la reacción es aplastada por la monarquía española; siendo sustituida la
burguesía por la aristocracia, el arte se vuelve religioso, por ser la Iglesia el principal cliente del
artista, tratando temas religiosos, vegetales, bodegones. En este contexto, el artista piensa en lo
divino que lo inspira por lo que su arte se volverá extático, llegando a una producción artística
industrializada derivada de un concepto artístico
Mientras que en Holanda la burguesía sale victoriosa formando un estado federal
descentralizado, empuñando las riendas del estado y desplazando a la aristocracia. Por consiguiente
su arte es no religioso; su cliente es el público aristocrático; sus temas son cotidianos que ocupan la
idea central o protagonista de la obra, instalándose así el artista, en la realidad doméstica. Es un arte
naturalista en el que el artista comercia con la obra de arte. Esto da como resultado la aparición del
mercader de arte y la consiguiente pérdida de prestigio del artista. No importa, en suma, el concepto
sino el acabado.
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En conclusión, en Holanda, el arte se vuelve comercial y por ende, pasajero anunciando a
los modernistas impresionistas del
siglo XIX..
El Pintor que llena el arte
flamenco de esta época es sin duda
Peter Paul Rubens, quien
desarrolla una pintura de intenso
colorido y movimiento con cierta
teatralidad como puede apreciarse
en el Descendimiento, las “Tres
Gracias” y la “Adoración de los
Magos”.
En Holanda por su parte la época se llena con tres grandes de la pintura eclipsados por Rembrandt
Van Rijn, ellos son : Frans Hals, John Vermerr y el propio Rembrandt quien es considerado como el
maestro del claroscuro, de la luz, del que más bien se
puede apreciar que
en lugar de pintar
con el pincel pinta
con un haz de luz
por lo que su obra se
distingue por el
manejo de la luz
artificial que parece
surgir de los
personajes mismos
que de algún lado.. Sus fondos son totalmente oscuros y los destellos de luz en mayor o menor
intensidad van delineando las figuras hasta adquirir posturas y gestos totalmente naturales.
Entre sus obras destacan : “La Lección de Anatomía”, el “Buey Desollado”, “Los Síndicos
de los Pañeros”, “La Ronda de Noche”.
En fin, el barroco pictórico es todo un acontecimiento en la Europa del siglo XVII y sus
excesos y exageraciones llegan a cansar y ante las ansias de estabilidad rota por la Revolución
Francesa, la historia tendrá que volver irremisiblemente a la norma que es sinónimo de orden y una
vez más, el arte tendrá que regirse nuevamente por la norma y la ley, dando paso así al
Neoclasicismo del siglo XVIII.