LAENTREVISTA

Ricardo Descalzo, pianista

ACTUALESLang Lang y

James Rhodes

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RECURSOSEntrenamiento

mental para músicos

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N 2

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#7. Diciembre 2017 Año VI. Época II

VENTA

RESTAURACIÓN

AFINACIÓN

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¡Tu piano, en buenas manos!

3#7 Diciembre 2017

En los últimos años ha cambiado la actitud de estudiantes y profesores de piano en relación a los tradicionales pianos de época, es decir, construidos antes de la Segunda Guerra Mundial. Hasta hace poco, éstos eran los pianos que se usaban para estudiar y los que se encontraban en los conservatorios.

A principios de los años 70 empezaron a importarse los primeros pianos de Japón y de la antigua Europa del Este. Estos nuevos pianos desplazaron rápidamente a los tradicionales. Durante los años 90 empezaron a invadir Europa pianos japoneses de segunda mano y, en los últimos años, son los renovados los que han tomado su lugar. Esto ha hecho que el piano antiguo haya quedado en un lugar marginado y considerado en ocasiones como una evolución caduca en el desarrollo de la historia del piano.

Nosotros no compartimos este criterio. En muchos casos estos pianos eran de mala calidad y su restauración no es recomendable. En otros, son instrumentos de marcas míticas, muy valoradas en su época, que merecerían volver a sonar.

Estos instrumentos fueron concebidos con una sonoridad distinta, y pueden convivir con los modernos. Son ideales para interpretar la música de la época en que fueron construidos y poder escucharla tal como la habían imaginado los grandes compositores.

Revista La Tecla 88ISSN 2531-2111Depósito Legal: MU 1015-2017

EditorialEL RINCÓN DEL ESPECIALISTA¿Es lo mismo afinación que mantenimiento de un piano?

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ACTUALESLang Lang y James Rhodes

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RECURSOSEntrenamiento mental para músicos

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PARTITURASMateo Soto

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LATIDOS DE LA TIERRAManuel Manrique de Lara

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LA ENTREVISTARicardo Descalzo

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DISCOS22

LIBROS24

ÓRGANO Otoño especial en el mundo del Órgano

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AGENDA Conciertos recomendados

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RETRATO György Cziffra

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LAENTREVISTARicardo Descalzo, pianista

ACTUALESLang Lang y James Rhodes

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RECURSOSEntrenamiento mental para músicos

#7. Noviembre 2017 Año VI. Época II

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N 2

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Se entiende por mantenimiento todos los trabajos necesarios para que el piano suene correctamente en su tono y timbre y que su mecanismo, teclado y pedales funcionen con la máxima precisión.

La afinación consiste en restablecer el tono del instrumento, es decir, a una altura del diapasón generalmente entre 440 y 442 Hz y establecer una relación determinada entre las notas de una escala. Por lo tanto la afinación forma parte de los trabajos que engloban el mantenimiento del piano. La afinación debería realizarse, como mínimo, una vez al año.

Además de la afinación, el mantenimiento incluye:

1. La regulación. El mecanismo, el teclado y los pedales se desajustan a causa del desgaste y compresión producidos por la fricción de sus partes móviles y también debido a factores ambientales como la humedad y temperatura. El mecanismo de un piano de cola tiene unos 25 puntos de regulación y unos 32 de fricción. Los desajustes pueden influir, por ejemplo, en la mala repetición, la dificultad de realizar pianísimos o en la pesadez o ligereza del teclado. Para que su funcionamiento sea lo más óptimo posible este debería ser ajustado con las cotas de reglaje dadas por el fabricante. Según la

EL RINCÓN DEL ESPECIALISTA

afinaciónde un piano?

que

mantenimiento

¿Es lo mismo

Existe una confusión bastante habitual, incluso entre pianistas profesionales, entre lo que significa el mantenimiento y la afinación de un piano.

BDK (Asociación alemana de Técnicos de Pianos) la regulación del piano de un pianista profesional debería ser revisada una vez al año.

2. La armonización. Consiste en la modificación del timbre y volumen de las notas del piano para que sean homogéneas en todo el instrumento. Esto se realiza variando la dureza y elasticidad del fieltro de los macillos. El uso del instrumento comprime el fieltro y lo endurece haciendo que el piano suene más “brillante” o metálico.

4#7 Diciembre 2017

3. Limpieza, con ella conseguimos eliminar el polvo, insectos y ácaros y los residuos del desgaste de los fieltros del piano. Al mismo tiempo podemos extraer objetos extraños que se introducen en su interior y que pueden interferir en su buen funcionamiento (bolígrafos, lápices, clips,...).

Las operaciones de mantenimiento se han de realizar sobre un piano en buen estado, es decir, que no precise una reparación y por un técnico de pianos que además de ser afinador conozca todas las partes del piano. Muchos pianos acaban deteriorándose debido a

la paradoja de que pianos que son afinados regularmente estén mal mantenidos.

De cara al buen estado de conservación del piano y, por tanto, de su mantenimiento son importantes las condiciones de temperatura y humedad del lugar donde se encuentra. Se considera óptima una humedad relativa situada entre el 50 y 60 por ciento. Asimismo, es importante evitar las temperaturas excesivamente altas o bajas así como los cambios bruscos.

La Tecla pianos

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• En el mantenimiento del piano incluimos limpieza, lubricación, revisión básica de algunos ajustes, resolución de pequeñas incidencias y afinación a tono.

• Informamos a nuestros clientes, con transparencia, sobre la diferencia de precio que puede existir entre el mantenimiento de pianos que atendemos con regularidad, y aquellos que no han sido revisados en un largo periodo de tiempo.

• El coste de la afinación incluye el trabajo real y el desplazamiento. El precio de los trabajos de mantenimiento será valorado en cada caso.

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ACTUALES

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ACTUALES

¿Está reñida lamercadotecniacon la calidadinterpretativa?

Lang LangJames Rhodesy

Las campañas de marketing suponen una inversión en la relación de la empresa con sus clientes, proveedores y hasta con sus propios empleados. Por lo tanto, las acciones de mercadotecnia pueden ser consideradas desde un punto de vista de la rentabilidad a corto o a largo plazo. ¿Pero, en el campo de la música y sus intérpretes; se puede aplicar sin dilaciones sin que por ello afecte a la calidad artística de los mismos? Aquí tenemos dos de los últimos ejemplos en ello, con puntos en común por ellos mencionados en sus autobiografías: la música les salvó la vida.

Lang LangConsiderado por el New York Times como el “artista más de moda del momento, en el ámbito de la música clásica”, llena las salas de conciertos de las principales ciudades del mundo y es el primer pianista chino invitado por las orquestas más prestigiosas del mundo. La revista “Time” lo incluyó en su lista de las cien personalidades del mundo más influyentes durante 2009 y más de mil millones de personas vieron su actuación en la ceremonia de inauguración de los Juegos Olímpicos de Pekín, donde es un símbolo de la juventud y del futuro de China.

A pesar de ser uno de los pianistas más aclamados y adorados por público de todo el mundo, Lang Lang ha sido sujeto de diversas críticas por parte de otros pianistas y escuelas historicistas dentro de la música. Esto se debe a que si bien el pianista chino tiene innegablemente muchas capacidades y una gran destreza, se le ha acusado de hacer espectáculo al borde de lo sobrecargado, aplicar exageraciones de “rubato” o de la ausencia de éste en

Lang Lang.

El concepto de mercadotecnia consiste en un conjunto de principios y prácticas que se llevan a cabo con el objetivo de aumentar el comercio, en especial la demanda. El concepto también hace referencia al estudio de los procedimientos y recursos que persiguen dicho fin. Implica el análisis de la gestión comercial de las empresas. Su intención es retener y fidelizar a los clientes actuales que tiene una organización, mientras que intenta sumar nuevos compradores. Pretende posicionar un producto o una marca en la mente de los consumidores.

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piezas de carácter romántico. Siendo muchas veces señalado como un pianista de marketing. “Lang” significa brillante y luminoso; su apellido del mismo tono, significa educado.

Lang Lang empezó a tocar el piano a la edad de tres años y con cinco ya había ganado la competición de Shenyang y tocado su primer recital. Entró en el Conservatorio Central de Música de Pekín a los nueve años y ganó el primer premio en la Tchaikovsky International Competition for Young Musicians. Según sus propias palabras tuvo una infancia muy dura, marcada por

la Revolución Cultural y la política de “hijo único”, la separación de su madre desde los 9 años para estudiar música en Pekín, y “su miedo a fallar”. Se le inculcó el concepto de trabajo y disciplina, pero de manera abrumadora para un niño que en otras culturas a la asiática también existe, aunque sin presiones. Con 10 años y poco después de que supieran que una profesora le había rechazado para entrar en el Conservatorio porque, según ella, no tenía talento, llegó una hora tarde a casa: su padre le dijo que se suicidara, bien tirándose por el balcón o tomándose un frasco de pastillas...

James Rhodes.

Su éxito ha inspirado a millones de niños chinos a estudiar piano. Lang Lang es representante de la Orquesta Sinfónica YouTube, una orquesta creada con el respaldo de YouTube y Google con el propósito de atraer a un nuevo público y acercar la música clásica a los jóvenes de todo el mundo. Sigue impartiendo regularmente clases magistrales en todo el mundo invitado por prestigiosas instituciones, como la Julliard School, el Curtis Institute of Music, la Manhattan School of Music, el Conservatorio de Hannover y varios conservatorios de China donde es profesor honorario. Ha sido profesor en residencia también

significa brillante y luminoso; su apellido, del mismo tono, significa educado

“Lang”

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ACTUALES

James Rhodes: el pianista que sobrevivió gracias a la músicaEl pianista siempre cuenta cómo Bach le salvó la vida tras haber sobrevivido al abuso sexual, a las adicciones, al manicomio y a varios intentos de suicidio. Cuarentón, canoso, pálido y con anteojos, se sienta en jeans, camiseta y zapatillas frente al piano Steinway e interpreta a Bach, Beethoven, Chopin, Liszt, Rachmaninov... También habla de ellos (y asuntos políticos), entre pieza y pieza, y hace reír al público. Por esas transgresiones se volvió famoso en todo el mundo, y luego por su best seller Instrumental: Memorias de música, medicina y locura (2015), que logra un gran impacto ya desde la cubierta: “Me violaron a los seis años. Me internaron en un psiquiátrico. Fui drogadicto y alcohólico. Me intenté suicidar cinco veces. Perdí la custodia de mi hijo. Pero no voy a hablar de eso. Voy a hablar de música. Porque Bach

de historia. También presta su imagen para Sony Electronics, para Audi y para la marca Adidas, que ha creado una edición limitada de zapatillas Gazelle con su nombre.

Todos sus CDs han entrado en las listas de los más vendidos tanto de música clásica como en varias de música pop en todo el mundo, bajo el marketing severo de un sello prestigioso como “Sony Classics”.

en Chicago, Toronto, San Francisco, Londres, Roma y Estocolmo.

Lang Lang se ha convertido en la imagen de muchas campañas publicitarias: con Herbie Hancock ha grabado un anuncio llamado Heart para United Airlines; la marca Steinway ha creado cinco versiones del piano Lang Lang Steinway, utilizando por primera vez el nombre de un artista para producir pianos en sus 150 años

• Tchaikovsky, Mendelssohn: First Piano Concertos. D.G. Daniel Bareboim, Chicago Symphony Orchestra..

• Rachmaninov: Piano Concerto No. 2; Paganini Rhapsody. D.G. Valery Gergiev. Marinsky Theatre Orchestra.

• Memory. D.G. Frédéric Chopin, Franz Liszt, Wolfgang Amadeus Mozart, and Robert Schumann.

• Beethoven: Piano Concertos Nos. 1 & 4. D.G. Christoph Eschenbach. Orchestre de Paris.

• Hess: Concerto for Piano and Orchestra. Universal. Christopher Warren-Green. London Chamber Orchestra.

• Chopin: The Piano Concertos. D.G. Zubin Mehta. Vienna

Philharmonic.

• Liszt - My Piano Hero, Sony. Vienna Philharmonic. Valery Gergiev.

Discografía y bibliografía seleccionada

su padre le sugirió que se suicidara, tras ser rechazado en el Conservatorio

10 añosCon

pasó del sexo sin freno al consumo de alcohol y drogas, llegó a los bordes de la locura, hasta que la terapia y la música lo transformaron

Rhodes

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Muchos críticos alabaron el poder argumental y la desnudez emocional de su libro Instrumental, pero otros lo rechazaron: adujeron que James Rhodes buscaba construir un show rentable alrededor de su dolor. “Eso es pura mierda”, le dice a Clarín. “Todos estamos atormentados, locos, ansiosos, enojados, celosos, depresivos, o comemos porquerías. Todos tenemos algo. Mira sino a los banqueros, a Donald Trump o al Brexit. ¡El mundo se volvió “fucking” loco!”.

En 2010, James Rhodes fue el primer músico de clásica en firmar un gran contrato con la multinacional Warner Music: el disco que editó ese año fue Balas y canciones de cuna. Pero no dejó el plano independiente. En 2015 editó Inside Tracks: The Mix Tape por su propio sello, Instrumental Records. A la par, protagonizó varias series en la BBC hablando acerca de las propiedades sanadoras de la música en esquizofrénicos. Entre otros proyectos en TV, presentó en 2014, en Channel 4, una serie en dos partes titulada “Don’t Stop the Music”, orientada a mejorar la educación musical en el Reino Unido, que fue acompañada de una colecta de siete mil instrumentos para distribuir en 150 escuelas primarias.

Luis Suárez

de piano clásico que, sorpresivamente, sedujeron a millones en Spotify y YouTube.

Desde su primer disco en 2009, tuvo habilidad para captar a públicos diversos, sin dejar de burlarse de la industria de la música clásica: “La música clásica está llena de humor, no de solemnidad. Si uno no pudiera reírse, se suicidaría”, jura. “En una pieza de quince minutos (la Chacona de Bach) hay risa, tristeza, alegría, locura, dolor, codicia. Tienes todo. Por eso para mí la música clásica es tan importante: porque contiene todas las emociones”.

me salvó la vida. Y yo amo la vida”, escribe Rhodes.

Su violador fue un profesor de educación física del Arnold House School de Londres. Años después se animó a denunciarlo, pero el tipo murió justo antes del juicio. En sus años posteriores al trauma, Rhodes pasó del sexo sin freno (con hombres y mujeres) al consumo de alcohol y drogas, llegó a los bordes de la locura y pasó por varios centros psiquiátricos, hasta que la terapia y la música lo transformaron. Se volvió un pianista virtuoso e informal y editó seis discos

tuvo habilidad para captar a públicos diversos, sin dejar de burlarse de la industria de la música clásica

Desde su

primer disco

• Razor Blades, Little Pills and Big Pianos (febrero de 2009), Signum Records

• Now Would All Freudians Please Stand Aside (marzo de 2010), Signum Records

• Bullets and Lullabies (diciembre de 2010), Warner Music

• JIMMY: James Rhodes Live in Brighton (mayo de 2012), Signum Records

• 5 (junio de 2014), Instrumental Records

• Inside Tracks - the mix tape (octubre de 2015), Instrumental Records

• James Rhodes: Piano man (2009) BBC

• Notes from the inside (2013) CHANNEL 4

• Don’t Stop the Music (working title The Great Instrument Amnesty) CHANNEL 4

• Instrumental: Memorias de Música, Medicina y Locura (2015) Blackie Books

• Toca el piano: interpreta a Bach en seis semanas (2016) Blackie Books

Discografía y bibliografía seleccionada

Rhodes

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y movimientos innecesarios, probablemente no tendrá malestares físicos pero, a la larga, acabarán por aparecer. Por esta razón, para prevenir la aparición de patologías que impidan la calidad de la interpretación, resulta de interés conocer y tener en cuenta una serie de ejercicios a realizar, acompañados de unas posturas adecuadas frente al instrumento y una serie de técnicas que le guiarán y conducirán por el camino del bienestar.

Hay algunos aspectos que el pianista quizá conozca y cuyo significado intuya por el propio nombre: relajación física y mental, concentración mental, hábitos posturales, respiración, control y visualización mental, miedo escénico.

Todos estos aspectos están muy relacionados entre sí, como si cada uno se ‘alimentara’ del otro: si un pianista se encuentra en estado de relajación, casi seguro que estará relajado física y mentalmente, su mente estará desprovista de cualquier pensamiento que le produzca preocupación, su postura corporal será adecuada y su respiración tranquila.

Son palabras de Natalia Gutman –violoncelista de nivel internacional– que nos remiten a la importancia de la integración de los ámbitos físico e intelectual del ser humano durante el aprendizaje de un instrumento, sea cual sea.

Es por ello que el profesor debe tener presente la responsabilidad que conlleva la educación y formación de los alumnos, de modo que tenga conciencia de todos los aspectos necesarios en la enseñanza instrumental –y en concreto de las ‘técnicas de concienciación corporal’– así como una preparación didáctica que le permita transmitirlos adecuadamente a los alumnos.

En este artículo se mencionarán de modo general algunos aspectos fundamentales que contribuyen al bienestar integral de la persona para desempeñar su función como músico dirigidos a todos los instrumentistas, pero en especial a pianistas.

Normalmente, si un pianista adopta una buena postura durante la ejecución en sus horas de estudio y un toque adecuado libre de tensiones

RECURSOS

ENTRENAMIENTO

PARA

‘La profesión de un músico es, desde el punto de vista intelectual, físico y psíquico, un trabajo de alto rendimiento. La presión, la tensión y el estrés de los ensayos, la práctica diaria, el análisis de las estructuras musicales, la actividad concertística, así como horarios irregulares en comidas y horas de sueño, llevan al músico al límite de su resistencia’.

La concentración mental y la relajación física y mental están muy relacionadas, puesto que la relajación mental es consecuencia de la concentración mental y –a partir de ese estado– se podrá alcanzar una relajación física. La concentración mental consiste en fijar la mente en algo concreto. Hay muchas técnicas que tratan de lograr la concentración mental, las más sencillas pueden ser, por una parte, la adopción de una postura cómoda y concentración en todas las partes del cuerpo siendo consciente de cada una de ellas; por otra parte, la concentración de la mente en la respiración normal.

En la práctica de estos métodos, la mente tiende a ‘escapar’ hacia otros pensamientos que nos inquietan y que fluyen espontáneamente. Ante esto, se deberá actuar observando y dejando ir tales pensamientos sin involucrarnos en ellos hasta lograr que desaparezcan poco a poco, de modo que podamos concentrarnos en el presente, alejándonos de pensamientos pasados y preocupaciones futuras que agobian en el momento presente. De esta manera se mejora la atención y también la memoria.

MÚSICOS

RELAJACIÓN física y mental. CONCENTRACIÓN mental

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formuladas por Heinrich Neuhaus en su obra Die Kunst des Klavierspielens (El arte del piano): Naturalidad, relajación y libertad.

RESPIRACIÓNLa respiración juega un papel muy importante en la libertad, pues si fluye de un modo natural a la hora de interpretar, nos ayudará a conseguir esa libertad tan añorada. Por esta razón, es conveniente saber respirar adecuadamente, así como conocer qué ocurre en el proceso respiratorio. La respiración empleada como técnica para relajarse consiste en inspirar durante la cuenta de uno, retener durante la cuenta de cuatro y espirar durante la cuenta de dos. La espiración debe durar el doble que la inspiración porque es la fase durante la cual se eliminan las toxinas por medio del sistema linfático.

María Gertrudis Vicente Marín, pianista acompañante del Conservatorio Superior de Música de Murcia

HÁBITOS posturalesLa postura al piano tiene que ser cómoda, pero sobre todo adecuada. Este aspecto es de gran importancia, ya que beneficiará al pianista tanto desde el punto de vista de la salud como de la estética. Consiste en mantener la cabeza erguida sin torcer el tronco, la pelvis en posición natural y las extremidades inferiores de forma que el peso del cuerpo se reparta adecuadamente. Esta posición favorecerá la respiración y evitará dolores corporales que pueden provocar una mala concentración. La práctica postural pianística, comparada con la de otros instrumentistas, es una de las más naturales: se está sentado, apoyado en la banqueta y en las piernas. Pese a esta ausencia aparente de problemas, acecha en cada nota el peligro de todas las posiciones incorrectas imaginables, pues lo fácil es a la vez lo más difícil: interpretar de una forma natural. Para conseguir esta meta, existen tres condiciones previas en toda práctica musical que se complementan y que ya fueron

Existen otras técnicas de relajación que resultará de interés conocer: la relajación progresiva, la eutonía, el método feldenkrais, la sofrología, el biofeedback, el método cos-art, el yoga, la técnica Alexander.

Pero, como lo que realmente interesa a los pianistas –o a cualquier instrumentista –es alcanzar la relajación en aquellos momentos en que se está nervioso y resulta difícil relajarse, haré mención al método llamado ‘Relajación muscular’ que Guillermo Dalía Cirujeda propone en su libro Cómo superar la ansiedad escénica en músicos y que consiste en destensar aquellos músculos que no se necesitan en el momento para bajar los niveles de ansiedad percibida, disfrutar de la interpretación, realizar mejor dicha interpretación y poder ‘emocionar’ y transmitir como intérpretes. Los pasos a seguir que el autor propone se encuentran detallados en dicho libro.

Me gustaría tambén hacer referencia a otro método que proporciona otro camino para controlar y mejorar el estado de relajación y bienestar. Se trata de la terapia racional emotiva de Albert Ellis, y que se encuentra explicada de manera detallada en la revista digital de la revista.

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PARTITURAS

Mateo Soto –Cartagena, 1972–, comenzó sus estudios de viola y piano en su ciudad natal. Cursó Composición en el Conservatorio Superior Manuel Massotti Littel de Murcia, con Manuel Seco de Arpe, titulándose con Premio Extraordinario Fin de Carrera. Agradece también la ayuda y los sabios consejos de Salvador Brotons, Tomás Marco y Antón García Abril.

La mayor parte de sus obras han sido encargadas y estrenadas por intérpretes de la talla de Leonel Morales, Albert Nieto, Susanne Kessel, Martin Tchiba, Gabriel Escudero Braquehais, Anné-Marie Condacse, Kristin Leitterman, Paolo Carlini, Frano Kakarigi, Manuel Miján, Jesús Villa Rojo, José María Santandreu, Dúo Versus, Trío Mompou, Trío Bacarisse, Quartetto Bernini, Quatuor Tana, Spanish Brass Luur Metalls, Concertus Novo, Grupo LIM, Columbus Ohio Discovery Ensemble, London Chamber Group, Orquesta de Cámara de Cartagena, Orquesta de Jóvenes de la Región de Murcia, Orquesta de la Universidad Autónoma de Aguascalientes (México), Orquesta de Montecatini Terme (Italia), Moscow Symphony Orchestra, etc.

Ha participado en el marco de numerosos festivales y ciclos como: Mayo Musical de Murcia, Festival de Música del Siglo XX de Bilbao, Festival Internacional de Música de Castilla La Mancha, Fundación Juan March de Madrid, Ciclos del Centro Reina Sofía CDMC, Ciclo de Cámara y Polifonía del Auditorio Nacional, Festival Internacional de Orquestas de Jóvenes de Murcia, CIMUCC, Ciclos del Conway Hall (Londres), Festival Musicale de Montecatini Terme (Italia), Boccherini Open (Italia), Festival Armonie della Sera, Ancona (Italy), Piano Stravaganza Festival (Bulgaria), ICon Arts International Music Festival (Romania), Centre ArcA (Luxemburg), Willem II Concertzaal (The Netherlands), Hochschule für Musik und Darstellende Kunst, Mannheim (Germany), Australian National University, Manhattanville College (USA), Miami Dade College (USA), Boston Conservatory (USA), University of North Georgia (USA), Oklahoma State Univesity, (USA), etc.

Gran parte de sus obras han sido grabadas y emitidas por RNE (Radio Clásica), BNR (Bulgarian National Radio), SR 2 KulturRadio Saarbrücken (Alemania). Entre sus editores se encuentran: EMEC (Editorial de Música Española Contemporánea), Fundación Juan March, Piles, Brotons & Mercadal, Musicvall, Musica Ferrum (UK), Edizioni Sconfinarte (IT) y Donemus (NL).

Ha sido profesor en el Conservatorio Ruperto Chapí de Elda y Conservatorio Superior Manuel Massotti Littel de Murcia. En la actualidad es profesor de Fundamentos de Composición en el Conservatorio de Cartagena y jefe del departamento de Teoría e Historia de la Música.

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SotoMateo

Entre los galardones que ha recibido destacan el 2º Premio SGAE 1993 para Jóvenes Compositores de la Sociedad General de Autores y Editores, el 2º Premio Frederic Mompou 1996 para Jóvenes Compositores de Juventudes Musicales de Barcelona y la Tribuna de Jóvenes Compositores 1997 de la Fundación Juan March de Madrid.

PARTITURAS

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Estas pequeñas composiciones forman parte de la colección de piezas Sechs kleine Klavierstücke, que será editada próximamente.

anecdótico, solo puede ser vinculante para diferenciar la disparidad de opiniones que existen acerca de la ópera de Wagner, un compositor, de régimen y estandarte, que igual inspira un poema sinfónico, que conduce a un desgarbado, imberbe e hipocondriaco director a invadir Polonia.

La cuestión de fondo relaciona a Manuel Manrique de Lara con la alargada figura de Wagner –junto a Strauss, los músicos con más éxito en el Madrid del XIX–, una estrecha relación que le granjeó algún que otro enemigo, ya que, esa descarada subjetividad que defendía el músico, tan propia del gusto como del tacto, fue reprendida en numerosas ocasiones por la crítica especializada que lo acusó de imitar descaradamente el estilo del músico teutón. Inculpaciones de las que de Lara se defendía argumentando que, si había en Alemania una escuela creada por Wagner de la que participaban otros músicos, por qué acusarle entonces de “plagio”, una escuela es una escuela…

Sea como fuere, lo cierto es que la Sinfonía de Manrique de Lara, Sinfonía en estilo antiguo, constituye un hito en la historia de la música patria, y lo es, al menos en mi opinión, porque

objeto y su contrario, es decir, sujeto; no solo para comprender las palabras del genio neoyorquino, sino también para interpretar la naturaleza de la primera y única sinfonía escrita por el músico cartagenero, la Sinfonía en mi menor.

¿Objeto o sujeto?, esa es la pregunta que sobrevuela la música ideada por Manuel Manrique de Lara para su Sinfonía en mi menor. ¿Sujeto u objeto?... “tanto monta, monta tanto, que diría Fernando”, y es que esa es la idea que define la partitura del compositor, de ahí que esa distinción epistémica entre sujeto y objeto sea necesaria para demarcar el planteamiento de la obra. Si entendemos por objeto, aquello “que yace ante la intimidad del hombre o está expuesto ante ella de modo que pueda ser conocido”; solo entonces se puede decir que la música es objetiva, al menos en parte. Ahora bien, si lo asociamos a una determinada experiencia personal basada en la afinidad o empatía que se tiene por una u otra melodía –aquí se extiende a la personalidad y originalidad del músico–, entonces hablamos de que la música es subjetiva, o sea, aquella “que hace juicios de valor dejándose llevar por los sentimientos”. Esto, por

Cuando escucho a Wagner más de media hora seguida me entran ganas de invadir Polonia –Manhattan Murder Mystery, (1993)–. Lapidarias y, hasta cierto punto, cómicas palabras del director, actor y escritor Woody Allen que harían palidecer a nuestro protagonista, Manuel Manrique de Lara, un devoto seguidor de la monumental obra del músico alemán, cuya primera obra importante es una trilogía de ascendencia wagneriana titulada, La Orestiada (obra dividida en tres partes: Agamenón, Las Coéforas y Las Euménidas). Supongo que con Wagner no caben medias tintas, o lo amas, o lo odias… no hay más verdad que esta. Aunque pueda parecer una salida de tono irritante, las afortunadas o desafortunadas palabras de Allen responden a una realidad que afecta a numerosos aficionados a la ópera, entre los que me incluyo. Sin llegar al extremismo del director de origen semita, huelga decir que esta animadversión viene definida por la subjetividad –lógica, por otro lado– que impregnan sus palabras, de ahí que sea necesario discernir la diferencia que hay entre aquello que llamamos

ManuelManrique de Lara

LATIDOS DE LA TIERRA

Hallándose Herman Levi en Madrid, en 1894, tuvo ocasión de leer la partitura de La Orestiada, y felicitó a su autor, diciéndole:—No creí que el arte musical estuviera en España a tal altura que pudiera producir una obra como esta. ¿Ha estudiado usted en Alemania?A lo que Manrique repuso con orgullo patriótico:—No, señor... en España... mi maestro ha sido Ruperto Chapí.

(Revista iberoamericana Arte Musical, nuestras charlas musicales. “Hablando con Manrique de Lara”, pág. 4).

CUESTIÓNdegustos

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otro francés de cuyo nombre no quiero acordarme. Crítico incisivo y músico de altos vuelos, la vida del marino estuvo condicionada por los numerosos viajes que realizó a causa de su profesión; fue a bordo del navío Pelayo donde compuso parte de su obra, El ciudadano Simón, época que coincidió con la guerra de Cuba contra los Estados Unidos. Gracias a estos largos viajes la curiosidad del músico se vio afectada por el folklore autóctono de aquellos lugares donde atracaba, una actividad que lo convirtió, ¡valga la expresión!, en folklorista, ocupación a través de la cual recopiló canciones y poesías populares que encontraba aquí y allí, y que fueron destinadas a completar, junto al filólogo, historiador y folklorista Menéndez Pidal –creador de la escuela filológica española–, el romancero tradicional.

Manrique de Lara fue un hombre dotado de una vasta cultura –músico, crítico y folklorista–, razón por la que fue nombrado Académico de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, tomando posesión del cargo en 1917. En el solemne acto de investidura Manrique pronunció su discurso, “Orígenes literarios de la trilogía wagneriana”, dirigido a ensalzar, una vez más, las virtudes del autor del Nibelungo. Por estas y otras muchas razones es necesario recuperar la figura de uno de los creadores más interesantes de la música patria, un polifacético autor que sigue siendo, hoy día, un gran desconocido para la mayoría de los aficionados del gremio –también profesionales–; un incansable trotamundos que viajó, entre proas y popas, buscando las voces que viven enraizadas en las diferentes culturas que visitó. Manuel Manrique de Lara murió en St. Blasien, Alemania, en 1929, haciendo buena la expresión: “en casa de herrero, cuchillo de palo”...

Antonio Pardo Larrosa

entender la cosmopolita naturaleza de un compositor que fue más que un músico. También, y esto es algo que debe ser denunciado con toda la pasión de la que soy capaz, comprometeré a mi tierra, Cartagena, con el músico y su obra, para acusar a esos gigantes, trajeados mentecatos orejas de trapo con los que brego a diario, de que “en casa de herrero, cuchillo de palo”…

Nacido en una tierra de conquistadores y conquistados –Cartagena (24 de octubre de 1863)–, la vida de Manuel Manrique de Lara, compositor, crítico, folklorista y militar de carrera, es tan desconocida en mi lugar de procedencia que ni los cartageneros saben de su existencia. Salvo algunas excepciones, que de todo hay en la viña del señor, la figura de este polifacético músico del XIX, único alumno de Ruperto Chapí, marca el lugar en el que nos encontramos en la actualidad.

Acostumbrado a relacionarse con la flor y nata de la música de finales del siglo, la labor musical de Manuel Manrique se extendió más allá del pentagrama dejando, de puño y letra, numerosas críticas en medios tan importantes como fueron El Imparcial, El Mundo, Blanco y Negro y ABC, comentarios que iban dirigidos a defender la música española del momento. En sus análisis dejaba constancia de su gusto –subjetividad, una vez más– por la música de los compositores centroeuropeos –mantuvo una estrecha relación con Strauss–, mientras que centraba sus mordaces críticas, ora sobre los románticos rusos, ora sobre algún que

demuestra que a finales del XIX y principios del XX, donde la música española era más española que nunca, valga la redundancia –así lo atestiguan las fantásticas obras de Manuel de Falla, Enrique Granados o Joaquín Turina–, también había lugar para la música heredada de los grandes genios centroeuropeos –el romanticismo de su sinfonía es la prueba de esto– que nada tenía que ver con las limítrofes melodías de un estilo tan significativo y territorial como el nuestro. Ahora bien, otra cosa muy distinta es buscar la originalidad en los pentagramas de esta obra, algo que, por otro lado, tampoco pretendía el compositor; es, por así decirlo, un homenaje a una forma de entender y sentir la música –un alarde de subjetividad emocional- que se aleja de los esquemas establecidos durante la segunda época dorada de nuestra música; la primera, estuvo representada por músicos como Fajer, Baguer, Astorga, Teixidor o los hermanos Pla, representantes de lo “nuestro” durante una buena parte del siglo XVIII.

Algunos dicen que la casa no hay que empezarla por el tejado... justo lo que acabo de hacer yo. Quizá, debería haber comenzado garabateando algunas líneas sobre la vida del músico, pero si lo hubiera hecho así, habría desviado la atención de lo realmente importante, de aquello que, a la postre, define la propia naturaleza de la Sinfonía. Aun así, es importante contextualizar la vida de este trotamundos, militar y músico a partes iguales, para ubicar la nacionalidad de una obra tan singular como desconocida. Algunas pinceladas biográficas serán suficientes para

CUCHILLO DE...

En

casa del herrero

17#7 Diciembre 2017

“La sinfonía de Manrique de Lara es un hito en la historia de la música española, porque demuestra que a principios del siglo XX había lugar para la música heredada de los grandes genios centroeuropeos”

18#7 Diciembre 2017

LA ENTREVISTA

Ricardo Descalzo

“Para mí, la música contemporánea es cualquier música que se está escribiendo hoy en día”

Pianista e intérprete de música de nueva creación. Empezó a estudiar en el conservatorio de Alicante con Margarita Sitjes. Después se especializó en música del siglo XX en el conservatorio Sweelinck de Ámsterdam con el profesor Alexander Hrisanide. Posteriormente regresó a España y terminó el grado superior de piano con Ana Guijarro en el Conservatorio Superior de Sevilla. Su último profesor fue Josep Colom en los desaparecidos cursos de la Universidad de Alcalá de Henares. “De todos ellos aprendí muchísimo y aportaron mucho a la manera que hoy tengo de ver la música”, asegura.

PIANISTA

19#7 Diciembre 2017

Mixtur de la misma ciudad o una pequeña gira por EEUU. Muchos proyectos ilusionantes están por venir.

Aunque quizá el más importante es un proyecto que he llamado “SpeakingObjects” y que he presentado en la última edición de la Quincena Musical de San Sebastián. Es mi segundo proyecto de colaboración con Orlando Regidor y se trata de un concierto filmado en vivo y retransmitido a una pantalla detrás del piano, de manera que el público que está en el concierto no solamente está escuchando, sino que también está viendo con todo lujo de detalles todo lo que está ocurriendo en el interior del instrumento. Es una música con un componente visual muy importante, que utiliza muchos objetos distintos para utilizarlos de maneras poco habituales en el cordaje del instrumento.

¿Cómo se eligen esos objetos, lo pauta el compositor o es una búsqueda que el intérprete realiza?En un porcentaje muy alto de los casos, los materiales los escoge el compositor.

el proyecto y nos cedió sus espacios en el ADDA, su auditorio. En 2014 publicamos el primer vídeo.

¿Qué aceptación está teniendo este proyecto?La verdad es que estamos muy sorprendidos. Constantemente recibimos muestras de gratitud y elogios de personas de todo el mundo. Tenemos visitas de más de 70 países y un número muy grande de visualizaciones en cada vídeo.

¿Cuáles son tus proyectos profesionales actuales?Hasta hace dos años estaba muy centrado en mis clases y el proyecto de la vídeoteca. Pero recientemente he tenido una fuerte necesidad de estar más activo en los escenarios. Últimamente he participado en importantes festivales especializados, como el Klang de Copenhague o el Daegu International Contemporary Music Festival de Corea.Próximamente participo en el Curso de Composición del Instituto Francés de Barcelona, trabajando mano a mano con compositores venidos de todo el mundo. También en el Festival

¿Cómo eliges los compositores y las obras que quieres interpretar?Me interesa todo lo que sea nuevo, estar al corriente de lo que se está gestando ahora mismo y, muy especialmente, las obras de compositores jóvenes que están imaginando nuevos mundos sonoros. Estoy permanentemente en contacto con creadores de todo el mundo, tratando de escuchar tanta música como me sea posible y selecciono las obras que me interesan en función de los proyectos que voy diseñando.

¿Cómo surgió la idea de la vídeoteca de música contemporánea?La idea surgió hace muchos años. Siempre me ha gustado el vídeo, ha sido un medio con el que me he movido con soltura. También me llamaba la atención que en internet había muchos vídeos de música contemporánea de no muy buena calidad. Entonces pensé que era una buena idea que hubiera un lugar de referencia donde poder acercarse al mundo de la música actual para piano solo con calidad profesional. El siguiente paso fue fácil; encontrar a la persona de confianza con quien colaborar, alguien que pudiera encargarse del audio y del vídeo al más alto nivel. Orlando Regidor y su empresa Line Design Studios fueron la opción idónea, pues nos conocíamos bien y compartíamos muchas ideas en común. Luego necesitábamos un piano de cola de muy buena calidad y una sala con una acústica adecuada. Tuvimos mucha suerte cuando la Diputación de Alicante se interesó por

la música con cualquier otro arte la puede hacer más comprensible para algunas personas, pero no es imprescindible.

Mezclar

20#7 Diciembre 2017

¿Hay autores que te hayan dedicado sus obras?La verdad es que no es algo que no he buscado especialmente. Sí ha ocurrido alguna vez y tengo mucho cariño a piezas que me han escrito compositores como Jesús Torres (escribió una pieza para mi espectáculo con danza Aqua), Jesús Rueda, José Zárate, Elena Rykova y otros. Próximamente hay también algunas otras obras en camino pero, normalmente, me gusta más escoger repertorio que ya existe y elegir las piezas en función de mis afinidades con ellas y mi interés para proyectos concretos.

Hablabas ahora de un proyecto que tenías vinculado a la danza. Leyendo un poco sobre música contemporánea, algunos compositores son muy críticos con este estilo de música. ¿Crees que este ipo de proyectos que unen las artes pueden ser una forma de dar continuidad a la creación demúsica contemporánea?Mezclar la música con cualquier otro arte la puede hacer más comprensible para algunas personas, pero no es imprescindible. Yo he imaginado proyectos con otros artistas más por el placer de experimentar y probar otros nuevos territorios que por una cuestión de intentar llegar a más público. Pero reconozco que hay un público al que le apetece otro tipo de propuestas escénicas que se salgan del planteamiento más clásico del concierto tradicional.

¿Cómo recibe el público este tipo de repertorio?Cuando presentas la música con honestidad y entrega, la respuesta es siempre buena. Claro, es muy importante que te sepas adaptar a las circunstancias del lugar o del ciclo al que vas y tengas coherencia a la hora de programar. Éste es otro aspecto fundamental que cuido al máximo y que me suelen agradecer: qué decidir

Hace sus experimentaciones en casa y una vez elegidos envía una partitura donde se especifica con detalle qué materiales quiere utilizar y de qué manera. Pero hay excepciones; hay compositores que deciden que va a haber transformaciones del sonido con objetos pero no especifican cuáles son y tienes la libertad de investigar por tu cuenta. También existe la posibilidad de trabajar mano a mano con el compositor. Es algo que he hecho este verano con la compositora rusa Elena Rykova. Hemos investigado juntos durante una semana, explorando, aportando cada uno sus ideas. Ha sido una experiencia muy especial que nos ha llevado a a lugares maravillosos de fantasía y juego; algo que ahora mismo me interesa mucho.

¿Siempre trabajas obras para piano solo o interpretas con más instrumentos?Me he acostumbrado a trabajar solo, es en lo que me he especializado y con lo que me siento mejor. Puntualmente he trabajado con otros músicos, pero son excepciones.

“SpeakingObjects” es un concierto filmado en vivo y retransmitido a una pantalla detrás del piano, de manera que el público no solamente está escuchando, sino que también está viendo todo lo que está ocurriendo en el interior del instrumento.

El proyecto

LA ENTREVISTA

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tecnología... hay perfiles muy variados. Los casos más atractivos e interesantes son aquellos en los que no ha habido un contacto previo con este tipo de música y cuando terminan sus estudios acaban interpretando el repertorio más experimental que uno se pueda llegar a imaginar. Es un trabajo sorprendente.

¿Discutes con el alumno sobre cómo definir lo que es la música contemporánea?Mi mentalidad es bastante abierta (o eso creo). Para mí la música contemporánea es cualquier música que se está escribiendo hoy en día. Pueden ser obras de estilos muy contrastados. De todas maneras, cada uno tiene sus límites y tus marcos de referencia creados a través de sus experiencias, afinidades e intereses. Hay música experimental que muchos de mis colegas no aceptarían siquiera como música y también hay un repertorio más consonante, incluso tonal, que va en una línea completamente diferente. Como son tantas las posibilidades, es bueno estar abierto para poder disfrutar de la gran variedad de estéticas que existen hoy en día. Muchas barreras que tenía antes en la cabeza se han roto y las fronteras ya no son tan claras como hace años. La enseñanza te lleva a caminos inesperados y te hace ser más tolerante hacia los gustos de los demás.

¿El alumno hace sus propias elecciones? Me imagino que cada caso será diferente.Me gusta mucho la idea de pensar que es posible que el alumno llegue a escoger su propio repertorio en función de sus intereses aunque, a veces, es un poco complicado porque, en general, no lo conocen demasiado repertorio. El primer año empiezo mostrándoles obras de distintos estilos y a partir de ahí empezamos a buscar un camino que sea afín a ellos.

Entrevista por

Natalia Cabrera Campos, musicóloga

semanal durante dos años centrados únicamente en este tipo de repertorio.

Supongo que encontrarás diferente aceptación en los alumnos en relación a la música contemporánea.Cada alumno es un mundo diferente. Los hay que nunca han tenido realción con la música nueva; otros tienen una idea muy negativa de ella por diferentes razones; otros son unos fanáticos de tal o cual compositor actual; a muchos les interesa la

tocar y cómo combinar las obras para que funcione el producto final.

¿Has podido finalizar el proyecto de la compositora rusa Sofía Gubaidulina?Por raro que parezca, todavía estamos en ello. El proyecto consistía en la creación de un DVD en tres partes: la interpretación de su obra completa para piano solo, la grabación de su Introitus para piano y pequeña orquesta, dirigida por José Luis Estellés con la Sinfonietta de Musikene y una pequeña entrevista documental en torno a su música para piano. Es un proyecto que quedó prácticamente acabado hace unos años y que está a la espera de conseguir financiación. El día que vea la luz va a ser algo importante, ya que, aunque hay grabaciones en audio, no hay casi nada en vídeo y sobtretodo poquísima información sobre sus obras pianísticas. Oírla hablar sobre detalles de sus obras es algo muy especial.

¿Cómo empezó tu relación con Musikene?En 2003 estaban buscando un profesor especializado en la interpretación de música contemporánea para piano. Varias personas me recomendaron y comencé a dar clases ese mismo año. Fuen un momento de vital importancia en mi vida profesional.

¿Es una asignatura optativa o tienen que cursarla todos los alumnos de piano de las diferentes especialidades?Durante los primeros 6 o 7 años fue una asignatura optativa. Había tres especialidades: cámara, acompañamiento vocal y solista. Los que escogían la vía de solista tenían la asignatura obligatoria y con el mismo grado de exigencia que la asignatura de piano principal. Ahora mismo es una asignatura obligatoria para todos los pianistas de tercero y cuarto. Tenemos una hora de clase

¿Hay un tipo de notación espe-cial en las partituras de músi-ca contemporánea? ¿Dónde la aprendes?En torno a este tema hay bastan-tes mitos. En los años sesenta se escribió mucha música utilizan-do grafías que no se habían vis-to antes. Era necesario que cada vez que cogías una partitura pa-saras un buen rato leyendo las instrucciones, entendiendo que significaba cada signo y proban-do cómo se llevaba a la práctica en el instrumento. Como conse-cuencia se empezó a creer que toda la música contemporánea utiliza sólo sonidos producidos de maneras no habituales, nue-vas grafías, etc..., pero eso no es así hoy en día. Hay que quitarse el miedo y la obsesión por este tema.

Sin miedo a las grafías

22#7 Diciembre 2017

DISCOS

José Luis Temes siempre nos sorprende rescatando del polvo partituras olvidadas en el fondo de los archivos, desmintiendo la mitificación de la ausencia de tradición sinfónica hispana. En este caso se trata de este particular personaje de vidas paralelas brillantes con singular apellido y que, en efecto, a aquellos versos renacentistas nos transporta si seguimos su genealogía. Nacido en Cartagena, su padre era un general de la Marina española destinado a dicha plaza militar. Era lógico que su hijo siguiera su senda, pero lo realizó conjuntamente con estudios de pintura y de música, además de una carrera diplomática al más alto nivel.

Como si se repitiera la estela de A. Borodin, desde Rusia hasta España, ambos brillaban en sus carreras profesionales, no sin dejar huella en su máxima afición, la música. Aunque en este caso el desdén de la tibieza española quiso que esta última estrella cayera en el olvido, hasta que nuestro musicólogo Luis García Iberni lo intentase rescatar del baúl de los recuerdos. Defensor de la corriente wagnerista, fue uno

de los introductores de la obra de Richard Strauss en España, a través de sus críticas para los medios de comunicación madrileños.

Terminados sus estudios musicales se interesó por la música que se interpretaba en Madrid. Asimismo consiguió que Ruperto Chapí le admitiera como su único alumno de composición. Entonces fue cuando aquel grupo de genios, escudados (para salir adelante) en el teatro lírico de la zarzuela, pusieron empeño en fundar una tradición operística y sinfónica. Corría el mes de abril de 1890 cuando la Orquesta de la Sociedad de Conciertos de Madrid dirigida por Bretón estrenó una primera parte de la Orestiada; en 1894 se completaría el estreno global, con los mismos intérpretes. Fue muy bien recibida por el público.

En el disco, Temes nos deja una gran sensación de frescura interpretativa con una partitura hasta entonces para muchos de nosotros inédita, empleando un estilo musical wagneriano. Se compone de tres poemas sinfónicos con los títulos

de Agamenón, Las Coéforas y Las Euménides, que se pueden interpretar de modo separado o formando un ciclo. Brillante orquestación y temática de narración continua con los logros armónicos aportados por la sombra inconfundible de Richard Wagner y la escuela romántica alemana.

Asimismo la La Sinfonía en mi menor fue compuesta en la misma época que sus poemas sinfónicos, aunque el estreno total de la sinfonía no se realizó hasta el mes de diciembre de 1915, en los conciertos que se ofrecían en el gran vestíbulo el Hotel Ritz de Madrid, interpretada por la Orquesta Sinfónica de Madrid bajo la dirección de Arturo Saco del Valle. Extensa sinfonía de estilo clásico romántico que sigue la línea iniciada por Beethoven y seguida por Brahms. Está totalmente alejada de los rastros del wagnerismo que impregnan sus poemas sinfónicos, pareciendo dar un paso evolutivo hacia atrás, si bien intencionado. En sus primeros momentos esta sinfonía llevaba el título Sinfonía en estilo antiguo, en línea con el clasicismo centroeuropeo, apartándose de las novedades aparecidas en su época. Temes lo vuelve a bordar con un lenguaje claro, en el que aparecen semejanzas con la Sinfonía en re menor (1879) de su profesor Ruperto Chapí, la Primera Sinfonía de Bretón o las del mallorquín, P. Miguel Marqués, que debía de haber estudiado a fondo. Interpretación brillante, que saca a relucir su carácter germánico con dominio de la instrumentación y al estilo clásico, con una riqueza armónica, variedad tímbrica y motivos que denotan grandeza, empleando de forma inteligente los efectos orquestales. Gran descubrimiento de un autor con una calidad de grabación óptima del ya desaparecido, por desgracia, sello Verso.

Luis Suárez

Manuel Manrique de Lara (1863-1929)

Obra Sinfónica CompletaOrquesta Filarmónica de Málaga - José Luis Temes

PD: Cabe destacar la labor de la musicóloga Diana Díaz, quien realizó una tesis doctoral en el año 2014 sobre Manrique de Lara. De este trabajo deriva el libro Manuel Manrique de Lara. Militar, crítico y compositor polifacético en la España de la Restauración, publicado en Madrid en 2015. Una gran ocasión para poder aumentar nuestros conocimientos sobre este destacado compositor.

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En 1851 un jovencito Brahms se encontró con el violinista húngaro Remenyi, quien le introdujo enla música popular húngara. Este hecho tuvo una influencia posterior en su trabajo. Dos años más tarde se presentó con su compañía en su primera gira de conciertos.

Brahms contribuyó de manera significativa al repertorio de música de cámara. Hizo sus primeros trabajos en esta modalidad a principios de 1850, aunque se han perdido. No obstante, en 1853 escribió un movimiento para la Sonata de Violín FAE compuesta por Schumann y su alumno Albert Oietrich destinado a Joachim, amigo íntimo y con gran influencia para la obra de nuestro protagonista. El scherzo fue de Brahms, quien ya había mostrado soltura en sus primerizas Sonatas para piano op. 1 y 2 y en su Scherzo op.4 para piano. Aquí se incluye con total acierto al final de la grabación, completando un ciclo de grandes e intensas proporciones.

Sin embargo, hasta 1879 no compuso, de forma satisfactoria para él, su primera Sonata para Violín op. 78. Lo hizo durante unas vacaciones de verano en Portschach, en el Worthersee, tras completar su majestuoso Concierto de Violín, dedicado a Joachim.

El compositor finalizó la Sonata de Violín nº 2, Opus 100 durante el verano de 1886, mientras se encontraba

de vacaciones en el Lago de Thun, Suiza. Esta obra se interpretó en Viena, en diciembre del mismo año.

Le siguió la Sonata No. 3, Opus 108, en 1888, una vez más rematada durante un verano pasado en el lago Thun. En este caso, la dedicó al pianista y director de orquesta Hans Von Bullow.

En esta grabación, ambos intérpretes brillan por derecho propio, por lo que la combinación produce una música realmente hermosa. El juego de violín sedoso de Colomé, aquí expresado, es difícil de superar; no hay dureza, ni siquiera en las notas altas. Bagaría se muestra como un excelente acompañante, reteniéndose cuando el violín tiene la línea melódica, pero proporcionando un fuerte énfasis cuando el tempo lo pide. El equilibrio (requerido por Brahms) entre piano y violín parece perfecto para mi gusto y sensibilidad. Ambos logran enfatizar, con una perfección sublime, el lirismo presente en estas obras, con un estado de ánimo optimista, de líneas melódicas sugerentes y radiantes de belleza, contrastadas con estados de apasionamiento de mayor intensidad. Perfecta descripción de una inspiración suprema establecida a tres bandas: la naturaleza del paisaje, el ánimo influyente de Joachim y la estabilidad emocional que le proporcionaba Clara Schumann.

L. S.

Johannes Brahms

Sonatas para Violín y piano –Sole Recordings–

Josep Colomé y Enrique Bagaría

Fe de erratas: En el comentario de la revista La Tecla, nº 6, dedicado al disco del Trío Rodin, en el que se incluye la grabación Trío opus 50 de Enrique Granados, se señala que dicha grabación fue la primera para la que se consultaron los manuscritos de la partitura original, que se encuentra en el Museo de la Música de Barcelona. Sin embargo, con anterioridad, en 1998, el Trío Gerhard había realizado una grabación de la obra utilizando esos mismos manuscritos originales. Discobi D-2014.

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con un alegre muchacho que trata de conseguir su sueño a pesar de los consejos de su padre. Más adelante, el dinero será el mayor problema para conseguir la felicidad, todo ello en una época convulsa. Acompañan al texto una serie de fotografías del compositor en diferentes situaciones. Gracias a ellas, conoceremos más de cerca a su familia y amigos. También toda su trayectoria musical, pues incluye un catálogo de todas sus obras. Asimismo descubrimos obras de Rodrigo que han sido difíciles de encontrar hasta ahora. Aconsejamos acompañar su lectura con obras, o parte de ellas, del compositor. Mejor, si cabe, de forma cronológica, en paralelo a su aparición en el texto.

La obra para pianoUna parte muy importante de su obra, y que había quedado en segundo plano ensombrecida por la producción para guitarra, es su obra para piano, instrumento que le acompañó a lo largo de su vida, como compañero infatigable y noble. Este conjunto de dos discos, realizado en 1991 por el norteamericano Gregory Allen, ganador del Premio Arthur Rubinstein en 1980, contiene toda la música de piano del compositor. El propio Rodrigo brindó un respaldo entusiasta a estas grabaciones, cuya interpretación así como la grabación de sonido son de alta calidad.

La otra gran obra de su repertorio pianístico es el Concierto para piano, Heroico –1942–, presentado en esta versión recomendada, en una revisión de 1990 de Joaquín Achúcarro, quien pretendía lograr un mejor equilibrio entre el instrumento solista y la orquesta, y evitar algunas de las repeticiones originales. Es un trabajo enérgico, lleno de colores brillantes y vigor. Una pieza llena de pasión, que requiere gran virtuosismo por parte del solista. Está dedicada a las ruinas romanas de la ciudad natal de Rodrigo, que simboliza la destrucción sufrida por España durante la Guerra Civil.

Luis Suárez

JOAQUÍN RODRIGO (1901-1999), compositor español hasta hace poco archiconocido por una sola obra maestra (o quizás dos), Concierto de Aranjuez y Fantasía para un gentilhombre, ambas para guitarra y orquesta. Afortunadamente ya se ha ido recuperando toda su obra y se ve que no es autor de un solo hit parade, como tantos personajes del rock, pop, jazz o clasica. La calidad es amplia en toda su producción, y variada en géneros. Rodrigo se quedó ciego a los tres años de edad, pero eso no le impidió vivir una vida apasionante, tratar a personajes extraordinarios, viajar por todo el mundo y participar en acontecimientos históricos excepcionales, de la mano de Victoria Kamhi, su mujer.

Este volumen supone un exhaustivo y amplio trabajo, realizado en torno a la vida del músico saguntino. La profusión de datos y la abundantísima documentación que acompañan al libro, principalmente en forma de cartas, ofrece la completa seguridad de que nos encontramos ante una obra muy bien documentada, a lo que contribuye que el autor conoció personalmente a Rodrigo. Solo un “pero”: que no se apoya mucho en el estudio de las obras, sino más bien en sus aspectos personales y en el entono sociopolítico que rodeó al compositor.  La hija del maestro, Cecilia León Rodrigo, ha señalado que “lo novedoso de esta biografía canónica es que se ha elaborado utilizando documentos y correspondencia inédita, poco conocidos, de la Fundación Joaquín Rodrigo, “uno de los archivos más ricos, pero también menos conocidos, dedicados a mi padre”. Laredo comenta que “para sus amigos, entre los que se encontraban grandes músicos como Falla, Albéniz y Ravel, era una bellísima persona, simpática, agradable y estaba rodeado de un aura de campechanía que en ocasiones le llevaba a utilizar en su vocabulario la lengua valenciana”.

En esta historia hallamos los claroscuros de un hombre muy especial que, aun siendo invidente, conseguía ver más que muchos. Al comienzo del libro nos encontramos

CARLOS LAREDO VERDEJO Sinerrata editores, 2013

LIBROS

Joaquín Rodrigo –biografía–

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música de Granados. Apasionadas aventuras con alumnas que dieron pie a tensiones domésticas, pero también resultaron una fuente de inspiración.

Otra parte muy importante de su legado es la pedagógica. Las persistentes dificultades financieras le obligaron a dedicar tiempo a la docencia a expensas de la composición, aunque como resultado Granados hizo aportes considerables a través de tratados didácticos pianísticos. También se notó su influencia en la educación musical en Barcelona mediane la academia de música de prestigio que fundó allí.

Sin embargo, la parte que Clark deja más de lado es la de su prestigio como músico de cámara. Granados tuvo gran reconocimiento en vida en este campo y consideraba este tipo de composiciones como fundamentales para la regeneración musical española. Formó parte de diferentes formaciones, junto a personalidades de la época, como sus amigos el famoso violinista francés Jacques Thibaud (1880-1953) y su colega y célebre chelista Pau Casals (1876-1973), compañeros de fatiga en vida y obra. Tras haber obtenido no pocos elogios por parte del público y de la crítica, su especial sensibilidad le invitó a componer para este tipo de conjuntos instrumentales.

L. S.

se convirtió en obra de referencia mundial y en la base de la ópera homónima. Estas piezas evocaban el colorido y dramático mundo que Goya habitaba y retrataba en su arte. La fascinación de Granados con el Madrid de Goya lo diferenció de otros nacionalistas como Albéniz (en buena parte de su obra), Turina y Falla, que se inspiraron básicamente en Andalucía. A pesar de ser decididamente apolítico, la atracción de Granados hacia Castilla suposo la antagonía de algunos nacionalistas catalanes, que se resintieron de la dominación castellana. Sin embargo, Granados también hizo importantes contribuciones al teatro musical catalán y fue una figura prominente en el movimiento modernista de Barcelona, tipificado en obras maestras como Follet o El Canto de las Estrellas.

Clark divide bien las tres fases compositivas fundamentales de Granados (Nacionalista, Modernista y Goyesca) donde el comentario particular de las obras combina la perspectiva histórica con el análisis musical. Todo ello con una buena ilustración fotográfica y con fragmentos de pentagramas (un gran acierto de análisis detallados de sus principales obras de voz, piano y escenario), en un texto global que posee una gran abundancia de ideas.

Clark también explora las presiones personales que dieron forma a la

EN ESTOS DOS AÑOS de efemérides, entre el centenario de su muerte y los 150 años de su nacimiento, ha surgido esta necesaria y esperada traducción de una de las monografías esenciales sobre el compositor, pianista, director y pedagogo español, que llega con una década de retraso tras su publicación en su original lengua inglesa. Obra del musicólogo norteamericano, especialista en música española, Walter Aaron Clark, ofrece el primer estudio sustantivo integral de su vida y obra.

Enrique Granados (1867-1916) es una de las figuras más atractivas del período tardío-romántico de la música. Fue uno de los pianistas más destacados de su tiempo, y su elocuencia en el teclado inspiró a los críticos para que lo llamaran el “poeta del piano”. Clark argumenta que el arte de Granados representaba un gran poder de unificación en el paisaje cultural de España durante un período de declive imperial, agitación política y transformación económica.

Sobre la base de documentos descubiertos recientemente, Clark explora las esferas culturales en las que Granados se movió, particularmente entre Castilla y Cataluña. La música más conocida de Granados fue inspirada por el arte de Francisco Goya, especialmente la Suite Goyescas para piano solo, que

WALTER AARON CLARK Editorial Boileau, Barcelona, 2016

Enrique Granados, poeta del piano

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ÓRGANO

En este otoño 2017 dos importantes órganos han venido a enriquecer el panorama musical en la región de Murcia. El pasado 29 de septiembre se inauguró el nuevo órgano de la iglesia de San Miguel en la ciudad de Murcia, construido en el taller que el maestro organero Frederic Desmottes tiene en Landete (Cuenca). El nuevo instrumento, con su bella caja de estilo neobarroco inspirado en los órganos de sonido Bach, consta de 21 registros, dos teclados, pedal y algo más de 1.300 tubos. Ha quedado integrado perfectamente en el entorno de la iglesia de San Miguel,

que ha sido declarada Bien de Interés Cultural (BIC).

El obispo de la Diócesis de Cartagena presidió la ceremonia de bendición, en la que intervinieron la Schola Gregoriana de Murcia, el grupo Ministriles de San Miguel, el coro Ars Mvsica y el organista Carlos Rafael Pérez.

Para presentar el nuevo órgano de San Miguel se ha programado un ciclo de conciertos los días 18,19 y 20 de octubre, en el que intervendrán: Juan de la Rubia (organista de La Sagrada

Familia de Barcelona, día 18), Javier Artigas (catedrático del Conservatorio Superior de Música de Murcia, día 19), Brillant Magnus Quintet (Tres trompetas, timbales y órgano, día 20).

Por otro lado, el pasado 1 de octubre se inauguró la restauración del órgano romántico Dourte/Alberdi (1924) de la Parroquia de Santomera. Los trabajos se han llevado a cabo en el taller del organero Carlos Álvarez en Teruel. Otro importante instrumento llamado a desarrollar una importante actividad musical en esa localidad cercana a Murcia. También se celebró

Otoño especial en el

MUNDO DEL ÓRGANOEl mundo del órgano se mueve en nuestra región con muchas actividades. Son numerosas las noticias que ha generado este particular ámbito, hasta el punto de que podemos calificar algunas de ellas como trascendentales.

Órgano de San Miguel, Murcia. En la siguiente página, órgano de la Catedral de Murcia.

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el acto de bendición por el obispo y, a continuación, tuvo lugar el estreno de una obra compuesta para la ocasión por el compositor Ginés Abellán, interpretada por don Alfonso Guillamón de los Reyes, canónigo organista titular de la Catedral de Murcia y prefecto de Música Sacra. Hubo también un concierto inaugural a cargo de Javier Artigas, catedrático del Conservatorio Superior de Murcia y una misa de acción de gracias con participación del coro Canticorum Iubilo, la soprano Carmen Lorenzo y el organista don Alfonso Guillamón.

Ciclo Internacional de Órgano Murcia 2017

Noviembre será también un mes importante para el órgano. En la Catedral de Murcia y en el Gran Órgano Merklin-Schütze (1857-IV/63) se va a celebrar por tercer año consecutivo el ciclo de conciertos que organiza la Asociación Merklin de Amigos del Órgano de la Región de Murcia (AMAORM).

A partir del 3 de noviembre, todos los jueves de ese mes a las 20.30h., tendrá lugar un concierto en el importante órgano catedralicio. El calendario es el siguiente:

3 de noviembre: Javier Artigas, Catedrático de órgano del Conservatorio Superior de Música de Murcia.

9 de noviembre: Wayne Marshall, director de la Orquesta de la Radio de Colonia y concertista internacional de órgano.

16 de noviembre: Loreto Aramendi, organista titular del órgano Cavaillé-Coll de la Basílica de Santa María del Coro de San Sebastián (Guipúzcoa).

23 de noviembre: Daniel Oyarzábal, organista titular de la Catedral de Getafe (Madrid) y organista principal de la Orquesta Nacional de España.

30 de noviembre: Alfonso Guillamón, canónigo organista titular y prefecto de Música Sacra de la Catedral de Murcia.

Un ciclo de conciertos que demuestra el interés creciente entre el público por el órgano y su música, y del que no dudamos de su éxito.

Wayne Marshall.

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AUDITORIO VICTOR VILLEGAS MURCIA19 enero 2018, 20:00 h.ORQUESTA SINFÓNICA DE LA REGIÓN DE MURCIA ENRIQUE BAGARÍA, piano LUCAS MACÍA, directorBeethoven – Coriolano (obertura)L. van Beethoven – Concierto para piano nº 1L. van Beethoven – Sinfonía Nº 3, Heroica

22 febrero 2018, 20:00 h.GRIGORY SOKOLOV, pianoObras a determinar

16 mayo 2018, 20:00 h. ORQUESTA DE PARÍS MARIA JOAO PIRES, pianoDANIEL HARDING, directorL. van Beethoven - Concierto para piano Nº 5J. Brahms - Sinfonía núm. 3

ADDA ALICANTE18 enero 2018, 20.00 h.PHILHARMONIA ZURICHHÉLÈNE GRIMAUD, piano FABIO LUISI, directorWeber, Obertura Oberón, J306Beethoven, Concierto para piano Nº 4Tchaikovsky, Sinfonía Nº 5

16 febrero 2018, 20.00 h.MARIINSKY THEATRE ORCHESTRASergei Redkin, piano Valery Gérgiev, directorStravinsky, Sinfonía en 3 movimientosProkofiev, Concierto para piano y orquesta Nº 3Mussorgsky, Cuadros de una exposición

16 marzo 2018, 20.30 h. BARTÓK’S CHALLENGECAROLINA ALCARAZ, percusión VERÓNICA CAGIGAO, percusiónEMANUELA PIEMONTI, piano MARÍA DOLORES GAITÁN, pianoObras de compositoras españolas

4 mayo 2018, 20.00 h.ROYAL STOCKHOLM PHILHARMONIC ORCHESTRANIKOLAI LUGANSKI, piano SAKARI ORAMO, directorStaern, JubilateProkofiev, Concierto para piano Nº 3 en Do Mayor, Op.26Mahler, Sinfonía Nº 1

1 junio 2018, 20.00 h.ORQUESTA SINFÓNICA DE GALICIAIVO POGORELICH, piano DIMA SLOBODENIOUK, directorRachmaninov, Concierto para piano Nº 2Tchaikovsky, Sinfonía Nº 4

SOCIEDAD DE CONCIERTOS DE ALICANTE4 diciembre 2017 JAVIER PERIANES, piano11 de diciembre 2017 ENRIQUE BAGARÍA, piano18 diciembre 2017 MARÍA JOSÉ MONTIEL, mezzosoprano9 enero 2018 FABIO BIDINI, piano23 enero 2018 VARVARA NEPOMNYASCHAYA, piano20 febrero 2018 SOKOLOV, piano12 marzo 2018 RAFAL BLECHACZ, piano3 abril 2018 NIKOLAI DEMIDENKO, piano7 mayo 2018 ALEXEI VOLODIN, piano

ARCHIVO GENERAL DE LA REGIÓN DE MURCIA. Homenaje a Miguel Hernández.1 de diciembre de 2017, a las 20.00Homenaje a Miguel Hernández, en el septuagésimo quinto aniversario de su muerteJUAN ANTONIO MARTÍN ARMAS, tenor GABRIEL ESCUDERO, pianoObras de Ginés Abellán, Javier Artaza, López García, Martínez Ayala, Manuel Martínez, Salvador Martínez, Martínez-Oña, Mateo Soto, Manuel Soler.Todas las obras son estreno absoluto.Comentarios de la profesora Julia Muñoz Ripoll

PROMUSICA DE MOLINA TEATRO VILLA DE MOLINA17 noviembre 2017 TRÍO “RAMÓN GAYA” (MURCIA)El ritmo en la música de cámara:REZART CAPETANI, violín MANUEL RIVES, clarinete ÁNGEL LÓPEZ, pianoObras de Vanhal, Bartók y Amargós

15 diciembre 2017 ESPECTÁCULO DE GUITARRA, PIANO Y BAILE FLAMENCO Y MÚSICA ESPAÑOLA DÚO CUENCA Y RAQUEL PARRILLA (BAILAORA)

4 enero 2018 CONCIERTO DE AÑO NUEVOORQUESTA DE CÁMARA DE CARTAGENADirector: Nicolás GálvezSolistas: Bertrand Giraud, Almudena González, José Vicente Riquelme y Cristian Martínez, pianoObras de Mozart y Turina, y valses y polcas de Strauss

CONCIERTOS RECOMENDADOS

29#7 Diciembre 2017

PROMÚSICA ÁGUILAS1 diciembre 2017 ORQUESTA SINFÓNICA VIRGINIA MARTÍNEZ, directorMARTON KISS, pianoL. van Beethoven - Concierto para piano y orquesta Nº 3 en Do m. Op. 37

2 febrero 2018 ORQUESTA SINFÓNICA DE LA REGIÓN DE MURCIALEONARDO MARTÍNEZ, directorHYUMN HUTTERMAN, pianoRobert Schumann - Concierto para piano y orquesta en La m. Op. 54Johanes Brahms - Sinfonía Nº 1 en Do m. Op. 68

4 mayo 2018 ORQUESTA SINFÓNICA DE LA REGIÓN DE MURCIALEONARDO MARTÍNEZ, directorEVA ANTONOVA, pianoJohannes Brahms - Concierto para piano y orquesta Nº 2 en Si Bemol M. Op. 83Robert Schumann - Sinfonía Nº 4 en Re m. Op. 120

1 junio 2018 ORQUESTA SINFÓNICA DE LA REGIÓN DE MURCIALEONARDO MARTÍNEZ, directorSEUNGYOUN KIM, pianoClaude Debussy - Preludio a la siesta de un FaunoMaurice Ravel - Concierto para piano y orquesta en Sol M. - Pavana para una Infanta DifuntaGabriel Fauré - Pelleas y Mélisande Op. 80

Especialmente conocido por su interpretación de las obras virtuosas de Franz Liszt, György Cziffra también grabó numerosas composiciones de Chopin y Schumann. No solo está considerado uno de los más importantes pianistas del siglo XX, sino que también es conocido por sus improvisaciones y transcripciones para piano.

A la edad de cuatro años recibe sus primeras lecciones de piano de su padre y a los nueve es el estudiante más joven admitido en la Academia Franz Liszt en Budapest.

Tras la guerra se opuso al régimen comunista húngaro, fue arrestado y condenado a trabajos forzados entre 1950 y 1953. Tras ser puesto en libertad en 1955 se le concedió el Premio Franz Liszt de virtuosismo de piano. En 1956 pide asilo político en Francia.

Desde su llegada París es apreciado por el público. En esta ciudad graba su famosa interpretación de las Rapsodias Húngaras de Liszt. Cziffra interpretará de manera brillante a otros compositores como Chopin , Beethoven, Bartók, Ravel, Rachmaninov, Balakirev, Grieg, Rameau o Couperin.

Cziffra fue más allá de la interpretación. Hizo numerosas transcripciones como, por ejemplo, las Danzas húngaras de Brahms, o el vuelo del moscardón de Rimsky-Korsakov. A veces, se ha criticado su excentricidad, la influencia de su estado de ánimo en sus conciertos y su búsqueda de un público popular.

De hecho, su inmenso talento, virtuosismo extraordinario, había logrado impulsarlo a la vanguardia, pero fuera de los caminos tradicionales. En 1975, creó la Fundación Cziffra, cuyo objetivo fue apoyar a los jóvenes talentos.

La muerte de su hijo György en 1981, tiene repercusiones muy negativas

en sus apariciones públicas. Sus conciertos son cada vez más raros y nunca más volverá a tocar con la orquesta. En 1986 graba un nuevo disco dedicado a la memoria de su hijo György con obras de Liszt.

Fallece a los 72 años de edad a causa de un infarto de miocardio.

György Cziffra Pianista húngaro nacionalizado francés en 1968Budapest, 5 noviembre 1921 - Longpont-sur-Orge, 15 enero 1994

RETRATO

30#7 Diciembre 2017

Carlos Pardo: retrato al óleo sobre tabla de György Cziffra página 30. José Miguel Masiá: acuarelas de músicos, páginas 28 y29.

Para descargar los artículos completos, las partituras y ampliar información, visita nuestra web: www.lateclapianos.com

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Me llamo Pere Expósito Barra y soy el fundador de Latecla pianos. Desde el año 2003 nuestra empresa está dedicada a la venta de pianos de todo tipo y a la afinación y restauración de pianos de todas las épocas.

Estudié música en el Conservatorio Municipal de Música de Barcelona. A los 24 años entré a trabajar en Pianos Puig, taller especializado en restauración de pianos. En el año 1993 marché al sur de Francia a estudiar en el Institut Français de Facture Instrumentale (IFFI) de Alès, donde se impartía una formación de técnico de pianos. Al terminar la formación trabajé en la fabrica de pianos Rameau que estaba situada en la misma población. Mi necesidad de aprender me llevó a Alemania. Allí trabajé durante dos años en la empresa Sauter Pianofortemanufactur, en la sección de regulación, afinación y armonización.

La etapa siguiente de mi formación fue en Basilea, Suiza, donde trabajé en la tienda taller de restauración Edgar Schökle Klavierfachgeschäft. De regreso a España, me instalé en Murcia, donde finalmente inauguré mi propia tienda, Latecla pianos.

Una de nuestras actividades destacadas es el mantenimiento de los pianos de los principales conservatorios de Murcia y Alicante.

En Latecla pianos creemos en la formación permanente, por eso he realizado cursos de actualización, para estar a la vanguardia en los conocimientos técnicos del mundo de la pianería. Asistiendo a cursos del ITTEM (Institut Technologique Européen des Métiers de la Musique), por la SVKB (Asociación Suiza de Técnicos de Pianos) y de ASETAP (Asociación Española de Técnicos y Afinadores de Pianos).

En el año 2009, tras superar las pruebas exigidas por EUROPIANO, obtuve la titulación europea de Técnico de Pianos (European Technician Degree), y actualmente soy miembro de la junta directiva de ASETAP.

LA TECLA

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AGRADECIMIENTOS

Antonio Pardo, escritor

Luis Suárez, escritor

Mª Gertrudis Vicente, pianista

Natalia Cabrera, musicóloga

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